SURREALISMO ESPAÑOL

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de

mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de1989),
fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los
máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades
pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un
experto dibujante.2 3 Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y
la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la
capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad
era muy eclécticoy que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La
persistencia de la memoria, realizada en1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y

la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes
apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un
reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor
por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un
autoproclamado «linaje arábigo»,5 que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de
la península ibérica.
...que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...

La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco.6

Salvador Dalí

Índice

  [ocultar] 

• 1Biografía
• 1.1Infancia
• 1.2Juventud en Madrid y París
• 1.3De 1929 a la Segunda Guerra Mundial
• 1.4Estancia en Nueva York
• 1.5Últimos años en Cataluña
• 2Simbolismo
• 3Otras actividades artísticas
• 4Ideología y personalidad
• 5Obra
• 5.1Pintura
• 5.2Escultura
• 5.3Literatura
• 6Museografía
• 7Dalí y el cine
• 7.1Dalí en el cine
• 8Anécdotas
• 9Véase también
• 10Referencias
• 11Bibliografía
• 11.1Catálogo razonado
• 11.2Obras completas
• 11.3Sobre Dalí
• 12Enlaces externos
• 12.1Imágenes
• 12.2Sitios web
• 12.3Artículos
• 12.4Documentales
• 12.5Entrevistas

Biografía[editar]

Infancia[editar]

La familia Dalí en 1910: desde la izquierda, su tía María Teresa, sus padres, su tía Catalina (segunda esposa de su
padre), su hermana Ana María y su abuela Ana.

Salvador Dalí nació a las 8:45 horas del 11 de mayo de 1904,7 en el número 20 de la calle Monturiol,
en Figueras, provincia de Gerona,8 en la comarca catalana del Ampurdán, cerca de la frontera
con Francia.9 El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador (nacido el 12 de octubre de 1901 y
bautizado como Salvador Galo Anselmo),1 había muerto de un «catarro gastroenterítico infeccioso»
unos nueve meses antes (el 1 de agosto de 1903). Esto marcó mucho al artista posteriormente, quien
llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto.10 Su
padre, Salvador Dalí i Cusí, era abogado de clase media y notario, de carácter estricto suavizado por
su mujer Felipa Domènech i Ferrés, quien alentaba los intereses artísticos del joven
Salvador.11 12 Con cinco años, sus padres lo llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron que él era
su reencarnación, una idea que él llegó a creer.13 14 De su hermano, Dalí dijo:
 ...nos parecíamos como dos gotas de agua, pero dábamos reflejos diferentes... Mi hermano era
probablemente una primera visión de mí mismo, pero según una concepción demasiado absoluta.15

Dalí también tuvo una hermana, Ana María, cuatro años más joven que él.16 En 1949 ella publicó un
libro sobre su hermano, titulado Dalí visto por su hermana.17 En su infancia, Dalí trabó amistad con
futuros jugadores del F.C. Barcelona, comoEmilio Sagi Liñán o Josep Samitier. En época de
vacaciones, en el floreciente Cadaqués, el trío pasaba mucho tiempo jugando al fútbol.[cita requerida]

En 1916 descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a

la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte del
momento.11 Siguiendo los consejos de Pichot, su padre lo envió a clases de pintura con el maestro
Juan Núñez. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos al carboncillo en la
casa familiar. En 1919, con catorce años, Dalí participó en una exposición colectiva de artistas locales
en el teatro municipal de Figueras y en otra en Barcelona, auspiciada por la Universidad, en la que
recibió el premio Rector de la Universidad.

En 1919, cuando cursaba sexto de bachillerato en el instituto Ramón Muntaner, editaron entre varios
amigos la revista mensual Studium. Había ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre
pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci.18

En febrero de 1921 su madre murió a consecuencia de un cáncer de útero. Dalí tenía 16 años. Sobre
la muerte de su madre diría más tarde que fue «el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La
adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las
inevitables manchas de mi alma...».19 Tras su muerte, el padre de Dalí contrajo matrimonio con la
hermana de su esposa fallecida. Dalí nunca aprobó este hecho.11

                
 
      Gal Dalí i Viñas  
 
                
 
      Salvador Dalí i Cusí  
 
                
 
      Teresa Cusí i Marcó  
 
                
  Salvador Dalí i
 
  Domènech

                
 
      Anselm Domènech i Serra  
       
                
   
   Felipa Domènech i Ferrés

                
  María Anna Ferrés i
       
  Sadurní

                

Juventud en Madrid y París[editar]

Dalí tuvo dos posibles influencias para el

bigote que lucía: a la izquierda,Josep
Margarit, un militar catalán cuyo retrato
colgaba en la sala de estar de la casa
paterna del artista; a la derecha, Diego
Velázquez, el maestro pintor andaluz
admirado por el genio catalán.

En 1922 Dalí se alojó en la
célebre Residencia de
Estudiantes de Madrid para
comenzar sus estudios en la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando.11 Dalí enseguida atrajo
la atención por su carácter de excéntrico dandi. Lucía una larga melena con patillas, gabardina, medias
y polainas al estilo de los artistasvictorianos. Sin embargo, fueron sus pinturas, en las que Dalí
tanteaba el cubismo, las que llamaron la atención de sus compañeros de residencia, entre los que se
incluían futuras figuras del arte español, como Federico García Lorca, Pepín Bello o Luis Buñuel. En
aquella época, sin embargo, es posible que Dalí no entendiese completamente los principios cubistas:
sus únicas fuentes eran artículos publicados en la prensa y un catálogo que le había dado Pichot,
puesto que en el Madrid de aquella época no había pintores cubistas.

En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación
delpoema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles
Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su
vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó
rechazando los amorosos reclamos del poeta.20 21

Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no
había nadie en ésta en condiciones de examinarlo.22 La maestría de sus recursos pictóricos se refleja
en su impecablemente realista Cesta de pan, pintada en 1926.23 Ese mismo año, visitó París por
primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso
ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del
tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor
influyente en la pintura de éstos.

Algunas de las características de la pintura de Dalí de aquella época se convirtieron en distintivas para
toda su obra posterior. Dalí absorbía las influencias de muchos estilos artísticos, desde
el academicismo clásico a las vanguardias más rompedoras.24 Sus influencias clásicas pasaban
por Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto,Velázquez.25 Alternaba técnicas tradicionales
con sistemas contemporáneos, a veces en una misma obra. Las exposiciones de su obra realizadas
en Barcelona en aquella época atrajeron gran atención, en la que se mezclaban las alabanzas y los
debates suscitados por una crítica dividida.

En aquella época, Dalí se dejó crecer un vistoso mostacho que imitaba al del célebre pintor Diego
Velázquez, y que se convertiría en uno de sus distintivos personales el resto de su vida.

De 1929 a la Segunda Guerra Mundial[editar]

Las miradas alucinadas de Dalí (izquierda) y su camarada en elsurrealismo, Man Ray, en París, el 16 de
junio de 1934, según fotografía de Carl Van Vechten.

En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la

redacción del polémicocortometraje Un chien andalou, en el que se mostraban escenas propias del
imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que
este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo.26En agosto de
ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala.27 Nacida con el nombre de Elena Ivanovna
Diakonova, era una inmigrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el
poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como
profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino deMontparnasse.
Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo
aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder
al inconsciente, liberando energías artísticas creadoras.11 12

En el ámbito doméstico, la relación de Dalí con su padre estaba próxima a la ruptura. Salvador Dalí i
Cusí se oponía al romance del joven artista con Gala, y condenaba su vinculación con los artistas del
surrealismo por considerarlos —como buena parte de la opinión pública— elementos tendentes a la
degeneración moral. La tensión fue en aumento hasta culminar en un enfrentamiento personal, a raíz
de una noticia sobre Dalí publicada en la prensa, en la que se refería que un dibujo de un Sagrado
Corazón de Jesucristoexpuesto en París por el joven mostraba una inscripción en la que se leía: «En
ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme». Ultrajado, su padre demandó una
satisfacción pública. Dalí se negó, quizá por temor a ser expulsado del grupo surrealista, y fue echado
violentamente de casa el 28 de diciembre de 1929. Su padre lo desheredó y le prohibió regresar jamás
a Cadaqués. Posteriormente, Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre
un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo
nada!». El verano siguiente, Dalí y Gala alquilaron la pequeña cabaña de un pescador en una bahía
cerca dePortlligat. Compró el terreno, y a lo largo de los años fue ampliándola hasta convertirla en su
fastuosa villa junto al mar, hoy reconvertida en casa-museo. Gala y Dalí se casaron en 1934 en una
ceremonia civil, y volverían a hacerlo por el rito católico en 1958.28

En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes
blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida
o determinista.29 Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o
algunos relojes de bolsillo devorados porinsectos.30 Los insectos, por otra parte, formarían parte del
imaginario daliniano como una entidad destructora natural y, tal como explicó en sus memorias, venía
determinada por un recuerdo de infancia.

Dalí llegó a Estados Unidos gracias al marchante Julien Levy en 1934. La exposición de algunas obras

de Dalí —incluida la célebre Persistencia...— levantó un enorme revuelo en Nueva York. Se organizó
un baile en su honor, el Dalí Ball, al que compareció llevando una caja de cristal colgada sobre el
pecho con un sostén dentro.31 Ese mismo año, Dalí y Gala ofrecieron un baile de máscaras en Nueva
York, cortesía de la heredera Caresse Crosby. Fueron disfrazados del bebé Lindbergh y
su secuestrador, en alusión a un dramático suceso reciente. El escándalo levantado en la prensa fue
tan notable que Dalí pidió disculpas públicamente. Al regresar a París, debió explicarse ante los
surrealistas que no entendieron por qué se había disculpado por un acto considerado surrealista.32

Aunque la mayor parte del surrealismo se había adscrito a ideas políticas de izquierda, Dalí mantenía
una posición que se juzgaba ambigua en la cuestión de las relaciones entre arte y activismo político.
Los líderes del movimiento, principalmente André Breton, lo acusaron de defender lo «nuevo» e
«irracional» del fenómeno hitleriano, acusación que Dalí refutó afirmando que «no soy un hitleriano ni
de hecho ni de intención».33 Dalí insistía en que el surrealismo podía existir en un contexto apolítico, y
se negó a denunciar públicamente el régimen fascista alemán. Éste y otros factores le hicieron perder
su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dalí fue sometido a un «juicio
surrealista» del cual resultó su expulsión del movimiento.27 A esto, Dalí respondió con su célebre
réplica, «Yo soy el surrealismo».22

Sin embargo, en 1936, Dalí volvió a participar en una exposición surrealista, esta vez de índole
internacional, celebrada en Londres. Su conferencia, titulada Fantômes paranoiques authentiques, fue
impartida con un traje de buzo, casco incluido.34 Llegó a la conferencia con un taco de billar y un par
de sabuesos rusos, y en su transcurso tuvo que retirarse el casco para poder tomar aire. Comentó al
respecto que «simplemente quería mostrar que estaba sumergiéndome profundamente en la mente
humana».35

En aquel entonces, el mecenas de Dalí era el muy adinerado Edward James, que había colaborado
generosamente al ascenso del artista comprándole numerosas obras y prestándole dinero durante dos
años. Se convirtieron en buenos amigos, tanto es así que James aparece en la pintura de Dalí Cisnes
reflejando elefantes. Colaboraron igualmente en la creación de dos de los iconos más representativos
del movimiento: el «teléfono-langosta» y el sofá de los labios de Mae West. En 1939 Breton acuñó
elanagrama despectivo «Avida Dollars» para criticar su pasión por el dinero.36 Esta sarcástica
referencia a su pujante negocio del arte también pretendía acusarle de cultivar
lamegalomanía mediante la fama y el dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar
de Dalí en pretérito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros
adscritos posteriormente, como Ted Joans, mantuvieron contra Dalí una enconada polémica que llegó
hasta el día de su muerte (y aún más adelante).

