TEATROS del CANAL

2022/2023
FOTOGRAFÍA: ©FABRICE ROBIN
Los Teatros del Canal, uno de los grandes centros madrileños de
exhibición y producción de artes escénicas, levantan de nuevo el
telón en un momento extraordinario para la cultura y el turismo
en la Comunidad de Madrid.
Con un liderazgo cada vez más asentado. Con Blanca Li a la
cabeza, esta nueva temporada ofrece una imbatible oferta cultural
que a buen seguro atraerá a madrileños y visitantes del resto de
España y del mundo.
Porque detrás de cada obra propuesta existe no solo la volun-
tad de cautivar a un público tan amplio como plural. También hay
un equipo técnico y artístico para el que la excelencia y el talento
son dos máximas irrenunciables.
Son estos los motivos que explican que la temporada
2022-2023 de los Teatros del Canal pueda presentar grandes es-
pectáculos de producción propia, nacional e internacional. Un
cartel que reúne disciplinas tan dispares como el flamenco, la
danza o el ballet. Porque Madrid es el epicentro de la cultura es-
pañola en todas sus modalidades.
Como presidenta del Gobierno de la Comunidad de Madrid, no
puedo más que invitarles a dejarse llevar por la magia que habita
en los textos de Lope de Vega, José Hierro o Vargas Llosa, por ci-
tar solo algunos de los autores incluidos en la programación. Pero
también por otras propuestas internacionales como la reinterpre-
tación belga de Madame Bovary, que nos acercan Carme Portaceli y
Michael De Cock.
Este es el mejor momento para celebrar la danza, la música y
el teatro en los Teatros del Canal. Es el momento de disfrutar del
mejor destino cultural del mundo.

Isabel Díaz Ayuso

Presidenta de la Comunidad de Madrid
La temporada 2022/2023 de los Teatros del Canal respira creación
y cultura de calidad de principio a fin. Sus cuatro salas –Roja, Ver-
de, Negra y de Cristal– se han convertido en un referente nacional
e internacional hacia donde miran artistas, creadores y especta-
dores de innumerables países, sin olvidar el apoyo incondicional
que desde esta institución se presta a las compañías nacionales y
a nuestros nuevos creadores. Algo que pone el acento en la cons-
tancia y el compromiso de la Comunidad de Madrid con la crea-
ción y las artes escénicas contemporáneas, clásicas y de calidad.
Más de 90 espectáculos dan forma a la programación de los
próximos meses, una temporada ecléctica y de vanguardia con
60 espectáculos nacionales, de los cuales 30 son Creación Ca-
nal; 30 montajes internacionales de 16 países, entre ellos Italia,
Uruguay, Polonia, Francia, Argentina, Costa de Marfil o Sudáfri-
ca. Por disciplinas, la danza encabeza las propuestas, seguida del
teatro, el teatro musical, los conciertos, la ópera, la performance,
los recitales poéticos o los espectáculos para todos los públicos.
En esa búsqueda incesante de la cooperación internacional, pen-
sada con el propósito de situar los Teatros del Canal entre los prin-
cipales espacios de Europa, esta temporada acoge diferentes apuestas
teatrales de la mano del proyecto ‘Prospero-Extended Theater’, una
ambiciosa iniciativa teatral en la que están implicados 10 organismos
culturales de 9 países europeos: Théâtre de Liège (Bélgica), Emilia Ro-
magna Teatro Fondazione (Italia), São Luiz Teatro Municipal (Portugal),
Göteborgs Stadsteater (Suecia), Hrvatsko narodno kazalište u Zagrebu
(Croacia), Schaubühne Berlin (Alemania), Teatre Powszechny (Polonia),
Odéon-Théâtre de l’Europe (Francia), el canal cultural ARTE, y los Tea-
tros del Canal (España). En un contexto de crisis continuadas, que
suponen un gran desafío para los ciudadanos europeos, los miembros
pretenden demostrar que el arte y la cultura son una fuerza pode-
rosa capaz de estimular la creatividad, el intercambio y la cohesión.

Marta Rivera de la Cruz

Consejera de Cultura, Turismo y Deporte
Puede que no seamos del todo conscientes, pero algo tan nimio como
que los artistas puedan volver a ver el rostro del público desde los es-
cenarios, y apoyarse y alimentarse de sus reacciones naturales frente
a lo que contemplan, va a suponer un enorme cambio en esta tempo-
rada. Un cambio emocionante, para todos, después de que hayamos
dejado atrás lo más anómalo de estos años, con el orgullo siempre
presente de haber sido de los pocos teatros del mundo que se mantu-
vieron abiertos, ofreciendo una cultura segura para toda la ciudadanía.
Los Teatros del Canal quieren un año más ser un ejemplo de pro-
gramación ecléctica y abierta a todos, donde cada ciudadano encuentre
espectáculos a su gusto, pero que también pueda conocer los gustos
y preferencias de los demás, alentando su curiosidad, fomentando el
diálogo multicultural y transgeneracional a través de un crisol de pro-
puestas que tengan como único denominador común una extraordi-
naria y rigurosa calidad en forma y fondo. Espectáculos de todo tipo,
desde experimentales o de vanguardia a más convencionales o clási-
cos, para adultos y para pequeños, conciertos y shows musicales, danza
en todas sus formas, teatro de creación, instalaciones y shows de tec-
nología, arte y ciencia visionarios, óperas contemporáneas y clásicas,
circo, recitales poéticos, performances y acciones escénicas. La idea de
una programación integral que no olvide a ningún arte viva, capaz de
sorprender al neófito e interesar al experto, sin dejar a nadie atrás.
Siempre he soñado con unos Teatros del Canal abiertos al público en
todas sus formas, así que seguiremos mostrando nuestras tripas: esos es-
pacios no canónicos que quiero recuperar para la ciudadanía, porque co-
nocer las entrañas de un teatro es también aprender a amarlo. Renovamos
nuestra apuesta por incluir más músicas con conciertos de muy distinto
tipo. Los espacios madrileños para programación musical han mermado
con los años, y es nuestra responsabilidad añadir un lugar que recoja todas
las propuestas, tanto de música clásica como contemporánea y popular.
Las Noches del Canal servirán para este propósito, pero sobre todo nuestra
Sala de Cristal, la última en incorporarse, que abrimos la pasada tempora-
da a modo de prueba y que acogerá ya ciclos de jazz, música electrónica,
pop, rock y trap, flamenco y otras propuestas híbridas. Mi intención no
es solo mover los cuerpos de los madrileños, sino también conmoverlos.
Madrid es también la capital del Estado español. Y como tal, ha de ser
el centro de difusión de la cultura europea y mundial. Grandes nombres
de la escena internacional traerán sus últimas creaciones. Hemos vuelto
a coproducir internacionalmente, pero sin olvidarnos del tejido local y
nacional. Este compromiso de doble vínculo, hacia Europa y el mundo,
y hacia Madrid y el resto de Comunidades españolas, es insoslayable y
tiene unos beneficios generales: nos permite responder a esa necesidad
de que la cultura esté viva, ofreciendo creaciones actuales que reinter-
preten nuestro presente como sociedad, algo que las instituciones sin
duda han de alentar, y nos permite también ponerlas en contexto con
las prácticas escénicas internacionales, y duplicar el interés exterior por
ellas. Me siento muy orgullosa, como el equipo de estos Teatros, por ha-
ber alentado y sostenido la creación de 89 espectáculos en estos últimos
tres años. Una contribución considerable a la cultura en este nuevo siglo.
Espero que los amantes de las artes escénicas respondan con entu-
siasmo a una programación pensada para ellos. Y que arrastren consigo
a los no tan amantes: las artes vivas tienen un poder transformador in-
creíble, y estos Teatros del Canal quieren animar a todos los madrileños
y a los visitantes a dejarse transformar: sentirse invadido por la curio-
sidad y dejarse llevar por ella es el principio de la sabiduría. Y también
la vía más rápida para una vida plena y feliz. ¡Vivan el arte y los artistas!

Blanca Li
Directora de los Teatros del Canal
ÍNDICE

Programación

Índice de espectáculos 14
Espectáculos 18

Festivales de la Comunidad de Madrid 217

Creación Canal 225

Centro Coreográfico Canal 229

Información general 235

PROGRAMACIÓN
ÍNDICE DE ESPECTÁCULOS 64 CREA DANCE COMPANY
/ MARÍA ROVIRA
82 CANAL PERFORMANCE /
LA JUAN GALLERY
96 COLECTIVO FANGO
La trilogía sobre la búsqueda de
ODISSEA Artes vivas / Espacios no la identidad a través del tiempo:
Danza contemporánea convencionales / 5 de noviembre LA ESPERA
18 MANUEL RODRÍGUEZ 32 PHILIP GLASS / JEAN 48 FIVER | 10º ANIVERSARIO / Creación Canal / Sala Verde / 3 de diciembre / 14 de enero Teatro / Sala Negra
COCTEAU X FESTIVAL INTERNACIONAL DE / 14 y 15 de octubre / 11 de febrero / 11 de marzo / Del 7 al 11 de diciembre
MANU / 15 de abril / 13 de mayo
Danza contemporánea Orphée CINE, DANZA Y NUEVOS MEDIOS
Ópera de cámara / Creación Cine, danza y nuevos medios / 66 LUCÍA VÁZQUEZ / 10 de junio
/ Canal Baila / Creación Canal 98 BALLET FLAMENCO
/ Sala Negra / 1 y 2 de Canal / Sala Roja / Del 21 al 25 Sala Verde / 1 y 2 de octubre FURTHER THOUGHTS
84 MAX COOPER 3D AV DE ANDALUCÍA
septiembre de septiembre (pensamientos adicionales)
50 COMA’22 – XXIV FESTIVAL Música electrónica y visuales El maleficio de la mariposa
Danza contemporánea
20 LUCÍA ÁLVAREZ LA PIÑONA 34 JÓVENES POETAS DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA / Sala Verde / 6 de noviembre Danza - flamenco / Sala Roja
/ Canal Baila / Creación Canal / 10 y 11 de diciembre
Insaciable CON HIERRO DE MADRID / Sala Negra / 18 y 19 de octubre
Flamenco / Canal Baila Coordinación: Mario Obrero Asociación Madrileña 86 DIÀLEGS DE TIRANT
Recital poético / Sala de Cristal de Compositores E CARMESINA 100 JUAN CARLOS LÉRIDA
/ Creación Canal / Sala Negra 68 ANTONIO RUZ DOCE
/ 6 y 7 de septiembre / 22 de septiembre Música contemporánea PHARSALIA De Joan Magrané
/ Sala Roja / 2 de octubre Danza / Sala Negra
Danza contemporánea Libreto de Marc Rosich / Del 15 al 18 de diciembre
22 LOPE DE VEGA + PACO MIR 36 FESTIVAL CUERPO ROMO 2022. / Sala Verde / 9 y 16 de octubre / Creación Canal / Sala Roja
/ Sala Negra / 23 de octubre (a partir de Tirant lo Blanc
El perro del hortelano 7ª EDICIÓN / 21, 22 y 23 de octubre
Festival de danza contemporánea de Joanot Martorell) 102 COMPAGNIE
Teatro / Sala Verde 52 KOMOCO / SOFIA NAPPI Ópera de cámara / Sala Verde
/ Del 7 al 18 de septiembre en espacios no convencionales 70 MEY-LING BISOGNO OLIVIER DUBOIS
Diversos espacios / 24 y 25 de
IMA / 23, 24, 26 y 27 de noviembre Tragédie, new edit
Danza / Canal Baila PHYSICAL THEATRE
24 BALLET NACIONAL DE ESPAÑA septiembre Ready-Made Danza contemporánea / Sala Roja
/ Creación Canal / Sala Negra 88 COLECTIVO FANGO
Director: Rubén Olmo / 4 y 5 de octubre Teatro físico de objetos / 16, 17 y 18 diciembre
38 MERCEDES PEDROCHE / Canal Baila / Creación Canal
La trilogía sobre la búsqueda de
Generaciones: la identidad a través del tiempo: 104 BLANCA LI
& COMPAÑÍA 54 HISPANIDAD 2022: / Sala Negra / 22 y 23 de octubre
Ritmos, de Alberto Lorca Terrario [La tierna indiferencia F.O.M.O. (Fear of Missing Out) El Cascanueces
Pastorela, de Antonio Ruz TRÉBOL TEATRO /
del mundo] YUNIOR GARCÍA AGUILERA 72 FRANCK VIGROUX Teatro / Sala Negra Danza - hip hop / Sala Roja
Aurora, de Jesús Carmona Danza contemporánea Y ANTOINE SCHMITT / Del 23 al 27 de noviembre / 21, 22, 23, 27, 28, 29
Jacaranda, de Rubén Olmo / Canal Baila / Creación Canal
Jacuzzi
“ATOTAL” A/V Live y 30 diciembre
/ Sala Negra / 24 y 25 de Sala Negra / 7 de octubre
Grito, de Antonio Canales Música electrónica y visuales 90 COLECTIVO FANGO
Danza / Sala Roja septiembre 56 LA MORENA / Sala Verde / 27 de octubre La trilogía sobre la búsqueda de 106 Bajo la Presidencia de
/ 8 de septiembre: la identidad a través del tiempo: S.A.R. Princesse de Hanovre
Muñecas de piel,
Ritmos, Pastorela, Grito 40 DOMINGOS EN FAMILIA: de Marianella Morena 74 TEATR POWSZECHNY W TRIBU LES BALLETS DE MONTE-CARLO
/ 9 de septiembre: LA CANICA TEATRO WARSZAWIE / KRYSTIAN LUPA / JEAN-CHRISTOPHE MAILLOT
Teatro / Sala Verde Teatro / Sala Negra
Ritmos, Aurora, Grito Sala de Cristal / septiembre, Imagine
/ 10 de septiembre:
/ 8 y 9 de octubre / Del 29 de noviembre Coppél-iA
octubre, noviembre, diciembre Teatro / Sala Roja al 4 de diciembre Danza / Sala Roja
Ritmos, Jacaranda, Grito 58 HISPANIDAD 2022: / 28 y 29 de octubre / Del 5 al 8 de enero
42 INDIA@75 FESTIVAL ¡PERÚ SUENA! 92 SERGIO PERIS-MENCHETA
26 DANIEL RAMOS LÓPEZ JAYAPRABHA MENON & COMPANY 76 METAMORPHOSIS DANCE 108 CAROLINA ROMÁN
NUEVO SONIDO PERUANO Ladies Football Club,
conTRAcuerpo Shakthi Iratxe Ansa & Igor Bacovich Amaeru
Danza española y flamenco
Cruzcaiman, DIRK, de Stefano Massini
Danza mohiniyattam y CreAcción Teatro / Creación Canal
/ Canal Baila / Creación Canal arte marcial kalaripayattu
Samanez y Scarlet D’Carpio Teatro / Creación Canal
Danza contemporánea / Sala Negra
/ Sala Negra / 10 y 11 de / Sala Verde / 28 septiembre Música soul y funk / Sala Verde / 29 y 30 de octubre
/ Sala Verde / Del 30 de
Música / Sala Verde noviembre al 23 de diciembre / Del 5 al 22 de enero
septiembre
/ 11 de octubre
44 CHRISTINA ROSENVINGE 78 FESTIVAL DE ENSEMBLES 110 LES ARTS FLORISSANTS
28 HELENA MARTÍN / MARTA PAZOS PluralEnsemble 94 COMPAÑÍA NACIONAL
60 FREEDONIA / WILLIAM CHRISTIE
Los Narciso / MARÍA FOLGUERA Música soul y funk Música contemporánea DE DANZA
Danza - teatro / Canal Baila Safo Director: Joaquín De Luz / BLANCA LI
/ Villanos del Jazz / Sala Roja / Sala Verde / 30 de octubre
/ Creación Canal / Sala Negra Teatro - poema escénico musical / 11 de octubre / Sala Negra / 6 de noviembre Where you are, I feel, Dido & Aeneas, de Henry Purcell
/ 15 y 16 de septiembre / Sala Roja / Del 29 septiembre / Sala Verde / 4 de diciembre Ópera / Sala Roja
62 MARTIRIO de Valentino Zucchetti / 17, 18, 20, 21 y 22 de enero
al 9 de octubre
30 LAIMPERFECTA & CHANO DOMÍNGUEZ / Love Fear Loss,
80 COMPAÑÍA
Sudar Folklore 46 PAU ARAN Coplas de madrugá SHARON FRIDMAN de Ricardo Amarante 112 ANTONIO C. GUIJOSA
Danza contemporánea La misma diferencia 25 aniversario (2021) EXPRÍMEME_LIFE IN PROCESS / Passengers Within, Las cartas de Cristian
/ Canal Baila / Creación Canal Danza - teatro / Canal Baila Música jazz y copla Danza contemporánea de Joaquín De Luz Teatro / Creación Canal
/ Sala Negra / 20 y 21 de / Creación Canal / Sala Negra / Villanos del Jazz / Creación Canal / Sala Verde Danza / Sala Roja / Sala Negra / Del 26 de enero
septiembre / 29 y 30 de septiembre / Sala Roja / 12 de octubre / 3, 4 y 5 de noviembre / Del 1 al 8 de diciembre al 12 de febrero
114 ANDRÉS LIMA 132 HRVATSKO NARODNO 148 ENSEMBLE DIDEROT 168 LUZ ARCAS / LA PHÁRMACO 186 LA SEÑORITA BLANCO 206 HOFESH SHECHTER
EDUARD FERNÁNDEZ KAZALIŠTE U ZAGREBU Bach Immersive - Ofrenda Musical Mariana Paisaje dentro de paisaje: 2. COMPANY
SANTIAGO LOZA (TEATRO NACIONAL DE CROACIA Música / Sala Roja Danza contemporánea Lo animal Double Murder:
Todas las canciones de amor EN ZAGREB) / BOBO JELČIĆ / 21 de marzo / Creación Canal / Sala Verde Artes vivas / Creación Canal Clowns / The Fix
Teatro / Creación Canal / 15 y 16 de abril / Sala Negra / 3 y 4 de mayo Danza contemporánea
Sorry
/ Sala Verde / Del 27 de enero 150 CANAL CONNECT / Madrid en Danza / Sala Roja
Teatro / Sala Roja
al 12 de febrero / 24 y 25 febrero En varios espacios del teatro 170 JOSÉ Y SUS HERMANAS 188 TOQUINHO / 18, 19 y 20 mayo
/ Del 21 de marzo al 2 de abril Concurso de malos talentos Y YAMANDU COSTA
116 EVA YERBABUENA Teatro / Creación Canal (dúo de guitarras) 208 ANN VAN DEN BROEK
134 CICLO JOVEN ORQUESTA / Sala Negra / 15, 16, 18 y 19 Joy Enjoy Joy / The Black Piece
Re-fracción (desde mis ojos) Y CORO DE LA COMUNIDAD 152 IBÉRICA DE DANZA Bachianinha
de abril Danza contemporánea
Danza-flamenco Celebración Músicas del mundo
/ Creación Canal / Sala Roja
DE MADRID / Madrid en Danza / Sala Verde
/ Gaudí Dance Experience / Sala Roja / 5 de mayo
Música / Programación familiar / 20 y 21 mayo
/ 27, 28 y 29 de enero Danza escénica española 172 CHIENS DE NAVARRE
/ Sala Roja / 26 de febrero
/ Sala Verde / 16 de abril y 28 / Sala Roja / 22 y 23 de marzo La vida es una fiesta 190 ABRAHAM CUPEIRO
118 CARME PORTACELI & (La vie est une fête) 210 WILLIAM KENTRIDGE
de mayo Los sonidos olvidados Sibyl
MICHAEL DE COCK / KVS 154 NONOTAK Teatro / Creación Canal Música / Sala Negra / 6 de mayo
Bovary / Sala Verde / Del 20 al 23 de abril Música de Nhlanhla Mahlangu
136 MARISA MANCHADO Shiro y Kyle Shepherd
Teatro / Sala Roja
& ANA VEGA TOSCANO Música electrónica y visuales 192 CONSTANTINI
/ Del 1 al 5 de febrero 174 MAR AGUILÓ I. The Moment Has Gone
Una voz en la noche / Sala Verde / 24 de marzo Incandessence
ALMA Jazz fusión / Sala Roja
II. Waiting For The Sibyl
120 VALÉRIE LESORT Y (Oratorio de Nieves Torres) Danza / Creación Canal / 6 de mayo
Película y ópera contemporána
Música y vídeo / Sala Negra 156 VERDENSTEATRET / Sala Roja / 27 y 28 de mayo
CHRISTIAN HECQ / THÉÂTRE Trust me Tomorrow / Sala Negra
/ 28 de febrero
DES BOUFFES DU NOR Performance / Canal Connect/ / 21, 22 y 23 de abril 194 MARIO PRISUELOS
La mosca (La Mouche) Sala Negra / 30 y 31 de marzo & SIGMA PROJECT QUARTET 212 ROBERT HENKE
138 THÉOTIME LANGLOIS 176 GÖTEBORGS In Blue: Gershwin, Lumière III
Teatro / Sala Roja
/ Del 8 al 12 de febrero
DE SWARTE (violín) STADSTEATER Bernstein, Glass Música electrónica y láseres
158 RYOICHI KUROKAWA
Y SILVÈRE JARROSON (pintor) El silencio (Tystnaden), Música clásica / Sala Roja / Sala Verde / 31 de mayo
subassemblies
122 CICLO BOADELLA Visual Music Música electrónica y visuales de Ingmar Bergman / 7 de mayo
Música y pintura
/ Sala Verde / 7 de abril Teatro / Sala Roja 214 ALVA NOTO – LIVE
124 ALBERT BOADELLA / Sala Negra / 22 y 23 de abril
196 ENRIQUE VIANA Música electrónica y visuales
Malos tiempos para / 2 de marzo
160 CARLES VIARNÈS Mentiras delgadas / Sala Verde / 3 de junio
178 ÉRICA RIVAS o Un juzgado de cuplé
la lírica & ALBA G. CORRAL Teatro musical / Sala Negra
Espectáculo lírico teatral 140 DAS FRÄULEIN Música electrónica y Matáte, amor 216 RACHID OURAMDANE
(KOMPANIE) / 9, 10 y 11 de mayo
/ Creación Canal / Sala Verde contemporánea y visuales De Ariana Harwicz Corps Extrêmes
/ Del 15 de febrero al 5 de marzo Kingdom, / Sala Verde / 9 de abril Dirección: Marilú Marini 198 MIET WARLOP Danza / Madrid en Danza
de Anne-Cécile Vandalem Teatro / Sala Negra After All Springville / Sala Roja / 3 de junio
126 ALBERT BOADELLA Teatro / Sala Roja 162 ROCÍO BERENGUER / Del 27 al 30 de abril Teatro-performance / Sala Negra
Diva / 2 y 3 de marzo TheBadweeds / 13 y 14 de mayo 218 COMPAGNIE N’SOLEH
100 aniversario del nacimiento Música, danza, teatro 180 MARIO VARGAS LLOSA FARO FARO
de Maria Callas 142 IBERIAN & KLAVIER y creación digital JUAN CARLOS RUBIO 200 GERHARD STRING QUARTET Hip hop y danzas tradicionales
Espectáculo lírico teatral PIANO DÚO / Creación Canal ERNESTO CABALLERO Debussy y Shostakovich. / Madrid en Danza / Sala Roja
/ Creación Canal / Sala Verde Springtime / Sala Negra
La tía Julia y el escribidor El mundo de ayer / 9, 10 y 11 de junio
/ Del 8 al 12 de marzo Música clásica / Sala Verde / 12 y 13 de abril Teatro / Sala Verde Música clásica / Sala Verde
/ 12 de marzo / 14 de mayo 220 CANAL STREET
/ Del 27 de abril al 14 de mayo
128 LA CONQUESTA 164 STEFANO ACCORSI Del 13 al 18 de junio
DEL POL SUD 144 HERMANAS GESTRING AZUL 202 KUKAI DANTZA
182 ALEX AUGIER ¿Y ahora qué?
Claudia Hacer Amor Gioia, Furia, Fede hex /A\ 222 ABDERZAK HOUMI
Madrid en Danza / Creación Canal
Teatro documental Teatro musical / Sala Negra y Eterno Amor Música electrónica, / Sala Verde / 17 y 18 de mayo / COMPAGNIE X-PRESS
/ Sala Negra / 16, 17 y 18 de marzo Teatro / Creación Canal vídeo y láser Y’a plus d’ saisons
/ 15, 16 y 17 de febrero / Sala Verde / 12 y 13 de abril / Sala Roja / 29 de abril 204 OLGA MESA, EN DIÁLOGO Danza hip hop / Canal Street
146 KATHLEEN BALFE, CON FRANCISCO RUIZ DE INFANTE / Sala Verde / 14 y 15 de junio
130 PALOMA HURTADO violonchelo 166 KATIE MITCHELL 184 NEOPERCUSIÓN 2019. Esto no es mi cuerpo
Y DANIEL MORALES Tapiz de incertidumbres / SCHAUBÜHNE X Madrid en Danza 222 SALA DE CRISTAL
INA Música clásica contemporánea Orlando, de Virginia Woolf I. Xenakis 100 años / Danza contemporánea
Danza / Sala Negra / con electrónica / Sala Negra Teatro / Sala Roja Música contemporánea / Creación Canal / Sala Negra
22 y 23 de febrero / 19 de marzo / 14 y 15 abril / Sala Roja / 30 de abril / 17 y 18 de mayo Programación sujeta a cambios.
18 19

MANUEL RODRÍGUEZ País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

MANU Encuentro con el público

al terminar la función:
1 de septiembre
Danza contemporánea
Estreno absoluto Creación e interpretación:
Manuel Rodríguez
Acompañamiento: Paz Rojo
Vestuario: Rytas Matuliauskas
y Manuel Rodríguez
Agradecimientos a Javier Pividal,
Miguel Álvarez-Fernández

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra / 1 y 2 de septiembre - 20.00 h / 20€

El término MANU proviene del sánscrito, en la mitología oriental
es el nombre que se le da al primer ser humano. La tipología del
primer avatar sobre la tierra, una representación visual, un regreso
a la forma.
Este proyecto parte como una indagación en cuestiones identita-
rias a través de mi propia cosmología. Un espacio de invocación y de
encantamiento.
Una oportunidad de reescribir cada una de las letras que compo-
nen mi nombre.
Cuando bailo, mi cuerpo se desfasa de mí mismo. Se pierde y se
encuentra continuamente. Me diluyo en un devenir constante, en la
búsqueda de mi propia ausencia, en la ilusión de vislumbrarme, de
nombrarme: MANU. La distancia del nombre.

FOTOGRAFÍA:
Manuel Rodríguez ©MANUEL RODRÍGUEZ
20 21

LUCÍA ÁLVAREZ País: España

Idioma: español

LA PIÑONA Duración: 1h y 10’ (sin intermedio)

Encuentro con el público

Insaciable al terminar la función: 6 de septiembre

Baile y coreografía:
Flamenco Lucía Álvarez la Piñona
Baile: Jonatan Miró
Guitarra: Ramón Amador
Cante: Jesús Corbacho,
Matías López el Mati
y José el Pechugita
Dirección artística:
Rafael Estévez y Nani Paños
Coreografía: Lucía Álvarez
La Piñona y Estévez/Paños
Asesoría artística y textos: Sara Arguijo
Iluminación: Olga García AAI
Espacio sonoro: Fali Pipío/Víctor Tomé
Diseño de vestuario:
Belén de la Quintana
Confección de vestuario: Pilar Cordero
Producción: Marta Tenorio
Distribución: Naranjo Producciones
Comunicación: Édere Comunicaciones
y Servicios
Regiduría: Marta Howard
Con el patrocinio de:
Ayuntamiento de Jimena de la Frontera

Colaboran: Bienal de Flamenco

de Sevilla, Consejería de Cultura y
Patrimonio Histórico de la Junta de
Andalucía y Centro Cultural de la Villa
(San José de la Rinconada)
Sala Negra
6 de septiembre - 20.00 h Coproducción:
7 de septiembre - 20.30 h Centro Coreográfico Canal
20€ - Teatros del Canal

Insaciable es una confesión compartida. Un acto de destape emo-

cional, corporal y artístico en el que Lucía Álvarez la Piñona CANAL CREACIÓN
explora en sí misma para exponerse tal y como es, quitándose BAILA CANAL
de encima el peso del abismo y de la duda. Así, en este camino
de búsqueda, reafirmación y liberación, la bailaora aparece arre-
batadora, dispuesta a penetrar, sucumbir, devorar y consumirse.
Mostrando la vulnerabilidad, pero ya segura de sus certezas,
La Piñona decide aquí escuchar a su cuerpo para que sea él quien
actúe como válvula orgánica y motora de lo que sucede en el
escenario. Permitiendo que cada emoción tenga su correlato so-
mático, que cada movimiento se construya desde lo sensorial:
desde unos vellos de punta, una carne de gallina, unas piernas
cansadas, un escalofrío, un latido acelerado, una palma sorda...
En este sentido, Insaciable es también el descubrimiento íntimo
de lo que remueve, conmueve y sacude a la artista. El fruto de una
curiosidad inagotable y un deseo voraz.
Perder la vergüenza a reconocerse incansable, excesiva, infatiga-
ble, animal, contradictoria. Bailar para empaparse, tambalearse, se-
FOTOGRAFÍA:
ducir y desplomarse. ©JUAN DE LA FUENTE
22 23

LOPE DE VEGA + PACO MIR País: España

Idioma: español

El perro del hortelano Duración: 1h 30’ (sin intermedio)

Autor: Lope de Vega y Carpio

Teatro Recreación y dirección: Paco Mir
Intérpretes: Moncho Sánchez-Diezma,
Paqui Montoya, Manuel Monteagudo
y Amparo Marín
Música original: Juan Francisco Padilla
Vestuario: Mai Canto
Diseño de iluminación: Manuel Madueño
Sonido: José Pipió
Escenografía y grafismo: Paco Mir
Atrezo: Cristina Cuber + Lalo Ordóñez
Comunicación: Sofía Aguilar
/ Nuria Díaz Reguera
Distribución: Plan A Producciones
/ Sofía Aguilar
Productores asociados: Vania Produccions
y Sofía Aguilar Producciones de Arte

Sala Verde
Del 7 al 18 de septiembre
De martes a sábado - 19.45 h
Domingos - 18.30 h
25€ / 20€ / 9€

Nuestra función entra de pleno dentro del género de teatro dentro

del teatro. Por una parte, tenemos la trama de esos dos técnicos
que se ven obligados a sacar adelante una función sin apenas me-
dios y por otra se pone en escena el texto original de Lope de Vega.
La trama de los técnicos nos hablará de las dificultades de las
compañías itinerantes para levantar producciones y de las solucio-
nes para salir del paso ante cualquier contingencia. La que se vive
en esta función es de las más complicadas: dos técnicos sin esceno-
grafía y sin vestuario se comprometen a representar una función
acompañados por dos actrices que acaban de conocer. Todo un reto.
La trama de El perro del hortelano es una obra palatina de enredo
en la que una condesa, viendo que una de sus criadas se ha enamo-
rado de su secretario, tiene un ataque de celos y, olvidándose de la
diferencia de clases, se encapricha de su sirviente a pesar de que
su honor de condesa pueda quedar mancillado. Los pretendientes
de la condesa, alarmados por los acontecimientos, contratan a un
matador para librarse del sirviente, pero, a última hora, una argucia
convierte al secretario en el hijo perdido de un conde, por lo que la
boda entre la condesa y su sirviente pone un final feliz a la comedia.

