DIRECCIÓN de ACTORES II/ Notas.

Profesor:Luífer Rodríguez

- Cada director, en cada proyecto, con cada actor, deberá encontrar sus propias
estrategias de dirección.

No busquen encontrar “la manera” de dirigir actores. Es como un baile entre dos,
depende de la música, del acompañante, de la sala de baile… o, de otro modo, es como
enamorar a alguien... ¿Cómo hago para tener una formula para enamorar? A algunos los
enamora que le regalen flores; a otros que uno se haga el indiferente...

“La dirección de actores es una cosa totalmente personal que implica ser capaz de escuchar a los
demás, entenderlos y entenderse a si mismo” (Pedro Almodóvar)

- La primera tarea del director será la de seducirlos, enamorarlos, con el proyecto. El

primer vínculo entre actor y director comienza de esta manera: con el director contando
el proyecto, tomando un café en un bar, en una entrevista, en una llamada telefónica.

“En el primer encuentro debe hablarse de cualquier cosa, menos de la película. La base misma de
la dirección de actores es la confianza...tiene mucha importancia para mí encontrar actores que
tengan la suficiente confianza – en ellos y en mí – como para dejar al descubierto su lado mas
vulnerable.” (Claude Sautet)

- ¿Por qué debería un actor confiar en un director al que no conoce? ¿Por qué
exponerse a quedar para siempre grabado o filmado en algo que no le gusta? ¿Por qué
tendrá que entregarse (la actuación es siempre un acto de entrega y exposición) ante un
grupo de desconocidos? Por suerte los directores cuentan con una gran ventaja: a los
actores les encanta actuar. Pero también les encanta que los tengan en cuenta, que los
cuiden.

- El director es el que tiene una visión menos fragmentada del personaje, el que puede
evaluar una actuación dentro de la totalidad, porque puede ver el resultado en el
encuadre al momento de filmar y porque tiene en su cabeza la totalidad del guión y por
lo tanto de las transformaciones del personaje. El actor necesita confiar en la palabra
del director, en su opinión sobre una escena, o la manera de decir un texto.

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- Los actores, a veces, desconciertan a los directores con cosas que parecen
insignificantes, casi tontas: si dejo que el pañuelo asome por el bolsillo, si puedo
sentarme con las piernas cruzadas, si en esa escena puedo mirar hacia arriba... Pero son
esas cosas, casi mínimas, las que tal vez le den al actor la seguridad que necesitan, o de
dónde agarrarse para construir el personaje.

- El modo de pensamiento y construcción de los actores no es igual que el de los

directores; generalmente, el de los primeros es más detallista, minucioso, a veces
obsesivo, y también algunas veces egocéntrico, sin posibilidad de mirar el conjunto, y
pudiendo sólo preocuparse por sus propios temas. Y es asunto del director articular
todas esas individualidades, escuchar sus necesidades y también sus caprichos. A cambio,
contará con una sabiduría sobre el personaje que solo encuentra quien le pone el
cuerpo, quien le presta sus imágenes, su historia, sus experiencias sensoriales y
emocionales.

“Al principio veía a los actores como enemigos, porque me parecían que no entendían la presión
que yo estaba soportando, todos ellos parecían preocupados por cómo tenían el pelo, el maquillaje
y el vestuario, unas cosas, que por descontado, me parecían totalmente banales. Pero con el tiempo
comprendí que estaba equivocado. Esas son sus herramientas y son tan importantes para ellos
como son para mí la cámara y las luces. Para un director lo que importa es el filme, para un
actor es el personaje.” (David Cronemberg )

“Hay cosas que, simplemente, no puedes escribir, como la manera que tiene un actor de mirar a
otro actor. Esas pequeñas cosas, lo son todo en una película”(Oliver Stone)

- Hay directores que no quieren ensayar antes del rodaje; y más aún, algunos no
quieren que los actores conozcan los textos de antemano, o se los dan en el momento de
comenzar el rodaje, o –incluso- no les hacen saber el desarrollo de la historia para que
cada suceso, cada cambio de dirección de los acontecimientos tengan una reacción
totalmente espontánea. Aún en estos casos extremos sigue existiendo la dirección de
actores; porque sigue existiendo un vínculo construido, una confianza, una elección
previa, un entendimiento desde otros lugares.

- No se puede dirigir sin establecer una red de vínculos, que se instalan en diferentes
niveles: Director – actor/ Actor- actor/ Actor- Personaje / Personaje – personaje.