Estancia en Nueva York[editar]

En 1940, con la Segunda Guerra Mundial arrasando Europa, Dalí y Gala huyeron a los Estados

Unidos, donde vivieron durante ocho años. Después de la mudanza, Dalí retomó su
antiguo catolicismo. «Durante ese período», informan Robert y Nicholas Descharnes, «Dalí nunca dejó
de escribir».37

En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea

lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribía regularmente para
los catálogos de sus exposiciones, como la organizada en la Knoedler Gallery de Nueva York en 1943.
En ese artículo exponía que
el surrealismo habrá servido por lo menos para dar una prueba experimental de que la total esterilidad de
los intentos por automatizar han llegado demasiado lejos y han llevado a un sistema totalitario...La pereza
contemporánea, y la total falta de técnica, han alcanzado su paroxismo en la significación psicológica del
uso actual de la institución universitaria.

También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un salón de moda para automóviles. De ahí
surgió una caricatura de Erdwin Cox, del The Miami Herald, que presentaba a Dalí luciendo un
automóvil como vestido de fiesta.37

Exposición sobre Dalí enLondres. En primer término hay una escultura de un elefante de patas alargadas con
una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.

Aceptó la decoración de un escaparate de los almacenes Bonwit-Tellerle en la Quinta Avenida de

Nueva York. Hizo una polémica composición dedicada al día y a la noche: en un lado un maniquí con
peluca roja en una bañera de Astracán; en el otro, una figura acostada en una cama
con baldaquino negro sobre cuya almohada ardían carbones. Pero se realizaron modificaciones sin
permiso del autor, y Dalí en protesta acabó lanzando la bañera contra el vidrio del escaparate. Fue
detenido y debió pagar los desperfectos. El juzgado le absolvió, pues argumentó que defendía su obra.
Se entendió esta protesta como una defensa de los derechos de autor.38
En esos años, Dalí diseñó ilustraciones para ediciones traducidas al inglés de clásicos como El
Quijote, la autobiografía de Benvenuto Celliniy los Ensayos de Michel de Montaigne. También aportó
decorados para la película Spellbound de Alfred Hitchcock (conocida comoRecuerda en
España, Cuéntame tu vida en Argentina), y emprendió con Walt Disney la realización de una película
de dibujos animados,Destino, que quedó inconclusa y que se montó en 2003, mucho después del
fallecimiento de ambos.39

Fue una de las épocas más fructíferas de su vida, pero también discutida por ciertos críticos, que veían
que Dalí difuminaba la frontera entrearte y bienes de consumo al arrinconar la pintura para volcarse
más en el diseño y en artículos comerciales.

La imagen pública de Dalí fue sumando todo tipo de rumores sobre sus extravagancias y obsesiones.
Un fraile italiano llamado Gabriele María Berardi anunció haber realizado un exorcismo a Dalí en una
visita de éste a Francia en 1947.40 En el 2005, una escultura del Cristo en la cruz fue inaugurada en la
ciudad de dicho fraile. Se ha comentado que Dalí entregó esta obra al fraile como prenda de
gratitud,40 y dos expertos españoles sobre Dalí han considerado que hay motivos suficientes para
pensar que la obra fuese realmente suya.40

Últimos años en Cataluña[editar]

Desde 1949 Dalí vivió en Cataluña. El hecho de que eligiese España para vivir en tiempos de la
dictadura hizo que algunos de sus antiguos colegas, así como sectores progresistas, le hicieran blanco
de nuevas críticas.41 Esto sugiere que el descrédito con que Dalí era considerado entre surrealistas y
críticos de arte se debiese, al menos en parte, a motivaciones políticas, más que al valor intrínseco de
sus obras de arte. En 1959 Breton organizó una exposición antológica titulada Homage to
Surrealism (en español Homenaje al surrealismo), que reunía obras surgidas en las cuatro décadas del
movimiento. La exposición recuperaba piezas de Dalí, de Joan Miró, de Enrique Tábara y Eugenio
Granell. Al año siguiente, sin embargo, Breton se opuso enérgicamente a la inclusión de la Madonna
Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York.42

Salvador Dali, The Rainbow(1972), Centro M. T. Abraham de Artes Visuales.

Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios

experimentales: creó un boletín43 y se convirtió en uno de los pioneros de
la holografía artística,44 algo nada extraño considerando su larga exploración artística de juegos
visuales. Ya durante sus últimos años, artistas como Andy Warhol proclamaron al catalán como una de
las influencias más notables del pop art.45 Dalí también mostró desde siempre un acusado interés por
las ciencias naturales y las matemáticas. Así se observa en muchas de sus obras —sobre todo las
creadas en la década de los 50— en las cuales llegó a componer retratos individuales a partir de
cuernos de rinoceronte. Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina,
puesto que crece en una progresión espiral logarítmica. También relacionó el concepto con los temas
de la castidad y la santidad de la Virgen María.46 Otro de los intereses de Dalí era el ADN, y
el hipercubo (un cubo de cuatro dimensiones) que llegó a plasmar desplegado en
su Crucifixión (Corpus Hypercubus).

La bahía de Portlligat, el paisaje que cautivó al artista en Cadaqués, con su casa, hoy museo. Está formada por un
conjunto de barracas de pescadores que fueron adquiridas por el pintor y su mujer, Gala. Abierta al público en 1997, en
su interior se exhiben recuerdos del pintor, su taller, la biblioteca, sus habitaciones y el jardín.

La posguerra abrió para Dalí una nueva etapa artística, caracterizada por el virtuosismo técnico y el
recurso a ilusiones ópticas, así como al imaginario de la ciencia o la religión. Su aproximación al
catolicismo se fue haciendo más marcada, influida quizás por la conmoción causada por la bomba
de Hiroshima y el amanecer de la era nuclear. El mismo Dalí denominó esta etapa de su arte como el
período místico-nuclear. Su intención parecía ser la síntesis de laiconografía cristiana con imágenes en
descomposición relacionadas con la física nuclear,47 como se desprende de obras
comoCrucifixión (Corpus Hypercubus). Bajo la clasificación de «misticismo nuclear» se incluyen
también La gare de Perpignan (1965) y El torero alucinógeno (1968-1970). En 1960 Dalí empezó a
trabajar en un teatro y museo personal, levantados en el edificio del antiguo Teatro Municipal,
construcción del siglo XIX destruido al final de la Guerra Civil; fue el mayor de sus proyectos
individuales, y a él dedicaría buena parte de sus energías hasta 1974. Incluso más adelante, a
mediados de los 80, realizó algunas reformas menores en el edificio.

Salvador Dalí en 1972.

En su madurez, el artista también se implicó con otras actividades «extra-artísticas» que daban una
medida de su enorme popularidad como personaje público. En 1968 Dalí grabó un
anuncio televisivopara la marca de chocolate Lanvin,48 y en 1969 diseñó el logo de Chupa Chups. Ese
mismo año trabajó como responsable creativo de la campaña publicitaria de Eurovisión, y creó una
gran escultura metálica que se instaló en el escenario del Teatro Real de Madrid. En el programa Dirty
Dali: A Private View (en español Dalí el sucio: Una visión íntima), emitido por el Channel 4 en 2007, el
crítico Brian Sewelldescribía cómo a finales de los 60 fue requerido por el artista a posar sin
pantalones en posición fetal bajo la axila de una figura de Jesucristo, mientras Dalí le fotografiaba y
fingía hurgarse bajo el pantalón.49 50

En 1980 la salud de Dalí se deterioró seriamente. Con su mujer, Gala —que ya manifestaba síntomas
de senilidad—, supuestamente consumió un cóctel de fármacos que dañó seriamente su sistema
nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prácticamente para la creación artística. Con 76 años,
el estado de Dalí era lamentable, y su mano sufría constantes temblores que evidenciaban el progreso
de la enfermedad de Parkinson.51 52

En 1982 el rey Juan Carlos I concedió a Dalí el título de marqués de Púbol, que el artista agradeció
con un dibujo, titulado Cabeza de Europa, que a la postre resultó ser su último dibujo, y que le entregó
tras la visita real a su lecho de muerte.

La iglesia de Sant Pere en Figueras, donde Dalí recibió el bautismo, laprimera comunión, y donde se llevó a cabo
su funeral.

Teatro-Museo Dalí en Figueras. Cuando el alcalde invitó al artista a regalar una pintura para el museo local, Dalí
respondió estar dispuesto a donar un museo entero y sugirió como sede el teatro entonces abandonado. En este teatro
había expuesto sus dos primeras obras en 1918.

Gala murió el 10 de junio de 1982. Tras su muerte, Dalí perdió su entusiasmo por vivir.
Deliberadamente, se deshidrató seriamente —supuestamente como consecuencia de un intento
de suicidio—, aunque justificó su acción como un método de entrar en un estado de animación
suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mudó de Figueras al castillo
de Púbol, que había comprado para Gala, y donde ella había fallecido. En 1984 un incendio de causas
desconocidas se declaró en su dormitorio.53 De nuevo se sospechó de un intento de suicidio, aunque
quizás se debiese a negligencia del personal doméstico.22 De todos modos, Dalí fue rescatado y
regresó a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se
encargaron de su bienestar hasta sus últimos años.
Se ha denunciado que Dalí fue obligado por algunos de sus «cuidadores» a firmar lienzos en blanco
que serían vendidos tras su muerte como originales.54 Estos rumores hicieron que el mercado del arte
se mostrase escéptico con las obras atribuidas a Dalí durante su última época.