Paco Mir
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BALLET NACIONAL DE ESPAÑA País: España

Duración: 1h 10’ (sin intermedio)

Director: Rubén Olmo Ritmos

Duración: 20’
Generaciones: Coreografía: Alberto Lorca
Música: José Nieto
Ritmos, de Alberto Lorca Diseño de iluminación:
Freddy Gerlache (AAI)
Pastorela, de Antonio Ruz Diseño de figurines: Pin Morales,
Román Arango
Aurora, de Jesús Carmona Realización de figurines: Juanita Muro,
González
Jacaranda, de Rubén Olmo Calzado: Gallardo, Artefyl

Grito, de Antonio Canales Pastorela

Duración: 9’
Danza Dirección y coreografía: Antonio Ruz
Estreno absoluto de Pastorela, Aurora y Jacaranda Interpretación y colaboración
coreográfica: Inmaculada Salomón
Música: Manuel Blasco Nebra,
Sonata nº. 1 in C (Allegro)
y Pastorela nº. 6 in E Minor (Minuet)
Piano en directo: José Luis Franco
Diseño de iluminación: Olga García
Diseño de vestuario: Alejandro Andújar
Repetidores: Diana Noriega
y Miguel Ángel Corbacho
Realización de vestuario: Maribel Rodríguez
Tinte de tejidos: María Calderón
Calzado: Gallardo

Aurora
Duración: 9’
Coreografía: Jesús Carmona
Bailarina solista: Míriam Mendoza
Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel (AAI)
Diseño de vestuario: Belén de la Quintana

Jacaranda
Duración: 9’
Coreografía: Rubén Olmo
Bailarina solista: Débora Martínez
Música: Alberto Ginastera,
Suite de danzas criollas, Opus 15
Sala Roja Diseño de iluminación:
8, 9 y 10 de septiembre - 20.30 h Luis Perdiguero (AAI)
8 de septiembre - Ritmos, Pastorela, Grito Diseño de vestuario: Anselmo Gervolés
9 de septiembre - Ritmos, Aurora, Grito
Grito
10 de septiembre - Ritmos, Jacaranda, Grito
Duración: 39’
30€ / 25€ / 20€ / 9€ / Menores 14 años: 12€ Coreografía: Antonio Canales
Música: José Mª Bandera,
La danza española, entre la tradición y la renovación. José Carlos Gómez,
Programa mixto de repertorio y nuevas coreografías, que parte José Jiménez el Viejín
de la tradición de la danza española y refleja la evolución de las Diseño de iluminación: Sergio Spinelli
y Ginés Caballero (AAI)
propuestas escénicas a través de tres generaciones de creadores.
Diseño de figurines: Pedro Moreno
Alterna uno de los títulos de clásico español preferidos por los bailari- Realización de figurines: Pipa
nes con la personal interpretación del flamenco de Antonio Canales, como y Milagros “En escena”, González
preludio al estreno absoluto de tres solos firmados por creadores actuales Taller de tintura: María Calderón
de diferente personalidad que han renovado la danza contemporánea, Calzado: Gallardo
el flamenco y la danza española haciéndolas permeables a otros estilos.
El director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, reivindica así la
IMAGEN:
necesidad de recuperar los clásicos sin perder de vista las nuevas corrientes. ©PATRICIO HIDALGO
26 27

DANIEL RAMOS País: España

Idioma: español

conTRAcuerpo Duración: 1h (sin intermedio)

Encuentro con el público
al terminar la función: 10 de septiembre
Danza española y flamenco
Estreno absoluto Idea original, coreografía
e interpretación: Daniel Ramos
Dirección escénica: Noelia de la Rosa
Colaboración coreográfica:
Miguel Ángel Heredia (seguiriya)
Música: Jose Almarcha (guitarra),
Víctor Guadiana (violín),
Juan Debel (voz),
Epi Pacheco (percusión)
Diseño y confección
de vestuario: Daniel Ramos
y Ángela Lozano
Diseño de iluminación:
Alberto de las Heras
Producción: Marta Otazu
(LaFiguranta Producciones)

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra
10 de septiembre - 19.00 h
11 de septiembre - 18.00 h
20€

contra1
1. prep. Denota la oposición y contrariedad
de una cosa con otra.
2. prep. Enfrente de.
3. prep. Hacia (denota el sentido de un movimiento).
4. prep. A cambio de.
El prefijo CONTRA parece una contradicción en sí mismo, y es
que puede señalar tanto el sentido del movimiento como la posición
o contrariedad de y hacia algo.
Así es como Daniel define la danza: CONTRA-cuerpo. Hacia ella,
frente a ella, contra ella y a cambio de lo que ella significa con y
para él. Su cuerpo, semidesnudo, como si se tratara de un lienzo en
blanco o una caja vacía, irá llenándose de recuerdos, experiencias y
contradicciones. La solemnidad, la tradición y lo establecido se unen
con la espontaneidad, el juego y lo inesperado para mostrar al baila-
rín tal y como es.
28 29

HELENA MARTÍN País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

Los Narciso Encuentro con el público

al terminar la función: 15 de septiembre

Danza - teatro Dirección y coreografía: Helena Martín

Estreno absoluto Intérpretes: David Acero,
Yolanda Barrero, Remei Domingo,
Lucía Fernández y Daniel Morillo
Iluminación: Gloria Montesinos
y Keith Yetton
Música y espacio sonoro: Pablo Peña
Fotografía: Silvia del Barrio
Foto y diseño cartel: Javier Garceche
Vestuario: Helena Martín,
Marta Otazu y Víctor Donoso
Asesor espacio escénico: Hansel Cereza
Asesor poético/músical:
Eduardo Carranza
Producción: Marta Otazu
(LaFiguranta Producciones)

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra / 15 y 16 de septiembre - 20.30 h / 20€

En la ópera de Purcell, antes de su lamento, Dido le dice a su herma-
na: “La muerte es ahora una invitada bien acogida”.
La muerte está presente en nuestra mesa; es, a nuestro pesar, una
invitada más.
Podemos llenar las sillas, pero no el vacío que dejan nuestros muertos.
Los Narciso cuenta la historia de una familia con sillas vacías, huecos
y esquinas. Es la historia de una madre que no puede evitar que su hija
Dido se suicide por amor, rota de dolor, a causa de la partida de Eneas.
Y es que su amor de madre no es suficiente. Porque el amor, a
veces, no es suficiente.
No somos dueños de nuestra vida, y menos aún de la vida de los demás.
No podemos modificar ni influir en las decisiones de las personas
a las que amamos.
Podemos cuidar, educar, querer… y luego soltar.
Solo queda seguir esforzándonos en amar por encima de nosotros
mismos, sentar a la muerte a la mesa y cubrirla de narcisos.
30 31

LAIMPERFECTA País: España

Idioma: español

Sudar Folklore Duración: 1h (sin intermedio)

Encuentro con el público
al terminar la función: 20 de septiembre
Danza contemporánea
Estreno absoluto El espectáculo contiene desnudos
integrales

Intérpretes: David Acero, Lucía Marote,

Danielle Mesquita, Daniel Cabezuelo,
Aurora Costanza
Coreografía: Laimperfecta
/ Alberto Alonso en colaboración
con las intérpretes
Asistencia coreográfica:
Laimperfecta / Clara Pampyn
Asesoría folklore: Daniel Hernández
Espacio sonoro: José Pablo Polo
Diseño de iluminación: Andrés Dwyer
Vestuario: laimperfecta y Fede Pouso
Producción: Laimperfecta y Mar López
Técnico iluminación y sonido:
Andrés Dwyer

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra / 20 y 21 de septiembre - 19.00 h / 20€

Sudar Folklore es una pieza de danza contemporánea en la que me gus-
taría poner en relación parte del folklore español con la acción de
bailar juntas en una rave de música electrónica, con el objetivo de ave-
riguar cuáles son los códigos que comparten y entender qué es lo que
hace que los cuerpos trasciendan y se eleven a través de estas danzas.
Me imagino este proceso como un lugar en el que encontremos cuál
es el folklore de nuestra generación. Tengo la sensación de que hay algo
del folklore que es trasgeneracional y cultural. En mi caso no he vivi-
do eso, pero sí que tengo una sensación parecida, una experiencia casi
ritualística, cuando he bailado en festivales de música electrónica. Hay
algo del tipo de danza, de la repetición de patrones de movimiento que
comparten el folklore y la acción de bailar electrónica que me interesa,
del beat y el pulso que hace que el cuerpo trascienda, se acompase y ge-
nere un estado a través de la danza que deja en evidencia al pensamiento.
Sudar Folklore es la búsqueda de una identidad, la construcción de
la posibilidad de pertenecer a un lugar, una celebración de poder bai-
lar juntas y entender a través de la danza y la permanencia qué es lo
que nos mantiene aquí o quizás bailar y sudar el peso de la tradición.

Alberto Alonso
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ORPHÉE Estreno en España

País: España
Ópera en dos actos Idioma: francés
(con sobretítulos en español)
de Philip Glass
Duración: 1h y 40’ (sin intermedio)
Basada en la película de Jean Cocteau

Orphée
Adaptación de Philip Glass
Editada por Robert Brustein
© 1993 Dunvagen Music Publishers Inc. Ópera en dos actos

de Philip Glass
Estreno en España
Basada en la película de Jean Cocteau
Adaptación de Philip Glass
Editada por Robert Brustein
© 1993 Dunvagen Music Publishers Inc.
Materiales usados con su licencia.

Director musical: Jordi Francés

Director de escena y figurinista:
Rafael R. Villalobos
Escenógrafo: Emanuele Sinisi
Iluminadora: Irene Cantero
Director de movimiento y ayudante
de dirección: Javier Pérez
Diseñador de vídeo: Cachito Vallés
Asistente del escenógrafo y figurinista:
Antiel Jiménez
Caracterización: Alba Jiménez
Supervisor de dicción: Olivier Dumait
Maestros repetidores: Duncan Gifford,
Riccardo Bini
Producción ejecutiva: Jordi Tort
Reparto: La princesa: María Rey-Joly
(21, 22, 24, 25 sep) / Isabella Gaudí (23
sep) • Eurídice: Sylvia Schwartz (21,
22, 24, 25 sep) / Natalia Labourdette
(23 sep) • Heurtebise: Mikeldi
Atxalandabaso (21, 22, 24, 25 sep) /
Igor Peral (23 sep) • Orfeo: Edward
Nelson (21, 22, 24, 25 sep) / Alejandro
Sánchez (23 sep) • Aglaonice: Karina
Demurova • Cégeste: Pablo García-
López (21, 22, 24, 25 sep) / Emmanuel
Sala Roja Faraldo (23 sep) • El reportero / Glazier:
21, 22, 23 y 24 de septiembre - 20.30 h Emmanuel Faraldo (21, 22, 24, 25 sep) /
Pablo García-López (23 sep) • El poeta:
25 de septiembre - 19.00 h
Cristian Díaz • El juez: David Sánchez
35€ / 30€ / 25€ / 9€ El comisario: Tomeu Bibiloni • El policía:
Alejandro Sánchez (21, 22, 24, 25 sep)
Un poeta con anhelos de inmortalidad y una misteriosa princesa capaz / Tomeu Bibiloni (23 sep) • Motoristas:
de viajar al mundo de los muertos a través de los espejos son los prota- José Ruiz, Luis Tausia
gonistas de esta revisión del mito de Orfeo escrita por Jean Cocteau en Orquesta Titular del Teatro Real
1927, más tarde llevada al cine por él mismo en 1950 y adaptado como
ópera por Philip Glass en 1991, siendo estrenada dos años más tarde. Producción: Teatros del Canal
En la producción que presentamos nos acercamos al Nueva York y Teatro Real
del tránsito de los 80 y los 90, cuando la partitura de Glass toma for-
ma y se produce el culmen de la expansión de la televisión por ca-
ble en [Link]., tras la completa democratización del uso doméstico CREACIÓN
del televisor. Este fenómeno propiciaría la aparición de cientos de CANAL
canales, creando todo un mundo paralelo de realidad al otro lado
de la pantalla lleno de nuevos mitos y falsas inmortalidades, a la vez
que transformaba la sociedad en cada vez más pasiva y teleadicta.
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JÓVENES POETAS CON HIERRO País: España

Idioma: español

Coordinación: Mario Obrero Duración: 1h (sin intermedio)

Coordinación: Mario Obrero

Recital poético Con: Ander Villacián Crespo,
Celia Bsoul, Aitana Monzón,
Juan Gallego Benot,
Andrea Sofía Crespo
y Julia L. Arnaiz

Sala de Cristal / 22 de septiembre / horario y precio por determinar

Las voces más jóvenes de la poesía española, coordinadas por Mario
Obrero, celebran a José Hierro en un recital que incluirá obra del poe-
ta y obra propia de cada autor. Un encuentro que busca establecer un
nexo entre la polisémica poesía de Hierro y la mirada de algunos de
los más destacados poetas de esta generación. Así, este recital será una
revisitación a la obra de uno de los más importantes poetas del siglo
XX desde la vitalidad de las voces más actuales del panorama español.
Contaremos con la participación de Mario Obrero, Ander Villa-
cián Crespo, Celia Bsoul, Aitana Monzón, Juan Gallego Benot, Andrea
FOTOGRAFÍA:
Sofía Crespo y Julia L. Arnaiz. ©JOSE MARÍA SÁNCHEZ BUSTOS. UIMP
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FESTIVAL CUERPO ROMO 2022. País: España

Duración: 10’ - 15’ cada pieza

7ª EDICIÓN Jam session: 1h y 30’ (sin intermedio)

Organizan: Elías Aguirre, SNEO

Festival de danza contemporánea en espacios no convencionales
Apoyan: Teatros del Canal, INAEM,
AISGE, SGAE, Emprendo Danza, IMEX

Colaboran: 180 grados,

Escena Patrimonio

Programa:

24 de sept / patio cafetería - 19:00 h

Ana F. Melero / Latente
Laura Aris y Álvaro Esteban /
Cualquier mañana
Lorena Nogal / El elogio de la fisura
Qabalum / La medida que
nos ha de dividir

JAM con Ed is Dead y Jorge da Rocha

Bailarines/as: Laura Aris, Carmen
Fumero, Miguel Ballabriga,
Ana F. Melero, Richard Mascherin

25 de sept / zona exterior

y espacios singulares - 13:00 h
Carmen Fumero / Las idas
Richard Mascherin / Vacío espiritual
Pablo Girolami / Tripofobia

OPEN BODY TALKS con música en

directo de Jorge da Rocha
Sala de Cristal

Consulta la programación completa en

[Link]

Diversos espacios
24 y 25 de septiembre
Entrada libre hasta completar aforo

CUERPO ROMO hace alusión al desgaste del cuerpo en contacto con

el suelo. La danza en la urbe genera un particular tipo de bailarín
que se hace a la dureza del asfalto, se redondea como una piedra.
La maleabilidad es una particularidad de la danza contemporánea,
necesaria para trabajar en la calle, intervenir espacios e interpelar a
los públicos.
El festival es una iniciativa del coreógrafo, bailarín y artista multi-
disciplinar Elías Aguirre (creación y dirección artística) y Mayda Islas
/ SNEO (dirección ejecutiva y producción).
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MERCEDES PEDROCHE País: España

Idioma: español

& COMPAÑÍA Duración: 1h y 15 (sin intermedio)

Encuentro con el público

Terrario [La tierna al terminar la función: 24 de septiembre

indiferencia del mundo] El espectáculo contiene desnudos

integrales

Danza contemporánea Dirección, coreografía y dramaturgia:

Estreno absoluto Mercedes Pedroche
Intérpretes: María Fagúndez,
Milagros Galiano, Lionel Giacomelli,
David Grimaldi, Juana Jodar, María
López Música original y diseño de sonido:
Borja Ramos
Músicos: Eduardo Raimundo
(clarinete bajo, clarinete contrabajo),
Mario Pérez (violín, viola), Arturo Blasco
(guitarras, ukeleles), Borja Ramos
(guitarras, bajo, piano, electrónica)
Masterización: Juanan Ros
- El Cantón de la Soledad
Iluminación y coordinación técnica:
Inés de la Iglesia
Vídeo: Eva Viera, Urbanfakirfilms,
María Artiaga
Fotografía: Juan Carlos Arévalo,
Ana Erdozain, Mercedes Pedroche
Producción: Mercedes Pedroche
Ayudante de producción:
Mariano Repollés
Agradecimientos: Agustín Bellusci,
Sergio Algora, Danza 180, Ana Erdozain,
Verónica Garzón, Begoña Quiñones,
Romain Ruchaud

Apoyos: Espai de Creació L’Obrador,

Centro Coreográfico La Faktoria,
Compañía Nacional de Danza, Centro
Cultural Paco Rabal, Universidad Carlos
Sala Negra III de Madrid, Centro Comarcal de
24 de septiembre - 19.00 h
Humanidades Sierra Norte
25 de septiembre - 17.30 h
20€ Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
Terrario [La tierna indiferencia del mundo] es una pieza con una textura - Teatros del Canal
de papel de lija. Áspera, cruda y salvaje, la pieza indaga en el encuen-
tro con la otredad, en el gregarismo y en la indiferencia que mostra-
mos frente al contexto social que nos rodea.
Seis extraños, apátridas, se encuentran en un espacio desconocido CANAL CREACIÓN
sin puerta de entrada ni de salida. No saben cuánto tiempo llevan BAILA CANAL
allí. No saben de dónde vienen ni a dónde van. Y, sobre todo, carecen
de normas o pautas para juzgar a los otros. Se ven obligados a convi-
vir con su desorientación y desconcierto. Su única referencia es un
muro que se eleva al fondo del espacio tras el cual creen intuir la
existencia de alguien o algo que les ha abandonado.
Terrario [La tierna indiferencia del mundo] es una mirada microscópi-
ca sobre nuestra sociedad, donde seis individuos, como gladiadores
lanzados a la arena, tejen sus relaciones frente a la otredad. Indómi-
tos y asilvestrados, ajenos a la compostura social, su principal arma FOTOGRAFÍA:
es la locura. ©JUAN CARLOS AREVALO
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DOMINGOS EN FAMILIA: País: España

Idioma: español

LA CANICA TEATRO Duración: 40-50’

Y TÍTERES CLAVILEÑO LA CANICA TEATRO

Chinchulina y el Ruiseñor de la China

Teatro de títeres y objetos A partir de 4 años
2 de octubre - 12.00 h

Historia de un calcetín
De 4 a 8 años
9 de octubre - 12.00 h

Sirenita
A partir de 4 años
16 de octubre - 12.00 h

Orfeo
A partir de 5 años
23 de octubre - 12.00 h

TÍTERES CLAVILEÑO
A partir de 3 años

El misterio de la casa encantada y

Felón el bandido
25 de septiembre - 12.00 h

Felón el bandido y
La Flor de la Esperanza
6 de noviembre - 12.00 h

El bosque de la bruja Pocopelo y

El misterio de la casa encantada
13 de noviembre - 12.00 h

El robo de las pepitas de oro

y Las aventuras y desventuras
de Bichofeo y Cosa Rara
20 de noviembre - 12.00 h

El cocinero Fetuchino y
Sala de Cristal / septiembre, octubre, noviembre, diciembre Rigoberto y Margarita
27 de noviembre - 12.00 h
Los Teatros del Canal tienen el plan familiar perfecto para los do-
mingos: espectáculos de títeres para los más pequeños (que pue- Benito el peregrino y El pato Boniato
den disfrutar también los mayores) con La Canica Teatro y Títeres y el tigre envidioso
Clavileño. 4 de diciembre - 12.00 h
La Canica Teatro de Títeres, creada en 2005, está integrada por
profesionales provenientes de las artes plásticas, el teatro, la dan-
za, la música… Ponen el acento en la interpretación y en la ex-
ploración de los recursos escénicos para construir personajes e
historias cercanos al mundo infantil. Varias de sus creaciones han
recibido el Premio FETEN (Feria Europea de Artes Escénicas para
Niños y Niñas), el galardón más prestigioso del teatro infantil.
La Compañía Clavileño lleva 30 años en el parque del Retiro y
otros parques de Madrid haciendo las delicias de niños y niñas con
historias sencillas y entrañables. Los títeres de guante, una de las
formas más antiguas de hacer teatro, es un vehículo muy efectivo
para captar la atención de los más jóvenes y cautivar su imaginación.
42 43

INDIA@75 FESTIVAL País: India

Duración: por determinar

JAYAPRABHA MENON & COMPANY Intérpretes: diez bailarinas de

Shakthi mohiniyattam y 4 de kalaripayyatu

Organiza: Consejo Indio para las

Danza mohiniyattam y arte marcial kalaripayattu Relaciones Culturales (ICCR),
la Embajada de la India y la Casa
de la India

Sala Verde / 28 de septiembre - 20.00 h / precio por determinar

Shakthi es una celebración de heroínas poco conocidas, tejidas en tor-
no a hazañas de valor, resistencia y fuerza interior mostradas por mu-
jeres de Kerala y otras partes de la India. Ofreciendo una mezcla entre
el mohiniyattam y el kalaripayattu, Jayaprabha Menon & Company
crean un espectáculo único que resalta sus raíces, ubicadas en el esta-
do de Kerala. El mohiniyattam, literalmente traducido como “Danza
de la hechicera”, conmemora la venida del dios Visnu en la forma de
Mohini, una hermosa y seductora mujer cuyo cometido radicaba en
cautivar a los Asuras (demonios). Su tema principal es el amor y la
devoción a Dios, y utilizará sus dotes femeninas para hacer prevalecer
el bien sobre el mal. El kalaripayattu, considerado una de las artes
marciales más antiguas del mundo, está centrado no solo en cultivar
la resistencia y la fuerza física, sino también en acrecentar el bienestar
mental y la energía para optar por un estilo de vida pacífico y tran-
quilo.
Jayaprabha Menon es una de las bailarinas más consumadas de la
nueva generación. Su agradable presencia escénica y su elegante estilo
han aportado una nueva estética al mohiniyattam. Aunque está arrai-
gada en la tradición, sus temas son contemporáneos y su interpreta-
ción audaz y novedosa.
44 45

CHRISTINA ROSENVINGE País: España

Idioma: español

/ MARTA PAZOS / MARÍA FOLGUERA Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Safo El espectáculo contiene desnudos

integrales

Teatro - poema escénico musical Uso de luces estroboscópicas

Estreno en la Comunidad de Madrid
Un espectáculo de:
Christina Rosenvinge, Marta Pazos,
María Folguera (inspirado a partir
de poemas de Safo)
Intérpretes: Christina Rosenvinge,
Irene Novoa, Juliane Heinemann,
Lucía Bocanegra, Lucía Rey,
María Pizarro, Natalia Huarte
y Xerach Peñate
Canciones originales:
Christina Rosenvinge
Texto: María Folguera
Dirección: Marta Pazos
Dirección musical: Christina Rosenvinge
Coreografía: María Cabeza de Vaca
Escenografía: Marta Pazos
Vestuario y caracterización:
Pier Paolo Álvaro
Iluminación: Nuno Meira
Sonido: Dany Richter
Una coproducción de: Teatre Romea,
Festival Internacional de
Teatro Clásico de Mérida
y Grec 2022 Festival de Barcelona
Con la colaboración de:
Jorge de la Garza, Montibello, Rowenta
Con el apoyo de: ICEC
y Ministerio de Cultura-INAEM

Sala Roja / Del 29 de septiembre al 9 de octubre

De martes a sábados - 20.30 h
Domingos - 19.00 h
25€ / 20€ / 18€ / 9€

“Safo no es la musa, es el genio”. Marta Pazos, Christina Rosenvinge y

María Folguera se reúnen por primera vez sobre las tablas en Safo, un
poema visual, musical y escénico que recorre el universo de la gran
poeta de Lesbos, venerada y enigmática, que compuso más de diez
mil versos, de los que apenas nos han llegado poemas completos.
En un jardín de Lesbos, isla entre Oriente y Occidente, la poeta
Safo ha convocado a las Musas protectoras del arte para saber qué
será de su nombre. Las diosas detienen su juego para iniciar a Safo
en un viaje a través del tiempo: de Ovidio al siglo XXI, de los versos
perdidos a una subasta en Christie’s. Pero también nos acercaremos a
la Safo humana, a la artista que tocaba en bodas y cantó al deseo por
distintas mujeres. Safo inventó nuestra forma de entender el amor.
FOTOGRAFÍA:
Esta noche, de la mano de las Musas, intentaremos entenderla a ella. ©DAVID RUANO
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PAU ARAN Países: España - Alemania

Idioma: español

La misma diferencia Duración: 35’ - 40’ (sin intermedio)

Encuentro con el público
al terminar la función: 29 de septiembre
Danza - teatro
Dirección: Pau Aran
Creado con e interpretado por:
Charlotte Virgile, Junyi Sun, Melissa
Medina, Carlos Carvento, Urielle Perona,
Helena Gispert
Dramaturgia: Eva Martínez
Asesoramiento: Miquel Missé, Mar Ortiz
Música: Juan J. Ochoa
Diseño de iluminación:
Leticia L. Karamazana
Escenografía: Stefan Jovanović
Diseño de vestuario: Isabel Peña
Vídeo / fotografía: Charlie Cattrall
Producción: Nadine Freisleben,
Angela Fegers (Apricot Productions)
Management / distribución: Godlive
Lawani (Stane Performing Arts
Management)

Este proyecto ha tenido dos fases

previas de investigación apoyadas
por la NATIONAL PERFORMANCE
NETWORK - STEPPING OUT,
financiada por el Comisionado del
Gobierno Federal Alemán para la
Cultura y los Medios de Comunicación
como parte de la iniciativa NEUSTART
KULTUR (Programa de Apoyo a la
Danza).
Sala Negra / 29 y 30 de septiembre - 19.00 h
20€ Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
La misma diferencia es un nuevo trabajo de grupo que explora cómo - Teatros del Canal
trascendemos el género y otras identidades limitantes a través de
la presencia encarnada de la danza. A través de mis observacio-
nes como coreógrafo, bailarín y profesor, me he dado cuenta de CANAL CREACIÓN
que los intérpretes están cambiando su relación con el cuerpo; BAILA CANAL
las motivaciones que impulsan su movimiento y la relación con
la autoexigencia están alteradas. Partiendo de la desestabilización
del concepto de individuo, en esta pieza quiero mostrar, a través
del cuerpo en movimiento, cómo nuestra esencia es visible cuando
trascendemos la necesidad de identificarnos a través de categorías.
¿Cómo contribuye la danza a la diversidad, la igualdad y el respeto
por la libertad? ¿Cómo ensalzamos el valor y la belleza de lo diferente?
La clave de todo esto son los viajes individuales de lxs colaboradorxs en
relación a la idea de transformación. Es la piedra angular de este pro-
ceso creativo. Su experiencia dentro del desarrollo informará el resul-
tado. Además, esta pieza también llega para mí en una fase importante
de mi camino como artista, en la que estoy haciendo una transición
y transformando mis conocimientos y experiencia en una metodolo-
gía, un lenguaje y un mundo coreográficos para el público de hoy y
las sensibilidades actuales. Transición. Transformando. Liberándonos.

Pau Aran
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FIVER | 10º ANIVERSARIO País: España

X FESTIVAL INTERNACIONAL Director artístico y ejecutivo:

Samuel Retortillo

DE CINE, DANZA Y NUEVOS MEDIOS

Cine, danza y nuevos medios

Sala Verde / 1 y 2 de octubre / horario y precio por determinar

El Festival Internacional de Cine, Danza y Nuevos Medios, FIVER, en
el marco de su décimo aniversario propone un fin de semana de ce-
lebración a través de diversos artistas nacionales e internacionales que
investigan sobre la relación del cuerpo y la pantalla. Proyecciones, ins-
talaciones y espectáculos formarán parte de esta fiesta colectiva, que
marcará un punto de inflexión en el festival. FIVER encuentra de nue-
vo en Teatros del Canal su principal colaborador para crear esta cita.
50 51

COMA’22 – XXIV FESTIVAL DE País: España

Duración: 1 hora y 15 minutos aprox.

MÚSICA CONTEMPORÁNEA (sin intermedio)

DE MADRID Isabel Pérez Dobarro, piano

2 de octubre

Asociación Madrileña de Sax Ensemble

Compositores 9 de octubre

Cosmos 21 / Carlos Galán

Música contemporánea 16 de octubre

Graciela Jiménez, piano

23 de octubre

Sala Roja / 2 de octubre - 12.30 h

Sala Verde / 9 y 16 de octubre - 12.30 h
Sala Negra / 23 de octubre - 12.30 h

Entrada libre hasta completar aforo

El XXIV Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid

COMA’22 llega en octubre a los Teatros del Canal con una propuesta
ecléctica, valiente y que pone énfasis en las intérpretes y compositoras.
La pianista Isabel Pérez Dobarro inaugurará el COMA’22 el 2 de
octubre, y la compositora y pianista Graciela Jiménez lo cerrará el
domingo 23 de octubre. También contaremos con la participación de
la agrupación Sax Ensemble el 9 de octubre y del Cosmos 21 de Carlos
Galán el 16 de octubre.
Tras doce años de colaboración ininterrumpida, los Teatros del Ca-
nal se han convertido en un escenario fundamental para la exhibición
de la música contemporánea y las nuevas propuestas.
El COMA’22 sigue consolidando su apuesta por la vertiente inter-
nacional dentro de su ciclo de conciertos [Inter\Ciclo], y contará este
año con Austria como país invitado, así como una serie de conciertos FOTOGRAFÍA:
en los principales auditorios de la ciudad de Madrid. ©JUAN VICENTE CHULIÁ
52 53

KOMOCO / SOFIA NAPPI País: Italia

Duración: 50’ (sin intermedio)

IMA Encuentro con el público

al terminar la función: 4 de octubre

Danza contemporánea Dirección artística y coreografía:

Estreno en España Sofia Nappi
Bailarines: Lara di Nallo,
Valentin Durand, Evelien Jansen,
Paolo Piancastelli, Gonçalo Reis
Diseño de vestuario: Luigi Formicola
Realización de vestuario:
Silvia Salvaggio y Elisa Varvarito,
gracias a la colaboración de
Manifatture Digitali Cinema
Prato di Fondazione Sistema Toscana
Asistente de coreografía:
Adriano Popolo Rubbio
Iluminación: Alessandro Caso
Producción: Sosta Palmizi,
KOMOCO/ Sofia Nappi
Residencia: Orsolina 28, Centro di
Residenza della Toscana (Fondazione
Armunia Castiglioncello – CapoTrave/
Kilowatt Sansepolcro), Opus Ballet
Firenze, Istituto Italiano
di Cultura di Madrid

Seleccionado para Bando Abitante/

Centro Nazionale di Produzione della
Danza Virgilio Sieni e Fondazione CR
Firenze

Agradecimientos: PARC Performance

Arts Research Centre di Firenze

Coproducción: La Biennale di Venezia,

COLOURS – International Dance
Festival, Centro Coreográfico Canal
-Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL
Sala Negra
4 y 5 de octubre

«Ima» es un término japonés que hace referencia al «momento pre-

sente»; en arameo y hebreo «Ima» también significa «madre», en re-
ferencia al renacer y la renovación. IMA nace en el tiempo de dis-
tanciamiento social debido a la emergencia sanitaria de la COVID-19.
Nos hemos quedado solos en nuestro verdadero hogar, nuestro
cuerpo, donde únicamente existe la dimensión temporal del pre-
sente, donde nuestra existencia se hace más sensible a las pequeñas
cosas, donde la necesidad de relación con el otro, en ausencia de
contacto físico, nos lleva a alcanzar un profundo sentido de inter-
conexión y anhelo de creación conjunta. Estar a solas con nuestro
cuerpo nos hace percibir claramente que todo lo que hay dentro y
alrededor de nosotros no se ha detenido, sino que está en continua
FOTOGRAFÍA:
evolución en una danza que es la interconexión de todas las cosas. ©AUSTIN HANN
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HISPANIDAD 2022: País: Cuba

Idioma: español

TRÉBOL TEATRO / Duración: 1h (sin intermedio)

YUNIOR GARCÍA AGUILERA Autor: Yunior García Aguilera

Intérpretes: Yunior García Aguilera,

Jacuzzi Claudia Álvarez, Yadier Fernández

Puesta en escena y dirección general:
Yunior García Aguilera
Teatro Producción y asistencia de dirección:
Estreno en la Comunidad de Madrid Dayana Prieto Espinosa
Asesoría: Dr. Eberto García Abreu
Diseño de escenografía y vestuario:
Carlos Antonio Avilés Suárez
Diseño de banda sonora: DJ Yipzu
Productora general: Dayana Prieto
Coproductora para Jacuzzi:
Lilianne Rodríguez
Asistente de dirección: Rey Montesino
Diseñador de luces, técnico de sonido y
montaje: Manolo Garriga
Coproducción: Ventu Productions S.L.