Generalmente, sin nos atenemos a los análisis de la estructura dramática, el vínculo que
se aborda es el que se da entre personaje- personaje, sin darnos cuenta que en las otra
tres relaciones vinculares es donde empieza la dirección de actores en el cine.

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-Todo lo que permita al actor encontrar el camino para la actuación es válido.

Hay actores que entienden porque pueden analizar las causas y consecuencias de los
actos de sus personajes, o porque los relaciona con alguna situación de su propia vida, o
porque encontraron el modo de caminar o mover las manos, o porque comprenden la
intención ideológica del autor, o porque el olor de la locación es el mismo de la casa de
las vacaciones de su infancia. Y todo es valido. No existen maneras mejores o peores,
correctas o incorrectas. Desde la introspección a la construcción externa, pasando por
todas las variables posibles, lo importante será que el director acompañe y ayude a sus
actores en esta búsqueda en común.

“La dirección consiste en comunicar tus deseos a la otra persona y creo que cada director tiene
que encontrar su propia manera de hacerlo. Pero lo fundamental es que te guste hacerlo.” (Jean-
Pierre Jeunet)

- El casting es donde se juega por completo la dirección de actores.

“La gente suele preguntarme muchas veces cual es el secreto de la dirección de actores y siempre
piensan que estoy soltando una gracia cuando les contesto que lo único que debes hacer es
contratar gente con talento y dejar que hagan su trabajo.”(Woody Allen)

- Es importante buscar como actor, en mayor o menor grado de prioridad, a una buena
persona, a un buen compañero de equipo.

“Tengo la impresión de que trabajar con actores está bien, si tienes a actores que te gusten como
personas. Bueno, por lo menos tiene que gustarte algunos aspectos de ellos… aunque tambien
hemos oído las historias sobre Hitchcock y como odiaba a los actores, aunque yo no acabo de
creérmelo todo” (Martín Scorsese)

- O encontrar a alguien que “sintonice” con la manera de trabajar del director, si bien
la relación actor- personaje no se plantea en términos de “correspondencia directa”.

“... antes de poder dirigir bien a un actor, es preciso escoger al actor adecuado. Y eso requiere un
buen número de reuniones, conversaciones en las que se habla de todo: política, infancia,
momentos difíciles... El resto —en otras palabras, saber si el actor se corresponde con el papel—
es mucho menos importante de lo que la gente cree, por la sencilla razón de que todo actor quiere
actuar y, a ser posible, interpretar un personaje que no se parezca en absoluto a él. De modo que
el verdadero problema no es saber si el actor se ajusta al personaje, sino si se ajusta a mí. Además,
los actores lo saben. Cuando conocí a Michel Serrault para Nelly y el señor Arnaud, acababa de
leer el guión y le pregunté si estaba interesado en el papel. Sonrió y, de inmediato, contestó: «¿Y
yo? ¿Te intereso?». Es cuestión de personalidad. Puedes conseguir que un actor lea tópicos, pero si
tiene una personalidad lo bastante fuerte, no habrá ningún tópico. “ (Claude Sautet) 


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- Es necesario saber con claridad que es lo que se está buscando, no necesariamente en
fisic du rol, pero sí en la imagen interna del personaje, y estar abierto y receptivo para
detectarlo cuando aparece.

“No debes dudar en ver a mucha gente, pero eso implica también el saber lo que estás buscando,
porque, de lo contrario, todo está expuesto a la confusión. Sin embargo, si tienes el personaje bien
arraigado en la mente, los actores van desfilando y, de repente, el personaje está ahí, delante de tí.
Y es una sensación extraordinaria. Tres segundos en su prueba y supe que Audrey Tatou era la
Amélie que andaba buscando y tuve que esconderme detrás de la cámara para que no viera mis
lágrimas de alegría.” (Jean- Pierre Jeunet)

- Los actores son los que motivan al director, como elementos misteriosos que ponen en
funcionamiento la curiosidad y la fascinación.

“Creo que el secreto de trabajar bien con un actor es saber primero cómo escogerlo. Y, para que
salga bien, tienes que olvidar por un momento el personaje en el guión y ver si la persona que
tienes delante te fascina o no. Esto es muy importante, porque durante el rodaje, la curiosidad que
sientes por ese actor te impulsará a explorar el personaje de la trama.” (Bernardo Bertolucci)

- Buscar al actor de acuerdo a sus características físicas, pero sabiendo que los cuerpos
reales y no los de papel, se terminan imponiendo.