En noviembre de 1988 Dalí fue ingresado a raíz de un serio fallo cardíaco, y el 5 de diciembre de 1988
fue visitado por el rey Juan Carlos I, quien le confesó que siempre había sido un fiel admirador de su
obra.55

El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— murió a
causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, y cerrando el círculo fue enterrado
en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo (ver imagen). Su cripta se encuentra al otro lado de
la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde
descansa desde entonces; tres manzanas más allá de su casa natal.56 Para evitar tensiones entre
el Gobierno central y autonómico, Dalí testó en 1982 a favor del Estado Español como heredero
universal de su obra.57

La Fundación Gala-Salvador Dalí se encarga en la actualidad de la gestión de su legado.58 En los

Estados Unidos, el responsable legal de su representación es la Artist Rights Society.59 En 2002 esta
sociedad salió en las noticias por requerir de Google que retirasen unlogotipo de la firma diseñado a
semejanza de la obra de Dalí, y que había sido especialmente creado para conmemorar el aniversario
de su nacimiento, alegando derechos de copyright. Google accedió a retirar el logotipo —cuyo uso,
teóricamente, era de un sólo día— pero se negó a admitir la violación de sus derechos de autor.

Simbolismo[editar]
Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos»,
que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la
relatividad de Albert Einstein,30 y fueron supuestamente creados tras la observación de unos pedazos
de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto,60 Además de que siempre marcan las
seis , la hora del surrealismo. Otro de sus símbolos recurrentes es el elefante, que apareció por vez
primera en el Sueño causado por el vuelo de una avispa sobre una granada un segundo antes de
despertar (1944). Los elefantes dalinianos, inspirados por el obelisco de Roma de Gian Lorenzo
Bernini, suelen aparecer con «patas largas, casi invisibles de deseo»,61 y portando obeliscos en sus
lomos. Conjuntadas con esas delicadas extremidades, los obeliscos —en los que algunos han querido
ver un símbolo fálico— crean un sentido de fantasmal irrealidad. «El elefante es una distorsión en el
espacio», explicó Dalí en Dalí y el Surrealismo, de Dawn Ades, «con sus aguzadas patas contrastando
la idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira
una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente».

Otro de sus símbolos recurrentes es el huevo. Enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y
a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor;62 y así es como se interpreta en
su Metamorfosis de Narciso. También recurrió a imágenes de fauna a lo largo de toda su
obra: hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual; el caracol como
cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a
visitarle); y las langostas como un símbolo de decadencia y terror.62
Otras actividades artísticas[editar]

Atomicus Dalí, fotografía de 1948 dePhilippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión, representando tres
gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire.

Patio central del Museo Dalí de Figueras.

La actividad artística de Dalí no se limitó a la pintura. Algunas de sus obras más populares
son esculturas o ready-mades, y también destacó en sus contribuciones al teatro, la moda y
la fotografía, entre otras disciplinas artísticas. Dos de los artefactos surrealistas dalinianos más
notables fueron el Teléfono-langosta y el Sofá de los labios de Mae West (realizados
entre 1936 y1937). El artista y mecenas Edward James encargó estas piezas a Dalí. James había
heredado a los cinco años de edad una gran parcela en West Dean (Sussex, Inglaterra), desde donde
alentó la producción surrealista a lo largo de la década de los 30.63 «Las langostas y los teléfonos
tienen claras connotaciones sexuales para Dalí», refiere la placa explicativa del Teléfono-
langostaexpuesto en la Tate Gallery, «y de ahí él extraía una analogía entre la comida y la
sexualidad».64 Este teléfono era perfectamente operativo, y James adquirió cuatro de ellos para
sustituir los que tenía en su retiro inglés. Uno de ellos se encuentra actualmente en la mencionada
galería, el segundo está en el museo del teléfono de Fráncfort del Meno, el tercero es propiedad de la
Fundación Edward James y el cuarto pertenece a la National Gallery de Australia.63

El sofá de Mae West, hecho de madera y satén, recibía su forma de los labios de la célebre actriz, a
quien Dalí encontraba fascinante.27 Mae West ya había aparecido en una pintura
de 1935 titulada Cara de Mae West. El sofá se encuentra actualmente en el museo Brighton and Hove,
en Inglaterra.

Entre 1941 y 1970 Dalí se dedicó al diseño de joyería, hasta un número de 39 piezas en total. Las

joyas creadas, de intrincado diseño, integraban partes móviles. La más conocida de ellas, Corazón
Real, está hecha en oro y tiene 46 rubíes, 42 diamantes y 4esmeraldas incrustadas, y está hecha de
modo que el centro «lata» como un corazón auténtico. El mismo Dalí comentó en 1949que «sin un
público, sin la presencia de espectadores, estas joyas no podrían cumplir la función para la que fueron
creadas. El observador es, en último término, el creador definitivo». Las Dalí-Joies (en español, Joyas
de Dalí) se encuentran actualmente en el teatro-museo de Figueras, como parte integrante de su
colección permanente.

Dalí también colaboró en la creación teatral. En 1927 diseñó la escenografía para la obra de

Lorca Mariana Pineda.65 Para Las bacanales, un ballet de 1939 basado en el Tannhäuser de Richard
Wagner (1845), Dalí se encargó del diseño de escenario y de la edición del libreto.66 En 1941 Dalí
accedió al diseño de escenarios para Laberinto, y de nuevo en 1949 para El sombrero de tres picos.67

Una curiosidad de la obra de Dalí es su incursión en las Fallas de Valencia con el diseño de una falla.
Se trata de la plantada por la comisión de El Foc en 1954, cuyo lema era La corrida de toros
surrealista. Construida por el escultor Octavio Vicent con no pocos problemas técnicos, fue muy
criticada por el mundo fallero por la ruptura estética y conceptual que supuso.

Aunque principalmente conocido por sus pinturas, Dalí también manifestó un temprano interés por
el cine durante su juventud, y acudía regularmente al cine todos los domingos. Había conocido el cine
mudo, en el que la apariencia del medio primaba sobre su contenido, y que concedía a sus estrellas
una gran popularidad. Opinaba que había dos dimensiones en cuanto a las teorías del cine: «las cosas
de por sí», es decir los hechos que son presentados en el mundo de la cámara, y la «imaginación
fotográfica», o el modo en que la cámara muestra la imagen y el valor creativo que puede
desprenderse del mismo.68 Dalí se mostró especialmente activo a ambos lados de la cámara. Creó
espléndidas obras de arte como Destino (en colaboración con Walt Disney), una película iniciada
en 1946 y completada en 2003 por Baker Bloodworth y Roy Oliver Disney. En este trabajo se incluyen
imágenes oníricas, como extrañas figuras voladoras, y está inspirada por la canción Destino (del
letrista mexicano Armando Domínguez). Sin embargo, cuando Disney contrató a Dalí, su empresa no
estaba preparada para asumir el trabajo que el artista iba a desarrollar. Después de ocho meses de
trabajo intenso, la compañía tuvo que abandonar el proyecto por dificultades presupuestarias, y sólo 57
años más tarde se remató su producción. Exhibida en diversos festivales de cine, la película combina
el espíritu artístico daliniano con la clásica animación Disney.

Dalí trabajó como co-guionista de la película surrealista de Luis Buñuel Un chien andalou (Un perro
andaluz), un corto de 17 minutos que incluye alguna de las imágenes antológicas del surrealismo
(como el ojo cortado con una cuchilla de afeitar, aunque dicha imagen es más obra de Buñuel que de
Dalí). Esta película es su aportación más notable al mundo del cine independiente. Un chien
andalou fue el modo en que Dalí logró incluir sus imágenes oníricas en una dimensión real. La
sucesión de escenas provoca en el espectador un torrente de sensaciones, según las expectativas
despertadas por la película se ven continuamente frustradas por otras. La segunda película que
produjo con Buñuel fue L'âge d'or (La edad de oro), rodada en el Estudio 28 de París en 1930. Esta
película fue «prohibida durante años por grupos fascistas y antisemitas que desarrollaron una fuerte
campaña de descrédito en la prensa en el cine parisino en el que se exhibía».69 Aunque la acusación
de propagar conductas antisociales afectó indudablemente al éxito de su carrera artística, Dalí nunca
se molestó en manifestar su propia opinión o sus creencias sobre su actividad artística. De cualquier
modo, esas dos películas tuvieron un impacto extraordinario en el movimiento cinematográfico
surrealista: «Si Un chien andalou permanece como el documento supremo de la aventura
cinematográfica surrealista en los dominios del inconsciente, L'age d'or es quizás la manifestación más
implacable de su intención revolucionaria».70

Dalí colaboró con reconocidos cineastas como Alfred Hitchcock. El más sonado entre sus proyectos
cinematográficos es probablemente la secuencia onírica de Spellbound(1945), en la que se pretendía
mostrar aspectos del inconsciente. Hitchcock, interesado en dotar a esta escena de calidad onírica,
quería mostrar en su película como la represión de experiencias podía conducir a la neurosis.
Familiarizado con la obra de Dalí, pensó que su espíritu creativo podía potenciar la atmósfera que
buscaba para su película. Dalí, por otra parte, también trabajaría en un documental titulado Caos y
creación, que contiene numerosas referencias artísticas que intentan explicar el concepto de arte
preconizado por Dalí. La última película en la que Dalí colaboró fue Impresiones de Mongolia
Superior (1975), en la que narraba la aventura de una expedición que busca un gigantesco hongo
alucinógeno. La imaginería del filme gira en torno a microscópicas manchas de orina en la banda de un
bolígrafo sobre el que Dalí miccionó durante varias semanas.71

El mundo de la moda y la fotografía tampoco quedó libre de su influencia artística. Dalí colaboró
con Elsa Schiaparelli en la confección de un vestido blanco con una langosta impresa. Otros diseños
de Dalí son un sombrero con forma de zapato y un cinturón rosado con labios en la hebilla.
En 1950 diseñó un «vestido para el año 2045» en colaboración con Christian Dior.66 También creó sus
propios diseños textiles y botellas de perfume. Su aportación al mundo de la fotografía se ve
ampliamente reflejada en sus colaboraciones con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman.
Con Man Ray y Brassaï realizó fotografías de la naturaleza; con los demás se introdujo en un mundo
de temas oscuros, como la serie Dalí Atómica (de 1948, véase imagen en esta misma página) que se
inspiraba en su obra Leda atómica. Una de las fotografías muestra «un caballete de pintor, tres gatos,
un cubo de agua, y el mismo Dali flotando por los aires».66

Las referencias a Dalí en el contexto de la ciencia se entienden en términos de la fascinación general

provocada por el nuevo paradigma científico surgido a raíz de la mecánica cuántica del siglo XX.
Inspirado por el «principio de incertidumbre» de Werner Heisenberg, Dalí escribió
en 1958 un Manifiesto de la antimateria: «En el período surrealista, quería crear la iconografía del
mundo interior y lo maravilloso de mi padre Freud. Hoy, el mundo exterior y el de la física ha
trascendido a aquel de la sicología. Mi padre, hoy, es el doctor Heisenberg».72

En este sentido, La desintegración de la persistencia de la memoria, de 1954, representa un giro sobre

la obra realizada en 1931, y simboliza el salto conceptual daliniano desde su perspectiva acientífica
y psicológica al nuevo enfoque atomista de posguerra.72

Su visión de la arquitectura se refleja en la construcción de su casa en Portlligat, cerca de Cadaqués,

así como en el pabellón surrealista —llamado Sueño de Venus— que fue expuesto en la Exposición
Internacional de Lieja (1939), y que contenía numerosas y extrañas esculturas. En cuanto a su
proyección literaria, Dalí escribió su autobiografía (La vida secreta de Salvador Dalí, 1942), un libro de
diarios (Diario de un genio, 1952-1963), y varios ensayos (Oui: The paranoid-critical revolution, 1927-
1933; El mito trágico de «El Angelus de Millet», 1978), entre otras obras. La edición literaria, y
especialmente su interés por las artes gráficas, le llevaron a producir numerosos grabados y litografías.
Aunque en su primer período su obra gráfica igualaba en calidad a su obra pictórica, con el transcurso
de los años Dalí se dedicaría a vender los derechos de sus imágenes, pero sin molestarse
personalmente en su impresión. Por otra parte, un buen número de falsificaciones fueron producidas
en las décadas de los 80 y 90, confundiendo aún más el ya poco fiable mercado de obra gráfica
daliniana.