Sala Negra
7 de octubre - 19.30 h

Tres amigos se reencuentran en La Habana luego de algunos años

sin verse. Una fiesta en la bañera (que para ellos es un jacuzzi) des-
ata un huracán de contradicciones sentimentales y políticas. Todo
y nada ha cambiado entre ellos. Todo y nada ha cambiado en Cuba.
Jacuzzi es un catalejo que mira directamente hacia la compleja y
polémica realidad cubana. Es el testimonio de tres cuerpos jóvenes
que, al salir del teatro, enfrentarían en carne propia las consecuen-
cias de pensar diferente, decirlo en voz alta y decidir “mojarse” ante
un régimen de pensamiento único. La realidad y la ficción se mez-
clan en este espectáculo, cuyos protagonistas también han jugado
un rol principal en los últimos acontecimientos ocurridos en Cuba.
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LA MORENA País: Uruguay

Idioma: español

Muñecas de piel, Duración: 55’ (sin intermedio)

de Marianella Morena El espectáculo contiene escenas de

violencia, desnudos integrales y sexo
explícito
Teatro
Estreno en la Comunidad de Madrid Texto y dirección: Marianella Morena
Elenco: Álvaro Armand Ugón, Sofía Lara,
Mané Pérez
Producción periodística: Antonio Ladra
Música original y diseño de sonido:
Maia Castro
Asistencia de dirección:
Thamara Martínez
Diseño de iluminación: Ivana Domínguez
Diseño y montaje de espacio escénico:
Ivana Domínguez & Mariana Pereira
Vestuario: Ana Paula Segundo
Asistencia montaje y sistema de agua:
Juan Andrés Piazza
Diseño gráfico: Nicolás Batista
Fotos de difusión: Lu Silva Musso,
Cecilia Moreira
Producción: Lucía Etcheverry

En colaboración con el Festival

Iberoamericano de Teatro de Cádiz 2022

Sala Verde
8 de octubre - 19.45 h
9 de octubre - 18.00 h
20€ / 18€ / 9€

Muñecas de piel está basada en la Operación Océano, sobre casos de

explotación sexual a adolescentes en Uruguay. En 2019 empiezan
las investigaciones, con Darviña Viera a la cabeza como directora
de la fiscalía de delitos sexuales, violencia doméstica y violencia de
género. El 20 de marzo de 2020 encuentran sin vida el cuerpo de
una joven de 17 años, en el arroyo Solís. Cuando incautan el móvil
de la joven descubren chats eróticos de adultos con ella y otras ado-
lescentes. 32 personas fueron imputadas: un exjuez de menores,
abogados, arquitectos, docentes, el director de un liceo, empresa-
rios, ediles y un diputado suplente, entre otros. Este caso de impac-
to mediático marcará un antes y un después en el desempeño de
FOTOGRAFÍA:
las fiscalías, y un hito dentro de la jurisdicción de delitos sexuales. ©LU SILVA MUSSO
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HISPANIDAD 2022: País: Perú

Idioma: español

¡PERÚ SUENA! Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

NUEVO SONIDO PERUANO Cantantes: Cruzcaiman

Cruzcaiman, DIRK, (Adrián Mora y Paul Sáenz),

DIRK, Samanez, Scarlet D’Carpio

Samanez y Scarlet D’Carpio Banda: Helen Zamudio (bajo),

Diego García (guitarra), Mateo Vásquez
(batería), Moisés Lobatón (cajón),
Música soul y funk Santiago Valencia (piano)
Bailarinas: Olga Gallardo Abán de
Cabrera, María Alexandra Llave Moreno

Equipo técnico: Julio Veramendi,

Rochi del Castillo
Equipo styling: Paula Chirinos,
Verónica Carpio
Patrocinadores: Sneakers by Marathon
Director musical: Julio Veramendi

Sala Verde / 11 de octubre

Hispanidad 2022 presenta ¡Perú suena! Nuevo sonido peruano, un con-
cierto de una nueva generación de artistas y músicos peruanos que
han asumido la contemporaneidad a su manera: Cruzcaiman, DIRK,
Samanez y Scarlet D’Carpio forman parte de una avanzada cultural
que podríamos definir como la nuevamúsica peruana.
Está dirigido a todos los interesados a las nuevas estéticas musica-
les de Latinoamérica. A los que deseen bailar y viajar por los andes y
por las costas del océano Pacífico desde el Perú.
¡Perú suena! trata de la nueva música peruana. Lo tradicional y lo
contemporáneo es un diálogo que evidencia peruanidad pura. Purito
Perú en un escenario, en un set musical de jóvenes artistas revelación
peruanos: Cruzcaiman, DIRK, Samanez y Scarlet D’Carpio. Un viaje a
la música del Perú, lo que suena en las calles y en las plazas. Un con-
cierto imperdible para los interesados en las estéticas latinoamerica-
nas. Los ritmos sudamericanos.
Quienes deseen bailar y viajar por los andes y por las costas del
FOTOGRAFÍA:
Océano Pacífico desde el Perú. ©LALO RONDÓN
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FREEDONIA País: España

Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Música soul y funk

Deborah Ayo, voz
Ángel Pastor, guitarra / armónica
Fran Panadero, bajo eléctrico
Israel Checa, batería
Juan Carlos “Chavi” Ontoria, teclados
David Pérez, saxo barítono
Toni García, trompeta
Dani Niño, saxo tenor
Jorge Moreno, trombón

LAS NOCHES VILLANOS

DEL CANAL DEL JAZZ

Sala Roja / 11 de octubre - 20.30 h / 25€ / 20€ / 18€ / 9€

Freedonia es una banda de referencia en la escena nacional de músi-
ca soul y funk, formada por una voz incendiaria y ocho músicos que
rezuman creatividad, poseen una potente sección rítmica y ofrecen
un directo demoledor. El grupo madrileño nació en 2006 y lo que
comenzó como una aventura de amigos fue creciendo hasta conver-
tirse en un auténtico estruendo musical que cuelga constantemente el
cartel de sold out. En 2012 la banda graba su primer disco homónimo
y en 2014 arrasa con Dignity and Freedom, dos trabajos que les han co-
locado en la cima de las músicas negras. En 2017 publica Shenobi, un
doble álbum que los medios lo anunciaron como uno de los discos
más esperados del año.
Apoyados por una campaña de crowdfunding. Freedonia lanza su cuar-
to disco, Conciencia, influidos por el discurso del premio Nobel José Sa-
ramago donde hace una reflexión sobre la sociedad en la que vivimos.
Los temas tratan sobre la libertad de expresión, el cambio de
mentalidad ecológica, la igualdad, el respeto, la xenofobia, la justicia,
el progreso...
En definitiva, Freedonia sigue su camino de remover conciencias
y a la vez te hace bailar, todo ello empastado por melodías épicas que
te emocionan.
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MARTIRIO & CHANO DOMÍNGUEZ País: España

Idioma: español

Coplas de madrugá Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

25 aniversario (2021) Martirio, voz

Chano Domínguez, piano
Horacio Fumero, contrabajo
Música jazz y copla David Xirgu, batería

LAS NOCHES VILLANOS

DEL CANAL DEL JAZZ

Sala Roja / 12 de octubre - 20.30 h / 35€ / 30€ / 25€ / 9€

En este año 2022, se cumplen 25 años de la edición del disco Coplas
de madrugá, el primer disco en la historia de copla-jazz, con Martirio
y el trío de Chano Domínguez ( Javier Colina y Guillermo McGill),
que tuvo su segunda parte en Acoplados, con el trío de Chano Do-
mínguez y el acompañamiento de la Big Band de Bob Sands y la
Orquesta de Radio Televisión Española dirigida por Adrian Leaper.
En la primavera de 1996, en el Puerto de Santa María (Cádiz),
estos dos artistas se unieron en casa de Chano, para darle forma al
proyecto que tenían en mente de unir musicalmente la copla y el
jazz, géneros de los que son amantes y deudores, y que han acom-
pañado sus vidas. Así después de muchos días de trabajo y concen-
tración, de ilusión e intuición, de hallazgos y dudas, llegaron a esa
feliz unión del jazz y la copla en Coplas de madrugá (1997), un disco
que contenía 11 coplas adaptadas al jazz con los arreglos de Chano
Domínguez y la adecuación de las melodías a los nuevos ritmos,
en la interpretación de Martirio, contando con la garantía de toda
una firme base musical, argumental, temática y contemporánea.
La intención era unir dos géneros que se acoplaban perfecta-
mente en armonías, en temporalidad, en sentimiento y en temática.
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CREA DANCE COMPANY País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

/ MARÍA ROVIRA Dirección escénica y coreografía:

ODISSEA María Rovira

Composición y realización de la
música original: Eduard Iniesta
Danza contemporánea Vídeo: Carme Gomila
Estreno en la Comunidad de Madrid Iluminación: Sergio Gracia
Bailarines: Elenco Crea Dance Company
Producción: Marina Cardona
Jefe técnico del espectáculo:
Sergio Gracia

Coproducción: Teatros del Canal

y Mercat de les Flors
Con la colaboración de: OSIC,
Ramón Llull, Ayuntamiento de Mataró
Con el patrocinio de: Empresarios
del Maresme

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde / 14 y 15 de octubre - 20.00 h / 20€ / 18€ / 9€

Odissea es un viaje a través de las imágenes, con una escenografía
virtual en el que el trabajo físico y al mismo tiempo poético nos
llevarán a las ideas de la ausencia, de la supervivencia y de la huella
palpable del sentimiento.
Un hablar de nuestros días y reflexionar sobre lo que ha aconte-
cido los últimos años en nuestra sociedad: las guerras “modernas” y
sus consecuencias migratorias, el mundo virtual y la esencia de la
vida que se nos escapa.
Un viaje de diferentes culturas que, como pueden, se adaptan a
un mundo global desde sus raíces.
La forma, inspirada en los relatos de Homero, buscará extasiar al
espectador en una especie de viaje cargado de belleza, encanto sen-
sorial, haciendo presente la alegría de la existencia sensible, a la vez
combinando escenas de tragedia y dolor.
El encuentro de un grupo numeroso y diverso de intérpretes en
esta Odissea es una buena ocasión para hacer convivir estilos y cuerpos
diferentes, representantes de diferentes culturas e idiosincrasias, que
ocupan un espacio común. Un lenguaje sin barreras, entre el escenario
FOTOGRAFÍA:
y el público, entre la actualidad y la tradición, lleno de belleza y ritmo. ©CARMEGOMILA
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LUCÍA VÁZQUEZ País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

Further Thoughts Encuentro con el público

al terminar la función: 18 de octubre

(Pensamientos adicionales) Idea original, coreografía

e interpretación: Lucía Vázquez
Danza contemporánea Música, espacio sonoro
Estreno absoluto e interpretación: Miguel Marín
Arte e interpretación: Julia Llerena
Iluminación: Benito Jiménez
Vestuario: Atelier3
Fotografía: Marta Rubio
Distribución: Lucia De Franchi

Con el apoyo de: las residencias

ÁGORA de la Junta de Andalucía,
Agencia Andaluza de Instituciones
Culturales.

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra / 18 y 19 de octubre - 20.30 h / 20€

Espectáculo de danza donde la experiencia artística total va más allá
de la danza en sí misma. Una obra multidisciplinar en la que la coreo-
grafía, en su sentido más tradicional como en su sentido más actual, la
experiencia de sonido cuadrofónico y la instalación artística, materia y
forma, conviven en la obra contemporánea sin etiquetas. Donde sus tres
protagonistas comparten con honestidad sus "pensamientos adiciona-
les" partiendo desde una nada que en sí misma vibra de posibilidades.
Un acto poético sin pretensión donde de forma orgánica e intuiti-
va se encuentran distintos gestos e intenciones en un diálogo diverso.
Usando los cuerpos de estos tres narradores, en el espacio, con
una coreografía uniendo la danza, la acción, la fisicalidad orgánica,
espacio sonoro, la música construida en directo, loops, spoken words…
No hay límites para los artistas. Solo la implicación sincera de las
artes para construir una obra vibrante y bella con una base absoluta-
FOTOGRAFÍA:
mente coreográfica. ©MARTA RUBIO
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ANTONIO RUZ País: España

Duración: 1h 30’ (sin intermedio)

PHARSALIA Dirección y coreografía: Antonio Ruz

Bailarines y colaboración coreográfica:
Danza contemporánea Anna B. Andresen, Elias Bäckebjörk,
Estreno absoluto Joan Ferre, Carmen Fumero,
José Alarcón, Manuel Martín,
Lucía Montes, Alicia Narejos,
Selam Ortega, Isabela Rossi,
David Vilarinyo
Diseño de escenografía y vestuario:
Alejandro Andújar
Diseño de escenografía:
Alejandro Andújar
Diseño de vestuario: Leandro Cano
Música original: Aire
Diseño de iluminación: Olga García
Dramaturgia: Rosabel Huguet
Coordinación técnica: Espacio Átomo
Asistente de coreografía:
Begoña Quiñones
Producción: Paola Villegas,
Gabriel Blanco - SPECTARE
Realización de vídeo: Derek Pedrós
Fotografía work in progress: Alba Muriel
Distribución: Valeria Cosi - TINA Agency

Coproducción: Teatros del Canal, Museo

Universidad de Navarra, Gran Teatro
de Córdoba, Teatro Central de Sevilla,
MapasFest

CREACIÓN
CANAL

Sala Roja
21 y 22 de octubre - 20.30 h
23 de octubre - 19.00 h
20€ / 18€ / 15€ / 9€

Cuerpo en guerra
“Hacednos, si queréis, enemigos de todas las naciones, pero apartad
de nosotros la guerra civil... ¡Tan miserable es salir vencedor de una
guerra civil!”. El cordobés Marco Anneo Lucano (39-65 d. C.), nieto
de Séneca, escribió esta sentencia en la única obra que de él ha sobre-
vivido hasta hoy, la Pharsalia o Bellum Civile, un poema épico inacaba-
do en diez cantos sobre la guerra civil entre Julio César y Pompeyo
Magno que ha generado, por su compleja vitalidad, múltiples críti-
cas, significados e interpretaciones a lo largo de la historia. Pero su
vigencia hoy destila un claro mensaje de invocación a la libertad y de
rechazo a la tiranía. En su relato, solo es heroica la resistencia y su la-
mento proclama una queja que llega a alcanzar un carácter universal.
Tomando como punto de partida la Pharsalia de Lucano, este tra-
bajo coreográfico indaga en el concepto de guerra desde un enfoque
alegórico, poniendo el cuerpo al servicio de conceptos cotidianos
FOTOGRAFÍA:
como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión. ©ALBA MURIEL
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MEY-LING BISOGNO Duración: 1h (sin intermedio)

Encuentro con el público

PHYSICAL THEATRE al terminar la función: 22 de octubre

Ready-Made Dirección artística: Meyling Bisogno

Coreografía: Mey-Ling Bisogno

Teatro físico de objetos con la colaboración de sus intérpretes
Estreno absoluto Intérpretes: Ian Garside y Elisa Forcano

Música original y ambientación sonora:

Martín Ghersa
Diseño de iluminación: Álvaro Guisado
Escenografía: Laura Ferron

Atrezo: Mey-Ling Bisogno

Estilismo: Cristina Pérez Sosa
Comunicación y management:
Peso producciones
Fotografías y vídeo: Jesús Robisco

Coproducción:
Centro Coreográfico Canal
- Teatros del Canal

Con la ayuda del programa de movilidad

cultural del Gobierno de Canarias para
Ian Garside

Con el apoyo de la Comunidad

de Madrid

CANAL CREACIÓN
BAILA CANAL

Sala Negra
22 de octubre - 19.00 h
23 de octubre - 17.30 h
20€

El trabajo deriva a partir del tratamiento del objeto en las Vanguardias

de las artes visuales. Por ejemplo, de Duchamp, del Dadaísmo, de Ta-
deusz Kantor… Dando al objeto familiar un significado adicional, un
valor simbólico y metafórico distinto de su simple valor de uso. Sobre
la escena, el objeto no solamente abandonará su contexto natural, sino
que además será dotado de movimiento tanto físico como expresivo.
Desarrollaremos la zona de tensión entre el intérprete y el ob-
jeto, ese “entre” que hay ahí, que no tiene forma o consistencia ma-
terial. La idea principal es jugar con los vínculos entre el intérprete
y el objeto. El bailarín no está permanentemente ligado al objeto,
sino que también es personaje dentro de la obra. Estas relaciones
generadas a partir del juego de la manipulación son innumera-
bles, uno puede manipular sin siquiera tocar a un objeto. Un in-
térprete puede sugerir la vida del objeto a siete metros de él, me-
diante la actuación, haciéndole creer al espectador que ese objeto
FOTOGRAFÍA:
está vivo, porque él lo cree, y si él lo cree, el espectador también. ©JESÚS ROBISCO
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FRANCK VIGROUX País: Francia

Duración: 50’ (sin intermedio)

& ANTOINE SCHMITT Creación: 2021

“ATOTAL” A/V Live Franck Vigroux, música

Antoine Schmitt, vídeo generativo

Música electrónica y visuales Con el apoyo de lCNM, Sacem, Adeami,

Estreno en España Spedidam, Imago/ Vidéoformes, Zone
Libre, Ayuntamiento de Mende, Instituto
Françés de Corea del SUR, DRAC y
Region Occitanie
Productor: Cie D’Autres Cordes
Coproducción: Association Zone Libre
Bastia, Anis Gras le lieu de l’autre -
Festival Bruits Blancs

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 27 de octubre - 21.00 h / 15€ / 12€ / 9€

Frank Vigroux es un artista polifacético que trabaja en campos desde
la electroacústica o la electrónica experimental a la composición de
música clásica contemporánea, la improvisación o la radio. Su mú-
sica está hecha de tensiones tectónicas, beats, texturas electrónicas
y un acercamiento muy personal a la exploración sónica. Ha cola-
borado con gente como Elliott Sharp, Zeena Parkins, Mika Vainio, o
Reinhold Friedl (Zeitkratzer), y publica sus trabajos en el afamado
sello Raster Noton, entre otros.
Antoine Schmitt crea su arte en forma de objetos, instalaciones
y situaciones planteándose siempre la cuestión de los procesos del
movimiento. Su obra se cuestiona las dinámicas e interacciones en-
tre la naturaleza humana y la naturaleza de la realidad. Una obra que
cubre los campos de la música, danza, arquitectura, literatura o cine,
y colaborando con gente como Atau Tanaka, Vincent Epplay, Jean-Ja-
cques Birgé, Delphine Doukhan o K. Danse. Su trabajo ha sido mul-
tipremiado y ha sido exhibido en Centre Georges Pompidou, Sonar y
Ars Electronica y forma parte de colecciones de medio mundo.
La obra de arte total, cuando se lleva a su paroxismo de coinci-
dencia absoluta de las percepciones de un espectador, se asemeja a
las técnicas de manipulación mental de los regímenes totalitarios,
procediendo a la aniquilación del espíritu crítico, al machaque se-
mántico repetitivo, a los mensajes subliminales. “ATOTAL” A/V Live
es un concierto audiovisual que pretende reconstruir para decons-
truir mejor los procesos de imposición de la voluntad por la repeti-
ción y el sincronismo absoluto, para proponer una brecha hacia una
FOTOGRAFÍA:
descoincidencia potencialmente vital. ©QUENTIN CHEVRIER
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TEATR POWSZECHNY W País: Polonia

Idioma: polaco (con sobretítulos

WARSZAWIE / KRYSTIAN LUPA en español)

Duración: 5h (con intermedio incluido)

Imagine El espectáculo contiene desnudos

integrales y sexo explícito
Teatro
Estreno en España Dirección, guion y escenografía:
Krystian Lupa
Música: Bogumił Misala
Vestuario: Piotr Skiba
Jefe de producción: Michalina Żemła
Vídeo: Joanna Kakitek, Natan Berkowicz
Asistente de dirección: Dawid Kot
Dirección de escena: Iza Stolarska
Asistente de diseño de vestuario:
Aleksandra Harasimowicz
Elenco: Karolina Adamczyk,
Grzegorz Artman, Michał Czachor,
Anna Ilczuk, Andrzej Kłak,
Michał Lacheta (Teatr Powszechny in
Łódź), Mateusz Łasowski,
Karina Seweryn, Piotr Skiba (invitado),
Ewa Skibińska, Julian Świeżewski,
Marta Zięba (invitada del Teatr Studio
de Varsovia).

Una coproducción del Teatr Powszechny

de Varsovia y del Teatr Powszechny
de Łódź.

El espectáculo se realiza dentro del

proyecto internacional «Prospero
Extended Theatre», gracias al apoyo del
programa «Europa Creativa» de la Unión
Europea.

Sala Roja / 28 y 29 de octubre - 18.00 h / 35€ / 30€ / 25€ / 20€ / 9€

Un viaje artístico al mundo de la contracultura, a los tiempos de la
identidad y la revolución cultural de los años 60 y 70. Krystian Lupa
utiliza la letra de Imagine de John Lennon como punto de partida y se
pregunta sobre la vivacidad de las utopías en el mundo actual, en el que la
espiritualidad se ha comercializado o politizado y los valores humanistas,
los derechos humanos, la igualdad y la libertad personal se han devaluado.
El director retorna al fenómeno psicológico y espiritual de la
New Age y a la vida y creación de John Lennon, que como «nuevo
Cristo» de la era hippie propuso imaginar un mundo sin guerras,
países y fronteras, sin odio ni propiedades, pero también sin religión.
¿Son las visiones de la New Age una mera ingenuidad en
nuestros tiempos? ¿La fe en una evolución sin fin de la humanidad y
la metafísica es una fantasía o una necesidad eterna? ¿Por qué el ideal
pacifista fracasó tan rápidamente en los años 70? ¿Es mayor la necesidad
FOTOGRAFÍA:
de una transformación espiritual en momentos de crisis? ©NATALIA KABANOW
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METAMORPHOSIS DANCE País: España

Duración: 1h y 5’ (sin intermedio)

Iratxe Ansa & Igor Bacovich Idea original, coreografía, dramaturgia,

CreAcción diseño escenográfico y diseño de

vestuario: Iratxe Ansa e Igor Bacovich
Música original: Juan Belda
Danza contemporánea Diseño de iluminación: Nicolas Fischtel
Estreno en la Comunidad de Madrid Bailarines: Igor Bacovich, Katie Courier,
Kate Arber, Sephora Ferrillo
y David Serrano
Producción ejecutiva: La Cía. de la Luz
Distribución: Claudia Morgana
- Danzas del Mundo
CreAcción es una coproducción de
la compañía Metamorphosis Dance
y el Museo Universidad de Navarra,
con el apoyo del Gobierno Vasco y
la colaboración del Ayuntamiento de
Alcorcón.

Sala Verde
29 de octubre - 20.00 h
30 de octubre - 18.30 h
20€ / 18€ / 9€

Con CreAcción, Metamorphosis Dance continúa fiel a su búsqueda de

la excelencia, con una pieza rigurosa, física y virtuosa, donde la ilu-
minación y la escenografía se convierten en dos protagonistas más
en escena. Ganadora de dos Premios Max de las Artes Escénicas en
2022 (mejor coreografía y mejor diseño de iluminación), en CreAc-
ción, los creadores Iratxe Ansa e Igor Bacovich mueven a los intér-
pretes por el espacio escénico con precisión y habilidad, buscando
equilibrio, elegancia y comunicación con el dispositivo escenográfi-
co, la luz y la música, elementos responsables de la enigmática at-
mósfera del espectáculo.
CreAcción quiere poner el foco en la interacción entre el creador,
el intérprete y el público y cómo esta relación puede ir más allá de
los límites preestablecidos. ¿Y si el público pudiera conocer mu-
cho más sobre nuestra metodología y cómo utilizamos los recursos
creativos cuando nos enfrentamos a una nueva creación? ¿Existen
nuevas -o diferentes- maneras de involucrar a nuestra audiencia?
Para Iratxe Ansa -Premio Nacional de Danza 2020- e Igor Bacovich,
directores y coreógrafos de la pieza, en CreAcción, el reto no reside,
tan solo, en mostrar abiertamente sus procesos creativos, sino en
que el público pueda ser una parte activa, y fundamental, de ellos.
De este modo, CreAcción es una pieza de danza contemporánea de
vanguardia surgida de un proceso participativo en el que un gru-
po de personas no vinculadas al mundo de la danza interactua-
ron durante semanas con la compañía. Si hay algo que caracterice
el trabajo del tándem creativo formado por Ansa y Bacovich esto
es la ejecución impecable de sus puestas en escena, además de
un trabajo físico exigente, preciso y exhaustivo. No en vano, sus
creaciones aspiran siempre a la excelencia en los movimientos,
la técnica y la fisicalidad. Es por ello que CreAcción no han queri-
do subir a la gente de a pie encima de un escenario, sino hacer-
les partícipes de un espectáculo de un modo más transversal, más
FOTOGRAFÍA:
tangible y real, convirtiéndoles en cocreadores de la propia pieza. ©DANILO MORONI&JUAN CARLOS TOLEDO
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FESTIVAL DE ENSEMBLES País: España

Duración: por confirmar

PluralEnsemble 30 de octubre
Música contemporánea OCAZ Enigma de Zaragoza

6 de noviembre
Taller Sonoro de Sevilla

4 de diciembre
Grup Instrumental de Valencia

Sala Verde / 30 de octubre - 12.30 h

Sala Negra / 6 de noviembre - 12.30 h
Sala Verde / 4 de diciembre - 12.30 h
Entrada libre hasta completar aforo

PluralEnsemble presenta la XIII edición del Festival de Ensembles

en Madrid, una oportunidad única para descubrir y disfrutar de los
grupos de música contemporánea más destacados de nuestro país.
El Festival contará con la participación de los conjuntos invitados
Grupo Enigma OCAZ de Zaragoza, Taller Sonoro de Sevilla y Grup
Instrumental de Valencia. El ciclo tiene carácter artístico-pedagó-
gico, cuyo objetivo es, además de estrenar nuevas obras, fomentar
entre el público el repertorio musical contemporáneo.
Durante el XII Festival de Ensembles se presentarán obras de un
representativo grupo de compositores españoles actuales de todas
las generaciones, corrientes estilísticas y tendencias estéticas de la
actualidad, permitiendo además un coloquio interactivo entre el pú-
blico y algunos de los intérpretes y compositores programados. La
FOTOGRAFÍA:
entrada es libre hasta completar aforo. ©SILVIA GÓMEZ CISNEROS
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COMPAÑÍA SHARON FRIDMAN País: España

Idioma: español

EXPRÍMEME_LIFE IN PROCESS Duración: 55’ (sin intermedio)

Dirección y concepto: Sharon Fridman

Danza contemporánea Coreografía e interpretación:
Estreno absoluto Sharon Fridman, Arthur Bernard Bazin
y Melania Olcina
Música: Luis Miguel Cobo
Diseño de luces: Sharon Fridman
y Ofer Smilanksy
Escenografía y vestuario: Reut Shaibe
Sonido: Iñaki Ruiz Maeso
Fotografía y vídeo: Kinerama
Producción y Management:
Lola Ortiz de Lanzagorta
(New Dance Management)
Coproducción: Teatros del Canal
y Compañía Sharon Fridman

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde / 3, 4 y 5 de noviembre - 19.45 h

20€ / 18€ / 9€

La Compañía Sharon Fridman muestra en esta ocasión la intimidad de

sus procesos creativos, un territorio privado habitado por los integran-
tes de la compañía en el que se ejecuta la Práctica INA, una metodolo-
gía ideada por Sharon Fridman, dirigida a la improvisación y genera-
ción de materiales coreográficos que acabarán componiendo sus obras.
Palabras y movimientos despliegan un proceso expansivo de
consciencia sobre las relaciones personales, el lugar del artista en la
obra y la creación en la danza.
Lo que sucede en la danza sucede en la vida. Se baila según se vive,
y se vive según se baila.
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CANAL PERFORMANCE / País: España

Duración: por confirmar

LA JUAN GALLERY Dirección y concepto: Sharon Fridman

Coreografía e interpretación:
Artes vivas Sharon Fridman, Arthur Bernard Bazin
y Melania Olcina
Música: Luis Miguel Cobo
Diseño de luces: Sharon Fridman
y Ofer Smilanksy
Escenografía y vestuario: Reut Shaibe
Sonido: Iñaki Ruiz Maeso
Fotografía y vídeo: Kinerama
Producción y Management:
Lola Ortiz de Lanzagorta
(New Dance Management)
Coproducción: Teatros del Canal
y Compañía Sharon Fridman

Espacios no convencionales
5 de noviembre / 3 de diciembre / 14 de enero
11 de febrero / 11 de marzo / 15 de abril
13 de mayo / 10 de junio

El objetivo de este ciclo es mostrar el trabajo de artistas del panora-

ma nacional vinculados a la performance. Tiene lugar un sábado de cada
mes, en espacios no convencionales del propio teatro, donde creado-
res de los nuevos lenguajes contemporáneos muestran sus propuestas
de acción en diálogo directo con estos lugares no escénicos, generando
un punto de vista diferente para el espectador. Canal Performance es
sobre todo un encuentro entre creadores y público que se extiende más
allá del propio teatro, y también propicia el conocimiento y desarrollo
de una forma artística considerada como un hecho o acción plástica y
escénica fuera de los términos de lo estrictamente escénico, relaciona-
PERFORMANCE DE ALEXIA SAYAGO / FOTOGRAFÍA:
do profundamente con los discursos actuales de las Bellas Artes.  ©ANITA DE AUSTRIA PARA TERRITORIFESTIVAL
84 85

MAX COOPER 3D AV País: Reino Unido

Duración: 2 horas (sin intermedio)

Música electrónica y visuales

Estreno en la Comunidad de Madrid
LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 6 noviembre - 19.30 h

20€ / 18€ / 9€

Max Cooper es un artista que ha sido capaz de interrogar y desarrollar

con éxito la relación entre música electrónica, artes visuales, tecno-
logía y ciencia. Colaborando con otros artistas y grandes referentes
institucionales, como el Barbican de Londres o arquitectos como Zaha
Hadid, Cooper ha desarrollado un concepto único en cuanto a mezcla
de diferentes medios. Desde instalaciones visuales y el uso innovador
del sonido inmersivo hasta proyectos más orientados al techno y el clu-
bbing, en esta exploración electrónica utiliza la tecnología disponible y
lo hace de una manera humana.
Sintetizando sus intereses y presentándolos de una manera ac-
cesible, desafiando los formatos convencionales, Cooper explo-
ra conceptos como la emergencia, la identidad y el infinito. Doctor
en biología computacional, aúna su interés por lo científico y lo au-
diovisual creando piezas de arte conceptual únicas con una gran ca-
pacidad para contar historias. Ha remezclado a artistas como Hot
Chip o Portishead, y ha sido comparado con Philip Glass, el com-
positor Henryk Górecki o con la faceta más ambient de Aphex Twin.
Sus sonidos, complejos pero melódicos, mezclan lo emocional
y bailable con la experimentación y la electrónica abstracta. Ha co-
laborado con compositores de música clásica contemporánea como
Michael Nyman o Nils Frahm y ha girado incesantemente por todo
el mundo pasando, entre otros, por el festival Glastonbury (Rei-
no Unido), Fuji Rock ( Japón), Mutek (México), Mira (Barcelona)…
En este concierto, presentará su último trabajo, Unspoken Words, pu-
FOTOGRAFÍA:
blicado en 2022. ©ALEX KOZOBOLIS
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DIÀLEGS DE TIRANT E CARMESINA País: España

Idioma: valenciano antiguo

de Joan Magrané (con sobretítulos en español)

Duración: 1h y 20’ (sin intermedio)

Libreto de Marc Rosich Música de Joan Magrané

(a partir de Tirant lo Blanc de Libreto de Marc Rosich

(a partir de Tirant lo Blanc

Joanot Martorell) de Joanot Martorell)

Dirección musical: Francesc Prat
Dirección de escena: Marc Rosich
Ópera de cámara Espacio escénico: Jaume Plensa
Colaboración especial de Jaume Plensa Vestuario: Joana Martí
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Caracterización: Txus González
Movimiento: Roberto G. Alonso
Ayudantía de dirección/regiduría:
Montse Butjosa
Construcción escenografía:
Christian Konn, Carlos Jovellar
Confección vestuario:
Begoña Simón Blanco
Reparto
Tirant: Josep-Ramon Olivé
Carmesina: Isabella Gaudí
Viuda reposada / Plaerdemavida:
Anna Brull
Solistas de la orquesta titular
del Teatro Real

Dirección ÒBNC: Dietrich Grosse

Producción ejecutiva: Clàudia Robert
Producción: Òpera de Butxaca i Nova
Creació, en coproducción con el
Gran Teatre del Liceu y
Festival Castell de Peralada
Cooperación con la temporada del
TEATRO REAL
Con el apoyo de: Departament de
Cultura de la Generalitat de Catalunya,
Ministerio de Cultura y Deporte-INAEM,
Institut de Cultura de Barcelona-ICUB
Con la colaboración de: Mondigromax,
La Caldera Les Corts y SGAE
Sala Verde y con el acompañamiento de la
23, 24 y 26 de noviembre - 19.45 h Fundació Catalunya Cultura
27 de noviembre - 18.30 h Agradecimientos: Laura Medina,
30€ / 25€ / 9€ Louise Higham, Christian Ortega,
Víctor Zapata
El compositor Joan Magrané y el libretista Marc Rosich escriben una
nueva ópera a partir de las escenas amorosas de Tirant y Carmesina, los
protagonistas del clásico medieval Tirant lo Blanc de Joanot Martorell.
Magrané (Premio Reina Sofía de Composición) y Rosich (que en
el 2007 ya adaptó la novela medieval para el exitoso montaje teatral
de Calixto Bieito) parten de la seducción y la sensualidad como en-
granaje dramático de la propuesta. En sus manos, el gran friso me-
dieval adopta el carácter íntimo de una ópera de cámara, con solo
tres cantantes en escena y una formación musical reducida. Tan-
to el tratamiento de la voz como el del conjunto de instrumentos
parten de un concepto moderno y teatral, de resonancias expresi-
IMAGEN:
vas, pero también bebe de la tradición madrigalista tardo-medieval. ©DEAN SOCKTON
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COLECTIVO FANGO País: España

Duración: 1h y 40’ (sin intermedio)

La trilogía sobre la búsqueda de Intérpretes: Ángela Boix, Fabia Castro,

la identidad a través del tiempo: Trigo Gómez, Rafuska Marks,

Manuel Minaya

F.O.M.O. (Fear of Missing Out) Dirección: Camilo Vásquez

Coordinación dramatúrgica:
Sergio Martínez Vila
Teatro Ayudante de dirección y regiduría:
Laura Garmo
Dirección técnica e iluminación:
Juan Miguel Alcarria
Escenografía: Silvia de Marta
Vestuario: Elisa Vidal Riezu
Foto y vídeo: Danilo Moroni
& Juan Carlos Toledo
Prensa: DYP Comunicación
Producción: Colectivo Fango
Coordinación de producción:
Elena Martínez

Sala Negra
23 de noviembre - 19.00 h
24 de noviembre - 20.30 h
25 de noviembre - 20.00 h
26 de noviembre - 18.30 h
27 de noviembre - 19.00 h
20€

F.O.M.O. es una sucesión de piezas individuales donde cada intérprete se

pone en cuestión a sí misma/o en el momento presente, en relación a la
era digital y al modelo de comunicación que surge con él: ¿Qué sucede
con la imagen que yo mismo creo de mí? ¿Qué lugar ocupa mi cuerpo
en el espacio virtual? ¿Cómo me comunico en las redes sociales? ¿Qué
entrego de mí al hacerlo? ¿Hay algo a lo que no puedo renunciar de mí al
participar en él? ¿Qué significado tienen lo personal y lo político? ¿Cómo
me repercute personalmente e íntimamente esta relación? ¿Cómo me
FOTOGRAFÍA:
percibo a mí mismo? ¿Cómo percibo el mundo en el modelo digital? ©DANILO MORONI & JUAN CARLOS TOLEDO
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COLECTIVO FANGO País: España