“... a menos que escribas un papel con un actor específico en mente, cosa que no me gusta hacer, es
imposible encontrar un actor que se ajuste perfectamente a! personaje del guión. Así que lo mejor
es escoger al actor que más se acerque a las características físicas que se requieren, y a
continuación volver a escribir el personaje con arreglo a la edad, acento, orígenes, y sobretodo a
la personalidad del actor que has escogido. “ (Pedro Almodóvar)

- Un actor sabe actuar, por eso lo que ha de buscarse es un entendimiento entre

personas y no en términos de técnicas compositivas.

“Nunca pido a los actores que hagan una prueba, porque, realmente, no sirve para nada. No
necesito saber si un actor sabe actuar: normalmente saben hacerlo. Lo que necesito saber es, si se
ajusta al papel, y la respuesta, en realidad, no tiene nada que ver con la interpretación. Si has
hecho bien el casting, ya tienes si 90 % del trabajo como director de actores. Pero por supuesto el
10 % restante es más complejo, porque cada actor es distinto; cada uno tiene su manera particular
de trabajar, de comunicarse, y no puedes adivinar como va a ser“ (Tim Burton)

-La elección de uno u otro actor, da el “tono”, la “diferencia”.

“Encontrar un actor que sepa interpretar un papel específico no es tan difícil; lo difícil es
encontrar al adecuado. Lo que quiero decir es que, para un determinado papel, es posible que
haya seis o siete actores que te ofrezcan una buena interpretación, pero todos interpretarán algo
distinto. Es un poco como la música: puedes tocar la misma pieza con una trompeta o una flauta y
las dos te ofrecerán algo maravilloso, pero en dos direcciones distintas. Y tienes que elegir cuál es
la mejor opción. “ (David Lynch)
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-Los actores tienen un registro de actuación en el que funcionan bien y hay que
elegirlos teniendo eso en cuenta.
“Por supuesto, tienes que elegir a los actores adecuados, eso para empezar, porque, por mucho que
digan, los actores tiene sus limitaciones y no pueden rebasarlas. Pueden mejorar, pueden, dar de si
un poco más, pero nunca pueden ser alguien que no son... Robert de Niro, con lo bueno que es,
tiene su registro, nunca vas a verlo interpretando a una persona cálida.“(Oliver Stone)

- Buscar actores que no tengan experiencia en papeles parecidos al que van a

proponerle.

“... cuando escojo a los actores, evito elegir a la gente especializada en un determinado tipo de
papeles, porque es probable que hayan desarrollado “tics” en las interpretaciones que resulta
imposible corregir... para interpretar gangster... elijo gente acostumbrada a interpretar a
personal de oficina y los resultados son de lo más sorprendente.“ (Takeshi Kitano)

- Buscar en los actores, al momento de elegirlos, aquello que no se ve a simple vista,

intentar conocer sus lugares profundos, para poder saber que esperar de ellos.

“... no me implico con personas que no me interesen personalmente. Sólo puedo trabajar con gente
que me permita llegar a cierto acuerdo... lo importante no es solo hacerme con las palabras que
dicen, sino con los pensamientos que hay detrás de las palabras. Lo que busco obtener es la
penetración en los pensamientos profundos de mis actores mediante sus más sutiles expresiones.
Porque éstas son las expresiones que revelan el carácter de la persona, sus sentimientos
inconscientes, los secretos que viven en la profundidad de su alma. Hay que descubrir lo que late
en el fondo de cada persona. Por eso busco actores que puedan responder a esa exigencia....
capaces de darme, o dejarme tomar, lo que trato de obtener de ellos. El personaje debe vivirse en
cada momento y siempre que se esté representando. Los sentimientos humanos y profundos
requieren emoción natural en el preciso instante en que aparecen encarnados en nosotros”. (Carl
Dreyer)

- Algunas veces, se empieza el rodaje sin la certeza de una buena elección.

“La elección de los actores suele ser para mí un proceso largo, doloroso. Hasta mediados del
rodaje es absolutamente imposible saber si se ha elegido bien a los actores o si uno se ha
equivocado. “ (Andrei Tarkovski)

- Dibujar los personajes antes de buscar a los actores, los personajes ya tienen caras,
ojos, narices.