Al igual que había hecho su muy admirado73 colega Marcel Duchamp, una de las obras más notables
de Dalí resultó ser una persona. En 1965 Dalí conoció en un club francés a la modelo de
moda Amanda Lear, conocida artísticamente como Peki d'Oslo.74 Lear se convirtió en su protegida y
su musa,74 y describió su relación en la biografía Mi vida con Dalí (1986).75 Impresionado por su
aspecto hombruno, Dalí dirigió el salto de Lear desde el mundo de la moda al de la música,
aconsejándola respecto a sus apariciones públicas y desatando brumosas leyendas sobre sus
orígenes, que atrajeron inmediatamente la atención de la escena de la música disco. Según Lear, ella y
Dalí contrajeron un «matrimonio espiritual» en la desértica cumbre de una montaña.76 77 Algunos
piensan que el nombre de Lear (Amanda) era una alusión a su papel como «L'amant Dalí» (en
español la amante de Dalí). Lear ocupó el espacio que la anterior musa de Dalí, Isabelle Collin
Dufresne (alias «Ultra Violet») había dejado desocupado tras acogerse en laFactory de Andy
Warhol.78

Ideología y personalidad[editar]

Dalí en la década de 1960, luciendo el ostentoso mostacho que le caracterizaba.

Las ideas políticas de Salvador Dalí desempeñaron un papel muy relevante en sus inicios artísticos.
Posteriormente se le acusó de apoyar ideológicamente el franquismo.41 79 André Breton, el «padre»
del surrealismo, se distinguió por sus esfuerzos para separar el nombre de Dalí del grupo surrealista.
Sin embargo, ese enfrentamiento obedecía a motivos más complejos. De cualquier modo, Dalí nunca
fue antisemita como se desprende de su amistosa relación con el afamado arquitecto y diseñador Paul
László, que era judío. Manifestó una profunda admiración hacia Freud —a quien conoció
personalmente— y hacia Albert Einstein, a juzgar de sus escritos. Sobre la personalidad de
Dalí, George Orwell dijo en un ensayo que
Uno debería ser capaz de conservar en la cabeza simultáneamente las ideas de que Dalí era al mismo
 tiempo un excelente dibujante y un irritante ser humano. La una no invalida, o efectivamente, no afecta a
la otra.80

En su juventud el artista estuvo relacionado con el anarquismo y el comunismo. En sus escritos se

suelen encontrar afirmaciones políticas —probablemente, más dirigidas a impresionar al público por su
radicalidad que basadas en una inspiración profunda— que señalan cierta vinculación con el activismo
político del dadaísmo. Con el avanzar de los años, sus adhesiones políticas cambiaron, especialmente
según el surrealismo se identificó con el liderazgo de André Bretón, de orientación trotskista. En
diversas ocasiones, Breton pidió explicaciones a Dalí por sus relaciones políticas. De cualquier modo,
ya en 1970 Dalí se declaró81 como un «anarco-monárquico», dando pie a numerosas especulaciones
sobre esta orientación política (indudablemente minoritaria).

Con el inicio de la Guerra Civil Española, Dalí rehuyó el enfrentamiento y rechazó manifestar su
adhesión a ninguno de los bandos. Del mismo modo, tras la Segunda Guerra Mundial, Dalí fue
criticado por George Orwell, quien le acusó de «escabullirse como una rata en cuanto Francia estuvo
en peligro», después de haber vivido y prosperado allí durante años:
Cuando la guerra europea se acerca, él sólo se preocupa de una cosa: encontrar un lugar donde se coma
bien y de donde pueda escapar rápidamente en caso de que se acercase el peligro.82

Tras su retorno a Cataluña tras la guerra, Dalí se aproximó al régimen franquista. Algunas de las
declaraciones de Dalí sirvieron como respaldo a la dictadura; así felicitó aFranco por sus acciones
dirigidas a «limpiar España de fuerzas destructivas».83 Dalí, que se había convertido al catolicismo y
se fue volviendo una persona más religiosa con el paso de los años, podía referirse a los
grupos comunistas, socialistas y anarquistas que durante la época de guerra civil habían ejecutado a
más de 7000 monjas y sacerdotes.84 85 Dalí envió incluso algunos telegramas a Franco, elogiando la
pena de muerte con que el dictador había condenado a algunos criminales de guerra.41 Dalí incluso
conoció a Franco personalmente86 y pintó un retrato de la nieta de Franco. Es difícil determinar si sus
gestos hacia el franquismo fueron sinceros o caprichosos, ya que los simultaneaba con
manifestaciones decididamente surrealistas, como felicitar al líder comunista rumano Nicolae
Ceauşescu por incluir un cetro entre sus atributos. El diario rumano Scînteia se hizo eco de esta
noticia, sin percatarse de su índole burlona. De cualquier modo, uno de los temas en los que Dalí
mostró una indudable desafección al régimen fue el polémico asesinato del poeta Federico García
Lorca por milicias nacionales, que denunció incluso en los años en los que la obra del poeta estaba
oficialmente prohibida.21
Si muero, no moriré del todo.

Salvador Dalí.87

Dalí, con su llamativa presencia y su omnipresente capa y barretina, ostentando un bastón y una
expresión solemne enmarcada por su vistoso mostacho, se forjó una imagen de megalómano con
declaraciones como «cada mañana, al levantarme, experimento un supremo placer: ser Salvador
Dalí».88 Una curiosa costumbre de Dalí era quedarse con todos los bolígrafos con los que firmaba
sus autógrafos. Entrevistado por Mike Wallace para el programa 60 Minutes, el artista no dejó de
referirse a sí mismo en tercera persona, llegando a declarar que «Dalí es inmortal y no morirá». En otra
de sus apariciones televisivas en el Tonight Show, el artista apareció cargando con
un rinoceronte decuero, y rehusó tomar asiento en ningún otro lugar.
Obra[editar]

Escultura del Rinoceronte vestido con puntillas de 1956. Puerto Banús, Marbella.

Representación de la firma de Dalí en la entrada del antiguo Museo Dalí en San Petersburgo (Florida),Estados
Unidos.

Una característica principal de la obra de Dalí es la minuciosidad en el detalle de sus formas, las
cuales se pueden considerar como simbólicas. Estas se muestran de una manera inconsciente la
realidad misma del artista, siempre mostrando opuestos que se complementan, a esto se le llamó
método paranoico critico. Los ejemplos más claros de esto son la vida y la muerte, lo real y lo
imaginario, dando primacía a lo mental sobre lo físico, incluso se puede llegar a observar una relación
entre lo estático y el movimiento. Lo que hace con los objetos que representa es una destrucción del
mismo como un intento de probar que tal objeto existe en la realidad, 89 que aunque se centra en lo
inconsciente, da una alternativa hiper real que confunde a la mente.

Su obra también está directamente relacionada con los principios del Psicoanálisis de Sigmund Freud.
En primer lugar se hace evidente los mecanismos de defensa, siendo el más común la paranoia como
una proyección de los miedos atribuidos a alguien externo al individuo. 90 También, la sexualidad
juega un papel importante en la obra de Dalí y en el psicoanálisis, la cual, en la teoría del desarrollo
psicosexual se cree que desde el vientre materno se desarrollan fijaciones y traumas que estarán
ligados con el comportamiento, pero estos se suprimen en el inconsciente.91

Pintura[editar]

Categoría principal: Cuadros de Salvador Dalí

Dalí produjo alrededor de 1.500 pinturas a lo largo de su carrera,92 además de decenas de
ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de
dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine. Colaboró en la película Dalí en Nueva
York (1965), de Jack Bond.3

En la biografía Sexo, surrealismo, Dalí y yo, coescrita entre Carlos Lozano y Clifford Thurlow, se afirma
que Dalí nunca dejó de ser un surrealista. Como afirmó en una ocasión, parafraseándose a sí mismo,
«la única diferencia entre los surrealistas y yo, es que yo soy un surrealista».36

A continuación se detalla una lista de algunas de las obras y acciones más importante de Dalí durante
su carrera.