Idioma: español

La trilogía sobre la búsqueda de Duración: 1h y 15’ (sin intermedio)

la identidad a través del tiempo: Intérpretes: Ángela Boix,

Fabia Castro, Trigo Gómez,

TRIBU Rafuska Marks, Manuel Minaya

Dirección: Camilo Vásquez
Coordinación dramatúrgica:
Teatro Sergio Martínez Vila
Ayudante de dirección y regiduría:
Laura Garmo
Dirección técnica e iluminación:
Juan Miguel Alcarria
Escenografía: Silvia de Marta
Vestuario: Elisa Vidal Riezu
Cuerpo y movimiento: Natalia Fernandes
Foto y vídeo: Danilo Moroni
& Juan Carlos Toledo
Prensa: DYP Comunicación
Producción: Colectivo Fango
Coordinación de producción:
Elena Martínez

Sala Negra
29 de noviembre - 20.00 h
30 de noviembre y 1, 2 y 3 de diciembre - 19.00 h
4 de diciembre - 17.30 h
20€

Un grupo de amigos que se reúnen para comer y beber juntos acaban

generando una suerte de “pacto común” que les lleva de vuelta hacia
un estado primigenio y esencial. El lenguaje que utilizan deja de servir-
les; sus formas de estar consigo mismos y con los demás cobran nuevos
sentidos… y desde ese vacío sus cuerpos ensayan una convención nue-
va y vieja a la vez. El espacio de encuentro inicial se transforma, por
tanto, en un espacio sagrado, en un no-lugar para la comunión. Tribu es
FOTOGRAFÍA:
un rito, una invocación de energía, un anhelo compartido de conexión. ©DANILO MORONI & JUAN CARLOS TOLEDO
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SERGIO PERIS-MENCHETA País: España

Idioma: español

Ladies Football Club, Duración: 2h y 25’ (sin intermedio)

de Stefano Massini Elenco por orden de alineación:

Noemi Arribas,
Xenia Reguant / Silvia Abascal,
Teatro Ana Rayo, María Pascual,
Nur Levi, Alicia González,
Carla Hidalgo, Irene Maquieira,
Andrea Guasch, Diana Palazón,
Belén González
Dirección: Sergio Peris-Mencheta
Adaptación: Sergio Peris-Mencheta
con la colaboración de Daniel Val
Traducción: Ignacio Rengel
Composición musical: Litus Ruiz
Dirección musical: Joan Miquel Pérez
Dirección vocal y arreglos vocales:
Ferran González
Diseño de escenografía:
Alessio Meloni (AAPEE)
Diseño de iluminación: David Picazo
Diseño y realización de vestuario:
Elda Noriega (AAPEE)
Diseño de sonido: Enrique Rincón
y Álvaro de la Osa
Producción sonora: Óscar Laviña
Atrezista: Eva Ramón
Coreografía: Amaya Galeote
Una producción de Barco Pirata,
en coproducción con Teatros del Canal
Sala Verde / Del 30 de noviembre al 23 de diciembre y Producciones Rokamboleskas
De martes a sábados - 19.45 h Agradecimientos: Compañía Nacional
Domingos – 18.00 h de Teatro Clásico, Teatro Español,
Excepto los días 20, 21, 22 y 23 de diciembre - 20.00 h Andrew Fergusson, Marlene Michaelis
30€ / 25€ / 9€

El día 6 de abril del año 1917 (un viernes) la radio del frente anunciaba
nuevos muertos. Entre ellos, el príncipe Friedrich Karl, sobrino del CREACIÓN
CANAL
Káiser Guillermo y bronce en salto a caballo en la Olimpiada de 1912.
El día 6 de abril del año 1917 (un viernes) Lenin preparaba la Re-
volución Rusa.
El día 6 de abril del año 1917 (un viernes) Estados Unidos entraba
en guerra.
Pero, sobre todo, el día 6 de abril del año 1917 (un viernes), du-
rante la pausa del almuerzo, once trabajadoras de la Doyle & Walker
Municiones, once munitionettes de manos amarillas, empezaban a co-
rrer detrás de un balón.
El fenómeno del fútbol femenino nace en Inglaterra, durante los
años de la Primera Guerra Mundial. Equipos que se convirtieron en
legendarios, formados por las trabajadoras de las fábricas textiles o
de municiones, y que en poco tiempo lograron un enorme afecto y
atención del público, provocando la hostilidad por parte de las insti-
tuciones masculinas del fútbol.
Terminada la guerra muchos de estos equipos fueron obligados a
disolverse por ley tras unos años de éxitos increíbles.
Con el regreso de los hombres del frente, las trabajadoras perdie-
ron sus puestos en las fábricas y volvieron a casa. Esta es la historia
FOTOGRAFÍA:
de esas mujeres. ©SERGIO PARRA
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COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA País: España

Duración: 1 hora y 10 minutos

Director: Joaquín De Luz (con intermedio)

Where you are, I feel

Where you are, I feel, de Valentino Zucchetti Duración: 30 minutos
Love Fear Loss, de Ricardo Amarante Coreografía: Valentino Zucchetti
Música: Edvard Grieg (Concierto para
Passengers Within, de Joaquín De Luz piano y orquesta en la menor, Op. 16)
Diseño de escenografía: Valentino
Danza Zucchetti / Natalia Stewart
Estreno absoluto de Passengers Within y Where you are, I feel Diseño de figurines: Natalia Stewart
Diseño de iluminación:
Nicolás Fischtel (A.A.I.)

Love Fear Loss

Duración: 16 minutos
Coreografía: Ricardo Amarante
Música: Introducción ‘La Vie en Rose’,
Edith Piaf; ‘Hymne à l’Amour’, Edith
Piaf; ‘Ne me Quitte pas’, Jacques Brel;
‘Mon Dieu’, Charles Dumont
Arreglos musicales: Nataliya Chepurenko
Pianista solista en directo:
Marcos Madrigal
Figurines: Ricardo Amarante
Diseño de luces: Ricardo Amarante

Passengers Within
Duración: 25 minutos
Coreografía: Joaquín De Luz
Música: Philip Glass (1. “Mishima
/ Closing”, de la BSO de Mishima,
2. “Kyoko’s House (Stage Blood Is
Not Enough)”, de la BSO de Mishima,
3. “November 25: Ichigaya”, de la
BSO de Mishima, 4. “Etude No. (4:39)”,
de los Estudios para Piano Vol. I,
5. “Runaway Horses (Poetry Written
With A Splash Of Blood)”, de la
BSO de Mishima, 6. “November 25:
Morning”, de la BSO de Mishima)
Diseño de vestuario: Anthony Pina
Diseño de iluminación:
Nicolás Fischtel (A.A.I.)

Sala Roja / Del 1 al 8 de diciembre

De martes a sábado - 20.30 h
Domingo - 19.00 h
30€ / 25€ / 20€ / 9€
Menores 14 años: 12€

La Compañía Nacional de Danza vuelve a los Teatros del Canal con un

programa único con dos estrenos absolutos: Passengers Within y Where
you are, I feel, de la mano del director de la Compañía, Joaquín De Luz,
FOTOGRAFÍA:
y el coreógrafo italiano Valentino Zucchetti, respectivamente. ©ALBA MURIEL
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COLECTIVO FANGO País: España

Idioma: español

La trilogía sobre la búsqueda de Duración: 1h y 40’ (sin intermedio)

la identidad a través del tiempo: Intérpretes: Ángela Boix, Fabia Castro,

Trigo Gómez, Rafuska Marks,

LA ESPERA Manuel Minaya

Dirección: Camilo Vásquez
Coordinación dramatúrgica:
Teatro Sergio Martínez Vila
Ayudante de dirección y regiduría:
Laura Garmo
Dirección técnica e iluminación:
Juan Miguel Alcarria
Escenografía: Silvia de Marta
Vestuario: Elisa Vidal Riezu
Foto y vídeo: Danilo Moroni
& Juan Carlos Toledo
Prensa: DYP Comunicación
Producción: Colectivo Fango
Coproducción: Teatros del Canal
Con la colaboración de:
Teatro de La Abadía
LA ESPERA es un proyecto realizado
con el apoyo del programa de ayudas
a la creación y la movilidad del
Ayuntamiento de Madrid
Coordinación de producción:
Elena Martínez

Sala Negra
7, 8 y 10 de diciembre - 18.30 h
9 de diciembre - 20.30 h
11 de diciembre - 17.00 h
20€

Ante la llegada de un gran cambio, y para sortear con éxito sus

desafíos, cinco personas se transforman, respectivamente, en una
chamana, una miss-samurái, una diva del show-business, un polí-
tico de la nueva era y un guía espiritual-musical. Todos esperan
que algo suceda: un avance, un reinicio, una catástrofe, un ajuste
de cuentas, una respuesta. Mientras tanto, participan de un juego
de competición en el que solo puede quedar uno, como si ganar
algo fuese solo las migajas y ganar al resto, lo fundamental.
Pero, ¿hay alguien a quien ganar? ¿Qué sucede cuando el futuro
llega y te pilla disfrazado? ¿Puede uno no estar disfrazado? ¿Puede
FOTOGRAFÍA:
uno hacer algo que no sea esperar? ©DANILO MORONI & JUAN CARLOS TOLEDO
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BALLET FLAMENCO DE ANDALUCÍA País: España

Idioma: español

El maleficio de la mariposa Duración: 1h y 45’ (sin intermedio)

Dirección artística y coreografía:

Danza - flamenco Úrsula López
Estreno en la Comunidad de Madrid Aparato: Pedro G. Romero
Dirección escénica: Elena Córdoba
Dirección y coordinación musical:
Juan Jiménez y Alfredo Lagos
Concepto e idea “El lenguaje de las
líneas”: Leonor Leal
Elenco artístico:
Repetidor: Alejandro Molinero
Bailaoras: Andrea Antó,
Fuensanta Blanco, María F. Gómez,
Miranda Alfonso y Natalia González
Bailaores: Diego Aguilar, Jesús Hinojosa,
Juan Tomás de la Molía
y Manuel Jiménez
Cantaores: Juan de Mairena
y Rafael Plantón
Guitarristas: Javier Conde
y Miguel Pérez
Percusión: Antonio Coronel

Idea original de vestuario:

Sala Roja Teresa Lanceta
10 de diciembre - 20.30 h Diseño de vestuario:
11 de diciembre - 19.00 h Belén de la Quintana
Realización de vestuario:
35€ / 30€ / 25€ / 9€
Belén de la Quintana, Pilar Cordero
y López de Santos
Aquí se explora, se fija y se da esplendor a las coreografías, danzas y bailes Diseño de iluminación:
que Federico García Lorca trabajó, vio o pudo ver, tentar, atisbar, com- María de la Cámara
probar a lo largo de su vida y en su muerte misma. Están, obviamente, y Gabriel Paré (Cube, S.L.)
las danzas en las que participó, con Antonia Mercé la Argentina, o con Diseño del espacio sonoro:
Encarnación López la Argentinita, pero también aquellos bailes que se Luis Miguel Cortés
le escaparon, la Carmen Amaya a la que su amigo Buñuel dio un papel Atrezo: Antonio Marín
en el cine o Martha Graham, apenas una sombra en su viaje a Nueva
Jefe producción y distribución:
York y que, de alguna manera, le incluye en su Deep Song (Cante jondo).
David Peral
Lo que presentamos es sencillo, y un reto que no suele encararse. El Jefe técnico: Luis Sánchez-Ramade
sonido, la escenografía y el vestuario son del siglo XXI y, sin embargo, en Producción: M.ª José Montilla
los bailes y danzas que mostramos hemos querido fijar los movimien- Distribución y promoción: Raúl Gómez
tos, ser rigurosos y fieles a sus tiempos. No hay mudanzas inventadas, Administración y soporte: María Moreno
ni zapateados a destiempo, ni braceos impropios. Somos anacronistas, Equipo técnico: Antonio Oviedo,
capaces de mostrar varios tiempos a la vez, pero nunca anacrónicos. El Alfredo Vique, Miguel Franco,
baile se hace un bien intangible, algo que no solo es nuestro patrimo- Ignacio González, Luis Miguel Cortés,
nio, sino que también debe ser nuestro matrimonio. La recuperación Fernando Reyes, Ana López,
Ramón González e Isabel Villavieja
del pasado es siempre, como decía Enrique Morente, un andar hacia
atrás para coger impulso, carrerilla para saltar más adelante todavía.
Se cumplen cien años del estreno de El maleficio de la mariposa,
debut de Federico García Lorca sobre las tablas y un escándalo que
solo salvó la Argentinita, la mariposa blanca, luciendo su baile, efí-
mera muerte del cisne, imagen que se pierde en el abrir y cerrar de
las alas de una mariposa. En muchos sentidos, ese aleteo prodigioso
de la mariposa, emblema de la imagen que desapareciendo aparece,
según ha escrito Georges Didi-Huberman, eso que los modernos lla-
man performatividad y que siempre fue baile y danza, esa cualidad
FOTOGRAFÍA:
del poeta de hacer verbo del sustantivo. En fin, andar, bailar, vivir. ©DANIEL PÉREZ / TC
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JUAN CARLOS LÉRIDA País: España

Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

DOCE Dirección y coreografía:

Juan Carlos Lérida
Danza Interpretación: Juan Carlos Lérida,
Estreno en la Comunidad de Madrid François Ceccaldi, El Pirata,
Adrián Vega, Karen Mora,
Vincent Colomes, Raúl Lorenzo,
Carmen Muñoz, Chantal Soler,
Oskar Luko, Andrea Antó,
Valeria Stuki, Marc Lleixa
Música - espacio sonoro:
François Ceccaldi
Cante: Jorge Mesa (el Pirata)
Vestuario: Eugenia Gusmerini
Asistente de movimiento en
metodología Data: Lipi Hernández
Asistente de dirección:
Meritxell Martín Calvo
Vídeo: Valeria Stuki
Fotografías: Alice Brazzit, Lili Marsans
Diseño de iluminación: Marc Lleixa
Técnico de sonido: Igor Pinto

Productor ejecutivo: Danilo Pioli

Coproducción: Mercat de les Flors,
Tanzhaus Nrw- Dusseldorf,
as. Flamenco Empírico,
Graner Fabrica de creación,
OSIC – Generalitat de Catalunya,
Con la colaboración de:
Graner Fabrica de creación,
OSIC - Generalitat de Catalunya

Sala Negra
15 de diciembre - 20.30 h
16 y 17 de diciembre - 19.00 h
18 de diciembre - 17.30 h
20€

DOCE es un encuentro de celebración y extenuación donde el co-

reógrafo Juan Carlos Lérida es acompañado en escena por 12 artistas,
en una pieza de danza y música que evoca el sacrificio como una
ceremonia de expiación.
DOCE es una creación apoyada en los fundamentos y poéticas del
Flamenco Empírico, metodología desarrollada por Juan Carlos Lérida a
través de la repetición y deconstrucción de las bases técnicas y expresivas
del flamenco, con una mirada crítica sobre su construcción social, polí-
tica y cultural. DOCE se centra en un encuentro con los oficios del arte,
FOTOGRAFÍA:
llevando a escena músicos, cantaores, bailarines, videomakers y técnicos. ©ALICE BRAZZIT
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COMPAGNIE OLIVIER DUBOIS País: Francia

Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Tragédie, new edit El espectáculo contiene desnudos

integrales
Danza contemporánea
Estreno en España Uso de luces estroboscópicas

Interpretación: Esther Bachs Viñuela,

Benjamin Bertrand, Camerone Bida,
Steven Bruneau, Cairo Azad,
Marie-Laure Caradec, Coline Fayolle,
Karine Girard, Steven Hervouet,
Sophie Lèbre, Sebastien Ledig,
Matteo Lochu, Nicola Manzoni,
Thierry Micouin, Mateusz Piekarski,
Sandra Savin, Emiko Tamura,
Mooni Van Tichel
Ayudante de creación: Cyril Accorsi
Música: François Caffenne
Técnico principal: François Michaudel
Iluminación: Patrick Riou
Técnico de luces: Emmanuel Gary

Producción: COD
- Compagnie Olivier Dubois
Coproducción: Festival d’Avignon,
L’apostrophe scène nationale
de Cergy-Pontoise et du Val d’Oise,
CENTQUATRE - Paris,
La Rose des vents Scène nationale
Lille Métropole à Villeneuve d’Ascq,
Sala Roja Mâcon Scène nationale, Ballets
17 y 16 de diciembre - 20.30 h de Monte-Carlo/Monaco Dance Forum,
18 de diciembre - 19.00 h Malandain Ballet Biarritz
20€ / 18€ / 15€ / 9€ Apoyos para la nueva propuesta:
Mattatoio and the Festival Equilibrio
Diez años después de su estreno, este poema coreográfico ha sido reescri- / Fondazione Musica per Roma;
to por Olivier Dubois para dieciocho intérpretes. La nueva propuesta em- ULTIMA VEZ - Win Vandekeybus;
puja al espectador hacia el “sentimiento del mundo” con la misma fuerza. CentQuatre-Paris; Mercat de
les Flors, Barcelona
Vertiginosa y caótica. En gigantescos instrumentos de percusión, en un
incesante flujo y reflujo, se reproduce el gran ciclo de la vida, hecho y
deshecho. Es la humanidad vista como un palimpsesto, que se escribe, se
borra y se vuelve a escribir... Una búsqueda interminable.
En Tragédie los intérpretes manifiestan su pertenencia a la comu-
nidad de seres humanos. Golpean el suelo, caminan, se enderezan, se
enfrentan, se deslizan, se arrodillan, aparecen, desaparecen, se mezclan
para no tropezar... y dan fe de nuestro destino colectivo. El estreno en
el Festival de Avignon en 2012 pareció un uppercut coreográfico e inme-
diatamente se convirtió en una pieza manifiesto, un verdadero monu-
mento de la danza contemporánea. En palabras de Olivier Dubois: “Si
Tragédie habla de la Humanidad, debe cuestionar el hoy y hablar del ma-
ñana, del ser en el mundo, la historia que llevamos y nuestra visión del
futuro. Hay que crear un gran conjunto libre de diferencias para abarcar
más ampliamente al espectador de hoy. ¡De binario a multinario! Con la
desnudez como único vestuario, los individuos en escena se liberan de
los roles de género y sus cuerpos se desexualizan. Son seres humanos
que bailan y como tales se convierten en cuerpos-poéticos, cuerpos-po-
líticos y cuerpos-obras, seguramente la mejor manera de abordar el
FOTOGRAFÍA:
futuro de una Humanidad”. ©FRANCOIS STEMMER
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BLANCA LI País: Francia

Duración: 1h y 15’ (sin intermedio)

El Cascanueces Coreografía y dirección artística:

Blanca Li
Danza – hip hop / Programación familiar Colaboración artística:
Estreno en España Margalida Riera Roig
Con: Daniel Barros del Río,
Jhonder Daniel Gómez Rondón,
Daniel Delgado Hernández,
Daniel Elihu Vázquez Espinosa,
Silvia Gonzales Regio,
Lidia Rioboo Ballester, Asia Zonta,
Graciel Stenio Lisboa Recio
Dirección musical y arreglos:
Tao Gutiérrez, sobre la música original
de Piotr Ilitch Chaikovski
Iluminación: Pascal Laajili, asistido por
Solange Dinand y Claire Choffel
Vestuario: Laurent Mercier,
asistido por Anna Rinzo
Vídeo: Charles Carcopino,
asistido por Simon Frezel
Escenografía y atrezo: Blanca Li
y Charles Carcopino
Grabación de El Cascanueces:
Fundación Orquesta y Coro
de la Comunidad de Madrid
Música adicional ofrecida por:
Sony Music Publishing
Diseño gráfico: Jean-Baptiste Carcopino

Encargo y producción:
Théâtre de Suresnes Jean Vilar
/ festival Suresnes cités danse 2022.
Producción ejecutiva:
Compagnie Blanca Li
Con el apoyo de: Cités danse connexions

Sala Roja / 21, 22, 23, 27, 28, 29 y 30 diciembre - 19.30 h

20€ / 18€ / 15€ / 9€ / Menores 14 años: 12€

Blanca Li propone una versión moderna en clave hip hop de El Cas-

canueces, un cuento fantástico con una música inolvidable. La coreo-
grafía está a cargo de la multifacética artista Blanca Li, directora de los
Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid. Li es habitual del festi-
val Suresnes Cités Danse desde la celebrada Macadam Macadam (1999).
En esta ocasión ofrece una nueva creación inspirada en uno de
los ballets más bellos del repertorio clásico. Blanca Li siempre soñó
que la historia, popular e intemporal, de El Cascanueces se podría
reinterpretar en su propia clave: el hip hop, el mestizaje y un elenco
impresionante. Armada con la energía del movimiento y de la danza,
Li domestica la obra maestra musical de Chaikovski con unos arre-
glos innovadores basados en inesperados sonidos urbanos, de modo
que la obra vibra con los pasos de sus ocho virtuosos bailarines.
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Bajo la Presidencia de País: Mónaco

Duración: 1h y 42’

S.A.R. Princesse de Hanovre (con intermedio de 20’ incluido)

LES BALLETS DE MONTE-CARLO Coreografía: Jean-Christophe Maillot

Música original y arreglos de la obra

Jean-Christophe Maillot de Léo Delibes: Bertrand Maillot

Escenografía y vestuario: Aimée Moreni

Coppél-iA Iluminación: Samuel Thery

y Jean-Christophe Maillot
Dramaturgia: Jean-Christophe Maillot
Danza / Programación familiar y Geoffroy Staquet
Estreno en España

Sala Roja
5 y 6 de enero - 20.30 h
7 de enero - 17.00 y 21.00 h
8 de enero - 19.00 h
30€ / 25€ / 20€ / 9€ / Menores 14 años: 12€

La idea de crear un ballet en torno a Coppélia surgió en 2016, pero mis

pensamientos se dirigieron a la «Chica de los ojos de esmalte» mucho
antes... Estos pensamientos eran algo ambivalentes, ya que, aunque
me fascinaba la historia de un joven que se enamora de una muñeca
mecánica, me desanimaba un poco el romanticismo del ballet original.
Entonces se me ocurrió revisar la partitura para poder retomar
esta obra clásica del repertorio del ballet actualizando la narrativa:
una historia de dos prometidos cuyo amor se vería desafiado por la
aparición de la inteligencia artificial. Como siempre he demostrado
un profundo respeto por la música y los compositores, me preparé
con cierta aprensión para cometer este sacrilegio. Pero el ángulo na-
rrativo de mi ballet me ayudó a hacerlo... La inteligencia artificial se
ha inmiscuido de tal manera en nuestra vida cotidiana que muchas
cosas han perdido su carácter sagrado. Se han vuelto, si no prescin-
dibles, al menos reemplazables sin poner en peligro la superviven-
cia del mundo. Así, la de Coppélia fue modificada «genéticamente».
¿Quién sabe cuánto tiempo pasará antes de que los bailarines
artificiales entren en los estudios para interpretar coreografías
generadas por algoritmos capaces de reproducir la inspiración?
Estoy convencido de que aún queda mucho para ello. Y aunque
llegara a pasar, el arte de la coreografía siempre requerirá de alma,
carne y sudor para personificar las emociones de forma convincente.
FOTOGRAFÍA:
Jean-Christophe Maillot ©ALICE BLANGERO
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CAROLINA ROMÁN País: España

Idioma: español

Amaeru Duración: 1h y 20’ (sin intermedio)

Texto y dirección: Carolina Román

Teatro Intérpretes: Daniel Freire
Estreno en la Comunidad de Madrid y Omar Calicchio
Escenografía: Alessio Meloni (APPEE)
Diseño de iluminacion: Manuel Fuster
Diseño de Sonido: Fran Gude
Figurinista: Antonio Belart
Videoescena: Emilio Valenzuela
Compositor: Miguel Linares
Coreografía: Marta Fernández
Diseño de caracterización: Chema Noci
Fotografías y diseño de cartel:
Manolo Pavón
Asistente de dirección: Nacho Redondo
Gerente en gira: Rafa Romero de Ávila

Asistente de producción:
Covadonga Orviz

Diseño y dirección de producción:

Sandra Avella
Producción ejecutiva: Óscar Contreras
Una producción de Nyoman y ShowPrime

Coproductores: Bestinpro y CGDJ

Jefa de prensa: María Díaz

Distribución:
Rovima Producciones Teatrales

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra / Del 5 al 22 de enero

De martes a sábados - 19.00 h
Domingos - 17.30 h
Excepto 10, 11, 12, 13, 14 y 19 de enero - 20.00 h
20€

“Amaeru” (甘える) es un término japonés que alude a la benevolencia del

cuidado de una persona hacia otra.
Amaeru es concebida de forma humorística y burlesca. Esta historia
nos lleva a reír, a reflexionar y a sentir(nos).
Sobre estas cuerdas desarrollan un vínculo dos personajes que hacen
un viaje en el tiempo para vivir una experiencia atada por un secreto.
Como dijo Wendy Wassertein, “La verdadera finalidad de la comedia
es ocultar el dolor”. Desde ahí, Amaeru incita al espectador a reflexionar
FOTOGRAFÍA:
sobre sus propios vínculos. ©MANOLO PAVÓN
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LES ARTS FLORISSANTS Países: España y Francia

Idioma: inglés (con sobretítulos en

WILLIAM CHRISTIE español)

Duración: 1h y 15' (sin intermedio)

BLANCA LI Ópera barroca en un prólogo

Dido & Aeneas, de Henry Purcell y en tres actos

Libreto de Nahum Tate, basado
en el libro IV de la Eneida de Virgilio
Ópera barroca Estreno absoluto: 1689 al
Estreno absoluto Mr. Josias Priest’s Boarding School
for Girls de Chelsea (Londres)

Puesta en escena y coreografía:

Blanca Li
Escenografía y dramaturgia:
Pierre Attrait
Vestuario: Laurent Mercier
Iluminación: Caty Olive
Vídeo: Charles Carcopino
Coproducción: Gran Teatre del Liceu,
Teatro Real, Teatros del Canal (Madrid),
Château de Versailles Spectacles,
Théâtre Impérial de Compiègne
y Les Arts Florissants

Intérpretes:
Dido, Lea Desandre
Aeneas / Sorceress, Renato Dolcini
Belinda, Ana Vieira Leite
Bailarines de la Compañía Blanca Li
Coro y Orquesta de Les Arts Florissants
Director: William Christie

Sala Roja
17, 18, 20 y 21 de enero - 20.30 h
22 de enero - 19.00 h
35€ / 30€ / 25€ / 20€ / 9€

Dido & Aeneas de Henry Purcell es una deliciosa ópera de cáma-

ra basada en la obra Dido, reina de Cartago de Christopher Mar-
lowe. El Orpheus Britannicus, nombre con el que se conocía a
Purcell, elevó la ópera inglesa a la cima de la elegancia y la elo-
cuencia al escribir uno de los ejemplos más notables del género.
Más de 300 años después de su estreno, este título de Purcell aún
habla de un modo conmovedor de amor y pérdida, volviendo a ex-
plicar la trágica historia de Virgilio sobre Dido, la reina de Cartago, y
Eneas, un príncipe troyano, con una música que va del poder emo-
cional del famoso lamento de Dido a las animadas canciones y danzas
de los marineros, pasando por las tonalidades oscuras de las brujas.
Blanca Li reinterpreta, desde su característico lenguaje coreográfico, la
triste y gran historia sobre la incapacidad de controlar una pasión salvaje y
el poder de los sentimientos, que acaba en traición y una funesta despedida.
William Christie, padre del movimiento historicista y auténtico espe-
cialista de la música del Barroco europeo, conducirá a su formación Les
IMAGEN:
Arts Florissants para ofrecer un espectáculo sensible, creativo y transgresor ©DEAN SOCKTON
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ANTONIO C. GUIJOSA País: España

Idioma: español

Las cartas de Cristian Duración: 1 hora y 45 minutos aprox.

(sin intermedio)

Teatro Reparto: Cristina Bertol, Fael García,

Estreno absoluto Ana Mayo, Rodrigo Poisón
Texto y dirección: Antonio C. Guijosa
Escenografía: Mónica Teijeiro
Diseño de iluminación: Carlos Cremades
Diseño de sonido: Mar Navarro G.
Prensa y comunicación: María Díaz
Distribución: GG Producción
y distribución
Imagen promocional: Patricia Aladro
Producción: Serena Producciones

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra
Del 26 de enero al 12 de febrero
De martes a sábado - 18.30 h
Domingos - 17.00 h
Excepto:
Jueves 26 y martes 31 enero - 20.00 h
Martes 7 de febrero - 20.30 h
Domingo 12 de febrero - 18.30 h
20€

En Sólo un metro de distancia utilicé la despersonalización como herra-

mienta para estructurar la función tanto a nivel dramatúrgico como
de puesta en escena. La despersonalización es uno de los sistemas de
defensa que utiliza la mente para protegerse del trauma, y provoca la
sensación de alejar la vivencia, de no haberla experimentado realmente.
Trasladé ese efecto a la construcción de la estructura de la obra.
En esta ocasión parto de la sensación de suspenso. El momento
en que la idea, la palabra o el recuerdo parecen desaparecer y la
acción queda interrumpida. Esto da lugar a una fragmentación del
relato que obliga al espectador a ir uniendo poco a poco las piezas.
Serán estos dos elementos, la fragmentación y la sensación de
interrupción, los que –paradójicamente– vertebren el montaje.

Antonio C. Guijosa
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ANDRÉS LIMA País: España

Idioma: español

EDUARD FERNÁNDEZ Duración: 1h y 20’ (sin intermedio)

SANTIAGO LOZA Texto: Santiago Loza

Dramaturgia: Eduard Fernández,

Todas las canciones de amor Andrés Lima, Santiago Loza

Producción Checkin Prod.: Joseba Gil
Coproducción con Teatros del Canal
Teatro Fotografías: Laura Ortega
Estreno en la Comunidad de Madrid Comunicación: Pepe Iglesias
Dirección: Andrés Lima
Reparto: Eduard Fernández
Escenografía y vestuario:
Beatriz San Juan
Iluminación: Valentín Álvarez
Música y espacio sonoro:
Jaume Manresa
Videocreación: Miquel Raió
Espacio sonoro: Enrique Mingo
Ayte. de dirección: Laura Ortega

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde
Del 27 de enero al 12 de febrero
Martes a sábados - 19.45 h
Domingos - 18.00 h
30€ / 25€ / 9€

Un homenaje a una mujer, a una madre que dedicó su vida a

cuidar a los demás, a hacer las camas, doblar las sábanas, cocinar,
fregar, barrer, amar, callar…
Es una reflexión emocional de una mujer al final de un cami-
no, un camino extraordinario, bello y terrible como la vida.
Nos habla desde su cocina, donde pintaremos sus recuerdos y su
mundo interior, sus amores, su marido, su hijo, sus canciones
de amor.
Cuando algunos hechos inexplicables se repiten, una se
da cuenta de que la reali ad ha sido tomada por el asombro.
Desde ese asombro nos cuenta su historia, el alzhéimer, el olvido,
el recuerdo y el amor.