“La parte más rica de la preparación es la elección da rostros y cabezas, es decir, el paisaje
humano del filme. El medio nutritivo que dará al filme su propia fisonomía se elabora a partir de
esos encuentros y entrevistas, estas conversaciones burlonas, la irrupción de esta multitud de
miradas y sonrisas.... Durante ente período soy capaz de ver hasta cinco o seis mil rostros, y son
precisamente esos rostros quienes me sugieren el comportamiento de mis personajes, sus
personalidades. A veces la elección, por ser irracional, es desafortunada. Entonces trato de
aprovechar ese error. Abandono el personaje que tenía en la mente y lo busco en el actor o la
persona elegida.“ (Federico Fellini)

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- Ensayar para fijar movimientos y coreografías. (Imprescindibles en los planos-
secuencia).

“Les doy gran libertad y, al mismo tiempo, el sentido de la precisión. Es una rara combinación. En
otras palabras: físicamente, y en la manera de desenvolverse, exijo la precisión de un ballet. Pero
su manera de actuar proviene directamente tanto de sus tareas como de las mías. Cuando la
cámara empieza a rodar, no improviso visualmente. En este aspecto todo esta preparado. Pero con
los actores trabajo con gran libertad. Trato de hacerles la vida agradable.“ (Orson Welles)

- Ensayos sobre escenas no existentes en el filme, que permita a los actores buscar su
personaje y sus relaciones, para llegar a un rodaje sin improvisaciones.

“Una vez que hemos elegido el reparto y que empezamos a trabajar en el plató, no estamos
abiertos a nuevas sorpresas. Por ejemplo, no nos gusta dejar que los actores improvisen. Y esto no
quiere decir que los actores no reescriban sus frases en alguna ocasión, o que no se presenten, con
sus propias frases, pero eso es algo distinto a improvisar. El único momento en que improvisamos
de verdad es durente los ensayos, para sacar determinadas cosas, pero no suele afectar a la escena
en sí. Lo que acostumbramos a hacer es pedir al actor que se invente las partes de la escena que
no están escritas, los cinco minutos que suceden antes y después de la escena. Nos parece que les
ayuda a meterse mejor en la escena.“ (Joel y Ethan Coen)

- O no realizar excesivos ensayos.

“Directamente no hay mucho que el director tenga que hacer, los ensayos y la búsqueda de
entendimiento son solo una excusa comercial, y las buenas actuaciones, algo natural. Muchos
directores tienden a dirigir excesivamente a los actores y a los actores les complace, porque, bueno,
les gusta que les dirijan en exceso. Les gusta mantener interminables conversaciones sobre el
papel; les gusta intelectualizar todo el proceso de crear un personaje... Bueno, creo que sé a qué es
debido todo esto. Creo que los actores —y, posiblemente, también los directores— se sienten
culpables por hacer algo que les resulta tan fácil y tan natural, de manera que tratan de hacerlo
más complejo para justificar el sueldo que reciben.” (Woody Allen)

- La cuestión es conseguir que actores y director vayan en la misma dirección.

“Hay que hablar mucho con los actores hasta estar seguro de que os movéis en la misma
dirección. Y cuando todo esté en consonancia, todas os palabras y todos los movimientos que
hagan los actores saldrán perfectos, con total naturalidad. Los ensayos pueden ayudar a
encontrar el tono adecuado, pero hay que tener cuidado. Personalmente, siempre me preocupa
perder la espontaneidad de la escena al ensayarla demasiado, no quiero perder la magia que, a
veces, surge en el primer encuentro. “(David Lynch)

-O se necesita empezar por las personas y no por los actores, establecer un vínculo por
fuera de la película, de las escenas, de los personajes.