•Paisaje cerca de Figueras (1910)

•Vilabertran (1913)
•Fiesta en Figueras (1916)
•Vista de Cadaqués con la sombra del monte Pani (1917)
•Viejo crepuscular (1918)
•Puerto de Cadaqués (Noche) y Autorretrato en el estudio (1919)
•El padre del artista en la playa de Llaner y Vista de Portdogué (Port Aluger) (1920)
•Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921)
•Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922)
•Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923)
•Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924)
•Gran arlequín y pequeña botella de ron y una serie de retratos realistas para su hermana Ana María,
especialmente Muchacha en la ventana (1925)
•Retrato de mi padre (1925)
•El cesto de pan y Joven de Figueres (1926)
•Composición con tres figuras (Academia neo-cubista) y La miel es más dulce que la sangre (su
primera obra surrealista de importancia) (1927)
•El juego lúgubre, El gran masturbador, Los primeros días de la primavera, La profanación de la
Hostia'la', El enigma del deseo, El hombre invisible, Los placeres iluminados yRetrato de Paul
Éluard (1929).
•La edad de oro, película en colaboración con Luis Buñuel (1930)
•La persistencia de la memoria (su obra más conocida, también llamada Los relojes blandos), La vejez
de Guillermo Tell, y Guillermo Tell y Gradiva (1931)
•El espectro del Sex Appeal, El nacimiento de los deseos líquidos, Pan antropomórfico, y Huevos fritos
al plato sin el plato. Termina El hombre invisible (iniciado en 1929) (aunque no quedó muy satisfecho
del resultado) (1932)
•Busto retrospectivo de mujer (escultura de técnica mixta) y Retrato de Gala con dos chuletas de
cordero en equilibrio sobre su hombro, Gala en la ventana (1933)
•El fantasma de Vermeer de Delft que puede ser usado como mesa, Meditación sobre el arpa (iniciado
en 1932) y Una impresión de velocidad (1934)
•Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista, Reminiscencia arqueológica
del «Ángelus», de Millet y Caballero de la muerte (1935)
•Canibalismo otoñal, Teléfono-langosta, Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la
Guerra Civil), Pareja con las cabezas llenas de nubes y dos obras tituladas Eco morfológico (1936)
•Metamorfosis de Narciso, Cisnes reflejando elefantes, La jirafa ardiente, El sueño, El enigma de
Hitler, Sofá de los labios de Mae West y Canibalismo en Otoño (1937)
•El momento sublime, Impresiones de África y Afgano invisible con aparición sobre la playa del rostro
de García Lorca en forma de frutero con tres higos (1938)
•Shirley Temple, el más joven y más sagrado monstruo del cine de su tiempo (1939)
•El mercado de esclavos, con busto de Voltaire desapareciendo El rostro de la guerra (1940)
•La miel es más dulce que la sangre (1941)
•La poesía de América, Retrato del embajador Cárdenas, y Niño geopolítico observando el nacimiento
del nuevo hombre (1943)
•Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de
despertar y Galarina (1944)
•Rostros Ocultos (novela) (1944-48)
•Mi esposa desnuda, Cesto de pan – Antes la muerte que la vergüenza, Fuente de leche derramada
inútilmente en tres zapatos; ese mismo año, Dalí colaboró con Alfred Hitchcock en la secuencia del
film Spellbound, para recíproca insatisfacción (1945)
•La tentación de San Antonio (1946)
•Los elefantes (1948)
•Decorados y figurines (vestidos) de la obra Don Juan Tenorio de Zorrilla en el Teatro María
Guerrero de Madrid, estrenada el 1 de noviembre de 194993
•Leda atómica (1949)
•La Madonna de Port Lligat (1950)
•Cristo de San Juan de la Cruz y Cabeza rafaelesca explotando (1951)
•Galatea de las esferas (1952)
•Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos en
los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de
Gala, Crucifixión, La desintegración de la persistencia de la memoria y Joven virgen autosodomizada
por los cuernos de su propia castidad (1954)
•La Última Cena, Eco solitario, carátula de un disco de Jackie Gleason (1955)
•Naturaleza muerta en rápido movimiento, Rinoceronte vestido con puntillas (1956)
•Santiago el Grande óleo sobre lienzo en exposición permanente en la Beaverbrook Art Gallery en
Fredericton, NB, Canadá 1957.
•Rosa meditativa (1958)
•El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959)
•Dalí inicia las obras en el Teatro-Museo Dalí. Pinta el Retrato de Juan de Pareja, ayudante
de Velázquez. Figura humana en la forma de una nube (1960)
•El retrato de mi hermano muerto (1963)
•La apoteosis del dólar. Dalí dona un dibujo de la crucifixión (témpera, lápiz y tinta) para la prisión de
Rikers Island de Nueva York. El dibujo estuvo colgado en el comedor del penal entre 1965 y 1981.,94
•Dalí en New York (1965)
•La pesca del atún (1967)
•Crea el logotipo de Chupa Chups (1969)
•El torero alucinógeno, adquirido en 1969 por A. Reynolds Morse y Eleanor R. Morse antes de ser
terminado (1970)
•La Toile Daligram (1972)
•Dalí pintando a Gala por detrás y Le Diners De Gala, un libro de cocina profusamente ilustrado (1973)
•"Hombre sobre delfín" (1974)
•Gala contemplando el Mediterráneo (1976)
•La mano de Dalí retirando un toisón de oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora
completamente desnuda, muy lejos, detrás del sol (pintura estereoscópica) (1977)
•Dalí termina su última pintura, Cola de golondrina (1983)
•Se estrena Destino, producción de dibujos animados creada a raíz de una colaboración en 1945
con Walt Disney (2003)

Escultura[editar]

Inspirada en su obra plástica, de la cual retoma varias imágenes, la producción escultórica de Salvador
Dalí comprende series diversas. Una de las más famosas es la encargada por su amigo Isidro Clot,
compuesta por 44 piezas (Colección Clot). 95 Esta es la última etapa de producción del surrealista
español.

La técnica usada por Dalí para la elaboración de sus esculturas era el wax, un modelado en cera en
miniatura, el cual era mandado a fundidores para la realización de unoriginal múltiple. La razón de esto
es que Salvador Dalí propiamente no era escultor, ni tenía un taller de escultura. Las etapas de este
proceso pueden apreciarse en Memoria de los Sueños. Salvador Dalí, 1904-1984, editado por el
Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana. 96

Al igual que su pintura, las esculturas de Dalí corresponden a un estilo surrealista, el cual se basa en
el Primer Manifiesto Surrealista que escribió André Bretón en 1924, en donde expone una postura a
favor de la irracionalidad. Con base en él, Dalí postula lo que denomina automatismo psíquico, un
dictado y ejecución del inconsciente sin la intervención reguladora de la razón. Esto, a su vez, está
directamente relacionado con las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.

El surrealismo es un movimiento que surge en el periodo de la primera posguerra, como reacción de

inconformidad ante actos bélicos, así como disgusto hacia la sociedad burguesa y materialista. En
opinión de los surrealistas, la elevada importancia que se le daba a la ciencia y a la tecnología, fueron
consecuencias de la guerra. Una de las aportaciones más importantes de Dalí, dentro del círculo
surrealista, fue la creación del Método paranoico-crítico: búsqueda de opuestos que se complementan
de manera espontánea e irracional. Freud definió el concepto de Inconsciente y Bretón tradujo la
concepción en un método artístico-literario.

Entre las esculturas destacan:

•Mujer jirafa (1973)
•Ángel triunfante (1976)
•Perseo, homenaje a Benvenuto Cellini (1976)
•Alicia en el país de las maravillas (1977)
•Homenaje a Tepsícore, la musa de la danza (1977)
•Newton surrealista (1977)
•Perfil del tiempo (1977)
•Serie La danza del tiempo(1979)
•Caballo montado por el tiempo (1980)
•El elefante espacial (1980)
•La mujer en llamas (1980)

Literatura

También animado por su amigo Federico García Lorca, Dalí tanteó la creación literaria en una «novela
pura». En su única obra literaria Dalí describe en vistosos términos, las intrigas y amoríos de un grupo
de aristócratas excéntricos y frívolos que, con su lujoso y sofisticado estilo de vida, representan la
decadencia de los años 1930.

Luis Buñuel

Luis Buñuel

Luis Buñuel.
Información personal
Nombre de nacimiento Luis Buñuel Portolés
22 de febrero de 1900
Nacimiento
 Calanda, Teruel, España
29 de julio de 1983 (83 años)
Fallecimiento
 Ciudad de México, México
Nacionalidad Española y mexicana
Familia
Cónyuge Jeanne Rucar (1925-1983)
Hijos Juan Luis Buñuel (n. 1934)
 Rafael Buñuel (n. 1940)
Información profesional
Ocupación Director de cine
Años activo 1929-1977
Género Poesía
Premios artísticos
Óscar a la mejor película de habla no inglesa
Ganador:
1972 El discreto encanto de la burguesía
Nominado:
1970 Tristana
Premios Óscar Mejor guion original
Nominado:
1972 El discreto encanto de la burguesía
Mejor guion adaptado
Nominado:
1977 Ese oscuro objeto del deseo
Mejor guion original
1972 El discreto encanto de la burguesía
Mejor director
Nominado:
Premios BAFTA
1972 El discreto encanto de la burguesía
Mejor música
Nominado:
1972 El discreto encanto de la burguesía
Mejor director
1951 Los olvidados
Palma de Oro
Festival de Cannes 1961 Viridiana
Nominado:
1962 El ángel exterminador
1960 La joven
Mejor director
Nominado:
1977 Ese oscuro objeto del deseo
Premios César
Mejor guion o adaptación
Nominado:
1977 Ese oscuro objeto del deseo
Ariel de Oro
1978 - Por trayectoria
Mejor película
1956 Robinson Crusoe
1951 Los olvidados
Nominado:
Premios Ariel
1956 Ensayo de un crimen
1953 Subida al cielo
Mejor dirección
1956 Robinson Crusoe (película)
1951 Los olvidados
Nominado:
 1956 Ensayo de un crimen
1953 Subida al cielo
Mejor guion adaptado
1956 Robinson Crusoe (película)
1951 Los olvidados
Nominado:
1956 Ensayo de un crimen
Mejor argumento original
1951 Los olvidados
Concha de Oro Honorífica
Festival de Cine de San Sebastián
Otros premios 1981 - Por toda su trayectoria
León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine
de Venecia (1982)
• Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica
Distinciones
• Premio Nacional de Ciencias y Artes
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Luis Buñuel Portolés (Calanda, Teruel, España, 22 de febrero de 1900 - Ciudad de
México, México, 29 de julio de 1983) fue undirector de cine español nacionalizado
mexicano.1

A pesar de los hitos cinematográficos logrados en su país natal con Viridiana (1961)

y Tristana (1970), la gran mayoría de su obra fue realizada o coproducida
en México y Francia, debido a sus convicciones políticas y a las dificultades impuestas por
lacensura franquista para filmar en España.

Es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine.2

Índice

  [ocultar] 

• 1Biografía
• 1.1Sus primeros años
• 1.2Juventud. Madrid y la Residencia de Estudiantes
• 1.3París y el surrealismo
• 1.4Un perro andaluz y La edad de oro
• 1.5Hollywood y el Madrid de la República. Las Hurdes
• 1.6La Guerra Civil Española (1936-1939)
• 1.7Etapa mexicana
• 1.8Etapa francesa
• 1.9Muerte
• 2Filmografía
• 2.1Como director
• 2.2Como asistente de dirección
• 2.3Como productor o supervisor
• 2.4Como guionista en películas no realizadas por él
• 2.5Como actor
• 3Obra literaria
• 3.1Textos iniciales
• 3.2Textos del libro inédito Un perro andaluz
• 3.3Otros textos
• 3.4Crítica cinematográfica
• 4Referencias
• 4.1Bibliografía utilizada
• 5Enlaces externos

Biografía[editar]

Sus primeros años[editar]

Luis Buñuel nació en Calanda (provincia de Teruel) el 22 de febrero de 1900. Su

padre, Leonardo Manuel Buñuel González, originario del mismo pueblo, donde tenía un
negocio de ferretería y armas, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y en 1898,
al estallar la guerra hispano-estadounidense, liquidó sus negocios y volvió a su pueblo
natal, donde se casó el 10 de abril de 1899 con María Portolés Cerezuela, de diecisiete
años, veintiocho más joven que él,3 con la que tuvo siete hijos: Luis (1900), María (1901),
Alicia (1902), Concepción (1904), Leonardo (1907, pediatra y radiólogo), Margarita (1912)
y Alfonso (1915), este último arquitecto y diseñador con inquietudes artísticas que destacó
como autor de collages surrealistas.