Eduard Fernández
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EVA YERBABUENA País: España

Idioma: español

Re-fracción (desde mis ojos) Duración: 1 hora y 10 minutos

(sin intermedio)

Danza - flamenco Coreografía: Eva Yerbabuena

Estreno en la Comunidad de Madrid Creación y dirección musical:
Paco Jarana
Dirección escénica y concepto:
Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola
Asistente a la dirección: Martí Corbera
Vídeo, imágenes, film: Greg Blakey
Coordinación técnica: Daniel Cupic
Diseño de luces: Fernando Martín
y Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola
Director técnico y sonido: Ángel Olalla
Diseño y confección del vestuario:
López de Santos
Zapatos: Begoña Cervera
Diseño de audio: Enrique Ghares Voghler
Diseño gráfico: Jacobo Carmona
Producción y ayudante de producción:
Nacho Terry

Bailaora: Eva Yerbabuena

Guitarra: Paco Jarana y Juan Campallo
Cantaores: Alfredo Tejada,
Miguel Ortega y Antonio Gómez el Turry
Bailaor - palmero: José Manuel Oruco
Percusión: Rafael Heredia

CREACIÓN
CANAL

Sala Roja
27 y 28 de enero - 20.30 h
29 de enero - 19.00 h
25€ / 20€ / 18€ / 9€

Re-fracción (desde mis ojos) es el título del proyecto que nace del en-
cuentro de Eva Yerbabuena y Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola. Un
encuentro en el que Eva se desvela ante la mirada de Juan Kruz, sin
artificio ni pose, sin tener que cumplir ninguna expectativa, ajena o
propia. Utilizando un dispositivo escénico reducido, los músicos se
ponen al servicio del baile focalizando el discurso artístico en ella. De
forma simultánea, Juan Kruz y el artista de vídeo Greg Blakey pro-
yectan un vídeo cuyas imágenes son un montaje de escenas grabadas
previamente que pertenecen al pasado de Eva y de imágenes toma-
das en vivo por Juan Kruz, que manipula la cámara. De este modo,
Re-fracción (desde mis ojos) otorga una mirada íntima y distinta a los pai-
sajes emocionales, personales, íntimos al alma, de alguna manera, de
Eva, recordándonos que no existe nada absoluto, ni siquiera la verdad.
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CARME PORTACELI & País: Bélgica

Idioma: flamenco (con sobretítulos

MICHAEL DE COCK / KVS en español)

Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Bovary Según la novela de Gustave Flaubert

Teatro Texto: Michael De Cock

Estreno en España Dirección: Carme Portaceli
Con: Maaike Neuville, Koen de Sutter
y Ana Naqe
Diseño de iluminación: Harry Cole
Espacio sonoro: Charo Calvo
Coreografía: Lisi Estaràs
Dramaturgia: Gerardo Salinas
Asistente de dirección: Inge Floré,
Ricard Soler
Diseño de escenografía y vestuario:
Marie Szersnovicz
Producción: KVS
Directores de producción: Miek Scheers,
Tanja Vrancken
Dirección de escena: Davy de Schepper
Técnica: Dimi Stuyven (iluminación),
Bram Moriau (sonido)
Sobretítulos: Inge Floré
Confección de vestuario: Eugenie Poste
y Heidi Ehrhart
Traducción: Isabelle Grynberg,
Trevor Perri
Distribución y dirección de la gira:
Saskia Liénard
Coproducción de Perpodium con el
Sala Roja apoyo de la política de incentivos
1, 2, 3 y 4 de febrero - 20.30 h fiscales del gobierno federal de Bélgica
5 de febrero - 19.00 h
25€ / 20€ / 18€ / 9€

La novela de Gustave Flaubert sobre la esposa de un médico rebelde

tiene más de 150 años, pero los temas que trata Madame Bovary siguen
igual de vigentes que siempre. La desigualdad entre hombres y mu-
jeres sigue vigente. Como sociedad, seguimos enfrentándonos desde
hace siglos a los mismos patrones estereotipados. Emma Bovary es
víctima de ellos, pero también se rebela contra ellos.
Michael De Cock ha reescrito la novela para el teatro y la direc-
tora catalana Carme Portaceli trae a escena a Madame Bovary en una
adaptación contemporánea que enfatiza la persistente vigencia de la
historia. Maaike Neuville interpreta a Emma Bovary y Koen De Sut-
ter a su marido Charles.
En palabras de Carme Portaceli: “Madame Bovary fue una bomba
de la literatura mundial. Esta historia sobre una esposa adúltera que
se suicida fue tan sorprendente que se consideró un ataque contra
la sociedad francesa y acabó con un juicio al autor, Gustave Flaubert.
Su protagonista, Emma Rouolt, está llena de vida y busca desespera-
damente la felicidad pero solo podrá salir de su pequeño mundo -la
casa paterna- casándose con Charles Bovary, el médico de su padre
y con un mundo aún más pequeño que el suyo. Para huir del abu-
rrimiento y la parálisis Emma se refugiará en la lectura de novelas
de amor y será víctima de todo tipo de estereotipos, de esos que han
FOTOGRAFÍA:
matado a las mujeres que los han seguido”. ©DANNY WILLEMS
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VALÉRIE LESORT Y CHRISTIAN País: Francia

Idioma: francés (con sobretítulos

HECQ / THÉÂTRE DES en español)

Duración: 1h y 40’ (sin intermedio)

BOUFFES DU NORD Versión libre del relato breve de

La mosca (La Mouche) George Langelaan

Adaptación y dirección: Valérie Lesort
y Christian Hecq
Teatro Con
Estreno en España Robert: Christian Hecq de Comédie-
Française
Marie-Pierre: Valérie Lesort
Odette: Christine Murillo
Inspector Langelaan: Jan Hammenecker

Escenografía: Audrey Vuong

Diseño de iluminación: Pascal Laajili
Composición y música:
Dominique Bataille
Guitarra: Bruno Polius-Victoire
Vestuario: Moïra Douguet
Artistas visuales: Carole Allemand
y Valérie Lesort
Concepción de vídeo: Antoine Roegiers
Proyección de vídeo: Eric Perroys
Atrezo: Manon Choserot
y Capucine Grou-Radenez
Asistente de dirección:
Sala Roja Florimond Plantier
Dirección técnica: Pierre-Yves Chouin
8, 9, 10 y 11 de febrero - 20.30 h
12 de febrero - 12.00 h Producción: Centre International
25€ / 20€ / 18€ / 9€ / Menores 14 años: 12€ de Créations Théâtrales / Théâtre
des Bouffes du Nord & Compagnie
La obra se desarrolla en el centro de un pueblo en los años sesenta. Point Fixe
Robert vive con su madre, Odette, tiene unos cincuenta años, es Coproducción: Les Célestins, Théâtre
calvo, barrigón y malhumorado: cumple todos los criterios para ser de Lyon; Espace Jean Legendre
un soltero empedernido. La relación madre-hijo es tan inquietante - Théâtres de Compiègne; Le Grand R,
como hilarante, un guiño al episodio “El platillo volante y el loro” Scène nationale de La Roche-sur-Yon
La Mouche en NOUVELLES DE
del programa de la televisión francesa Strip Tease.
L’ANTI-MONDE de George Langelaan
Pasa la mayor parte del tiempo en un garaje convertido en habi- ©Robert Laffont
tación-laboratorio, donde intenta montar una máquina de teletrans-
porte. Odette se ocupa de la casa, del jardín y de su hijo ya adulto,
aunque eterno adolescente.
Con una mirada tierna pero totalmente escéptica, observa las
supuestas investigaciones científicas de su hijo. Asistimos a la vida
cotidiana de esta extraña pareja, perturbada por una sucesión de
experimentos de teletransporte con resultados más o menos exito-
sos, aunque necesarios para perfeccionar la máquina. Robert prac-
tica primero con objetos, luego con animales, incluido el perro
de Odette, Croquette, que tiene un final trágico. Preocupada por
el aislamiento de su hijo, Odette decide invitar a tomar una copa
a Marie-Pierre, del mismo tipo que Robert: cohibida y solterona.
Tras una velada desastrosa, Robert convence a Marie-Pierre para
que convertirse el primer humano que jamás haya probado a ser
teletransportado.
Con movimiento corporal, efectos especiales y estética de la época
de los inicios de la informática, La Mouche se presenta como un laborato-
FOTOGRAFÍA:
rio de exploración escénica y visual, un extraordinario campo de juego. ©FABRICE ROBIN
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CICLO BOADELLA Debates

Joglars, una larga utopía
Con Albert Boadella,
Martina Cabanas y Ramón Fontseré
Su trayectoria de 52 años
con Joglars
Sala Verde / 23 de febrero / 20h

La derivación política de las obras

Con Arcadi Espada
y Albert Boadella
Las grandes polémicas escénicas
y las intervenciones políticas a
nivel personal.
Sala Verde / 2 de marzo / 20h

El teatro como arte: La palabra

con música
Con Rubén Amón y Albert Boadella
La fusión de la última parte de su
obra teatral con la música.
Sala Verde / 7 de marzo / 20h

Entrada libre hasta completar aforo

Después de sesenta años en el teatro como dramaturgo, director y actor,

los Teatros del Canal presentan las dos últimas obras de Albert Boadella:
el estreno de Malos tiempos para la lírica y la reposición de Diva.
Paralelamente, habrá tres debates centrados en su trayectoria
y su singular manera de enfocar el teatro. Estos encuentros irán
precedidos de unos breves documentales que ilustrarán y situarán
cada uno de los temas.
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CICLO BOADELLA País: España

Idioma: español

Malos tiempos para la lírica Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Reparto: María Rey-Joly (soprano)

Espectáculo lírico teatral y Antonio Comas (tenor)
Dirección: Albert Boadella
Dramaturgia: Albert Boadella
y Martina Cabanas
Ayudantía de dirección: Martina Cabanas
Iluminación: Bernat Jansà
Coproducción con Teatros del Canal

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde
Del 15 de febrero al 5 de marzo
De martes a sábados - 19.45 h
Domingos - 18.30 h
23 de febrero y 2 de marzo: no hay función
30€ / 25€ / 9€

Una famosa cantante española con cinco Grammys en su carrera ha

conseguido triunfar en [Link]. con temas de zarzuela adaptados a
los ritmos más modernos. Su frenética carrera acaba provocándole
una desaparición transitoria de la voz. A fin de solventar la crisis, su
coach le persuade para hacer un reset en su vida y reconciliarse con
el pasado. Su viejo maestro de zarzuela vive ahora recluido y enfer-
mo en una residencia. El encuentro entre los dos provocará en ellos
violentos debates artísticos, pero también incitará de nuevo la rela-
ción pasional que mantuvieron. La evocación del pasado y el retorno
a la inocencia sentimental de la zarzuela despertarán en la cantante
el dilema sobre si aquel mundo agónico y decadente era preferi-
IMAGEN:
ble a la vida desquiciada que le ha conducido su avidez de triunfo. ©CARLOS MALPARTIDA
126 127

CICLO BOADELLA País: España

Idioma: español

Diva Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Autor y director de escena:

100 aniversario del nacimiento Albert Boadella

de Maria Callas Intérpretes: María Rey-Joly (Maria Callas)

y Antonio Comas (Ferruccio)
Iluminador: Bernat Jansà
Espectáculo lírico teatral Asesoría artística: Dolors Caminal
Ayudante dirección: Martina Cabanas
Coproducción con Teatros del Canal

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde / Del 8 al 12 de marzo

De martes a sábados - 19.45 h
Domingos - 18.30 h
30€ / 25€ / 9€

Maria Callas se halla en el ocaso de su vida. Reside en París alejada

de todo. Su voz ya no tiene nada que ver con lo que fue. La crítica
se cebó con ella en sus últimas apariciones y no ha vuelto a cantar
en público. Ha muerto Onassis. La realidad de su decadencia le hace
vivir un mundo de recuerdos. Desdeña el presente mientras fuerza
a su repetidor para que la acompañe en un imaginario repertorio
que ya no podrá realizar. También lo utiliza para crear una situación
sadomasoquista. Le obliga a interpretar a Onassis, su gran amor. Sus
momentos más apasionados y estelares. En su delirio, se imagina al
griego como pareja de los grandes dramas operísticos que ella prota-
gonizó. Alguien que la mata o alguien con quien morir al final de la
ópera. Es el inicio del camino hacia su propio y misterioso final, que
IMAGEN:
muy pronto realizará a su voluntad. ©CARLOS MALPARTIDA
128 129

LA CONQUESTA DEL POL SUD País: España

Idioma: español

Claudia Duración: 1h y 20’ (sin intermedio)

Creación e interpretación:
Teatro documental Claudia Victoria Poblete Hlaczik,
Carles F. Giua y Eugenio Szwarcer
Dirección: Carles Fernández Giua
Diseño de espacio y vídeo:
Eugenio Szwarcer
Diseño de iluminación: Luis Martí
Diseño de sonido: Damien Bazin

Producción ejecutiva en gira:

Carol Murcia
Distribución y comunicación:
Lidia Giménez

Producción: Grec Festival de

Barcelona, CCCB Centre de Cultura
Contemporània de Barcelona,
Ajuntament de Terrassa
y La Conquesta del Pol Sud

Con el apoyo de: Institut Català de

les Empreses Culturals (ICEC),
la Casa América de Barcelona
y el Institut Ramon Llull

Sala Negra / 15, 16 y 17 de febrero - 19.00 h

20€

Claudia va de la memoria. Vivimos en una sociedad que tiene una re-

lación muy interesante con la memoria. Por un lado, podemos alma-
cenar y movilizar miles de millones de datos por segundo. En algu-
nos años habrá ordenadores capaces de replicar un cerebro humano.
Pero, ¿sabemos interpretarlos? ¿Sabemos utilizar las enseñanzas del
pasado en provecho de nuestro futuro como colectividad?
Tal como un enfermo de Alzheimer no sabe quién es, nuestras
sociedades, a menudo, olvidan su pasado o deciden que no vale la
pena detenerse a clarificarlo. Memoria e identidad van indisoluble-
mente ligados.
Claudia va de la valentía de mirarse al espejo. Algo que nadie
puede hacer por ti. Esa valentía debería ser aspiración de todo ser
humano. En esa línea, C. G. Jung dijo “Quien mira hacia fuera, sueña.
Quien mira hacia dentro, despierta”. También dijeron algo parecido
los griegos, 2400 años antes: “Conócete a ti mismo”. Esa valentía
deberían aspirar a tenerla también los pueblos, las sociedades. Nadie
puede ser libre si no sabe quién es.
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PALOMA HURTADO País: España

Duración: 50’ (sin intermedio)

Y DANIEL MORALES Uso de luces estroboscópicas

INA Equipo artístico: Paloma Hurtado,

Daniel Morales
Danza Equipo técnico: Alfredo Díez,
Estreno en la Comunidad de Madrid Luca Lorenzo Sala
Con el apoyo de: Canarias Crea

Sala Negra / 22 y 23 de febrero - 20.30 h

20€

INA es un viaje en el tiempo, en el espacio, en el continuo espa-

cio-tiempo. Es el viaje que hacemos al observar los astros, a veces
en busca de respuestas, otras con simple curiosidad, pero siempre
con preguntas. Pensar que la materia que compone las estrellas es la
misma que forma parte de nuestros cuerpos, que todas fuimos algu-
na vez estrellas candentes del firmamento que hoy observamos. El
deseo de poder hacer sentir al otro su conexión con la esencia, con lo
más puro que llevamos dentro, con ese foco de luz que nos alimenta
y nos hace iguales, entre humanos, y al resto de la naturaleza.
“Hoy vivimos la noche en caída libre hacia las estrellas. El plane-
ta ha perdido la gravedad y nos subimos a esa estrella que acaba de
pasar. Desaparecemos mientras suenan tus risas a lo lejos. Bendita
inocencia. Un estallido de luz nos conecta con los sueños. Somos
polvo de estrellas”.
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HRVATSKO NARODNO País: Croacia

Idioma: croata (con sobretítulos

KAZALIŠTE U ZAGREBU en español)

Duración: 1h 45' (sin intermedio)

(TEATRO NACIONAL DE CROACIA Dirección: Bobo Jelčić

EN ZAGREB) / BOBO JELČIĆ Elenco: Jadranka Đokić, Lana Meniga,

Melody Martišković, Marko Makovičić,

Sorry Luka Knez, Lara Nekić, Vid Ćosić,

Marin Stević, Alma Prica, Ivan Colarić
Dramaturgia: Mirna Rustemović
Teatro Diseño de escenografía y vestuario:
Estreno en España Zdravka Ivandija Kirigin
Asistente de dirección: Patrik Sečen
Asistente de dramaturgia: Karla Leko
Asistente de producción: Katarina Krešić

Sala Roja / 24 y 25 de febrero - 20.30 h

25€ / 20€ / 18€ / 9€

En lugar de seguir el antiguo modelo según el cual el teatro imita la

realidad, el director Bobo Jelčić crea un teatro en el que la realidad y la
imaginación se funden. Siguiendo el principio de la casualidad y la coin-
cidencia, en sus proyectos recoge fragmentos de eventos que no suelen
estar conectados por la trama, la historia o la acción, construyendo así
una forma abierta que aún está por convertirse en una obra de teatro
(un drama). Estos manuscritos dispersos permiten que la integración
y la desintegración teatral se produzcan simultáneamente, un proce-
so que lleva varias décadas aplicándose y practicándose en la literatura.
Jelčić tiene un enfoque único con respecto al trabajo con ac-
tores, en el que todos sus proyectos son el resultado de la autoría
colectiva de todo el reparto, basado en la improvisación y la ex-
periencia personal. Jelčić escribe y dirige, buscando alternativas
contemporáneas a las formas clásicas y conceptuales del teatro.
En su nuevo proyecto, Sorry, Bobo Jelčić tratará de dar una nueva
perspectiva a los peligros actuales, centrándose en la puesta en peli-
gro del individuo en una pequeña ciudad. Y prestando atención a las
FOTOGRAFÍA:
cuestiones emocionales y sociales. ©MARA BRATOŠ
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CICLO JOVEN ORQUESTA Y CORO Joven Orquesta de la Comunidad

de Madrid y Victoria P. Miranda
DE LA COMUNIDAD DE MADRID Poder de amor y vida
Música y danza
Música / programación familiar Sala Roja / 26 de febrero - 18.00 h
/ 9€ / Menores de 14 años: 6€. Una
alegoría de las fuerzas que rigen
y transofrman los elementos vitales.
Coreografía: Victoria P. Miranda
Dirección musical: Jorge Suárez

Camerata de cuerdas de la JORCAM

El principito
Música
Sala Verde / 16 de abril - 12.00 h /
9€ / Menores de 14 años: 6€.
Redescubre la obra maestra que
nos muestra el sentido de la vida a
través del lenguaje universal de la
música. Una elección de textos nos
proyecta al universo infinitamente
grande e infinitamente pequeño del
libro más leído en el mundo.
Música de Thierry Huillet, basado en
el libro de Antoine de Saint-Exupéry
Directora musical: Anne Marie North

Pequeños cantores de la JORCAM

Mitos y ritos
Música
Sala Verde / 28 de mayo - 12.00 h /
9€ / Menores de 14 años: 6€.
La música, la palabra cantada
y recitada guía las ceremonias
tradicionales en todas las culturas
desde tiempos inmemoriales.
Cantos y conjuros, danzas y ritos,
palabras y mitos... una creación
de las ceremonias de aquí y
de allá de las tradiciones que
nos unen con la naturaleza.
Música de autores variados
Guion y narración:
Ana Hernández Sanchiz
Directora musical: Ana González

La JORCAM, proyecto socioeducativo de la Fundación ORCAM,

presenta junto a Teatros del Canal una serie de tres producciones
donde se podrá apreciar el talento, la creatividad y compromiso FOTOGRAFÍAS:
de nuestros jóvenes en un formato destinado a todos los públicos. ©IVÁN CASTELLANO
136 137

MARISA MANCHADO País: España

Idioma: español

& ANA VEGA TOSCANO Duración: 1h (sin intermedio)

Una voz en la noche Texto: Jesús Ferrero

Música y vídeo: Marisa Manchado Torres

(Oratorio de Nieves Torres) y Ana Vega Toscano

Intérpretes:

Texto: JESÚS FERRERO Piano: Marisa Manchado Torres

y Ana Vega Toscano
Cantantes: Vanessa García Fernández
Música y vídeo (soprano) y Patricia González Arroyo
Estreno absoluto (soprano)
Maestra concertadora y
dirección vocal-musical
(en las obras “Nieves” y “Una escalera
de caracol”): Patricia Kleinman
Voces pregrabadas:
Marisa Manchado Torres,
Ana Vega Toscano,
Vanessa García Fernández
y Patricia González Arroyo
Estudio de grabación: Esmuva

Sala Negra / 28 de febrero - 20.30 h / 20€

Una voz en la noche es un oratorio con texto del escritor Jesús
Ferrero, del cual partió la idea de crear un oratorio musical.
Voces, piano, electroacústica, imágenes… todo ello conforma este
oratorio en la interpretación al piano de Ana Vega Toscano y Marisa
Manchado Torres (Dúo Anmar) con música original suya y las voces
de las sopranos Vanessa García Fernández y Patricia González Arroyo,
dirigidas por Patricia Kleinman en los temas “Nieves” (texto de Ana
Martín Puigpelat) y “La escalera de caracol” (texto de Jesús Ferrero).
El oratorio transcurre en una región de cenizas donde hay manos
que se dedican a borrar caras del libro de la vida, imagen del texto
que indica el universo de represión que sucedió a la Guerra Civil: las
muertes, las cárceles, la niebla.
FOTOGRAFÍA:
Marisa Manchado Torres ©BEATRIZ ARZAMENDI
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THÉOTIME LANGLOIS País: Francia

Duración: 1h y 10’ (sin intermedio)

DE SWARTE (violín) Théotime Langlois de Swarte, violín

y SILVÈRE JARROSON (pintor) Silvère Jarrosson, pintura

Visual Music
Música y pintura
Estreno en España

Sala Negra / 2 de marzo - 19.00 h / 20€

Un pintor, un violinista, la singular asociación de dos artes dialogan-
do en torno a las Partitas de Bach.
La idea única de su actuación es crear un diálogo entre pintura y
música en un espectáculo híbrido, entre concierto y performance artística.
Théotime Langlois de Swarte toca y acompaña a Silvère Jarrosson mien-
tras crea un lienzo vivo. De este diálogo inédito nace un concierto de pin-
tura, donde vemos la obra transformarse poco a poco sobre los barrotes.
Antiguo bailarín de la Ópera de París, la forma de pintar de Silvère
Jarrosson, dinámica y cercana a la danza, utiliza el ritmo del violín y
la escenografía que permite su enorme pintura. Una danza tanto como
una actuación, en la que los dos protagonistas se siguen y se acompañan.
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DAS FRÄULEIN (KOMPANIE) País: Bélgica

Idioma: francés (con sobretítulos
en español)
Kingdom, Duración: 1h y 40’ (sin intermedio)

de Anne-Cécile Vandalem Escritura y dirección:

Anne-Cécile Vandalem
Teatro (inspirada libremente en
Estreno en España Braguino de Clément Cogitore),
última parte de la trilogía Tristesses,
Arctique, Kingdom, publicada por
Actes Sud-Papiers
Escenografía: Ruimtevaarders
Composición: Vincent Cahay
y Pierre Kissling
Director de fotografía y cámara:
Federico D’Ambrosio
Dramaturgia: Sarah Seignobosc
Diseño de iluminación: Amélie Géhin
Diseño de vídeo: Frédéric Nicaise
Diseño de sonido: Antoine Bourgain
Diseño de vestuario: Laurence Hermant
Diseño de maquillaje: Sophie Carlier
Asistentes de dirección:
Pauline Ringeade y Mahlia Theismann
Dirección técnica: Damien Arrii

Subtítulos: Erik Borgman (Werkhuis)

Traducciones: Claire Tarring
Relaciones con la prensa:
Dorothée Duplan, Camille Pierrepont
y Fiona Defolny, asistidas por
Louise Dubreil
Administración: Lila Pérès
Gestión de producción: Daria Bubalo
Gestión de la gira: Jill De Muelenaere
Jefe de producción, administración y
ventas: Audrey Brooking y Eva Wilsens
Elenco: Philippe Grand’Henry,
Laurent Caron, Zoé Kovacs,
Épona Guillaume, Arnaud Botman
Equipo de producción de cine:
Federico D’Ambrosio y Leonor Malamatenios
Los niños: Goossens / Ida Mühleck,
Lea Swaeles / Léonie Chaidron,
Daryna Melnyk / Eulalie Poucet,
Isaac Mathot / Noa Staes
Sala Roja / 2 y 3 de marzo - 20.30 h / 25€ / 20€ / 18€ / 9€ Los perros: Ice y Omég

Producción: Anne-Cécile Vandalem

Kingdom es la historia de dos familias que se alejan del mundo moder- / Das Fräulein [Kompanie] [BE]
no para vivir en armonía con la naturaleza. Pero tras vivir unos años Coproducción: Théâtre de Liège [BE]
en un entorno tan hostil como maravilloso empiezan a aflorar las sos- | Festival d’Avignon [FR]
pechas y los resentimientos. La forma en la que se divide la tierra pasa | Théâtre National de la Fédération
Wallonie-Bruxelles [BE]
a considerarse injusta y parece que el destino está en contra de una de
| Odéon - Théâtre de l’Europe [FR]
las dos familias. Las costumbres de una y las prácticas de la otra ponen | Le Volcan - scène nationale du Havre [FR]
en peligro el ya de por sí delicado equilibrio de esta nueva sociedad... | Théâtre du Nord [FR] | Théâtre de
Hasta que un día se levanta una valla entre las dos familias. Se ha Lorient [FR] | Théâtres de la Ville de
declarado la guerra. Luxembourg [LU] | Théâtre de Namur
[BE] | Le Quai - CDN d’Angers [FR]
A pocos metros del campo de batalla, los niños observan cómo des-
| Les Célestins, Théâtre de Lyon [FR]
aparece su mundo. Bajo la mirada de un cineasta, se cuenta la tragedia... | Maison de la culture de Tournai
Kingdom es una fábula épica sobre el reparto de la tierra, el peca- - maison de création [BE]
do original, una historia nunca escrita, la vuelta a la vida en la na- | La Coop asbl & Shelter Prod [BE]
turaleza, los viandantes, los ojos vueltos hacia el río, las guerras en-
FOTOGRAFÍA:
tre familias, los helicópteros, los cazadores furtivos, los incendios... ©CHRISTOPHE-ENGELS
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IBERIAN & KLAVIER piano dúo País: España

Duración: 1h y 30’

Springtime: Falla, Ravel, (con una pausa de 10’ incluida)

Debussy, Stravinsky Iberian & Klavier piano dúo:

Laura Sierra y Manuel Tévar

Música clásica Programa

Estreno absoluto
I
M. de Falla / C. Dougherty
Danza de la molinera, fandango
(El sombrero de tres picos)

M. de Falla / Arr. Iberian & Klavier

Danza ritual del fuego fatuo
(El amor brujo)

C. Debussy
Preludio a la siesta de un fauno

M. Ravel
Bolero (Arr. M. Ravel)

II
I. Stravinsky
La consagración de la primavera
1. A
 doración de la tierra
Introducción
Augurios primaverales (Danza de
las adolescentes)
Juego del rapto
Rondas primaverales
Juego de las tribus rivales
Cortejo del sabio
Adoración de la tierra
Danza de la tierra

2. El sacrificio
Introducción
Círculos misteriosos de las
adolescentes
Sala Verde / 12 de marzo - 12.00 h / 20€ / 18€ / 9€ Glorificación de la elegida
Evocación de los antepasados
La conexión entre Falla y Stravinsky no solo radica en la mística de Acción ritual de los antepasados
un lenguaje cuya esencia es el folklore tratado de forma culta, sino Danza sagrada (la elegida)
que su forma de expresión alcanza cotas inimaginables y genera una
empatía extraordinaria entre los elementos estructurales del discur-
so sonoro, la melodía, la armonía y el timbre. Stravinsky, Debussy
y Falla son tres amigos de batallas musicales, de correspondencia y
de identidades estéticas y poliestilísticas basadas en el respeto por
las músicas pretéritas, pero con una esencia revolucionaria musical
que hace de su momento uno de los momentos únicos del siglo XX.
El Bolero de Ravel no necesita presentación, pero sí cabe decir que el
compositor lleva desde la orquesta a los dos pianos y a las cuatro manos
una obra que demuestra que esta formación es una auténtica orquesta
de bolsillo. Alcanza su máximo exponente con este programa, en el
que todas las obras tienen principio y fin en la orquesta, dando espe-
cial relevancia al piano dúo como reflejo de la gran orquesta sinfónica.

Iberian & Klavier

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HERMANAS GESTRING País: España

Idioma: español

Hacer Amor Duración: 1h (sin intermedio)

Un proyecto de Laura Morales

Teatro musical y danza y Greta García
Estreno absoluto Creación escénica: Úrsula Martínez
y María Cabeza de Vaca
Composición sonora: Susana Hernández
Iluminación: Benito Jiménez
Vestuario: Jorge Dutor

Sala Negra / 16, 17 y 18 de marzo - 19.00 h / 20€

Las HERMANAS GESTRING sacrificaron sus cabezas ante Hades y
cantaron sobre su propia tumba para ser devoradas por una medusa
de la Isla mágica de Eivissa. Pero 3 años y 18 días después HAN RE-
SUCITADO. Ahora son múltiples, mutantes y, por supuesto, amoro-
sas. Son Oso Polar y Oso Panda. Son Palito y Ramita. Son Entes de
Luz. Son un Gran Ballet. Son un Coro de Salve Rociera. Hacer Amor
será un paseo por las montañas. Un amanecer. Un retiro espiritual.
Un mirar la chimenea en un domingo de lluvia. Será una tortilla de
patatas. Las Hermanas Gestring nos dicen: Humanos, nos necesi-
táis, estáis llenos de odio y la ansiedad os corroe por dentro, ya está
bien, es la hora, hay que HACER AMOR. Las Hermanas Gestring
nos dicen: Todo está gris en vuestras almas. No hay cariño entre las
IMAGEN:
personas, no hay cuidado hacia el Planeta. Hay que HACER AMOR. ©JOSÉ TORO
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KATHLEEN BALFE, violonchelo País: España

Idioma: español

Tapiz de incertidumbres Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Kathleen Balfe, violonchelo

Música clásica contemporánea con electrónica Julia Oliva, recitadora

Programa

Los tiempos del porvenir (2020),

María José Arenas Martín (1983)

Stunt Fall V (2020),

María del Pilar Miralles Castillo (1997)

Policronías de las sibilas (2020),

Beatriz Arzamendi (1961)

La senda (2020), Consuelo Díez (1958)

Funambudumbre: cuando todo se apaga

(2020), Dolores Serrano Cueto (1967)

Viajar es lo que importa (2020),

Anna Bofill Levi (1944)

Vivir en Aporesis (... o Turbulencias...)

(2020), Ana Teruel Medina (1981)

Veritas Vincit (2020), Reyes Oteo (1982)

Questo tremito, questo vacillamento

(2020), María del Carmen Asenjo-
Marrodán (1978)

Un mundo sin bocas y con olor a

desinfectante (2020),
Sala Negra / 19 de marzo - 17.30 h / 20€ Diana Pérez Custodio (1970)

Tapiz de incertidumbres es una propuesta mixta que incluye música y

poesía en un marco íntimo y reflexivo. La violonchelista Kathleen
Balfe, a veces sola y a veces con un acompañamiento electroacús-
tico pregrabado, interpreta las obras creadas por las diez compo-
sitoras elegidas este año como participantes activas del Taller de
Compositoras vinculado al Festival de música española de Cádiz
(coproducción INAEM-Junta de Andalucía). Cada obra se basa a su
vez en un texto poético de diferentes autores o autoras, recitado
en vivo por Julia Oliva antes de cada obra vinculada a aquellos.
Así, la lectura previa de cada poema nos permite deleitarnos en
cada palabra, en cada verso, creando un clima idóneo para la escucha
de cada pieza vinculada a aquel: esencia poética convertida en materia
sonora. La diversidad, podría decirse, marca este concierto: diferentes
textos y diferentes propuestas creativas, ante ellos, de cada compositora.
Sin embargo, un elemento común, el de la incertidumbre expresada
y contenida en cada poema, funciona como hilo conductor que va te-
jiendo un complejo telar latente de incerteza, vacilación. En los tiem-
pos que corren, la incertidumbre es la urdimbre que sostiene, no solo
este concierto, sino todo el complejo tapiz de nuestras propias vidas.
FOTOGRAFÍA:
Diana Pérez Custodio y Maricarmen Asenjo Marrodán ©ANTONIO BARCE
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ENSEMBLE DIDEROT País: Francia

Duración: 1h (sin intermedio)

Bach Immersive - Ofrenda musical Johannes Pramsohler, violín

Georges Barthel, flauta
Música clásica y vídeo Roldán Bernabé, violín/viola
Gulrim Choi, cello
Philippe Grisvard, clave

Videoarte: Pierre Nouvel

Escenografía: Damien Caille-Perret

Sala Roja / 21 de marzo - 20.30 h / 20€ / 18€ / 15€ / 9€

Una experiencia sensorial única de la obra maestra de Bach. La
Ofrenda musical de Bach, una de las obras más fascinantes de la
historia de la música, sigue planteando interrogantes incluso des-
pués de innumerables interpretaciones y representaciones. Com-
puesto tres años antes de su muerte, encarna todo lo que hace que
Bach sea tan cautivador: música magnífica y consumada en todos
los parámetros, mensajes ocultos, historia romántica transfigura-
da, obras maestras enigmáticas, numerología... lo que causa que
la mayoría de las veces se aborde con un respeto reverencial.
Ensemble Diderot intenta una forma completamente nueva
de liberar la obra de tradiciones arraigadas. Junto con el videoar-
tista Pierre Nouvel y el escenógrafo Damien Caille-Perret, los
cinco músicos brindan nuevos conocimientos sobre los acerti-
jos que rodean el pináculo del género de las sonatas en trío.
Tres pantallas con vídeos que acompañan a los músicos en tiem-
po real y un ingenioso concepto de iluminación hacen posible
una experiencia multisensorial y una inmersión total en la obra.
El vídeo se convierte en el sexto integrante del conjunto y
reacciona a la música y los movimientos de los músicos, ofre-
ciendo nuevas perspectivas entre la comprensión y la emoción.
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CANAL CONNECT
La semana de las Artes,
la Ciencia y la Tecnología
Teatro, danza, música, instalaciones, vídeo,
artes plásticas y tecnología

Varios espacios del teatro / Del 21 de marzo al 2 de abril

Celebramos la tercera edición de este encuentro internacional
anual dedicado a los vínculos entre las artes escénicas, la ciencia y
la tecnología, que invade todos los espacios de los Teatros del Ca-
nal e incluso de su Centro Coreográfico. Artistas y compañías nos
hablarán desde los escenarios de las relaciones entre movimiento,
escena, electrónica, realidad virtual, metaverso y robótica. Habrá
también una exposición de instalaciones interactivas, donde crea- FOTOGRAFÍAS:
dores de prestigio internacional amplían los horizontes del arte y ©SUMMER YEN (ARRIBA)
©DOMINIQUE PEYSSON (CENTRO)
las nuevas tecnologías. Toda una experiencia sensorial e intelectual. ©VÉRONIQUE BÉLAND (ABAJO)
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IBÉRICA DE DANZA País: España

Idioma: algunas canciones en

Celebración castellano y catalán

Duración: 1h y 45’

/ Gaudí Dance Experience (con intermedio incluido)

1ª parte 50’ + intermedio 15’
+ 2ª parte 40’
Danza escénica española
Estreno absoluto Equipo artístico: Manuel Segovia,
Miguel Ángel Ramos, Luis López,
Silvia Ruiz y Violeta Ruiz
Música: Xavier Montsalvatge,
Isaac Albéniz y Enrique Granados
Celebration con la colaboración de:
Comunidad de Madrid, INAEM,
CREASGR

Sala Roja / 22 y 23 de marzo - 20.30 h / 20€ / 18€ / 15€ / 9€

Celebration es un viaje en retrospectiva que nos muestra algunas de
las mejores coreografías de la compañía Ibérica de Danza en los 30
años de su trayectoria, recorriendo un universo creativo a partir de
la riqueza de estilos que la caracterizan y fundamentan.
En Gaudí Dance Experience, con música en directo, el espíritu de la
arquitectura nos conduce a su interior, al núcleo gaudiniano, a una
arquitectura orgánica llena de armonías y misticismo subyacentes
en la obra del genio y que, sumergidas en la estética del espectáculo,
participan para su disfrute en una obra única e irrepetible.
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NONOTAK Países: Francia - Japón

Duración: 50' (sin intermedio)

Shiro Uso de luces estroboscópicas

Música electrónica y visuales Creación: 2016

Estreno en la Comunidad de Madrid
Noemí Schipfer, visuales
Takami Nakamoto, música
Producción: Nonotak Studio

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 24 de marzo - 21.00 h / 15€ / 12€ / 9€

NONOTAK es el proyecto colaborativo de la ilustradora francesa
Noemi Schipfer y el arquitecto y músico japonés Takami Nakamoto,
inspirados por la arquitectura minimalista y el arte óptico. Su
especialidad es la creación de entornos inmersivos en el ámbito de
la instalación y la performance. Jugando con la luz y el sonido, crean
piezas donde se combina un particular uso del espacio y la arqui-
tectura, y la creación de estructuras geométricas en movimiento,
creando obras etéreas, inmersivas, y entornos oníricos. Han traba-
jado y experimentado en el campo de la arquitectura, música, arte
digital, escenografía, teatro, cine, danza, diseño y moda.
Han sido comisionados por Mapping Festival (Ginebra), EM15
ELEKTRA / MUTEK (Montreal), La Nuit Blanche (París), Roppongi
Art Night (Tokio), Axcess Art Gallery (Nueva York), Stereolux
(Nantes), Lunchmeat Festival (Praga), KIKK Festival (Bélgica) o Sonar
(Barcelona) y exhibido en numerosas instituciones artísticas alrede-
dor del mundo como la Tate Modern de Londres, Multimedia Art
Museum Moscow, L'Opera de Lyon, Bâtiment d'Art Contemporain
de Genève, Theatre de NEW Vorst, La Fabrique, Pavillon Carré de
Baudouin, Le Générateur o el Centre Georges Pompidou. En 2016
aparecieron dentro de la lista “30 under 30” de la revista Forbes en
la sección de “Arte y Diseño”. Noemi y Takami confunden lo virtual
y lo real, creando un universo de sonido interactivo y ligera meta-
morfosis que envuelve no solo a los artistas, sino también al público,
generando una experiencia sensorial y visual única.
FOTOGRAFÍAS:
©ARNAUD DEPREZ
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VERDENSTEATRET Estreno en España

País: Noruega

Trust me Tomorrow Duración: 1 hora (sin intermedio)

Uso de luces parpadeantes

Performance
Creado por y con la participación de:
Ali Djabbary, Asle Nilsen, Espen
Sommer Eide, Janne Kruse, Laurent
Ravot, Magnus Bugge, Martin Taxt,
Niklas Adam y Torgrim Torve
Agradecimientos a: Andrea Bakketun,
Bálint Laczkó, Icaro Zorbar
y Piotr Pajchel
Producido por Verdensteatret
con la colaboración de Ultima - Oslo
International Music Festival,
Black Box Teater, Oslo y Rosendal
Teater, Trondheim
Con el apoyo de: Arts Council
Norway y el Ministerio de Cultura
de Noruega.