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“Pienso que, si quieres trabajar con actores, lo primero que tienes que hacer es enamorarte de
ellos. – Si los odias, ni te molestes. Es algo que entendí muy claramente cuando vi “La noche
americana “ de Truffaut. Me sorprendió ver cuánto cuidaba a los actores, Y eso es también lo que
intento hacer; trato a los actores como sí fueran parte de mi familia. Antes de empezar a rodar
insisto en pasar mucho tiempo con ellos. Hablamos mucho y trato de ver qué les parece la vida,
qué clase de ideas tienen, que tipo de sueños. Hablamos de lo que les gusta y lo que detestan. Trato
de descubrir cual es la cualidad principal de cada actor, porque eso es lo que intentaré destacar
en la película. Y, por lo general, cuando los actores hablan conmigo, empiezo a mirarlos para
tratar de encontrar el mejor ángulo de cámara. ¿Sale mejor este actor desde ese lado o desde
arriba o desde abajo? Los observo con detalle. Después, una vez que hemos empezado a trabajar
propiamente, hay dos cosas primordiales. La primera, por supuesto, es la comunicación con el
actor. Y para conseguirla siempre trato de buscar algo que tengamos en común. Tal vez sea algo
filosófico: tenemos los mismos valores morales; o tal vez sea algo más banal: a los dos nos gusta el
fútbol. Pero es muy importante, porque muchas veces todo el proceso de comunicación de basará
en eso.. Siempre es algo a lo que recurrir cuando surgen los conflictos. La otra cosa a la que le
presto mucha atención son los ojos. Cuando un actor está interpretando, siempre le miro fijamente
a los ojos; siempre, porque me dice si esta siendo veraz o está fingiendo. “ (John Woo)

- Dejar a los actores que muestren el camino que elegirían por sí solos sin influenciarlos
con la propia expectativa de los personajes y las escenas.

“Al dirigir actores, intento imponerme lo menos posible. Mientras más se dirige, mas tendencia
hay a la monotonía. Si uno dice a todos lo que hay que hacer, termina con un montón de copias de
si mismo. Así que cuando empiezo a hacer una escena dejo siempre que el actor me enseñe a
comenzar como ha imaginado la escena. Esto no se aplica sólo a los actores. Esto no solo se refiere
a los actores.,, lo que le dije de los animales no era solo un chiste, los animales tienen una gran
ventaja como actores, saben exactamente lo que quieren hacer, sin dudas, sin vacilaciones, Si lo
observa, se presentan oportunidades francamente extraordinarias, pero hay que descubrirlas.
Trato de decirles lo menos posible, porque quiero ver lo que pueden darme. Siempre habrá tiempo
después para darme lo que yo he pensado, Al principio, no quiero influenciarlos con mis
determinaciones, porque esto cerraría su creatividad individual, eliminaría su capacidad de
darme algo nuevo, algo que pueda no haber pensado. Creo que mi tarea es hacer todo lo posible
por ayudar al actor,, darle calma, sensación de independencia, de importancia. Haré todo por
eso, incluso hablar (que no me gusta mucho), Pero siempre confío en que será el actor el que me
enseñe, mas bien que lo contrario. “ (John Huston)

“La clave para dirigir actores es proporcionarles un entorno seguro, un entorno de confianza,
donde puedan trabajar. Esto implica proporcionarles una estructura, asegurarse de que no le
distraigan otras cosas que suceden en el rodaje. Centrar tu atención en ellos, observarlos de cerca,
mostrarles que no vas a dejarles que cometan errores, que no vas a ponerlos en apuros. Así
estarán más dispuestos a correr riesgos, que es lo que deseas que hagan. La cuestión es escuchar a
los actores, porque los buenos actores siempre tienen contribuciones que hacer.., al llegar al
rodaje, habrá poca cosa que decir, siempre y cuando lo hayas preparado bien, porque ya sabes
donde quieres llegar. En realidad se trata de ir haciendo pequeños ajustes. “ (John Boorman)


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- Dejar en manos de los actores los textos de los personajes, confiando en que el actor
es quien más conoce al personaje, y que inevitablemente lo mas rico aparecerá en el
cruce de los dos.

“Siempre trato de aplicar las regias del “cinema verite” al mundo de la ficción. En la escena de
'“El último en París”, cuando Brando está en la cama y cuenta cosas de su pasado, fue él quien se
lo inventó todo. Le dije: va a hacerte preguntas, responde, como quieras. Comenzó, a decir todas
esas cosas perturbadoras y yo era como el público, no podía decir si estaba mintiendo o diciendo
la verdad. Pero para eso estaba la improvisación: tratar de tocar la verdad y mostrar que detrás
de la máscara del persona]e, pude esconderse algo muy cierto.”(Bernardo Bertolucci)

- Guiar a los actores en los ensayos hasta lugares desconocidos que le permitan
disponer de una material para luego crear.