A los tres años del nacimiento de su primogénito, la familia se trasladó a vivir

a Zaragoza y a partir de entonces pasó a repartir sus vacaciones entre Calanda (donde
regresaban en Semana Santa y a veranear) y en ocasiones a San Sebastián.4

Calanda (Teruel), villa natal del cineasta.

Así pues, Luis pasó toda su infancia y adolescencia en Zaragoza, donde cursó la
educación primaria y secundaria, primero en Corazonistas (con mayoría de franceses) y
en 1908, durante siete años, en el colegio jesuita de El Salvador, al comienzo del paseo
de la Constitución, donde hoy se encuentra la sede principal de Ibercaja, cerca de la plaza
de Aragón; como alumno a media pensión, no vestía el uniforme completo de los internos,
sino solamente la gorra con un galón. Sus notas eran generalmente excelentes.5

Leonardo Buñuel González, padre del cineasta.

Lo que se sabe sobre las primeras películas que vio procede de las declaraciones del
propio Buñuel, y son imprecisas y contradictorias. En 1975 dijo a Pérez Turrent y José de
la Colina que había visto de niño «cine parlante y en colores, en la sala Coine [sic], de
Zaragoza», aludiendo al cinema parlante que Ignacio Coyne Lapetra regentó
entre1905 y 1909; recordaba una película donde «se veía un cerdo, con faja de comisario
de policía y sombrero de copa, cantando una canción. Era un dibujo animado con colores
muy malos que salían de las figuras, y el sonido venía de un gramófono», pero también a
los mismos autores les comunicó que en la primera película que vio había un asesinato
cruento.6 Por otro lado, en sus memorias, tituladas Mi último suspiro, afirmaba que
en 1908 asistió por primera vez al cine Farrucini [sic], que remite a la barraca de feria
Nuevo Metensmograf Cinematógrafo Farrusini del feriante barcelonés Enric Farrús, quien
se estableció en Zaragoza en 1908 al calor de la Exposición Hispano-Francesa de ese
año que conmemoraba el centenario de los Sitios de Zaragoza. Recordaba, asimismo,
haber visto en esa época muchas películas cómicas de André Deed, que en España era
conocido como Toribio, y el Viaje a la luna de Georges Méliès.7

En Calanda daba funciones con un teatrillo de personajes de cartón que sus padres
habían comprado en París y espectáculos de sombras chinescas con una linterna mágica.
Acudía regularmente al teatro y a la ópera, pues los Buñuel tenían, como familia
acomodada que era, palco en abono en el Principal, uno de los cuatro que entonces había
en la capital aragonesa. Su niñera le llevaba también al teatro Circo que ofrecía comedias,
dramas de detectives, melodramas, farsas, sainetes y zarzuelas; posiblemente allí
contemplaría una opereta basada en Los hijos del capitán Grant, que Buñuel tenía como
uno de sus mejores recuerdos, por la espectacularidad de su escenografía. Ya de
adolescente, en 1915, asiste en el teatro Principal a numerosas funciones de teatro y
ópera La vida es sueño, El alcalde de Zalamea, Don Álvaro o la fuerza del sino, La
Favorita, Lucía de Lammermoor, el Fausto de Gounod, Rigoletto, El barbero de
Sevilla, Carmen...8

Desde los diez o doce años comenzó a tocar el violín y a estudiarlo desde los trece. Al
año siguiente salió por primera vez de Aragón y viajó a Vega de Pas (Cantabria) y San
Sebastián, donde veranearía a menudo. En 1915 fue expulsado por los jesuitas del
colegio y se matriculó en el Instituto de Enseñanza Media de Zaragoza (más tarde
llamado «Goya») como alumno libre. En esa época leyó El origen de las especies,
de Darwin, además de libros de la nutrida biblioteca de su padre Leonardo, como elJean-
Christophe de Romain Rolland, obras de los librepensadores
franceses Rousseau, Diderot o Voltaire y clásicos españoles como Quevedo o Benito
Pérez Galdós, además de novelas de detectives (Nick Carter, Dick Turpin) y una novela
que le dejará huella: Robinson Crusoe.9
Juventud. Madrid y la Residencia de Estudiantes[editar]

A los 17 años, terminado el bachillerato, partió a Madrid para cursar estudios

universitarios. En la capital se alojó en la recién creada Residencia de Estudiantes,
fundada por la Junta para la Ampliación de Estudios, heredera del espíritu
del krausismopedagógico y la Institución Libre de Enseñanza,10 11 12 donde permaneció
siete años. Su propósito, inducido por su padre, era estudiar Ingeniería Agrónoma. En
esta época se interesó por el naturismo y llevó una alimentación y vestimenta espartanas,
gustando de lavarse con agua helada. Tomó parte en las actividades del cine-club de la
Residencia y trabó amistad, entre otros, con Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael
Alberti, Pepín Bello y Juan Ramón Jiménez. También participó en las tertuliasultraístas y,
todos los sábados desde 1918 hasta 1924, en las del Café Pombo, dirigidas por Ramón
Gómez de la Serna.

Benjamín Jarnés, Huberto Pérez de la Ossa, Luis Buñuel (arriba, de izquierda a derecha), Rafael

Barradasy Federico García Lorca (abajo) en Madrid el año 1923.

En 1920 inició, con el doctor Ignacio Bolívar, estudios de entomología, que abandonó para

matricularse en Filosofía y Letras, rama de Historia, ya que se había informado de que
varios países ofrecían trabajo como lector de español a licenciados en Filosofía y Letras,
lo que suponía una oportunidad de cumplir su deseo de salir de España.

Con sus compañeros de la Residencia hizo sus primeros ensayos de puesta en escena,
con versiones delirantes del Don Juan Tenorioen las que actuaban Lorca, Dalí y otros
compañeros.
En 1921 visitó por primera vez Toledo, ciudad que causó una profunda impresión en
Buñuel y sus amigos. También tuvo conocimiento en estos años de las tendencias
internacionales más importantes del pensamiento y del arte, y mostró interés por
el Dadaísmo y la obra deLouis Aragon y André Bretón. Y, por supuesto, siguió asistiendo
con regularidad al cine.

Desde 1922 escribe poemas, prosas poéticas y cuentos en diversas revistas literarias de

la época, fundamentalmente aquellas que sirvieron de vehículo para el ultraísmo y
la Generación del 27, como Ultra, Horizonte, Alfar, Helix o La Gaceta Literaria.

En 1923 murió su padre en Zaragoza, inició el servicio militar y publicó su primer artículo,

al que siguieron cuentos y poemas en revistas de vanguardia e incluso preparó un libro
que los recopilaba bajo el título Un perro andaluz. Muchas de las imágenes de sus
escritos de estos años, previos al surrealismo francés, pasaron a su cine. El día de San
José de ese mismo año de 1923 fundó la paródica Orden de Toledo y se nombró a sí
mismo condestable. Para ser caballero había que emborracharse y estar toda la noche sin
dormir. A ella pertenecieron, entre otros, Dalí, Pepín Bello, Alberti...

En 1924, año en que Dalí le realiza su primer retrato, se licenció en Historia y renunció al
doctorado, decidido a marcharse a París, la que por entonces era capital cultural de
occidente.13

París y el surrealismo[editar]

En enero de 1925, después de asistir a la conferencia que da Louis Aragon en

la Residencia de Estudiantes, Buñuel abandonó Madrid rumbo a París. En la capital
francesa asistió a las tertulias de los inmigrantes españoles y se acerca cada vez más al
grupo surrealista. Su afición por el cine se intensificó y veía habitualmente tres películas al
día, una por la mañana (generalmente proyecciones privadas, gracias a un pase de
prensa), otra por la tarde en un cine de barrio y otra por la noche.
 Ricardo Viñes.

El pianista Ricardo Viñes le propuso la dirección escénica de El retablo de Maese Pedro,

de Manuel de Falla, que, estrenada en Ámsterdam el 26 de abril de 1926 y representada
también al día siguiente, supuso un importante éxito. Esta experiencia le llevó a escribir
una pieza de teatro de cámara de vanguardia titulada Hamlet en 1927, que fue
representada en el Café Sélect de París.

Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces (Der müde Tod),
de Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje al conocido director de
cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar en cualquier labor a cambio de aprender
todo lo que pudiera acerca del cine, y Epstein acabó permitiéndole desempeñar el cargo
de ayudante de dirección en el rodaje de sus películas mudas Mauprat (1926) y La caída
de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928.

Comenzó a colaborar como crítico en varias publicaciones de cine y arte, en las que dejó
constancia de sus iniciales concepciones cinematográficas, como la francesa Cahiers
d'Art y la española La Gaceta Literaria, de la que fue director de su sección de cine
desde 1927. El director de esta revista, Ernesto Giménez Caballero, le propuso fundar un
cine-club en la Residencia de Estudiantes. La idea se llevó a cabo y Buñuel, viajando
ocasionalmente a Madrid, promovió en España el cine de vanguardia y las ideas
surrealistas.
 André Breton.

También en estos años colaboró como actor en pequeños papeles, como el de

contrabandista en la película Carmen (Jacques Feyder, 1926) conRaquel Meller, y en La
sirène des tropiques (Henri Étiévant y Mario Nalpas, 1927) con Joséphine Baker. Todo
este bagaje le familiarizó con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos
profesionales y actores que después habrían de colaborar con él en Un perro
andaluz y La edad de oro, sus dos primeras películas. Como crítico, elogió el cine
de Buster Keaton y atacó, por considerarla pretenciosa, la vanguardia cinematográfica
francesa, en cuyas filas militaba el propio Jean Epstein. Es conocida su ruptura con este
al negarse el aragonés a trabajar en el nuevo proyecto del más reputado de los directores
vanguardistas franceses, Abel Gance, de cuyo Napoleón había escrito Buñuel
recientemente una crítica muy dura.

Cada vez más interesado por el grupo surrealista de Breton, comenzó a trasladar a sus
compañeros de la Residencia de Estudiantes las novedades de esta tendencia,
escribiendo poemas de un surrealismo ortodoxo e instando a Dalí a que se trasladase con
él a París para conocer el nuevo movimiento. En 1927 escribía un libro de poesía
surrealista, que no llegó a editar, cuyo título inicialmente era Polismos y más tarde Un
perro andaluz, que fue el que más tarde recibiría su primera película.