CANAL
CONNECT

Sala Negra / 30 y 31 de marzo

Jugando tanto con la ausencia total de luz como con el exceso, Trust
me tomorrow te sume en la ceguera más absoluta. Zambullirse en
la oscuridad puede ser una suerte de invitación a reflexionar, imitar,
desear. Atraídos por la necesidad de hacer visible el movimiento, el
interior cristalino y brillante del ojo y la oscuridad del interior de la
cámara aprenden de forma análoga.
Una composición etérea que te lleva desde una tranquilidad ele-
gante e introspectiva hasta una turbación agitada y confusa; una se-
cuencia de acontecimientos encerrados en una habitación en calma
que propone un tiempo alternativo.
Trust me tomorrow se descubre como una experiencia sensorial
y refractada que ocurre en el espacio intermedio entre el ahora y
lo que recuerda la memoria. Indaga en la (im)posibilidad de enten-
dernos con el otro genuinamente; habla sobre la conciencia de uno
mismo, sobre el inconsciente y sobre las conciencias de los que nos
rodean. Es la búsqueda de un camino, de una guía, de algo que nos
oriente en la oscuridad en la que caminamos a tientas en este mundo
FOTOGRAFÍA:
que se mueve en círculos. ©JENNY BERGER MYHRE
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RYOICHI KUROKAWA Países: Japón/Alemania

Duración: 45' (sin intermedio)

subassemblies Uso de luces estroboscópicas

Música electrónica y visuales Creación: 2019

Concepto, dirección, composición y
programación: Ryoichi Kurokawa
Productor: Nicolas Wierinck
Coproducción: LOXOSconcept
(Matera 2019), MUTEK, Stereolux/
Scopitone, TodaysArt
Agradecimientos: FUTUR 21 / LWL
y LVR Industrial Museums
Producido por Studio Ryoichi Kurokawa

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 7 abril - 21.00 h / 15€ / 12€ / 9€

Artista japonés residente en Berlín, Kurokawa trabaja en los cam-
pos de la instalación, la grabación y el directo, combinando méto-
dos digitales y analógicos para crear composiciones de sonido y luz
que ponen en duda la forma que tenemos de entender el tiempo
y el espacio. Es un artista y músico autodidacta que ha colaborado
con músicos como Ryuchi Sakamoto, Haruomi Hosono o Yukihiro
Takahashi de Yellow Magic Orchestra. Su trabajo ha sido mostrado
en festivales internacionales y museos de todo el mundo, incluyen-
do TATE Modern de Londres, Centre Pompidou de París, Bienal de
Venecia, Palais de Tokyo de París, Barbican Centre de Londres, ARS
Electronica de Linz, Festival Mutek, National Taiwan Museum of
Fine Arts, Centro Nacional para las Artes Contemporáneas de Mos-
cú, CTM/Transmediale de Alemania, Espace Culturel Louis Vuitton
o Sonar. Fue galardonado con el Nica de Oro en los Premios Ars
Electronica en la categoría de Música Digital & Arte Sonoro.
subassemblies es un proyecto audiovisual que trata sobre las re-
laciones entre naturaleza y las creaciones hechas por el hombre, a
través de una perspectiva de escala arquitectónica. La fuente prin-
cipal de este proyecto son datos 3D capturados mediante escáneres
láser, termografías y vídeos e imágenes de edificios, sus entornos,
ruinas y naturaleza. Estos elementos son distorsionados y recons-
truidos en módulos como subconjuntos (“subassemblies”) que crean
una nueva línea temporal con capas de orden y desorden, mostran-
do así la fuerza de la naturaleza y el arte, y las posibilidades que
FOTOGRAFÍAS:
ofrece su combinación. ©BRUNO DESTOMBES
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CARLES VIARNÈS & País: España

Duración: 45' (sin intermedio)

ALBA G. CORRAL Creación: 2017

Estreno: Eufonic Festival, agosto 2017
Música electrónica y contemporánea y visuales
Estreno en la Comunidad de Madrid Carles Viarnès, piano, theremín, juno,
sintetizadores…
Alba G. Corral, visuales

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 9 de abril - 19.30 h / 15€ / 12€ / 9€

El pianista catalán Carles Viarnès combina una sólida formación
clásica con trazos de electrónica y experimentación, a caballo en-
tre el minimalismo y la música contemporánea, siguiendo el ras-
tro de compositores como Górecki o Arvo Pärt. Siempre con el
piano como protagonista, con referentes como Nils Frahm, Max
Richter o Hauschka, la música de Carles Viarnès dibuja unos pai-
sajes cinemáticos e hipnóticos, aparentemente estáticos pero en
constante movimiento. Un universo sonoro austero pero emotivo.
Frágil y a la vez melancólico. Profundo. Intemporal. Conmovedor.
Su música también ha aparecido en obras teatrales, produccio-
nes escénicas, series de televisión y películas, además de colabo-
rar con numerosos artistas visuales, de la danza y de la palabra.
Alba G. Corral es una artista visual y desarrolladora de código
con base en Cataluña. Con formación en ingeniería informática,
ha estado la última década creando arte utilizando el software.
Su práctica, que explora narrativas abstractas, se extiende a través
del vivo, el vídeo, los medios digitales y la instalación artística.
En sus actuaciones audiovisuales en vivo integra la codificación
y la elaboración, en colaboración con músicos en tiempo real. Ha
compartido escenario con artistas de la talla de Shackleton, RZA,
Suso Saiz o John Hopkins, actuado en festivales como Sonar, Mutek
o LEV y en espacios como el Reina Sofía o el CCCB. También se
dedica a la docencia de programación visual enfocada a diseñadores
y artistas, y es comisaria en el Festival Eufònic.
La colaboración artística entre los dos es ya una rela-
ción de largo recorrido. Forjada en festivales como Eufònic
y confirmada en escenarios como el Palau de la Música o el
FOTOGRAFÍA:
Sónar +D, donde ofrecieron un singular espectáculo inmersivo. ©NESTOR NOCI
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ROCÍO BERENGUER País: Francia

Idiomas: francés, español, inglés, chino

TheBadweeds (con sobretítulos en español)

Duración: 1h 30’ (sin intermedio)

(LasMalasHierbas) Coreógrafa y autora: Rocío Berenguer

Intérpretes: Haini Wang y otros dos
Música, danza, teatro y creación digital bailarines adicionales
Estreno en España Compositor y músico: Baptiste Magloire
Dramaturgia: Marja Christians
Diseño de iluminación: Diane Guerin
Ingeniería de sonido: por determinar
Artista de vídeo: Nayan Ducruet

Coproducción: Teatros del Canal,

Theatre de la Ville (París),
Lieu Multiple (Poitiers),
Mille Plateaux (CCN de la Rochelle)

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra / 12 y 13 de abril - 20.30 h / 20€

#who-are-they? (#¿quiénes-son?) Crecen del olvido, de las grietas,
de los lugares más inhóspitos, salvajes y anárquicos, coexisten con
nosotros, entre nosotros, su existencia es un gesto de resiliencia, una
prueba viva de resistencia.
TheBadweeds es un grupo musical ficticio compuesto de malas
hierbas. Una banda transespecie, mitad humana mitad planta, que
viene del reino vegetal para compartir su mensaje con los humanos.
El espectáculo TheBadweeds es un concierto híbrido, a caballo
entre la danza-teatro, la creación digital y la música. En el escena-
rio, tres cuerpos, entidades vegetales frente a un fondo verde. Los
micrófonos que cuelgan del techo como lianas, una pantalla de
proyección y los altavoces sugieren que está a punto de celebrar-
se un concierto. Bailan, hablan, zonifican, hacen la fotosíntesis...
TheBadweeds produce conciertos coreográficos, vídeos musicales y
tiene vida en redes sociales. Se presentan como un grupo de música
contemporánea.
Toman prestados los códigos de la cultura pop, estos extraños
híbridos proclaman su derecho a ser y a convivir con la comunidad
humana. Cada tema, a caballo entre el electro pop y el hip hop, se
convierte en un vídeo musical, un discurso, un texto, una pregunta.
TheBadweeds se considera un proyecto «ficcional» (un mezcla de
ficción y realidad).
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STEFANO ACCORSI País: Italia

Idioma: italiano (con sobretítulos

AZUL en español)
Duración: 1h y 21' (sin intermedio)

Gioia, Furia, Fede Con: Stefano Accorsi

y Eterno Amor y Luciano Scarpa, Sasà Piedepalumbo,

Luigi Sigillo
Diseño de iluminación:
Teatro y música en vivo Daniele Finzi Pasca
Estreno en España Escenografía: Luigi Ferrigno
Vestuario: Giovanna Buzzi
Diseño de vídeo: Roberto Vitalini
[Link]
Música original: Sasà Piedepalumbo
Agradecimiento especial a
Rodrigo D'Erasmo por la orquestación
de la pieza final "Coro Azul"
Ayudante de dirección: Alice Bertini
Codificador creativo: Sebastiano Barbieri
Asistente de escenografía: Sara Palmieri
Ayudante de vestuario: Ambra Schumacher
Escrito y dirigido por: Daniele Finzi Pasca
Colaboración: Carla Juliano
Producción: Nuovo Teatro dirigida
por Marco Balsamo en coproducción
con la Fondazione Teatro della Toscana

CREACIÓN
CANAL

Sala Verde / 12 y 13 de abril - 19.45 h / 30€ / 25€ / 9€

En una ciudad en la que el fútbol es fiebre, amor y pasión, cuatro
amigos hacen cuentas con sus vidas y, dejando que afloren los re-
cuerdos, intentan reconstruir una serenidad hecha pedazos. En su
simplicidad, tienen algo muy especial y único que los une: la pa-
sión desmedida por su equipo del alma e infancias originales, casi
de cuento. Están hechos de materia simple como el pan, pero los
domingos, en el estadio, se dejan arrastrar por una furia que los barre
y alborota cada vez. Hay alegría, amargura, ironía y muchas ganas de
sonreír mientras evocan las victorias, los momentos de éxtasis, las
derrotas y las tragedias que han compartido a lo largo de los años.
Una historia de personas sencillas, unidas por una amistad inoxi-
dable que las ayuda a enfrentarse a la vida arropándose en un abrazo
FOTOGRAFÍA:
delirante y conmovedor. ©JARNO IOTTI
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KATIE MITCHELL País: Alemania

Idioma: alemán (con sobretítulos

/ SCHAUBÜHNE en español)
Duración: 1h y 50’ (sin intermedio)

Orlando, de Virginia Woolf El espectáculo contiene escenas de

sexo explícito
Teatro
Estreno en España Traducción de Brigitte Walitzek
En una versión de Alice Birch
Dirección: Katie Mitchell
Con: İlknur Bahadır, Philip Dechamps,
Cathlen Gawlich, Carolin Haupt,
Jenny König, Alessa Llinares,
Isabelle Redfern, Konrad Singer junto
con Nadja Krüger, Andreas Hartmann
/ Sebastian Pircher (cámara)
y Stefan Kessissoglou (sonido)
Dirección: Katie Mitchell
Director adjunto: Lily McLeish
Diseño de set: Alex Eales
Diseño de vestuario:
Sussie Juhlin-Wallen
Dirección de vídeo: Grant Gee
Diseño de vídeo: Ingi Bekk
Colaboración de diseño de vídeo:
Ellie Thompson
Diseño de música y sonido:
Melanie Wilson
Sala Roja / 14 y 15 abril - 20.30 h / 30€ / 25€ / 20€ / 9€ Dramaturgia: Nils Haarmann
Diseño de iluminación: Anthony Doran
Una heroína que nace héroe; o un héroe que se convierte en he- Coproducción con Odéon
roína, ¿acaso importa? Orlando vive cuatro siglos de historia hu- - Théâtre de l’Europe, París,
mana británica y europea. Vive en la corte de Isabel I; se enamo- Göteborgs Stadsteater/Backa Teater
ra trágicamente de una princesa rusa en el famoso banquete en el and São Luiz Teatro Municipal, Lisboa
congelado río Támesis durante el reinado de Jacobo I; se dedica a En colaboración con la red europea
escribir; se convierte en embajador de Carlos II en Constantinopla. de teatros PROSPERO
Vuelve a Gran Bretaña siendo mujer, escribe, da fiestas en el ilus- Con el apoyo de los Amigos de
trado siglo XVIII, ama a hombres y mujeres, tanto prostitutas como la Schaubühne de Berlín
nobles y, en la conservadora época victoriana, se casa con un hombre.
Hombre o mujer, ¿tiene que decidirlo Orlando? Orlando es testigo
de cómo las personas, la naturaleza, los sistemas y los reinados es-
tán en constante cambio; y de cómo se modifican constantemente las
costumbres, los hábitos y las ideas sobre cómo debe comportarse un
hombre o una mujer, así como lo que está bien y lo que está mal, lo
que debe escribir un artista y lo que se le permite pensar a una mujer.
Orlando experimenta cómo cambia el tiempo y el clima político, cómo
se desarrollan el deseo y los roles de género. Orlando ve a gente que
cree que es natural aquello que en realidad está hecho por el hombre.
En su biografía de Orlando, Virginia Woolf describe una vida que
socava todas las categorías rígidas con facilidad y libertad artística,
impregnándolas de un nuevo significado o presentándolas como flui-
das. Entrelaza de forma lúdica la vida y el arte, la realidad y la ficción
en una obra visionaria y crea una de las heroínas más deslumbran-
tes de la historia de la literatura, cuya sobreabundancia de identi-
dades se salta cualquier definición estrecha o categorización rígida.
En una producción que combina la actuación en el escenario con el
vídeo en directo, Katie Mitchell y Alice Birch exploran el viaje queer de
FOTOGRAFÍA:
Orlando a través de varios siglos de la historia patriarcal de la humanidad. ©STEPHEN CUMMISKEY
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LUZ ARCAS / LA PHÁRMACO País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

Mariana El espectáculo contiene desnudos

Danza contemporánea integrales
Estreno en la Comunidad de Madrid
Baile: Luz Arcas
Cante: Francis Bonela, Lola Dolores,
Charo Martín
Dirección artística, espacio escénico
y coreografía: Luz Arcas
Dirección musical: Charo Martín
Asistencia artística y vestuario:
Ernesto Artillo
Asistencia escénica y coreográfica:
Abraham Gragera
Acompañamiento dramatúrgico:
Rafael SM Paniagua

Iluminación: Jorge Colomer

Sonido: Pablo Contreras
Vídeo y fotografía: Virginia Rota
Dirección técnica: Cristina Bolívar
Diseño y coordinación de producción:
Alberto Núñez y Alex Foulkes
Producción: Gabriel Blanco
y Paola Villegas (Spectare)
Comunicación: Cultproject
Diseño gráfico: María Peinado
Distribución nacional: Lola Ortiz de
Lanzagorta (New Dance Management)
Distribución internacional: Austin Rial
(Rial & Eshelman)

Coproducción: Bienal de Flamenco de

Sevilla, MA Scène Nationale
- Pays de Montbéliard
Sala Verde
15 de abril - 19.45 h
16 de abril - 18.30 h
20€ / 18€ / 9€ CREACIÓN
CANAL
Mariana es el nombre de la cabra que acompaña al gitano errante, la
del show, la que baila y le da de comer. Mariana es la mula con la que el
campesino trilla, la burra de carga del azacán y la borriquilla que trans-
porta al dios. El animal hembra es el cuerpo del trabajo, da igual la era
que atraviese. En la obra, el cante alienta y anima a la fuerza productiva
y el cuerpo recrea de forma libre la potencia del animal que se deja
arrastrar por el compás de los órganos, como en los cantes a palo seco.
Lo mueve, no la arqueología de las esencias, sino el puro deseo de
encontrar la forma, el orden, la elocuencia. El cuerpo jondo derrocha
energía, vida y muerte y esa es su radical y arcaica modernidad. El
cuerpo jondo rompe a bailar, como las lágrimas, el sudor o la carca-
jada: con poderío, con vergüenza, ahí donde el proceso es tan visible
como el resultado. Los lenguajes son impuros, mestizos, como todo
lo que está vivo. Un baile esculpido en piedra y arcilla, esquemático,
tosco y preciso como son los altares, los amuletos o las herramien-
tas. Un baile tan abstracto y simbólico como utilitario y material.
FOTOGRAFÍA:
Luz Arcas y Rafael SM Paniagua ©VIOLETA NIEBLA
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JOSÉ Y SUS HERMANAS País: España

Idioma: español

Concurso de malos talentos Duración: 1 hora y 15 minutos aprox.

(sin intermedio)

Teatro Creación e interpretación:

Estreno en la Comunidad de Madrid José y sus Hermanas (Alejandro Curiel,
Marta Díez, Carolina Manero,
Gemma Polo y Glòria Ribera)
Dramaturgista: Ignacio de Antonio Antón
Escenografía y vestuario: Patricia Albizu
Iluminación: [Link]
Diseño audiovisual: José y sus hermanas
Producción: Alejandro Curiel
y Carolina Manero
Producción ejecutiva: Marta Díez
y Pia Mazuela
Comunicación: Gemma Polo
y Glòria Ribera
Distribución: Palosanto Projects
Coproducción: Teatros del Canal,
Teatre Lliure y José y sus Hermanas
Ayuda a la coproducción:
Festival Grec 2022,
Teatre Calderón de Valladolid,
Ma Scène nationale, Teatros del Canal
y ICEC
Colaboración: Fabra i Coats - Fàbrica de
Creación y La Piconera

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra
15 de abril - 19.00 h
16 de abril - 18.00 h
18 y 19 de abril - 20.00 h
20€

Firmamos pactos, amnistías y convenios para olvidar y adornar el

PASADO. Nos proponen con esto una mirada azucarada y populista
con la sentencia firme de que “todo tiempo pasado fue mejor” y así
el PRESENTE se convierte en una guerra continua e incomprensible
sin motivo aparente, un conflicto de todxs contra todxs. Practica-
mos la autodefensa 24/7. Solamente lo mío y lo que se le parece y
por eso me preparo para una contienda que nunca llega, pero yo
me preparo por si acaso. El objetivo es acabar con lo que menos se
parezca a mí; el agredido debe ser presentado como una amenaza,
un vehículo de violencia real o efectiva para poder aludir a la de-
fensa propia. Si otrxs ejercen violencia contra mí, yo debería te-
ner derecho de ejercerla sobre ellxs en nombre de mi preservación.
El FUTURO es un desierto, eso dicen. Los que no están de acuer-
do nos prometen un vergel, un lugar incorrupto e impoluto donde
todxs flotamos propulsados por nuestros propios pedos edulcorados.
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CHIENS DE NAVARRE País: Francia

Idioma: francés (con sobretítulos

La vida es una fiesta en español)

Duración: 1h y 45’ (sin intermedio)

(La vie est une fête) El espectáculo contiene escenas de

violencia, desnudos integrales y sexo
Teatro explícito.
Estreno en España
Uso de luces estroboscópicas

Dirección: Jean-Christophe Meurisse

Socia artística: Amélie Philippe
Intérpretes: Anthony Paliotti,
Charlotte Laemmel, Gaëtan Peau,
Delphin Baril, Fred Tousch,
Ivandros Serodio, Lula Hugot, Jive
/ Jean-Yves Faury (bailarín)

Equipo técnico: Nicolas Guellier,

Stéphane Lebaleur, Pierre Routin,
Sophie Rossignol
Producción: Les Chiens de Navarre
Coproductores Les Nuits de Fourvière
- Festival international de la Métropole
de Lyon; La Villette - París; MC2:
Maison de la Culture de Grenoble;
Le Volcan scène nationale du Havre;
TAP - Théâtre Auditorium de Poitiers;
Teatros del Canal - Madrid; Le Quartz
scène nationale de Brest; MC93
- Maison de la Culture de Seine
- Saint-Denis; La Rose des Vents scène
nationale de Villeneuve d’Ascq; Scène
nationale Carré-Colonnes - Burdeos
Métropole; Les Salins scène nationale de
Martigues; Le Manège scène nationale
de Maubeuge; Château Rouge scène
Sala Verde conventionnée de Annemasse;
20, 21 y 22 de abril - 20.00 h La Comète scène nationale de Châlons-
23 de abril - 18.00 h en-Champagne; L’Onde Théâtre Centre
25€ / 20€ / 9€ d’art de Vélizy-Villacoublay
Con el apoyo del Théâtre des Bouffes
Por supuesto que sufrimos por culpa de papá y mamá (no todo el mun- du Nord, la Ferme du Buisson scène
do puede ser huérfano), pero también sufrimos por cómo anda el mun- nationale de Marne-la-Vallée y de la
do. No podemos evitar ser permeables a la violencia, las crisis, la in- Maison des Arts de Créteil
coherencia política y social y las transformaciones brutales de nuestra
civilización. Las microlocuras de nuestro siglo pueden dar lugar a las
macrolocuras de un individuo y la necesidad de consuelo puede con- CREACIÓN
vertirse rápidamente en algo imposible de saciar, como diría el bueno de CANAL
Dagerman. ¿Podemos volvernos todos locos? ¿Qué nos impide actuar?
No hay nada más humano que la locura. Las urgencias psiquiátricas
son uno de los pocos lugares que pueden albergar a cualquier persona en
cualquier momento, con independencia de su edad, sexo o país. Un lugar
de vida extremadamente palpable para salirse de la carretera. Una pequeña
vía de humanidad. “Mientras los seres humanos seamos mortales, nunca
viviremos relajados”, dijo Woody Allen. El suelo será de un material na-
tural aún por definir y a lo lejos aparecerá un muro de ventanales de vi-
drio que reproducirá las condiciones del fuera de cámara tras las ventanas.
FOTOGRAFÍA:
Jean-Christophe Meurisse ©PHILIPPE LEBRUMAN
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MAR AGUILÓ País: España

Duración: 1h (aprox.)

ALMA Coreógrafas e intérpretes: Mar Aguiló,

Marion Barbeau
Danza Música: Aire y otros por confirmar
Estreno absoluto Iluminación: Oscila
Coproducción: Teatros del Canal,
CF Art, Conseil y Teatre Principal
de Palma

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra
21 de abril - 20.30 h
22 de abril - 19.00 h
23 de abril - 17.30 h
20€

La coreógrafa y bailarina de la Compañía Nacional de Danza Mar Aguiló

y la bailarina solista del Ballet de la Ópera de París y actriz Marion Bar-
beau se reencuentran para crear ALMA. Un dúo de danza que tiene como
punto de partida la activación de la instalación del artista Pep Agut en
el Palacio de Cristal del Retiro, donde además de dialogar entre ellas y
con la obra, contaban con la mirada de la artista visual Lourdes Cabrera.
Trabajando cuerpo a cuerpo en un amanecer de verano en la
emblemática catedral de cristal madrileña, se encontraron frente
a unos conflictos de reflejo y disociación con El Otro que reso-
naron profundamente en ellas. Como resultado de esa experien-
cia, se embarcan en ALMA con la idea de reescribir el film Per-
sona, de Bergman, compartiendo su conocimiento en las técnicas
depuradas del ballet clásico y su interés por lo contemporáneo.
Las dos bailarinas se seducirán y se retarán en una extraña expe-
riencia de simbiosis, convirtiéndose en personajes que se confunden
e intercalan por momentos metamorfoseándose como un espejismo.
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GÖTEBORGS STADSTEATER País: Suecia

Idioma: sueco (con sobretítulos

El silencio (Tystnaden), en español)

Duración: 1h 35’ (sin intermedio)

de Ingmar Bergman Adaptación: Mark O’Halloran,

Dead Centre
Teatro Traducción al sueco: Joel Nordström
Estreno en España Dirección: Bush Moukarzel
Dirección de vídeo: Grant Gee
Elenco: Mia Höglund-Melin,
Sandra Redlaff, Christer Fjellström,
Ramtin Parvaneh, Karin Lycke,
Marta Andersson Larson
Extras: Berna Inceoglu, Anna Jukic
Escenografía: Jeremy Herbert
Diseño de vestuario: Maja Kall
Diseño de máscaras: Patricia Svajger
Diseño de iluminación: Max Mitle
Diseño de sonido: Kevin Gleeson
Compositor: Kevin Gleeson
Dramaturgia: Ben Kidd, Joel Nordström
Editorial: Fundación Ingmar Bergman
(manuscrito original)

Sala Roja
22 de abril - 20.30 h
23 de abril - 19.00 h
30€ / 25€ / 20€ / 9€

La aclamada compañía de teatro irlandesa Dead Centre, conocida por

su excéntrica estética y su estilo de actuación lúdico y único, pone
su sello personal en la película de Ingmar Bergman. Fundada en
2012 por Bush Moukarzel, Ben Kidd y Adam Welsh, es una de las
compañías teatrales irlandesas de mayor éxito de los últimos años.
«Queríamos captar la atmósfera de desolación y soledad, el anhelo
de comunicación de la película de Bergman. Pero queríamos que le
hablara a un público contemporáneo, por lo que situamos El silencio en
el contexto político europeo actual. Las hermanas tienen el privilegio
de poder salir de la ciudad ficticia de Timoka cuando lo desean, algo
imposible para la población local», afirma Bush Moukarzel, director.
Anna y Ester, dos hermanas con una relación difícil, se dirigen
a su casa en Suecia con Johan, el hijo pequeño de Anna. Ester cae
enferma y se ven obligados a interrumpir su viaje en un país extran-
jero en la frontera de Europa. Se encuentran en la ciudad ficticia de
Timoka, un lugar misterioso donde los lugareños hablan una lengua
FOTOGRAFÍA:
que no entienden. El país parece estar al borde de una guerra civil. ©OLA KJELBYE
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ÉRICA RIVAS País: Argentina

Idioma: español

Matáte, amor Duración: 1h y 49' (sin intermedio)

De Ariana Harwicz Texto: Ariana Harwicz

Elenco: Érica Rivas

Dirección: Marilú Marini Dirección: Marilú Marini

Diseño de movimiento: Diana Szeinblum
Voz del Amante: Rodolfo de Souza
Teatro Adaptación teatral: Ariana Harwicz,
Estreno en España Érica Rivas y Marilú Marini
Diseño de luces: Iván Gierasinchuk
Diseño de video escénico: Maxi Vecco
Vestuario: Mónica Toschi
Escenografía: Coca Oderigo
Diseño de sonido: Jesica Suárez
Diseño de maquillaje y peinado:
Emmanuel Miño
Diseño gráfico: Juan Gatti
Fotografía: Sebastián Freire
Producción: Érica Rivas, Marilú Marini
y Carla Juliano

Sala Negra
27 de abril - 20.30 h
28 de abril - 18.30 h
29 de abril - 19.00 h
30 de abril - 17.00 h
20€

Matáte, amor es ese personaje, esa mujer de la que dicen que su femi-
neidad está alterada en su manera de desear, de romperse el cuerpo, de
arrojarse sucia, de tomar un fusil, de no tener piedad con nadie, sobre
todo con ella misma. Pero querer sodomizar al marido o abandonar
al hijo, ¿qué es para una mujer-cazador que intenta salvarse de no ser
nada, que intenta dar con su verdadera lengua? ¿A dónde mira? ¿A
dónde entra cuando va al bosque? ¿Qué está diciendo en otro idioma?
La novela de Ariana Harwicz nos atrapó desde un inicio. Esa mujer
salvaje, a punto de convertirse en escritora nos llamaba desde el bos-
que, su aullido nos sacó del letargo y la necesidad de trabajar juntas,
la de plasmar nuestra amistad en una obra de arte que se pregunte
sobre nuestro amor por la actuación, por el trabajo de las mujeres en
este mundo, por la extranjería, las formas del deseo, la maternidad.
La novela de Ariana nos abrió a un bosque lleno de posibles caminos
que nos pierden y nos encuentran, siempre caminos interesantes y
divertidos donde la risa no falta, la sensación de abrazarnos con su
confesión y llegar a nosotras para mitigar el miedo, para ser valien-
te, para ir contra todo, para poder seguir siendo mujeres deseantes.
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MARIO VARGAS LLOSA País: España

Idioma: español

JUAN CARLOS RUBIO Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

ERNESTO CABALLERO Autor: Mario Vargas Llosa

Dirección: Juan Carlos Rubio

La tía Julia y el escribidor Adaptación: Ernesto Caballero

Teatro
Estreno absoluto

Sala Verde / Del 27 de abril al 14 de mayo

De martes a sábados - 19.45 h
Domingos - 18.00 h
25€ / 20€ / 9€

Un retrato inteligente, divertido y sarcástico de la sociedad lime-

ña de los años 50 y a la vez una defensa de las convicciones y los
deseos propios. Sus protagonistas, Camacho, Julia y Mario, son
personajes rebeldes e inadaptados que se niegan a mantenerse
dentro del férreo marco que la familia y la sociedad imponen.
Basada en la novela autobiográfica del Nobel Mario Vargas Llo-
sa, La tía Julia y el escribidor habla sobre los convencionalismos y la
doble moral de una sociedad amanerada e hipócrita que cada día
devora ávidamente frente a la radio violaciones, robos, asesina-
tos o incestos sin pestañear, y sin embargo se escandaliza de que
un joven se enamore de una mujer divorciada y mayor que él.
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ALEX AUGIER País: Francia

Duración: 50’ (sin intermedio)

hex /A\ Estreno Scoptione Festival,

Nantes (Francia), septiembre 2022
Música electrónica, vídeo y láser
Estreno en España Performance de audio + láser + vídeo
para Monome Grid
Concepto, programación, música, visuales
y diseño de interface: Alex Augier
Diseño Monome: Brian Crabtree
y Kelli Cain
Coproducción: Stereolux,
Alex Augier Studio

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Roja / 29 de abril - 21.00 h / 15€ / 12€ / 9€