“... los actores solo ofrecen una buena interpretación si les obligas a mirar en su interior y salir de
su terreno conocido, pero esto requiere tiempo y conversaciones, A los actores les gusta hacerlo
porque a la larga, lo que quieren es que la gente los vea como no los ha visto antes, pero no
pueden conseguirlo solos, necesitan orientación... como director tienes que encontrar el material
en bruto, llevar a esa persona a un lugar donde no haya estado nunca. Y así es como tocas lo
mejor de los actores” (Olliver Stone)

- No plantear la puesta de cámara hasta ver a los actores moverse en la escena.

“Encuentro la construcción de la escena en la acción. Llego al plató sin ideas preconcebidas sobre
los planos que voy a rodar y solo después de trabajar con los actores, de obligarlos a moverse por
el plato, empiezo a pensar dónde voy a colocar la cámara... necesito vivir la escena antes de
rodarla.” (Win Wenders)

- El actor puede generar sus propias estrategias, a partir de un objetivo claro,para

alcanzarlo.

“... comprendí lo importante que es escuchar a los actores. Por supuesto, tienes que dirigirlos, pero
lo que importa de verdad es enseñarles cual es su objetivo. Después les corresponde a ellos decidir
como quieren alcanzar ese objetivo... Ensayo muy poco, porque me asusta que la interpretación se
convierta en algo demasiado técnico y que perdamos la magia que suele producirse en las
primeras tomas. Además pongo empeño en no mirar la escena en el control de video, sino en
observar a los actores directamente. De no hacerlo así, me parece que crearía una distancia entre
los actores y yo, y en ultima instancia entre los actores y el público.“ (Tim Burton)

- El director el que debe adaptarse a la particularidad de los actores, y darles su

oportunidad para mostrar su entendimiento del personaje.

“No hay dos actores iguales y el director tiene que adaptarse a ellos, no a la inversa. Algunos
actores necesitan hablar de su papel durante horas, pero otros adoptan una perspectiva contraria
y prefieren trabajar de una forma más instintiva. Por lo que a mi respecta, me gusta ensayar un
poco o por lo menos hacer una lectura completa, para ver que hace el actor.“(Jean Pierre Jeunet)

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- Garantizar la naturalidad de las actuaciones: impedir a los actores “actuar”.

“La dirección de actores es algo sencillo y complicado al mismo tiempo. Me parece que el secreto
es evitar dar las frases a los actores con demasiada antelación. De hecho, es mejor que ni siquiera
las tengan el día anterior. De lo contrario, van a ensayarlas solos, rodando su propia película en
la mente, imaginando cosas. Una vez estén en el plato, cuando dé las instrucciones, se sentirán
intranquilos, porque las cosas no corresponderán con lo que habían preparado. De manera que
la mayoría de las veces, le doy las frases justo antes de rodar, con la esperanza de que no tengan
tiempo para memorizarlas. Y, a menudo, la mejor, instrucción que les doy en relación a la
actuación es actúa como lo harías en la vida cotidiana, salvo que vas vestido de forma
distinta.“ (Takeshi Kitano)

-El actor no es quien estructura la realidad del personaje dentro de la totalidad de la

película.

''Estoy absolutamente en contra de que sea el actor quien cree la relación entre las partes que él
actúa y la película en su totalidad. Su única tarea consiste en vivir y en confiar en el director. 'La
tarea primordial de un director consiste en poner a los actores en un estado anímico auténtico,
convincente, Y esto, por supuesto, se consigue con cada actor en forma distinta. Para mí es
importantísimo que un actor no haga la pregunta tradicional, tremendamente absurda, de los
actores soviético formados en el sistema Stanislavski: ¿Por qué?; ¿Para qué? ¿Con que idea de
fondo? En el cine hay una sola cosa importante: la verdad de unos estados
momentáneos.” (Takeshi Kitano)

- ¿El director ideal? Ha de saber lo que busca, ser firme y tolerante a la vez, dentro de
una producción que le permita no estar diversificado en distintas tareas para poder
escuchar a sus actores.

“Creo que los buenos directores de actores son aquellos que tienen una idea muy precisa de lo que
quieren, y que se muestran, a la vez, muy firmes y tolerantes, como, la haría un buen entrenador
en el deporte. Tienes que presionar a los actores, obligarles a trabajar tan duro como puedan,
porque lo necesitan (incluso aunque a algunos no les guste) y al mismo tiempo, tienes que hacerlo
con guante blanco, de forma agradable y amistosa, cosa que lamento no haber sido nunca capaz
de hacer. Temo haber sido muchas veces demasiado severo con los actores, sobre todo porque
estaba demasiado ocupado trabajando en una docena de cosas al mismo tiempo.” (Jen-Luc
Godard)


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-Existen dos momentos claramente diferenciados: encuentros previos al rodaje y rodaje
mismo.