En 1928 preparó un guion cinematográfico sobre Francisco de Goya con motivo del

centenario de su fallecimiento, patrocinado por una comisión zaragozana. El proyecto no
llegó a buen término por falta de presupuesto, como tampoco otro basado en un guion
de Ramón Gómez de la Sernaque iba a titularse El mundo por diez céntimos, en el que el
hilo conductor iban a ser los sucesivos cambios de dueño de una moneda, o bien,
diferentes narraciones que se hallaban en un periódico. Gómez de la Serna le envió
finalmente el guion de Caprichos (su nuevo título), aunque no se ha conservado, ya que
entre octubre y noviembre de ese año abandonaría el proyecto al comenzar a trabajar con
Dalí en el de Un perro andaluz.14

Un perro andaluz y La edad de oro[editar]

En enero de 1929, Buñuel y Dalí, en estrecha colaboración, ultimaron el guion de un film

cuyo proyecto se titularía sucesivamente El marista en la ballesta, Es peligroso asomarse
al interior y, por fin, Un perro andaluz, una vez desechada la publicación con este título de
su proyectado poemario surrealista. La película se comenzó a rodar el 2 de abril con un
presupuesto de 25000 pesetas aportadas por la madre de Buñuel. Se estrenó el 6 de
julio en el Studio des Ursulines, un cine-club parisino, en el que alcanzó un clamoroso
éxito entre la intelectualidad francesa, y permaneció en exhibición nueve meses
consecutivos en el Studio 28.

Salvador Dalí (1939).

A partir de la proyección de Un perro andaluz, Buñuel fue admitido de lleno en el grupo
surrealista, que se reunía diariamente en el Café Cyranopara leer artículos, discutir sobre
política y escribir cartas y manifiestos. Allí, Buñuel forjó amistad con Max Ernst, André
Bretón, Paul Éluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragon, entre otros.

A fines de 1929 se volvió a reunir con Dalí para escribir el guion de lo que sería más
tarde La edad de oro, pero la colaboración ya no resultó tan fructífera, pues entre los dos
se interpone el gran amor de Dalí, Gala Eluard. Buñuel comenzó el rodaje de la película
en abril de 1930, cuando el pintor se encontraba disfrutando de unas vacaciones con Gala
en Torremolinos. Cuando descubrió que Buñuel ya había acabado la película con el
sustancioso mecenazgo de los Vizcondes de Noailles, que deseaban producir una de las
primeras películas sonoras del cine francés, Dalí se sintió marginado del proyecto y
traicionado por su amigo, lo que originó un distanciamiento entre ellos que se fue
incrementando en el futuro. A pesar de aquello, felicitó a Buñuel por el largometraje,
asegurando que le había parecido «una película americana». El estreno tuvo lugar el 28
de noviembrede 1930. Cinco días más tarde, grupos de extrema derecha atacaron el cine
donde se proyectaba, y las autoridades francesas prohibieron la película y requisaron
todas las copias existentes, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues
no sería distribuida hasta 1980 enNueva York y un año después en París.

Hollywood y el Madrid de la República. Las Hurdes[editar]

En 1930 Buñuel viajó a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como

«observador», con el fin de que se familiarizara con el sistema de producción
estadounidense. Allí conoció a Charles Chaplin y Serguéi Eisenstein. En 1931 llegó a
España, en vísperas de la proclamación de la Segunda República. La edad de oro se
proyectó en Madrid y Barcelona. En 1932 asistió a la primera reunión de la Asociación de
Escritores Revolucionarios (AERA), se separó del grupo surrealista y se afilió al Partido
Comunista francés. Contratado por la Paramount, regresó a España y trabajó como
responsable de sincronización.

Ramón Acín, artista y anarquista, financió Las Hurdes tras haber sido agraciado con un premio de lotería.

En abril de 1933,15 financiado por su amigo Ramón Acín, comenzó a filmar Las Hurdes,

tierra sin pan, un documental sobre esa comarcaextremeña. La derecha y la Falange
Española comenzaban a rebelarse en España y la película fue censurada por la Segunda
República Española por considerarla denigrante para España. Ese mismo año firmó un
manifiesto contra Hitler con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y
Vallejo.
En 1934 visitó en París a Dalí, ya casado con Gala. Dalí se mostró indiferente con Buñuel,
con lo que se incrementó su distanciamiento. El 23 de junio se casó con Jeanne Rucar, a
la que había conocido en casa de su amigo Joaquín Peinado en 1925 cuando estudiaba
anatomía en París, y que había sido medalla de bronce de gimnasia artística en
las Olimpiadas de París de 1924. La boda se celebró en la alcaldía del distrito XX de la
capital francesa, sin invitar a la familia, con tres testigos improvisados (uno de ellos, un
transeúnte desconocido) y, después de comer, Buñuel volvió a Madrid, ya que había
aceptado trabajar para la Warner Brothers como director de doblaje. La pareja tendría dos
hijos, Jean Louis, nacido en París, y Rafael, que lo haría en Nueva York.

En 1935, con ayuda de algún dinero familiar, fundó, junto a Ricardo Urgoiti, la
productora Filmófono, que competía con la Cifesa de los hermanos Casanova, principal
productora española de los años treinta. Filmófono produjo películas como Don Quintín el
amargao, donde debutó en el cine la gran bailaora Carmen Amaya, La hija de Juan
Simón, ¿Quién me quiere a mí? o ¡Centinela alerta!, y la única condición de Buñuel para
producirlas era, curiosamente, no aparecer en la ficha técnica, pues a sus ojos no eran
más que "melodramas baratos". Todos estos largometrajes fueron rentables y supusieron
la consolidación de la industria cinematográfica española de los años treinta. Sin
embargo, la Guerra Civil abortó este proyecto.

La Guerra Civil Española (1936-1939)[editar]

El golpe de estado franquista sorprendió a Buñuel en Madrid. Así como Dalí se alineó con

Franco y simpatizó con el bando nacionalista, Buñuel siempre permaneció fiel a la
Segunda República. No obstante, no dejó por ello de ayudar a amigos suyos del bando
franquista cuando estuvieron en peligro de muerte; así, logró que liberasen a José Luis
Sáenz de Heredia (primo hermano de José Antonio Primo de Rivera, fundador de
Falange), que simpatizaba con Franco, pues habían trabajado juntos en Filmófono. El 18
de agosto de 1936 es asesinado Lorca.

En septiembre de 1936 salió de Madrid en un tren abarrotado hacia Ginebra,

vía Barcelona. Allí lo había citado para una entrevista Álvarez del Vayo, ministro de
Asuntos Exteriores de la República, quien lo mandó a París como hombre de confianza
de Luis Araquistáin, embajador en Francia, para realizar diferentes misiones,
principalmente de inteligencia. Supervisó y escribió junto a Pierre Unik el
documental España leal en armas. Realizó su bautismo aéreo en varios viajes relámpago
a España, en misiones de guerra.

Durante 1937 se encargó de supervisar para el Gobierno republicano el pabellón español

de la Exposición Internacional de París. Dalí le pintó su segundo y último retrato: El
sueño. El 16 de septiembre de 1938, ayudado en los gastos de viaje por sus
amigos Charles Noailles y Rafael Sánchez Ventura, viajó a Hollywood de nuevo, esta vez
encargado por el Gobierno republicano de la supervisión, como consejero técnico e
histórico, de dos películas acerca de la Guerra Civil que se iban a rodar en Estados
Unidos.

Terminada la Guerra, en 1941, cuando comenzaba el rodaje de Cargo of Innocents, la

asociación general de productores estadounidenses prohibió toda película en contra de
Franco, lo que significó el fin del proyecto en el que estaba implicado Buñuel. Sin trabajo y
con poco dinero, y ya con su mujer e hijos reunidos con él, aceptó el encargo que le
ofrece el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, como productor asociado para
el área documental y supervisor y jefe de montaje de documentales para la Coordinación
de Asuntos Interamericanos, que dirigía Nelson Rockefeller. Su misión era seleccionar
películas de propaganda antinazi; tenía despacho propio y personal a su cargo. Su primer
trabajo para el MoMA consistió en la reedición de El triunfo de la voluntad, de Leni
Riefenstal, con el fin de hacerla más breve y accesible a miembros del Gobierno de
Estados Unidos para que viesen el potencial del cine como instrumento propagandístico.
Pero fue despedido en 1943 a raíz de la publicación del libro La vida secreta de Salvador
Dalí, donde el pintor tachaba a Buñuel de ateo y hombre de izquierdas. Un periodista
del Motion Pictures Herald atacó a Buñuel en un artículo donde advertía acerca de lo
peligroso que resultaba la presencia de este español en un museo tan prestigioso. Buñuel
se reunió con Dalí en Nueva York para pedirle explicaciones y esa entrevista significó la
ruptura de sus relaciones.

Volvió a Hollywood y se puso a trabajar para la Warner Brothers como jefe de doblaje de
versiones españolas para América Latina. Acabada la colaboración con la Warner
en1946, se quedó en Los Ángeles en busca de un trabajo relacionado con el cine y en
espera de que le concedieran la nacionalidad estadounidense, que había solicitado.
Etapa mexicana[editar]

Cuando Luis Buñuel aún estaba viviendo del dinero que había ahorrado el año anterior, la
casualidad quiso que en una cena en casa del cineasta francés René Clair se encontrara
con Denise Tual, la viuda del actor ruso Pierre Batcheff (protagonista de Un perro andaluz,
quien se había suicidado en 1932). La mujer, que se había vuelto a casar, con el
productor francés Ronald Tual, le ofreció trabajar en el nuevo proyecto que tenía intención
de realizar: La casa de Bernarda Alba, que dirigiría Buñuel. Tual, que había llegado a Los
Ángeles con el interés de conocer mejor la industria estadounidense del cine, tenía
intención de realizar la película entre París y México, para lo cual aprovechó su regreso a
París para hacer escala en México y concretar algunos asuntos con el productor francés
de origen ruso Oscar Dacingers, exiliado en ese país. Una vez allí se enteraron de que los
derechos de la obra habían sido vendidos a otra productora que había pujado más alto.

Truncado el proyecto, Luis Buñuel tuvo la suerte de que Dacingers le ofreciera otro
trabajo: dirigir Gran Casino, una película comercial con el conocido cantante
mexicano Jorge Negrete y la primera figura argentina Libertad Lamarque. Buñuel aceptó
y, una vez arreglados todos los papeles de residencia e instalado con su esposa y sus
hijos, ingresó en la industria mexicana del cine. Esta primera película de su nueva etapa
constituyó un rotundo fracaso16 y durante los tres siguientes años se vio obligado a
mantenerse del dinero que le enviaba su madre todos los meses.