Alex Augier es un músico y artista multidisciplinar afincado en París.
Su obra explora la estética digital desde un punto de vista musical y
transversal, incluyendo en sus trabajos elementos sonoros, visuales, for-
males y espaciales. Estos elementos interactúan con el espacio escénico
en forma de performances audiovisuales. Augier considera el arte como
un proceso de creación especifico donde cada elemento (diseño, progra-
mación, música, visuales y tecnología) está vinculado de una forma sin-
gular y coherente para ser finalmente interpretado en una pieza única.
hex /A\ es una performance en vivo donde audio, vídeo y láser es-
tán sincronizados. Como un pincel luminoso, el láser ensalza la ima-
gen visual por su carácter espacial y por su pureza espectral, incisiva
y deslumbrante. El proyecto defiende una estética transversal, vin-
culado por un lado a la geometría minimalista mediante el data, y
por otro a lo orgánico y complejo de la naturaleza. Integra, de esta
manera, nuevas formas de actuación en directo mediante interfa-
FOTOGRAFÍA:
ces vanguardistas programadas específicamente para este proyecto. ©DAVID GALLARD
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NEOPERCUSIÓN + Projecte SoXXI País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

X Rafa Gálvez, percusión

I. Xenakis 100 años Josep Furió, percusión

Joan Soriano, percusión
Nerea Vera, percusión
Música contemporánea Gÿe, percusión
Estreno en la Comunidad de Madrid
Juanjo Guillem, dirección y percusión

Sala Roja / 30 de abril - 19.00 h / 20€ / 18€ / 15€ / 9€

Acción sonora que conmemora el centenario del nacimiento del
compositor, arquitecto e ingeniero Iannis Xenakis. Una de las figuras
fundamentales para la entender la música contemporánea en general
y especialmente, la percusión del siglo XX.
2022, coincidiendo con el centenario del nacimiento del paradigmá-
tico compositor griego, nos ofrece la posibilidad de reevaluar a uno de los
pensadores más originales del siglo pasado. Si bien el virtuoso despliegue
del serialismo, glissandos, microtonos y electrónica que tiene su música
es en gran medida parte de su época, la energía pura y el estimulante ra-
dicalismo van más allá de los tradicionales círculos de música nueva para
abarcar un público más amplio proveniente de las artes y las ciencias.
Un concierto impactante por su energía explosiva e implacable
discurso rítmico y tímbrico que emana de esta música. Hibrida-
ción de razón y primitivismo que fascina a todo tipo de audiencias.
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LA SEÑORITA BLANCO País: España

Idioma: español

Paisaje dentro de paisaje: 2. Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

Uso de luces estroboscópicas

Lo animal
El espectáculo contiene desnudos
Artes vivas integrales
Estreno absoluto
Creación y dirección: La Señorita Blanco,
con la colaboración de los performers
Textos: La Señorita Blanco
Intérpretes: Ángela Millano
y María Pizarro
Vestuario y estética: La Señorita Blanco
Dispositivo escénico y elementos
plásticos: La Señorita Blanco
y Sarai Núñez
Espacio sonoro: Fernando Monedero
Maquillaje y caracterización: Sarai Núñez
Producción y management: TINA Agency

CREACIÓN
CANAL

Sala Negra / 3 y 4 de mayo - 19.00 h / 20€

TODO ES SANTO.
TODO ES SANTO.
EL DÍA QUE SOLO VEAS NATURALEZA EN LA NATURALEZA,
TODO HABRÁ ACABADO.
Hablo constantemente del terror ante la muerte. La montaña de-
lante de mi casa no hace más que recordarme que no soy infinita.
Ayer dos ciervos enormes paseaban por la montaña. Yo no lo digo
en voz alta, pero quiero pensar que aparecen cuando los necesito, me
dicen que todo está bien. Mirarlos me provoca placer y dolor a partes
iguales. Mirarlos me recuerda que no podré crear algo tan hermoso
y terrorífico a la vez.
¿QUÉ HAGO YO CON TODA ESTA BELLEZA?
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TOQUINHO Y YAMANDU COSTA País: Brasil

Duración: 1h y 15’ (sin intermedio)

(dúo de guitarras) Equipo artístico:

Bachianinha Toquinho, guitarra

Yamandu Costa, guitarra
Equipo técnico: MUSICA VIVA
Músicas del mundo INTERNATIONAL Management

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Roja / 5 de mayo - 20.30 h / 30€ / 25€ / 20€ / 9€

La unión de dos grandes de la música brasileña y universal ha
sido reconocida como uno de los grandes acontecimientos de
2021 con el Grammy Latino. Ahora, se presentan en una gira
mundial que los llevará a América, Asia y Europa.
En su nuevo disco, disfrutaremos de composiciones de Luiz Gonzaga,
Dorival Caymmi, Vinicius de Moraes, Baden Powell y Yamandu Costa.
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ABRAHAM CUPEIRO País: España

Duración: 1 hora y 10 minutos

Los sonidos olvidados (sin intermedio)

Intérpretes: Abraham Cupeiro

Música (karnyx, corna, uillean pipe, cornetto),
Saabela Camaño (acordeón)
y Margarida Mariño (violonchelo)

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Negra / 6 de mayo - 19.00 h / 20€

Los sonidos olvidados es en cierta manera un viaje en el tiempo. Es una
búsqueda de las fuentes originales para fundirlas con lo contempo-
ráneo y crear un discurso nuevo y sorprendente.
En este proyecto, los instrumentos de épocas pretéritas se sacan del
contexto para el que fueron concebidos. Se puede escuchar el karnyx
(instrumento de guerra), evocando el sonido de sirenas, delfines o el
mar en obras descriptivas y originales compuestas por Abraham. La
corna, que evoca cantos populares improvisados, y la uillean pipe, que en
este caso se utiliza para interpretar el Aria de la Suite en Re de J. S. Bach.
La música popular está también representada con instrumentos
recogidos en sus países de origen. Las Danzas rumanas de Bartók re-
encuentran en este proyecto a los protagonistas originales de las que
salieron por primera vez.
Músicas e instrumentos como el tango y el cornetto, separadas
en el tiempo, se acoplan de una forma tan natural que parecen
haber sido pensadas en la misma época. Los sonidos olvidados es la
búsqueda de la esencia, de lo primario. La evocación de sonidos
que resuenan en nuestro interior, que resuenan en la naturaleza.
Un viaje por la historia y los sentimientos enraizada en el presente.
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CONSTANTINI País: España

Duración: 1h y 15’ (sin intermedio)

Incandessence Claudio Constantini, bandoneón

y composición
Jazz fusión David Sancho, piano
Toño Miguel, bajo eléctrico
y contrabajo
Naíma Acuña, batería

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Roja / 6 de mayo - 20.30 h / 20€ / 18€ / 15€ / 9€

La emoción y la introspección están siempre presentes en la música
de Constantini, y ahora han dado lugar a un nuevo lenguaje, único
e inclasificable, que une los puntos de su versátil carrera artística.
El nacimiento de Incandessence marca un nuevo rumbo en el ca-
mino de este músico de amplio espectro. Constantini nos habla des-
de el alma –el bandoneón– y desde la mente –el piano– desplegando
toda su creatividad y virtuosismo para conciliar esa eterna dualidad
y abrir las puertas de la verdadera iluminación: la incandescencia.
A todo ello contribuyen el talento de los tres músicos que lo
acompañan para presentar este proyecto de fusión que prome-
FOTOGRAFÍA:
te ser uno de los más interesantes del panorama musical actual. ©ADASAT BARROSO
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MARIO PRISUELOS & País: España

Duración: 1h y 10’ (sin intermedio)

SIGMA PROJECT QUARTET Mario Prisuelos, piano

In Blue: Gershwin, Bernstein, Glass & SIGMA Project Quartet

Andrés Gomis, saxo soprano
Ángel Soria, saxo alto
Música clásica Alberto Chaves, saxo tenor
Josetxo Silguero, saxo barítono
Equipo técnico: MUSICA VIVA
International Management

Programa

I
Philip Glass
Concerto for saxofon quartet (1995)

II
Leonard Bernstein
Candile (1956)
(para piano y cuarteto de saxofones)

George Gershwin
Rhapsody in Blue (1924)
(para piano y cuarteto de saxofones)

Sala Roja / 7 de mayo - 19.00 h / 20€ / 18€ / 15€ / 9€

George Gershwin y Leonard Bernstein ponen a dialogar a la herencia
clásica europea con las músicas intrínsecamente americanas, como
el jazz y los ritmos latinos. Así, el principal reto logrado es perma-
necer en la línea que media entre Broadway y la ópera, el realismo
y la poesía, el ballet y el deseo, sencillamente, de ponerse a bailar.
Entre los compositores denominados “minimalistas”, Philip Glass es
sin duda uno de los más populares, logrando convertir lo que en principio
fue una corriente creativa minoritaria y elitista en un gran movimiento de
masas. La música de Philip Glass ha desatado una gran expectación tanto
en los ámbitos de la creación musical “clásica” como en los territorios
del pop-rock, logrando superar ese abismo que separa ambos mundos.
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ENRIQUE VIANA País: España

Idioma: español

Mentiras delgadas o Duración: 1h y 15’ (sin intermedio)

Un juzgado de cuplé Enrique Viana, tenor

Miguel Huertas, piano

Teatro musical Iluminación: José Manuel Guerra

Estreno absoluto

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Negra / 9, 10 y 11 de mayo - 19.00 h / 20€

Una diva retirada lleva una vida tranquila en Cascajares del Arro-
yo. La llegada del cartero altera la placidez de su histeria diaria…
recibe varias citaciones para acudir al juzgado. A saber: una de-
manda por viejas calumnias, una reclamación de Hacienda y una
denuncia de los vecinos de abajo por cantar en horas de siesta…
Los dramas se multiplican en la vida apacible del ansiolítico tarde
y noche, las viejas calumnias han prescrito y ella se siente “pres-
crita”, la última declaración de Hacienda la hizo en 1980, cuando
dejó de cantar a la edad de 9 años, y la casa es de una sola planta.
¿Qué hará? ¿A quién acudirá? ¿Cómo argumentará este pobre
fósil sus alegaciones en el juicio, si lo perdió en un ataque de tos?
Las músicas y las canciones salen a escena en el “planteamiento,
nudo y desenlace” fatal.
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MIET WARLOP País: Bélgica

Duración: 45’ (sin intermedio)

After All Springville. Disasters and Concepto y dirección: Miet Warlop

amusement parks Intérpretes: Hanako Hayakawa,

Winston Reynolds/Emiel Vandenberghe,
Alexandra Rosser/Margarida Ramalhete,
Teatro - performance Milan Schudel/Jacobine Tone Kofoed,
Estreno en la Comunidad de Madrid Wietse Tanghe/ Freek De Craecker,
Jarne Van Loon
Vestuario: Sofie Durnez
Directora de producción: Rossana Miele
Coordinación técnica:
Patrick Vanderhaegen
Equipo técnico: Eva Dermul,
Jurgen Techel, Bart Van Hoydonck
Producción: Miet Warlop
/ Irene Wool vzw
Coproducción: HAU Hebbel am Ufer
- Berlin (DE), Arts Centre BUDA (BE),
Arts Centre Vooruit (BE), PerPodium
(BE), De Studio Antwerpen (BE),
Internationales Sommerfestival
Kampnagel (DE)
Con el apoyo de The Belgian
Tax Shelter, las autoridades flamencas,
la Ciudad de Ghent (BE)
Agradecimientos: Arts Centre CAMPO
(BE), TAZ - Theater aan Zee & cc
De Grote Post (BE), Amotec (BE)
Contacto y distribución:
Frans Brood Productions

Sala Negra
13 de mayo - 19.00 h
14 de mayo - 18.30 h
20€
Menores de 14 años: 9€

En el escenario hay una casa, de la que salen hilos coloridos de humo;

poco después, aparece un hombre de verde con una bolsa de basura
en la mano, dispuesto a dejarla fuera. La casa es un trampolín para la
imaginación. ¿Estamos listos para el salto a lo desconocido? ¿Vamos
a asistir a un espectáculo surrealista o vamos a poder ver (finalmente)
la realidad subyacente tal como verdaderamente es, en su totalidad,
frágil y ciegamente dolorosa? La casa es como un cuerpo. Se traga a
los visitantes a través de sus aberturas y los vuelve a escupir fuera.
Extrañas criaturas, medio humanas, medio objetos, dan vueltas
alrededor de la casa. Desde un punto de vista humano, no están ple-
namente desarrolladas. A algunas les faltan los brazos. Apenas ven
nada. En su torpeza, se entregan de forma total. Aquí y ahora. Olis-
quean, atraen, ruegan afecto. Estos personajes solo pueden ser lo
que son o quienes son. Nada le gustaría más a la mesa que ser tan
atractiva como para ser suntuosamente adornada y preparada. La caja
de fusibles está a punto de explotar. Por un momento se forma un
grupo delante del ojo de la cámara con ruedas. ¡Sonreíd! El público
es el único que tiene una visión general. Observa a medida que se
van sucediendo los dramas individuales, de una forma tan inevitable
como el estallido de los fuegos artificiales o un tiroteo. Hasta que la
casa y el paisaje vuelven a dominar el escenario. Todo sigue su curso.
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GERHARD STRING QUARTET País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

Debussy y Shostakovich. Lluís Castán Cochs

El mundo de ayer & Judit Bardolet Vilaró, violines

Miquel Jordà Saún, viola
Jesús Miralles Roger, violoncello
Música clásica
Programa

C. Debussy
Cuarteto en sol menor Op. 10
Animé et très décidé
Assez vif et bien rythmé
Andantino, doucement expressif
Très modéré - En animant peu à peu -
Très mouvementé et avec passion

D. Shostakovich
Cuarteto nº 3
Allegretto
Moderato con moto
Allegro non troppo
Adagio
Moderato - Adagio

Sala Verde / 14 de mayo - 12.00 h / 20€ / 18€ / 9€

Las luces y las sombras del convulso s. XX se reflejan en este progra-
ma, con dos de las obras más emblemáticas para cuarteto de cuer-
da. El Cuarteto en sol menor de Debussy, escrito en 1893, y el Cuar-
teto nº 3 de Shostakovich, escrito al final de la II Guerra Mundial.
Relativamente pocos años separan estos dos mundos, el de antes
y el de después de las guerras que tuvieron lugar en dicho siglo.
El cuarteto de Debussy encarna un espíritu postromántico y colo-
rista propio del compositor francés. De estilo impresionista, cómplice
de los artistas pictóricos de la época, luce las virtudes y las capaci-
dades tímbricas del instrumento por excelencia de la música de cá-
mara: el cuarteto de cuerda. En él nos sumergimos en un mundo de
ricas sonoridades e ingrávidas armonías de extrema modernidad que
crean un mundo utópico, muy próximo al que define Stefan Zweig
en El mundo de ayer. El mundo feliz, la calma antes de la tormenta.
Nada que ver tiene el tercer cuarteto de Shostakovich, donde
tanto el estilo compositivo como el ambiente que nos describe
son de una aridez y subjetividad mucho más humanas, no tan
paisajísticas. Música prácticamente programática, puesto que el
mismo compositor define con un título el inicio de cada movi-
miento, este cuarteto es una descripción arrolladora de lo que
FOTOGRAFÍA:
fue la Segunda Guerra Mundial a ojos del compositor soviético. ©JOSEP MOLINA
202 203

KUKAI DANTZA País: España

Duración: 1h (sin intermedio)

¿Y ahora qué? Idea original y dirección: Jon Maya

Elenco: Alain Maya, Aritz López,
Danza contemporánea Junaid Jemal Sendi,
Estreno en España Helena Wilhelmsson, Ibon Huarte,
Izar Aizpuru, Leire Otamendi,
Nerea Vesga, Sua Enparantza,
Urko Mitxelena,
Y músicxs a definir
Coreografía: Jon Maya y bailarinxs
Música: Pascal Gaigne
Diseño de iluminación y espacio escénico:
David Bernués
Diseño vestuario: Alessio Meloni
Producción: Doltza Oar-Arteta,
Elena García, Jon Maya

MADRID CREACIÓN
EN DANZA CANAL

Sala Verde / 17 y 18 de mayo

“¿Y ahora qué?". Esta pregunta resuena constantemente. Ante el
espacio vacío, ante el camino que nos proponen, ante el futuro
que imaginamos... No tenemos respuestas concretas; compar-
timos una mirada, una forma de hacer, un camino... Estamos
ante una línea infinita. Caminamos juntos ¿por ese camino?
La danza cuerda es un ritual ancestral, universal, muy presente en
la cultura tradicional de numerosos países y colectividades; tan local
como universal. Es símbolo de cohesión social, respeto y entendimien-
to entre los integrantes de una misma comunidad. La unión de la so-
ciedad por medio de la danza. Respetando y aceptando la singularidad
de cada integrante, componiendo y compartiendo un espacio común.
El coreógrafo Jon Maya Sein propone ahondar en el valor de
esta simbología e incorporarla a los valores de la sociedad actual.
Transversalidad, diversidad cultural y democratización de los espa-
cios serán algunos de los conceptos por los que se emprenderá este
viaje, mediante la convivencia y la diversidad de expresiones y orí-
genes coreográficos. Diez intérpretes componen el elenco artístico.
“Encontraremos el movimiento en nuestra propia fuente.
Nuestra propia esencia será la que marque el tempo y el caminar
de la comunidad. Realizaremos nuestro camino a través de la di-
versidad de esta comunidad. En el 20 aniversario de Kukai Dant-
za hemos tomado el pulso a un gran reto. Buscando el camino,
afianzando el camino, compartiendo los caminos” ( Jon Maya Sein).
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OLGA MESA, EN DIÁLOGO CON Países: Francia - España

Idioma: español

FRANCISCO RUIZ DE INFANTE Duración: 1h (sin intermedio)

2019. Esto no es mi cuerpo Concepción y coreografía: Olga Mesa,

en diálogo con Francisco Ruiz de Infante
Interpretación: Natacha Kouznetsova,
Danza contemporánea con Olga Mesa
Estreno en la Comunidad de Madrid Dispositivo escénico, banda sonora y
video: Francisco Ruiz de Infante
Dirección técnica general y luces:
Xulia Rey Ramos
Sonido: Frédéric Apffel
Mirada exterior: Irène Filiberti,
Roberto Fratini Serafide y Daniel Miracle
Producción y difusión: Pierre Kiener
Imágenes promocionales: Tony Trichanh

Coproducción: Marseille Objectif DansE

(Marsella), Teatro CDCN Pôle Sud
(Estrasburgo) y La Caldera,
Centre de Creació, Dansa
i Arts Escèniques (Barcelona)

Con el apoyo Ministerio de Cultura

francés - DRAC Grand Est (Francia),
Région Grand Est (apoyo a la creación
2019) y Ciudad y Eurométropole de
Estrasburgo

Residencias Marseille Objectif DansE

(Marsella), la Fabrique de Théâtre
(Estrasburgo), Teatro CDCN Pôle Sud
(Estrasburgo), Teatro de Hautepierre
(Estrasburgo), Simone - campo de
entrenamiento artístico (Châteauvillain,
Francia), La Caldera, Centre de Creació,
Dansa i Arts Escèniques (Barcelona),
y LABoral, Centro de Arte y Creación
Industrial (Gijón)

Creación: 1996 (Teatro Pradillo, Madrid).

Reactivación: 2001 (Teatre de la Ville,
París). Recreación: diciembre de 2019
Sala Negra / 17 y 18 de mayo (Teatro CDCN Pôle Sud, Estrasburg)

En el trabajo de Olga Mesa, entre creaciones y experimentaciones, la

cuestión de “la transmisión” de una obra de su propio repertorio no se
había planteado hasta que, en 2019, retoma uno de sus solos más icó- MADRID CREACIÓN
EN DANZA CANAL
nicos y representativos: Esto no es mi cuerpo (creado en Madrid, 1996).
Duplicación de presencias, superposiciones de imágenes, sob-
reimpresiones… Enigmáticas alianzas. La coreografía, en perpetuo
diálogo con el vertiginoso dispositivo audiovisual imaginado por
Francisco Ruiz de Infante, establece un real frotamiento del pasa-
do con el presente. En escena asistiremos, literalmente, a un tiem-
po fascinante de transmisión interpretado por la bailarina Natacha
Kouznetsova, a quien la artista reconoce una energía que le era y
le es muy cercana. Una energía simultáneamente fuerte y frágil.
La obra original toma en esta verdadera “recreación” una nueva for-
ma y actualidad proponiendo una pieza-manifiesto en la que la artista
FOTOGRAFÍA:
cuestiona el cuerpo y sus maneras de ser desde una mirada desplazada. ©TONY TRICHANH
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HOFESH SHECHTER COMPANY País: Reino Unido

Duración: 1h y 35’

Double Murder: Clowns / The Fix (Clowns 45’ - intermedio - The Fix 30’)

Música muy alta

Danza contemporánea
Estreno en España Coreografía y música: Hofesh Shechter
Diseño de iluminación The Fix:
Tom Visser
Diseño de vestuario The Fix: Peter Todd
Diseño de iluminación Clowns:
Lee Curran
Diseño de iluminación adicional Clowns:
Richard Godin
Basado en el diseño de vestuario de
Clowns de Christina Cunningham
Double Murder es una producción de
Hofesh Shechter Company.
Por Sadler’s Wells, Théâtre de la Ville
Paris, Brighton Dome & Brighton
Festival, Les Théâtres de la Ville de
Luxembourg. Trabajo conjunto de
Shanghai International Dance Center
Theater (SIDCT), Hong Kong
- New Vision Arts Festival, National
Performing Arts Center, Taiwán,
República de China. - National Taichung
Theater, Festival d’Avignon,
Danse Montréal, Scène Nationale d’Albi,
Torinodanza Festival / Teatro Stabile di
Torino - Teatro Nazionale,
Marche Teatro / Inteatro Festival,
Opéra de Dijon and HOME Manchester.
Desarrollada en parte en el Banff
Centre for Arts and Creativity.
Double Murder cuenta con el apoyo de la
International Music and Art Foundation.
Hofesh Shechter Company cuenta con
el apoyo de la Fundación BNP Paribas
para el desarrollo de sus proyectos y
de financiación pública a través del
Arts Council England

Sala Roja / 18, 19 y 20 de mayo

Un nuevo y emocionante programa doble del coreógrafo de fama MADRID
internacional Hofesh Shechter que presenta dos piezas claramente EN DANZA
contrastadas para nuestro tiempo.
Con un guiño sarcástico a nuestra creciente indiferencia ante
la violencia, Clowns, creada originalmente para el Nederlands Dans
Theater 1 y producida posteriormente como película para la BBC,
desata un torbellino de anarquía coreografiada y nos plantea: “¿Hasta
dónde estamos dispuestos a llegar en nombre del entretenimiento?”.
En marcado contraste, The Fix, la nueva creación de Shechter,
aporta una energía tierna y frágil al escenario. Ofrece un momento
humano, crudo y compasivo en el que la violencia, la ternura y la es-
peranza quedan al descubierto a través del objetivo cinematográfico
y dolorosamente bello de Shechter.
Interpretada por sus inimitables bailarines y acompañada por la mú-
sica épica de una partitura compuesta por Shechter, Double Murder explo-
AFOTOGRAFÍA:
ra verdades dolorosas y ahonda en nuestras emociones más profundas. ©TODD MACDONALD
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ANN VAN DEN BROEK Países: Países Bajos y Bélgica

Duración: 1h y 15' (sin intermedio)

Joy Enjoy Joy Concepto y coreografía:

Ann Van den Broek
Danza contemporánea Intérpretes: Frauke Mariën,
Estreno en la Comunidad de Madrid Louis Combeaud, Nik Rajšek,
Jean-Gabriel Maury, Marion Bosetti,
Carla Guerra, Kamil Pilarski,
Isaiah Selleslaghs
Becarias: Beatriz Baptista,
Karolina Krynicka
Música: Nicolas Rombouts
Voces grabadas: Gregory Frateur
Fragmentos de conversaciones:
Tom Barman
Diseño de vídeo y luces:
Bernie van Velzen
Escenografía: Niek Kortekaas
Estilismo: Ann Van den Broek
en colaboración con Marielle Vos
Dirección de ensayos:
Pol Van den Broek, Gregory Frateur
Externo: Marc Vanrunxt
Reservas internacionales A propic
I Line Rousseau & Marion Gauvent
Agente holandés Bureau Berbee
& Jansen

Joy Enjoy Joy es una producción de

WArd/waRD en coproducción con los
socios permanentes Theater Rotterdam
(NL) y corso, Amberes (BE). Los socios
de coproducción La Filature, Mulhouse
(FR), Theater Freiburg (DE) y Podium
Bloos, Breda (NL). El proyecto cuenta
con el apoyo financiero de Fonds
Podiumkunsten (NL) y el Ayuntamiento
de Rotterdam (NL).

MADRID
Sala Verde / 20 y 21 de mayo EN DANZA

Ann Van den Broek deja atrás la temática oscura de Memory Loss y
Accusations y explora un tema aparentemente más ligero que acaba en
las regiones melancólicas de los recuerdos agradables, pero pasados.
Joy Enjoy Joy sigue el flujo de la vida, con los pies en la tierra y con dina-
mismo. Es una corriente constante, impulsora y palpitante, en conti-
nuo movimiento, sin detenerse nunca. Una corriente que brilla como
un reflejo de la luz, un sueño glamuroso, inquieto y lleno de energía.
Joy Enjoy Joy ilustra una transición: dejar de lado las acusaciones y los
reproches, los remordimientos y los deseos insostenibles. La lujuria se
transforma en amor profundo, la resistencia en aceptación, en el camino
hacia el consuelo y la seguridad para un alma perennemente inquieta.
Para Joy Enjoy Joy Ann Van den Broek se inspiró en el lenguaje cor-
poral de Tom Barman, líder del grupo belga dEUS. En la pieza también
se entretejen citas suyas, procedentes de una conversación que man-
tuvo con Ann Van den Broek durante la fase de investigación de esta
AFOTOGRAFÍA:
actuación, complementadas por la voz cantante de Gregory Frateur. ©RIO STAELENS
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WILLIAM KENTRIDGE País: Sudáfrica

Idioma: inglés, zulú, xhosa, sesotho y

Sibyl ndebele (con sobretítulos en español)

Duración: 22' + 42’

Música de NHLANHLA MAHLANGU Concepto y dirección: Wiliiam Kentridge

y KYLE SHEPHERD Compositor coral y director asociado:

Nhlanhla Mahlangu

I. The Moment Has Gone Compositor y director musical:

Kyle Shepherd
II. Waiting For The Sibyl Diseño de proyecciones: Žana Marovic
Diseño de vestuario: Greta Goiris
Diseño de escenografía:
Película y ópera contemporánea Sabine Theunissen
Diseño de iluminación: Urs Schönebaum
Cinematografía: Duško Marovic
Creado e interpretado por:
Kyle Shepherd (pianista),
Nhlanhla Mahlangu (vocalista y
bailarín), Xolisile Bongwana (vocalista
y bailarín), Thulani Chauke (bailarín),
Teresa Phuti Mojela (bailarina),
Thandazile ‘Sonia’ Radebe (bailarina),
Ayanda Nhlangothi (vocalista), Zandile
Hlatshwayo (vocalista), Siphiwe
Nkabinde (vocalista), Sbusiso Shozi
(vocalista)

Waiting for the Sibyl es un encargo

conjunto de Teatro del’Opera de Roma,
Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
y Dramaten Stockholm.
Wating for the Sibyl se estrenó en el
Teatro dell’Opera de Roma el 10 de
Sala Roja septiembre de 2019 junto con el Work in
27 de mayo - 20.30 h Progress de Alexander Calder.
28 de mayo - 12.30 y 19.00 h Producción: THE OFFICE performing
30€ / 25€ / 20€ / 9€ arts + film
Gira realizada en asociación con
La ópera de cámara Waiting For The Sibyl y la película con banda sonora Quaternaire
Fotos: Stella Olivier
en vivo The Moment Has Gone componen un programa singular sobre
el trabajo del artista sudafricano William Kentridge, una noche de
teatro que nos trae una alquimia visual y auditiva sin precedentes.
Según la historia de la Sibila de Cumas, la gente acudía a ella y le
hacía una pregunta. Ella escribía el destino de la persona en una hoja de
roble y la colocaba a la entrada de su cueva, sobre una pila de hojas de
roble. Pero cuando la persona iba a recuperar su propia hoja, se levanta-
ba una brisa que generaba un remolino, de modo que la persona nunca
sabía si había obtenido su propio destino o el destino de otra persona.
Sobrevolando esta historia, de forma tácita en la ópera pero muy
clara en nuestra mente, estaba el hecho de que nuestra Sibila con-
temporánea es el algoritmo que predice nuestro futuro, nuestra
salud, si obtendremos un préstamo del banco, si viviremos hasta
los 80, qué nos deparará nuestra genética. Pero de algún modo se-
guimos luchando para agarrarnos a la posibilidad de que exista una
Sibila humana, el deseo que tenemos de algo que no sea una má-
quina, para que nos oriente respecto a cómo vemos nuestro futuro.
Realizada a la vez que Waiting For The Sibyl, The Moment Has Gone
incorpora frases e ideas que reaparecen en la ópera de cámara, e in-
FOTOGRAFÍA:
cluye una aparición de la propia Sibila. ©STELLA OLIVIER
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ROBERT HENKE País: Alemania

Duración: 1h (sin intermedio)

Lumière III Creación: 2017-2022

Estreno: Barbican Concert Hall,
Música electrónica y láseres Londres, 2017
Estreno en la Comunidad de Madrid
Produccion: Studio Robert Henke

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 31 de mayo - 21.00 h / 15€ / 12€ / 9€

Robert Henke es un artista, de formación ingeniero, que trabaja en
los campos de la instalación audiovisual, la música y la performance.
Desarrolla sus propios instrumentos y algoritmos como parte in-
tegral de su proceso creativo, explorando percepciones del espacio
físico y virtual del sonido, pero también de la luz. Su material son
imágenes y sonidos generados por ordenador, grabaciones de campo,
fotografía y luz, que transforma, modula y recompone mediante re-
glas matemáticas, interacción en tiempo real y operaciones aleatorias
controladas. Además de artista (su alias más conocido, Monolake, es
un proyecto de dub-techno minimalista que lleva en activo 25 años),
es uno de los principales creadores y desarrolladores del software
Ableton Live: la herramienta estándar para la producción e interpre-
tación de la música electrónica hoy en día en el mundo.
Lumière explora el dialogo artístico entre los láseres de alta pre-
cisión y los sonidos de percusión. El lenguaje visual consiste en
la transformación y combinación de símbolos primarios: círculos,
cuadrados, líneas, puntos, glifos… Sonidos percusivos y texturizados
proveen el contrapunto a esas señales visuales, a ratos frágiles y si-
lenciosos, otros enormes y abrumadores. El resultado es un imagina-
rio lenguaje audiovisual de una cultura alienígena, que se comunica
mediante trazos de luz que aparecen y desaparecen, de una forma
futurística pero arcaica al mismo tiempo.
Cada evento Lumière es único y adaptado al espacio, con el artista
situado al final del teatro, experimentado y dando forma al trabajo
desde la perspectiva del espectador. Ha sido presentado más de 70 ve-
ces en Europa, Asia, África, Australia y América, desde teatros roma-
FOTOGRAFÍA:
nos a espacios industriales, festivales como CTM, MUTEK o Unsound. ©ANDREAS GOCKEL
214 215

ALVA NOTO – LIVE País: Alemania

Duración: 1h (sin intermedio)

Música electrónica y visuales Uso de luces estroboscópicas.