En el rodaje hay urgencias y tiempos que marcan y determinan lo que suceda en todas las áreas:
la luz que se va el costo de alquiler de los equipos, un ruido que aparece en la toma, el plan de
rodaje, etc.

A ningún director se le ocurriría llegar al rodaje sin haberse reunido previamente con su
sonidista, su fotógrafo, su director de arte, etc., tampoco sin haber discutido con ellos criterios
estéticos, de producción, ideológicos, ¿porqué entonces no poder disponer de algunas horas,
durante algunos encuentros para reunirse con los actores?

Cada uno de estos dos momentos tiene sus propias posibilidades y estrategias, que pueden ser
analizados por separado, pero están profundamente unidos en el resultado final.

En set de rodaje. CONDICIONES.

• Generar un clima de respeto y consideración, por parte del equipo de filmación.

• Darse un tiempo para estar con los actores en medio de las preguntas de todo el mundo y el
caos del rodaje.
• Tener presente la particularidad de cada actor.
• Apelar a lo “entendido” en común en los ensayos o las charlas previas.
• Ser claro en lo que se pide, hacerlo con firmeza y cordialidad.
• Tomarse el tiempo necesario para que el actor se sienta seguro.
• Estar atento para detectar los posibles conflictos o malestares.
• Recuperar lo generado por el actor en los ensayos previos.
• Permanecer alerta, con la cabeza y todos los sentidos, para aprovechar lo que se 

produzca intuitiva e imprevistamente desde los actores durante el rodaje.
• Estar dispuesto a modificar lo planeado si surge algo superador.
• Lo que sucede en el rodaje, estará totalmente influenciado por lo construido.

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- Antes del set de rodaje. TRABAJO DE MESA. Leer el guión, pensar, conversar, discutir.

• Que pasa? (contarlo como se contaría el argumento de un cuento a un niño)

• ¿De qué habla? (en términos que rebasen lo anecdótico)
• ¿Qué sensorialidades corresponderían a esa historia? (de que color es, que olor tiene, 

etc., no tiene que necesariamente coincidir con los parámetros objetivos realistas)
• ¿Hace recordar a alguna película, producción plástica, música, que hayan conocido? ¿Por qué?
• ¿Cuál es el universo en que se desarrolla? (desde la época hasta cualquier particularidad
objetiva de tiempo y espacio, incluido clima)
• ¿Hay alguna circunstancia particular que recorte ese universo? (el día que se desata la 

2°guerra mundial, cuando los marcianos invaden la tierra)
• ¿Cuáles son los conflictos centrales de la historia?
• ¿Qué personajes los sostienen? ¿Se resuelven o se transforman?
• ¿En cuántas partes puede dividirse el guión? ¿Esta división tiene que ver con el cambio 

de conflictos? ¿O con quien mueve la acción? ¿O con alguna otra cosa?
• ¿Quién es el personaje? ¿Cuál es su CD preferido, la película de la que no se olvida, el libro o la
historia que más lo impactó? ¿Cuál es la característica que no "pega" con lo que se esperaría de
él? (o cualquier tipo de pregunta que no sea "contar" su historia, sino hacer un recorte que
apele más al detalle que a la generalidad)

- EPÍLOGO. Dirigir.

- Dirigir es "saber" que hay un lugar hacia dónde ir, pero también saber que el camino no es
recto, que está lleno de meandros; que cada vuelta es un nuevo paisaje, pero que de fondo tiene
el anterior, que se retrocede, se da vueltas, se avanza, y otra vez se vuelve a empezar. Que a veces,
solo a veces, se llega al mar. Otras veces se sigue haciendo recovecos para siempre.

- Dirigir es un acto político. Es ponerse al mando. Es tener la última palabra. Es la

desesperación de la decisión solitaria, es saber que confían en uno. Es el miedo a no merecer esa
confianza.

- Es también el único que sabe lo que pudo haber sido y no fue, lo que quedó en el camino,
porque no supimos hacerlo aparecer.

- Los actores son mediadores fundamentales para ese paso de lo intuido a lo real.

- La Dirección de Actores en Cine puede y debe nutrirse de lo que otros han transitado,
investigado, transformado en métodos o teorías. Pero siempre será algo personal e intransferible.

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