En 1949, a punto de abandonar el cine, Dacingers le pidió que se hiciera cargo de la

dirección de El gran calavera, ya que Fernando Soler no podía ser a la vez director y
protagonista. El éxito de esta película y la concesión de la nacionalidad mexicana
animaron a Buñuel a plantear a Dacingers un nuevo proyecto más acorde con sus deseos
como cineasta, proponiéndole, bajo el título ¡Mi huerfanito, jefe!, un argumento sobre las
aventuras de un joven vendedor de lotería. A esta oferta siguió una mejor respuesta por
parte de Dacingers, la realización de una historia sobre los niños pobres mexicanos.

Así, en 1950 Buñuel realizó Los olvidados, película con fuertes vínculos con Las Hurdes,
tierra sin pan, y que en un primer momento no gustó a los mexicanos ultranacionalistas
(Jorge Negrete el primero), ya que retrataba la realidad de pobreza y miseria suburbana
que la cultura dominante no quería reconocer. No obstante, el premio al mejor director que
le otorgó el Festival de Cannes de 1951 supuso el reconocimiento internacional de la
película, y el redescubrimiento de Luis Buñuel, y la rehabilitación del cineasta por parte de
la sociedad mexicana. Actualmente, Los olvidados es una de las tres únicas películas
reconocidas por la Unesco como Memoria del Mundo.

En 1951 filmó Susana y Él, película que constituyó un fracaso comercial pero que sería

revalorada en los años venideros. En 1952 salió de Ciudad de México para filmar Subida
al cielo, cinta simple donde un sueño del protagonista da el toque surrealista de Buñuel y
que le valió ir nuevamente a Cannes. Ese mismo año filmó Robinson Crusoe, primera
película que se rodó en Eastmancolor (todos los días se enviaban las copias
a California para comprobar los resultados), y, junto con La joven, que dirigió en 1960, una
de las dos únicas películas que rodó en inglés y con coproducción estadounidense.
En 1953 dirigió La ilusión viaja en tranvía, una de las películas consideradas "menores"
pero que por su frescura y sencillez, y respaldada por escritores como José
Revueltas y Juan de la Cabada, sobrevive al paso de los años.

En 1954 dirigió El río y la muerte y es elegido miembro del jurado del Festival

Internacional de Cine de Cannes. En 1955, año en que filmó Así es la aurora en Francia
(lo que le brinda la oportunidad de visitar a su madre en Pau), fiel a sus ideas, firmó un
manifiesto en contra de la bomba atómica estadounidense, lo que, unido a su apoyo a la
revistaantifascista España Libre (posicionada en contra de EE. UU.), supuso su inclusión
en la lista negra estadounidense hasta 1975. A partir de ese momento, cada vez que
pasaban por EE. UU., tanto él como su familia eran interrogados. No obstante, Buñuel dijo
que EE. UU. era la tierra más hermosa que había conocido. Cuando alguien le
preguntaba si era comunista siempre contestaba que era un español republicano.

Tras Ensayo de un crimen (1955), en 1956 realizó La muerte en ese jardín, con guion

de Luis Alcoriza y Raymond Queneau, que adaptaba la novela homónima de Lacour. The
National Film Theatre of London realizó una retrospectiva de su obra. Nazarín (1958),
Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959, es la primera de las tres películas que
realizaría con el actor Paco Rabal. Ese mismo año rodó Los ambiciosos, cine de
compromiso político y social. En 1960 dirigió por última vez una obra teatral, Don Juan
Tenorio, en México, y realizó y estrenó en EE. UU. La joven. Después regresó a España
para dirigir Viridiana, coproducción hispano-mexicana con guion escrito junto a Julio
Alejandro. La película fue producida por Gustavo Alatriste (por parte mexicana) y por Pere
Portabella y Ricardo Muñoz Suay, por parte de las productoras españolas UNINCI (Unión
Industrial Cinematográfica) y Films 59. Estuvo protagonizada por Silvia Pinal, Francisco
Rabal y Fernando Rey.

Viridiana fue presentada a concurso en el festival de Cannes de 1961 como representante

oficial de España y obtuvo la Palma de Oro, que recogió el entonces Director General de
Cinematografía, José Muñoz Fontán. Sin embargo, después de que el
periódico vaticano L'Osservatore Romano condenara la cinta, a la que tachaba de
blasfema y sacrílega, la censura española prohibió la cinta y Muñoz Fontán fue obligado a
dimitir. Viridiana no se pudo proyectar oficialmente en España hasta 1977. Fue ganador
delPremio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el Gobierno de México en 1977.17

En 1962 rodó El ángel exterminador, una de sus películas más importantes y personales,

en la que aludía a varias bromas privadas de su época de la Residencia de Estudiantes y
del periodo surrealista transcurrido en Francia.

Etapa francesa[editar]

Ya en su etapa mexicana, Buñuel había rodado varias películas de producción francesa

tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte
en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo
en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d'une Femme de Chambre), adaptación
de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge
Silberman y el guionista Jean Claude Carrière.

En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba
proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de
Venecia al año 1965, año en que, junto a Carrière, preparó las adaptaciones de El
monje y Là-bas.

En 1966 Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un

perro andaluz. Ese mismo año se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de
Oro en la Mostra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de
público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en acontecimientos
culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los
recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de
su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su
obra.
En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana,
protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había desempeñado el papel principal
enBelle de jour.

En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor

película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret
de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido
a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma
de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una especie de trilogía que
ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia,
abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo
año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su
casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael
y Carrière, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William
Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian.

En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur
Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En
la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole
Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica
aFernando Rey.

En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de próstata. En 1981, 50 años

después de haber sido prohibida, se reestrenó en París La edad de oro, fue hospitalizado
por problemas de la vesícula, Agustín Sánchez Vidal publicó su obra literaria, el Centro
Georges Pompidou de París organizó un homenaje en su honor y Un perro andaluz se
proyectó en una pantalla colocada en el techo de este centro cultural.

En 1982 publicó sus memorias, escritas en colaboración con Carrière y tituladas Mi último

suspiro.

Muerte[editar]

Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 de madrugada, a

causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus
últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: "Ahora sí que muero". Ese mismo año
había sido nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Se mantuvo
 fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida, siendo en
1997, cuando finalmente fueron esparcidas sus cenizas en el monte Tolocha, situado en
su pueblo natal, Calanda.18

Filmografía[editar]

Como director[editar]

Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas.19 Además, en 1930 rodó Menjant

garotes ("Comiendo erizos"), una película muda de únicamente cuatro minutos, con la
familia Dalí como protagonista.

Cabeza de Luis Buñuel, obra del escultor Iñaki, en el Centro Buñuel Calanda.

• Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929).20

• La edad de oro (L'âge d'or, 1930).21

• Las Hurdes, tierra sin pan (Las Hurdes, 1933).

• Gran Casino (En el viejo Tampico, 1947).

• El gran Calavera (1949).

• Los olvidados (1950).

• Susana (Demonio y carne, 1951).

• La hija del engaño (1951).

• Una mujer sin amor (Cuando los hijos nos juzgan, 1952).

• Subida al cielo (1952).

• El bruto (1953).

• Él (1953).

• La ilusión viaja en tranvía (1954).

• Abismos de pasión (1954).

• Robinson Crusoe (realizada en 1952 y registrada en 1954).

• Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, 1955).

• El río y la muerte (1954-1955).

• Así es la aurora (Cela s'appelle l'aurore, 1956).

• La muerte en el jardín (La muerte en este jardín, La mort en ce jardin, 1956).

• Nazarín (1958-1959).

• Los ambiciosos (La fiebre sube a El Pao, La fièvre monte a El Pao, 1959).

• La joven (The Young One, 1960).

• Viridiana (1961).

• El ángel exterminador (1962).

• Diario de una camarera (Le journal d'une femme de chambre, 1964).

• Simón del desierto (1964-1965).

• Belle de jour (Bella de día, 1966-1967).

• La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1969).

• Tristana (1970).

• El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972).

• El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté, 1974).

• Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977).

Aparte de las películas que realizó como director o actor, o en las que colaboró de una u
otra forma, también hubo una serie de proyectos que no pudo realizar.22

Como asistente de dirección[editar]

• Mauprat (Jean Epstein, 1926).

• La sirène des tropiques (Mario Nalpas y Henri Étiévant, 1927).

• La chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928).

Como productor o supervisor[editar]

• Un perro andaluz (1929).

• Don Quintín, el amargao (Luis Marquina, 1935).

• La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).

• Quién me quiere a mí (José Luis Sáenz de Heredia, 1936).

• Centinela alerta (Jean Grémillon, 1936).

• España leal en armas (Jean-Paul Le Chanois, 1937). Documental propagandístico

también conocido como España 1936 o Madrid 1936.

Como guionista en películas no realizadas por él[editar]

• Si usted no puede, yo sí (Julián Soler, 1950). Guion de Janet Alcoriza basado en un

argumento de L. Buñuel y Luis Alcoriza.
• El monje (Le moine) (Ado Kyrou, 1965). Guion de L. Buñuel y Jean-Claude Carrière.

• La novia de medianoche (Antonio F. Simón, 1997). Guion de L. Buñuel y José Rubia

Barcia adaptado por Lino Braxe.

Como actor[editar]

• Mauprat (Jean Epstein, 1926).

• Carmen (Jacques Feyder, 1926).

• La sirène des tropiques (Henri Étiévant, Mario Nalpas (codirectores), 1927).

• Un perro andaluz (1929).

• La fruta amarga (Arthur Gregor, 1931).

• La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).

• Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964).23

• En este pueblo no hay ladrones (Alberto Isaac, 1964).

• Belle de jour (1967)

• La chute d'un corps (Michel Polac, 1973).

• El fantasma de la libertad (1974).
Obra literaria[editar]
Luis Buñuel realizó varias incursiones en diversos campos (teatro, literatura) antes y
después de dedicarse al mundo del cine, si bien su más relevante aportación fueron los
poemas y prosas surrealistas escritos entre 1922 y 1929 durante su estancia en
la Residencia de Estudiantes de Madrid.24 Sus textos de esta época pueden inscribirse
entre las aportaciones más interesantes, junto con las de Juan Larrea (1895-1980), de la
introducción del surrealismo como componente clave de la Generación del 27.25 Pero los
textos literarios de esta época no solo están influidos por el surrealismo francés, sino que
también traslucen los rasgos de la greguería de Ramón Gómez de la Serna y
del ultraísmode la vanguardia madrileña.26

Muchos de estos textos iban a conformar un libro de textos poéticos y prosísticos

surrealistas del que da noticias desde 1926 y se iba a titular inicialmente Polismos.
Todavía en 1929, en carta escrita a Pepín Bello el 10 de febrero, tiene la intención de
publicarlo, aunque ahora con el título Un perro andaluz, que finalmente se convirtió en el
de su primera película.27