Estreno en España
Creación: 2022

LAS NOCHES
DEL CANAL

Sala Verde / 3 de junio - 21.00 h / 20€ / 18€ / 9€

Alva Noto (Carsten Nicolai) es un artista y músico alemán afincado
en Berlín y figura clave de la vanguardia y la investigación electró-
nica de este siglo. Para sus proyectos musicales utiliza el pseudóni-
mo Alva Noto. Nacido en 1965 en Karl-Marx-Stadt, es parte de una
generación de artistas que trabajan intensamente en la intersección
entre música, arte y ciencia, y es fundador de Raster - Noton, uno
de los principales sellos de música electrónica. Estudiante de arqui-
tectura en sus años de formación y artista visual interesado desde
siempre en las cualidades físicas del sonido, Nicolai ha trabajado en
múltiples proyectos, tanto en solitario como al lado de artistas como
Ryuichi Sakamoto, Ryoji Ikeda, Blixa Bargeld y Mika Vainho, entre
muchos otros.
Alva Noto ha girado por todo Europa, Asia, Sudamérica y [Link].
Ha actuado, entre otros, en el Museo Guggenheim de Nueva York, el
Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Contemporáneo de San
Francisco y la Tate Modern de Londres. Asimismo, es habitual en los
principales festivales de electrónica como Sònar, Mutek, etc.
Alva Noto estrenará su nuevo trabajo audiovisual como continua-
ción de su álbum HYbr:ID Vol. 1 (2021), la primera entrega de una serie
de nuevos trabajos donde utiliza métodos heterogéneos de composi-
ción. El proceso de creación de HYbr:ID está definido por la búsqueda
FOTOGRAFÍA:
de una forma de unir fenómenos astrofísicos, ficción y performance. ©NIKOLAUS BRADE
216 217

RACHID OURAMDANE País: Francia

Duración: 1h (sin intermedio)

Corps extrêmes Concepto: Rachid Ouramdane

Música: Jean-Baptiste Julien
Danza Vídeo: Jean-Camille Goimard
Estreno en España Iluminación: Stéphane Graillot
Vestuario: Camille Panin
Regidor: Sylvain Giraudeau
Con: 10 intérpretes
Producción: Chaillot
- Teatro Nacional de Danza
Coproducción: CCN2 - Centro
Coreográfico Nacional de Grenoble,
Bonlieu Teatro Nacional de Annecy,
Théâtre de la Ville - Paris*, Festival de
Danza de Montpellier 2021, L’Estive -
Teatro Nacional de Foix et de l’Ariège,
Le Bateau Feu - Teatro Nacional
de Dunkerque, Le Carreau - Teatro
Nacional de Forbach, MC2: Grenoble,
Teatro Molière - Sète, Teatro Nacional
de Archipel de Thau, Le Théâtre -
Teatro Nacional de Saint-Nazaire
* con la colaboración de Dance
Reflections de Van Cleef & Arpels
Agradecimientos: Gracias a Patricia
Minder, Xavier Mermod, Guillaume
Broust y Romain Cocheril
Con la colaboración técnica de Espace
Vertical y Music Plus en Grenoble
Con la colaboración de MC93 - Maison
de la Culture de Seine-Saint-Denis

MADRID
EN DANZA

Sala Roja / 3 de junio

Desde tiempos inmemoriales, la aspiración de poder volar ha te-
nido un poder fantástico: el aire en la piel, la altura, la ausencia de
gravedad. A medio camino entre los sueños infantiles y la utopía de
escapar la condición humana que nos mantiene pegados al suelo, las
personas que se enfrentan a la posibilidad de alzar el vuelo mencio-
nan un sentimiento de inquietud que a veces lleva a contemplar el
mundo que nos rodea de forma diferente. En Corps extrêmes me gus-
taría centrarme en la fascinación que supone el mero concepto de
alzar el vuelo, de ser ingrávido, de planear... ese momento en el que
uno se separa del suelo, como permiten varios deportes extremos
y determinadas prácticas artísticas, como la acrobacia y el trapecio.
FOTOGRAFÍA:
Rachid Ouramdane ©PASCALE CHOLETTE
218 219

COMPAGNIE N’SOLEH País: Costa de Marfil

Duración: 59’ (sin intermedio)

FARO FARO Coreografía: Massidi Adiatou

Con: Mariama Adiatu,
Hip hop y danzas tradicionales Alex Jordan Adou Amonkon,
Estreno en la Comunidad de Madrid David Martial Azokou,
Media Thie Bakayoko,
Zlangnan Sandrine Bieu,
Bamoussa Diomande,
Gnahoua Christ-Junior Dogbole,
Joulkanaya Kiebre,
Jean-Luc Stéphane Tehe
Equipo técnico: Freddy IRIE
Con el apoyo de la OIF,
Organización Internacional de
la Francofonía, el Instituto Francés
de Costa de Marfil, MASA,
Marché des Arts du Spectacle d’Abidjan,
el Instituto Goethe de Abiyán
y el Ministerio de Cultura
y Francofonía de Costa de Marfil

MADRID
EN DANZA

Sala Roja / 9, 10 y 11 de junio

Nos encontramos en Abiyán. En una calurosa callejuela a las afueras de
Yopougon, se alza un ring de boxeo al aire libre... Son las 7 de la tarde y
el barrio está repleto de gente y colores. Resuena el claxon de los taxis.
Las luces de las farolas y de las guirnaldas inundan el lugar. Hombres
y mujeres están radiantes con sus trajes tradicionales. A lo lejos, se oye
cómo llegan grupos de moteros bailarines, gente de la jet-set, faran-
duleros (dandis de todo tipo) y extravagantes DJ de diferentes estilos.
En cuestión de segundos, todos invaden el ring, se dividen
en varios grupos y se encaran. Suena el gong y comienza la ba-
talla. Coupé-décale, breakdance, artes marciales, acrobacias, im-
provisación y bailes africanos tradicionales, el explosivo espec-
táculo del coreógrafo marfileño Massidi Adiatou combina una
gran variedad de bailes urbanos que incendian el escenario.
220 221

CANAL STREET
CANAL
Hip Hop y danzas urbanas STREET

Varios espacios del teatro / Del 13 al 18 de junio

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan la ter-
cera edición de Canal Street, un ciclo dedicado al hip hop y las dan-
zas urbanas, con espectáculos de los artistas nacionales e internacio-
nales más destacados e innovadores. Canal Street contará también
con una Battle Contest (batalla de baile), donde los bailarines com-
petirán encima del escenario llevando al máximo sus habilidades.
Este ciclo se ha convertido en un referente para todos los amantes
de la danza urbana, disciplina que ha saltado de las calles a los esce-
narios sin perder su esencia.
Blanca Li, directora artística de los Teatros del Canal, destaca la
importancia de Canal Street como parte de su proyecto: “Desde que
llegué a la dirección de los Teatros del Canal quería abrir este espacio FOTOGRAFÍAS:
al hip hop y a las danzas urbanas porque me parece muy importan- ©CLARA PONS (ARRIBA)
©PIERRE GONDARD (CENTRO)
te que existan, no solo en la calle, sino también en los escenarios”. ©VICENTE R. (ABAJO)
222 223

ABDERZAK HOUMI País: Francia

Duración: 1h y 30’ (sin intermedio)

/ COMPAGNIE X-PRESS Coreografía y dirección: Abderzak Houmi

Y’a plus d’ saisons 7 intérpretes: por definir

Iluminación: Jean-Marie Lelièvre
Abderzak Houmi es artista asociado con
Danza - hip hop la Scène conventionnée L’Atelier
Estreno en España à spectacle
Compañía contratada por el
ministerio de Cultura francés
- DRAC Centre-Val de Loire
Compañía contratada por la
Région Centre-Val de Loire
Compañía subvencionada por el
Ayuntamiento de de Joué-lès-Tours
Coproducción: L’Atelier à spectacle
- scène conventionnée d’intérêt
national «art et création» de l’agglo
du pays de Dreux / Scène nationale
de l’Essonne / Scène nationale
d’Orléans / Scène nationale de
Châteauroux / Théâtre de Chartres
- scène conventionnée d’intérêt
national «art et création» / Scène
O Centre / L’Hectare - territoires
vendômois - centre national
de la marionnette en préparation
Sede: CCN Orléans - Maud Le Pladec
Residencias: Espace Malraux de
Joué-lès-Tours / Scène nationale
de l’Essonne - Théâtre de l’Agora
/ S.Y.R Chambray-lès-Tours

CANAL
STREET

Sala Verde / 14 y 15 de junio

Mi encuentro con el baile se realizó con la estética hip hop. Mi ex-
periencia artística se nutrió de la práctica de bailarín y coreógrafo.
Lejos de codificaciones y límites, encontré allí un punto de partida
y una energía hacia un espacio de libertad; las limitaciones crearon
un deseo muy real de desarrollar el movimiento desde estas bases.
La extensión y la apertura se han enriquecido con los encuentros
con otros artistas en el marco de residencias, giras, laboratorios, en-
cargos. En los últimos años me he centrado en el trabajo energético
del movimiento, el trabajo en línea y el trabajo de la memoria.
Si fuera necesario caracterizar la forma que toma mi trabajo, hay
un término científico que sería el más adecuado: hibridación. Traba-
jo para combinar un vocabulario hip hop con danza contemporánea.
Me encuentro en la encrucijada de varias estéticas y varios campos
artísticos. Despliego mi investigación con la convicción de que la
escritura personal es posible.
FOTOGRAFÍA:
Abderzak Houmi ©CARMEN MORAND
224 225

SALA DE CRISTAL
NUEVOS CICLOS CANAL

La última de las salas creadas en estos Teatros del Canal es un espa-

cio versátil y polivalente, que aprovecha sus inmejorables condiciones
acústicas y la posibilidad de ser tanto una sala nocturna cerrada o abier-
ta a la noche y el tránsito de la ciudad, gracias a sus enormes venta-
nales acristalados y el gran telón que los puede cubrir, como diurna
y luminosa para los espectáculos familiares de día. Su capacidad para
acoger otras líneas de programación distintas al resto de salas quedará
establecida con los ciclos que se han previsto para ella. Empezaremos
por la segunda edición de Canal Jazz, donde las voces y los instrumentos
más notables del jazz patrio se darán cita los miércoles en este escena-
rio íntimo y especial, que funcionará como un auténtico club urbano.
Los jueves será el turno de Canal Flamenco: una programación
constante de la escena flamenca madrileña, con particular atención a
los artistas emergentes nacidos después de 1995. Talentos como José el
Tomate, Reyes Carrasco, Morenito Hijo, Alba Espert, Mariam Fernán-
dez, David de Arahal... en un espacio que deja margen para la nueva
generación que comandará el Flamenco en un futuro próximo. Canal
Electro Pop convocará todos los viernes a los grupos de las músicas
de hoy: electrónica de calidad, pero también pop y rock emergen-
tes, para descubrir la música que se está haciendo hoy en la capital.
Los sábados será el turno para Canal Performance, tal y como
ha sido hasta ahora, pero con la incorporación de algún espectá-
culo nocturno. Un programa pensado para actos escénicos híbri-
dos, performances artísticas y cualquier otra apuesta de artes vivas.
Y por último, los domingos nos dedicaremos al público más joven
con Canal Familiar: espectáculos de magia y creatividad, participa-
tivos para los más pequeños, en una amalgama que irá de la magia
al teatro, del cuentacuentos a la danza, del malabarismo a la música,
FOTOGRAFÍA:
con el único objetivo de que padres y niños puedan disfrutar juntos. ©PABLO LORENTE
FESTIVALES
DE LA COMUNIDAD
DE MADRID
228 229

SUMA FLAMENCA SUMA FLAMENCA

JOVEN
José del Tomate, Ismael el Bola,
Alba Heredia
Sala Verde / 22 de septiembre
20€ / 15€ / 9€
David de Arahal, Teresa Hernández,
Gabriel Matias
Sala Verde / 23 de septiembre
20€ / 15€ / 9€
Álvaro Mora, Juanfra Carrasco,
Ana Latorre
Sala Verde / 24 de septiembre
20€ / 15€ / 9€
Alejandro Hurtado, Manuel
de la Tomasa, Águeda Saavedra
Sala Verde / 25 de septiembre
20€ / 15€ / 9€

SUMA FLAMENCA
Manolo Sanlúcar
Sala Verde / 20 de septiembre / 3€
Tomatito
Sala Verde / 18 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Mayte Martín
Sala Verde / 19 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Rafael Riqueni
Sala Verde / 20 de ocubr
25€ / 20€ / 9€ FOTOGRAFÍA: ©PEPE LAMARCA

El Pele
Sala Verde / 21 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Dorantes
Sala Verde / 22 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Carmen Linares
Sala Verde / 23 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Diego Amador
& José María Bandera
Sala Verde / 25 de octubre
25€ / 20€ / 9€
Rosario La Tremendita
Sala Verde / 26 de octubre
Nuestra Comunidad será, a través del lema Madrid Flamenco y con 25€ / 20€ / 9€
la dirección artística, un año más, de Antonio Benamargo, un lugar
Víctor Guadiana Cuarteto
de encuentro de artistas flamencos andaluces, españoles en general y Sala Negra / 25 de octubre / 20€
hermanos de otras latitudes que plasmarán sobre el escenario el mapa Dani De Morón
actual del “Planeta Flamenco”. Sala Negra / 26 de octubre / 20€
Pino Losada
Madrid, como centro geográfico y capital de España, a lo largo de su Sala Negra / 27 de octubre / 20€
historia ha sabido captar todo aquello que representase una manifesta-
La Tati
ción artística, actuando como agente catalizador. Madrid ha jugado un Sala Roja / 2 de noviembre
importante papel en la historia, aceptación y divulgación del Flamenco, 40€ / 35€ / 30€ / 25€ / 9€
la nómina de artistas (especialmente del baile y la guitarra) y de Cafés María Pagés
Sala Roja / 3 de noviembre
Cantantes y posteriores Tablaos es muy superior al de la mayoría de las 25€ / 20€ / 18€ / 9€
capitales de Andalucía. No parece exagerada la consideración popular Jesús Carmona
de Madrid como la novena provincia andaluza. Sala Roja / 4 de noviembre
25€ / 20€ / 18€ / 9€
Como antesala de la Suma Flamenca propiamente dicha, celebraremos Mercedes Ruiz
la Segunda edición de Suma Flamenca Joven, una muestra de concertistas Sala Roja / 5 de noviembre
de guitarra, cantaores/as y bailaores/ as nacidos después del 31 de diciembre 25€ / 20€ / 18€ / 9€
José Maya
de 1991, menores de 30 años, que actuarán en el escenario de la Sala Verde Sala Roja / 6 de noviembre
de los Teatros del Canal del 22 al 25 de septiembre de 2021. 25€ / 20€ / 18€ / 9€ IMAGEN:© PATTEN 202
230 231

FESTIVAL DE OTOÑO BARO D’EVEL

Falaise
Sala Roja
10, 11 y 12 de noviembre

tg STAN / DE ROOVERS
Infidèles
Sala Verde
11 y 12 de noviembre

tg STAN / JÉRÔME BEL

Dances for an actress
(Jolente De Keersmaeker)
Sala Negra
12 y 13 de noviembre

MARINA OTERO
Fuck Me
Sala Verde
15 y 16 de noviembre

ANIMAL RELIGION
Ahir (Ayer)
Sala Negra
16 y 17 de noviembre

SOCIETAT
DOCTOR ALONSO
Hammamturgia
Sala Negra
19 y 20 de noviembre

WAJDI MOUAWAD /
LA COLLINE – THÉÂTRE
NATIONAL
Sœurs
Sala Roja
19 y 20 de noviembre

COMPAGNIE
NON NOVA – PHIA MÉNARD
VORTEX
Sala Roja
22 y 23 de noviembre

TIAGO RODRIGUES
Dans la mesure de l'impossible
Sala Roja
26 y 27 de noviembre

La programación del Festival de Otoño volverá a ocupar las Salas

Roja, Verde y Negra de los Teatros del Canal del 10 al 27 de noviembre
con propuestas que dan cuenta de la diversidad y riqueza de la creación
nacional e internacional: circo contemporáneo, teatro físico, danza, tea-
tro de texto, etc.
De nuevo la Sala Roja será el escenario del espectáculo inaugural de
IMAGEN:
un Festival que alcanza ya las cuarenta ediciones. ©ALBERTO REGUERA
 233

FIAS
FESTIVAL INTERNACIONAL
ARTE SACRO
Del 7 al 23 de marzo

La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid presenta la

edición número 33 del FIAS. Festival Internacional de Arte Sacro, un ciclo de
conciertos que tras su profunda metamorfosis en los últimos años se presenta
consolidado ya por méritos propios como una de las citas musicales con mayor
personalidad e interés de España. Un festival que sigue apostando por los encargos
y las producciones propias, por huir de lo previsible para ofrecer una programación
inédita y de extraordinaria calidad a un público transversal e intergeneracional al
que no le interesan las etiquetas, sino las historias que construimos a través de cada
propuesta musical, relatos que remiten a conceptos que plantean una reflexión
abierta y contemporánea sobre la noción de lo sagrado. Una idea tan llena de
atractivos significados en torno a la que seguirá gravitando la programación del
festival en 2023, explorando una vez más los distintos lenguajes con los que la
música puede adentrase en los límites de lo espiritual y lo transcendente.

TEATRALIA - FESTIVAL INTERNACIONAL

DE ARTES ESCÉNICAS PARA TODOS LOS PÚBLICOS
Del 7 al 19 de marzo

Teatralia, organizado por la Comunidad de Madrid, se ha consolidado en los últimos

26 años como un encuentro internacional de referencia que reúne una variada
oferta de artes escénicas dedicadas, en esencia, al público más joven.

Entre las diversas disciplinas que se programan podemos encontrar todas las artes
escénicas, no solo según la tradicional división de música, danza y teatro, sino un
sinfín de combinaciones de lenguajes artísticos que caracterizan la creación actual;
todas ellas con el denominador común del rigor artístico y el compromiso ético.

FESTIVAL MADRID EN DANZA

Mayo y junio

La 38ª edición del Festival Madrid en Danza volverá a convertir a la Comunidad de

Madrid en el corazón mundial de la danza y el arte en movimiento. Durante mayo
y junio de 2023, con una amplia y variada programación, la cita internacional se
erige en un poderoso alegato por la vida y la cultura. Madrid en Danza programará
en los Teatros del Canal a compañías tanto nacionales como internacionales, en lo
que será un gran escaparate de la danza en todas sus expresiones y en comunión
con otras artes: danza contemporánea, neoclásica, danza teatro, española, flamenco,
performance, urbana, teatro físico, artes plásticas y música experimental.

FOTOGRAFÍA:
©PASCALE CHOLETTE
ACTIVIDADES
PARALELAS
236 237

EL CANAL Y SUS ARTISTAS

Nos mantenemos fieles a nuestro compromiso de establecer un diálogo entre los artistas y la ciudadanía,
para que el público de los Teatros del Canal pueda acercarse aún más a la creación y sus protagonistas.
Con este objetivo, se mantienen los Encuentros con el público: la posibilidad de conversar y preguntar
a autores, directores e intérpretes justo después de presenciar la función, entablando con ellos un
diálogo que permita aclarar las bases de cada una de las propuestas escénicas, sean de teatro o danza. El
Centro Coreográfico Canal abre las puertas a unos Ensayos con público, donde los titulares de las veinte
residencias de investigación concedidas por esta institución dedican un día a testar, frente a público real,
sus investigaciones en danza, lo que incluye un posterior coloquio con los espectadores. Los Teatros del
Canal también ofrecerán conferencias y mesas redondas para algunos ciclos, como Canal Connect: una
posibilidad única de conocer de primera mano a los creadores de arte escénico y plástico vinculados a las
últimas corrientes científicas y tecnológicas. En el marco de este festival, también se realizarán talleres,
centrados en el arte, la ciencia y la tecnología, pensados para los más pequeños, pero también para los
adultos que se animen a acompañarlos. Estos talleres para público infantil se prolongarán en actividades
pensadas, los fines de semana, para toda la familia.
CREACIÓN
CANAL
 241

MANUEL RODRÍGUEZ CREA DANCE COMPANY EVA YERBABUENA OLGA MESA, EN DIÁLOGO CON
MANU / MARÍA ROVIRA Re-fracción (desde mis ojos) FRANCISCO RUIZ DE INFANTE
Danza contemporánea ODISSEA Danza-flamenco / Sala Roja 2019. Esto no es mi cuerpo
/ Canal Baila / Sala Negra Danza contemporánea / 27, 28 y 29 de enero Madrid en Danza
/ 1 y 2 de septiembre / Sala Verde / 14 y 15 de octubre / Danza contemporánea
CICLO BOADELLA / Sala Negra / 17 y 18 de mayo
LUCÍA ÁLVAREZ LA PIÑONA LUCÍA VÁZQUEZ
Insaciable Malos tiempos para
Flamenco / Canal Baila FURTHER THOUGHTS la lírica KUKAI DANTZA
/ Sala Negra / 6 y 7 de (Pensamientos adicionales) Espectáculo lírico teatral ¿Y ahora qué?
septiembre Danza contemporánea / Sala Verde / Del 15 de febrero Madrid en Danza / Sala Verde
/ Canal Baila / Sala Negra al 5 de marzo / 17 y 18 de mayo
DANIEL RAMOS LÓPEZ / 18 y 19 de octubre
conTRAcuerpo Diva
Danza española y flamenco ANTONIO RUZ Espectáculo lírico teatral
/ Canal Baila / Sala Negra PHARSALIA / Sala Verde
/ 10 y 11 de septiembre Danza contemporánea / Del 8 al 12 de marzo
/ Sala Roja / 21, 22
HELENA MARTÍN y 23 de octubre ROCÍO BERENGUER
Los Narciso TheBadweeds
Danza - teatro / Canal Baila MEY-LING BISOGNO PHYSICAL Música, danza y teatro
/ Sala Negra / 15 y 16 de THEATRE / Sala Negra / 12 y 13 de abril
septiembre Ready-Made
Teatro físico de objetos STEFANO ACCORSI
LAIMPERFECTA / Canal Baila / Sala Negra
Sudar Folklore AZUL
/ 22 y 23 de octubre
Danza contemporánea Gioia, Furia, Fede
/ Canal Baila / Sala Negra COMPAÑÍA SHARON FRIDMAN y Eterno Amor
/ 20 y 21 de septiembre Teatro / Sala Verde
EXPRÍMEME_LIFE IN PROCESS / 12 y 13 de abril
PHILIP GLASS / Danza contemporánea
/ Sala Verde / 3, 4 y 5 de
JEAN COCTEAU noviembre
LUZ ARCAS / LA PHÁRMACO
Orphée Mariana
Ópera de cámara SERGIO PERIS-MENCHETA Danza contemporánea
Sala Roja / Sala Verde / 15 y 16 de abril
/ Del 21 al 25 de septiembre
Ladies Football Club,
de Stefano Massini JOSÉ Y SUS HERMANAS
Teatro / Sala Verde
MERCEDES PEDROCHE / Del 30 de noviembre al Concurso de malos talentos
& COMPAÑÍA 23 de diciembre Teatro / Sala Negra
Terrario / 15, 16, 18 y 19 de abril
[La tierna indiferencia CAROLINA ROMÁN
del mundo] Amaeru CHIENS DE NAVARRE
Danza contemporánea Teatro / Sala Negra La vida es una fiesta
/ Canal Baila / Sala Negra / Del 5 al 22 de enero (La vie est une fête)
/ 24 y 25 de septiembre Teatro / Sala Verde
ANTONIO C. GUIJOSA / Del 20 al 23 de abril
PAU ARAN Las cartas de Cristian
La misma diferencia Teatro / Sala Negra MAR AGUILÓ
Danza - teatro / Canal Baila / Del 26 de enero al ALMA
/ Sala Negra / 29 y 30 de Danza / Sala Negra
12 de febrero
septiembre / 21, 22 y 23 de abril
KOMOCO / SOFIA NAPPI ANDRÉS LIMA / EDUARD
FERNÁNDEZ / SANTIAGO LOZA LA SEÑORITA BLANCO
IMA
Danza contemporánea Todas las canciones de amor Paisaje dentro de paisaje: 2.
CREACIÓN
/ Canal Baila / Sala Negra Teatro / Sala Verde Lo animal CANAL
/ 4 y 5 de octubre / Del 27 de enero al Artes vivas / Sala Negra
12 de febrero / 3 y 4 de mayo
CENTRO
COREOGRÁFICO
CANAL
 245

E l Centro Coreográfico Canal, dependiente de

la Comunidad de Madrid, abrió sus puertas en
el año 2009 como un espacio artístico dedica-
y que permita la transmisión, al servicio de las
obras durante el tiempo de la creación y cada
una de sus etapas (gestación, ensayos, represen-
do a la creación y difusión de la danza y las artes taciones). Un lugar donde el público también
del movimiento. pueda asistir al proceso de
El edificio de cinco plantas, creación, invitándole pun-
integrado en el complejo de los tualmente a asistir a ensayos
Teatros del Canal, cuenta con abiertos, a clases de profe-
nueve salas de ensayos y dis- sionales. Un lugar único que
pone de las más completas do- centraliza recursos al servicio
taciones técnicas para que los de la danza. El equipo de pro-
profesionales puedan desarro- fesionales del Centro Coreo-
llar su trabajo en las condicio- gráfico Canal queda a dispo-
nes más favorables. sición de sus residentes para
«El Centro Coreográfico consultas y recomendaciones,
Canal es un centro de crea- apoyando a las compañías y
ción y estudio de la danza con coreógrafos. Como parte del
la ambición de profundizar y proceso de tutelaje, las piezas
desempeñar un trabajo artís- creadas en el Centro Coreo-
tico que promueva la creación gráfico Canal llevarán el sello
coreográfica en todas sus for- de los Teatros del Canal.
mas de expresión. Además, el Centro se
Un espacio también de en- compromete con las compa-
cuentros e intercambios. Los ñías madrileñas y ofrece una
estudios del Canal son un la- herramienta completa de in-
boratorio ideal que permite “Quiero que formación sobre todas las agru-
llevar a cabo proyectos muy paciones profesionales de dan-
diversos, desde grandes es- el Centro sea za de la Comunidad de Madrid,
pectáculos a formas indivi- abarcando el mayor abanico de
duales. Tengo la voluntad y reconocido como estilos posible al servicio de los
el deseo de que la creación, la
investigación, la innovación y un espacio para profesionales y programadores
de todo el mundo.
la experimentación constitu-
yan la energía vital del Centro
la danza abierto El compromiso que adquie-
re el Centro Coreográfico Ca-
Coreográfico Canal. Un cen-
tro abierto a todos los estilos
a la diversidad y nal con los profesionales de la
danza se concreta en la convo-
de danza, hip-hop, flamen- que permita la catoria anual de un programa
co, danzas del mundo, ballet, de residencias, seleccionadas
danza contemporánea… Un transmisión, entre todas las candidatas por
entorno dedicado a la crea- un jurado de reconocidos pro-
ción y a los creadores tanto al servicio de fesionales, y apoyadas con una
de compañías ya consagradas
como de compañías emergen- las obras” dotación económica con la fi-
nalidad de facilitar el proceso
tes o jóvenes coreógrafos, en de creación e investigación del
busca de un lugar para trabajar. Un centro para proyecto, que finaliza con la exhibición pública de
la expresión coreográfica y la experimentación las obras creadas en el Centro».
de nuevas formas.
Quiero que el centro sea reconocido como Blanca Li
un espacio para la danza abierto a la diversidad Directora de los Teatros del Canal
FOTOGRAFÍA:
©DANILO MORONI Y JUAN CARLOS TOLEDO
246 247

“El objetivo de Residencias de investigación: dirigidas a apoyar la exploración,

investigación y desarrollo de proyectos en proceso. En este caso la
este programa residencia será de 1 mes. Las 20 compañías seleccionadas para las
residencias de investigación son:
de residencias es Gonzalo Simón. Pieles y pliegues (Madrid)
Manuela Barrero dlcAos… el continuo interminable amor que tengo por ti
apoyar al tejido (Madrid)
la mínima. Pieza para el sombrero de mi madre (Madrid)
profesional Compañía Carmen Muñoz. Invocation (Barcelona)
Jesús Benzal. Lo que ocurre en un instante (Madrid)
a través de Kor’sia. Mont Ventoux (Madrid)
Sergio R. Suárez. La revisión (Madrid)
la concesión Miguel Fiol y Daniel Claret. AHA (Antes Hacíamos Análogos) (Palma de
Mallorca)
de espacios Lia Ujčič & Vincent Wodrich. Somethingtouching (Eslovenia/Alemania)
Allan Falieri. O nao lug_ar (Madrid)
privilegiados para Francisco Hidalgo y Belén Maya. Moscas y diamantes (Madrid)
ELAMOR. Alicia (Madrid)
Compañías residentes 2022 su trabajo, además Compañía Daniel Abreu. Dalet (Madrid)
Melania Olcina Yuguero. Deambulantes (Madrid)
Compañías residentes seleccionadas en la 14ª convocatoria de residencias (2022) de facilitar el Janet Novás. Proto (Madrid)
Arthur Bernard Bazin, Julia Nicolau y Javiera Paz. DesRoutes (Madrid)
Estos son los 30 proyectos seleccionados para el 14º programa de tiempo para la Jesús Rubio Gamo y Luz Prado. 32 estudios elementales (Madrid)
residencias artísticas. Un total de 247 solicitudes, 110 para residencias Babirusa Danza / Beatriz Palenzuela y Rafael de la Lastra. Muchos
de creación y 137 de investigación, se han presentado a la decimocuarta investigación, caballos cabalgando juntos pueden hacer temblar la tierra (Santander)
convocatoria de esta iniciativa de la Comunidad de Madrid. Proyecto Reyes-Angulo. Polvo, nada y viento (Madrid)
creación de Mucha Muchacha. Seré folklore o no seré (Madrid)
Para la elección de los proyectos se ha creado una comisión de
selección formada por tres profesionales del ámbito de la danza recursos para la El objetivo de este programa de residencias es apoyar al tejido
(Mónica Runde, José Carlos Blanco Martínez y Daniel Doña), así como profesional a través de la concesión de espacios privilegiados para su
por la directora de los Teatros del Canal y del Centro Coreográfico formación y el trabajo, además de facilitar el tiempo para la investigación, creación
Canal, Blanca Li. de recursos para la formación y el intercambio de procesos. Todos los
intercambio de proyectos contarán con una dotación económica.
Este programa está dirigido a profesionales, tanto creadores como
compañías, consolidados o emergentes, que desarrollen sus líneas de procesos.”
trabajo en torno a la danza y las artes del movimiento, y que tengan
como objetivo investigar o crear nuevos proyectos en este ámbito.

Residencias de creación: dirigidas al desarrollo de nuevas propuestas

escénicas o piezas no concluidas que tienen como objeto el desarrollo
de un trabajo escénico puesto en marcha en el CCC. Los proyectos
escogidos para esta modalidad tendrán un periodo de residencia de
2 meses y además se exhibirán en el ciclo Canal Baila programado
la próxima temporada. Las diez compañías seleccionadas para las
residencias de creación son:

Daniel Ramos López. Contracuerpo (Madrid)

Lucía Vázquez. Further thoughts (Pensamientos adicionales) (Sevilla)
Helena Martín. Los Narciso (Madrid)
Komoco. Ima (Italia)
Alberto Alonso/ Laimperfecta. Folk (Madrid)
Mey-Ling Bisogno physical theatre. Ready-made (Madrid)
Mercedes Pedroche. Terrario (La tierna indiferencia del mundo) (Madrid)
Lucía Álvarez La Piñona. Insaciable (Sevilla)
Manuel Rodríguez. Manu ( Jaén)
FOTOGRAFÍAS:
Pau Aran. The same difference (Alemania) ©DANILO MORONI Y JUAN CARLOS TOLEDO
INFORMACIÓN
GENERAL
 251

Venta de entradas: A través de nuestra web: www. Información general: 91 308 99 99

[Link] / Taquillas del teatro: todos los y espectaculos@[Link].
días de 14.30 a 21.00h.
Reserva grupos: 91 308 99 99
Horario de taquilla en verano y grupos@[Link].
Julio: de martes a domingos de 14.30 a 21.00h.
Agosto: de lunes a viernes de 14.30 a 21.00h. El teatro abrirá sus puertas 30 minutos
antes del comienzo de la función.
YA A LA VENTA localidades individuales y
abonos: ABONO 6 espectáculos: 138€ / ABONO CÓMO LLEGAR: Teatros del Canal.
12 espectáculos: 216€. Espectáculos fuera de Cea Bermúdez, 1. 28003 Madrid.
abono: Sergio Peris-Mencheta, Ballet Flamenco Tel. 91 308 99 99. Metro: Canal (L2, L7)
de Andalucía, Eduard Fernández/Andrés Lima/ y Ríos Rosas (L1). Autobuses: 3, 12, 37, 149.
Santiago Loza, Ciclo de Música Electrónica
(excepto Max Cooper y Alva Noto), Festival Recuerda: los aparcamientos públicos más
de Otoño, Villanos del Jazz y cualquier otro cercanos al teatro están a unos 10-15 minutos a
que no esté incluido en la sección abono de pie.
[Link].
La cafetería está cerrada.
Precios especiales: descuento de 5€
sobre la tarifa general de cada zona Visitas guiadas: información 91 308 99 99.
(excepto en la tarifa reducida de 9€):
Suscríbete al Boletín de Teatros del Canal para
• Carné Joven y < de 25 años recibir todas las novedades sobre programación
• Desempleados y descuentos en [Link].
• Personas en ERTE
• Mayores 65 años SE RECOMIENDA el uso responsable
• Familia numerosa de la mascarilla.
• Asociaciones
Solo en taquilla Otros servicios
Imprescindible mostrar identificación
Una entrada por carné Accesos y servicios para discapacitados
• Menores de 14 años Teatro Accesible
Programación familiar / consultar en web
• Día del espectador
Consultar en web [Link]
Solo en programaciones de más de dos
semanas @TeatrosCanal

Precio grupos a partir de 20 personas @TeatrosCanal

(cada 30 personas, una invitación): descuento
de 6€ sobre la tarifa general de cada zona @teatroscanal
(excepto en la tarifa reducida de 9€).

Personas con diversidad funcional, problemas

de movilidad y acompañante:
2 x 1. Imprescindible presentar certificado:
Baremo de Movilidad Reducida (positivo).
Compra solo en taquilla.
Reservas en el 91 308 99 99.
—————
Descuentos no acumulables entre sí.

El precio de las entradas es el mismo

tanto en taquilla como en la web.
TEATROS del CANAL de la COMUNIDAD DE MADRID
2022/2023
Presidenta de la Comunidad de Madrid:
Isabel Díaz Ayuso

Consejera de Cultura, Turismo y Deporte:

Marta Rivera de la Cruz

Viceconsejero de Cultura, Turismo y Deporte:

Daniel Martínez Rodríguez

Director General de Promoción Cultural:

Gonzalo Cabrera Martín

Directora de los Teatros del Canal:

Blanca Li

Director de gestión de los Teatros del Canal:

Mariano de Paco Serrano

Los Teatros del Canal pertenecen a:

Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos

y Festivales de Titularidad Pública

Prospero: proyecto colaborativo de producción y distribución formado

por nueve países europeos que incluye los siguientes teatros: Théâtre de Liège Schaubühne am
Lehniner Platz (Berlín), Théâtre National de Bretagne (Rennes), Odéon-Théâtre de L’Europe (París),
Emilia Romagna Teatro, Fondazione (Módena-Bolonia), Internationaal Theater Amsterdam,
Teatro São Luiz (Lisboa), Göteborgs Stadsteater, Croatian National Theatre Of Zagreb,
Teatros del Canal (Madrid)

Diseño:
Jaime Narváez

Gestión:

Edición septiembre 2022