UNIDAD EDUCATIVA “CÉSAR VIERA”
LATACUNGA – ECUADOR
ÁREA DE CUERDAS
MÉTODO PARA
VIOLIN
Segundo
bachillerato
NOMBRE DEL ESTUDIANTE:………………………………………….......
DOCENTE: TNLGA. JESSICA COMINA
AÑO LECTIVO
2022-2023
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Tnlga. Jessica Comina
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Metodologías musicales para cuerdas en el siglo XX y su aplicación en
el aula.
En el siglo XX, los tratados de técnica instrumental empezaron a abordar tanto aspectos
técnicos y de repertorio, como los concernientes a relajación y control corporal.
Podríamos decir que ello es debido a que vivimos una época que otorga un enorme
protagonismo al cuerpo.
A la par se han desarrollado técnicas en otras ciencias y sobre todo en las disciplinas
deportivas, incorporadas como soluciones terapéuticas para las lesiones profesionales
(tendinitis, escoliosis, etc.). Lo cierto es que cada vez más frecuentemente se recurre a
estas técnicas, como solución a los problemas de iniciación como base de la relación
instrumento-ejecutante.
Podríamos decir que la función de un método o tratado para de violín consiste
básicamente en hacer un compendio de las dificultades técnicas en relación al
instrumento. Realizando un somero recorrido por aquellos tratados más significativos,
como el Kreutzert, Mazas, Galamian, Sitt, etc, se puede comprobar que los aspectos
corporales planteados han variado considerablemente a lo largo del tiempo. No
obstante, a pesar de que ninguno de ellos ha hecho un recorrido completo por todas las
cuestiones inherentes al estudio de esta problemática, son un reflejo contextualizado y
parcial en el estudio del violín que deja de lado al intérprete humanizado.
El método Suzuki.
La metodología Suzuki se fundamenta en la participación activa del niño y de su
entorno familiar en el proceso de enseñanza aprendizaje. El acercamiento a la música y
el instrumento siempre es directo y de carácter participativo en la práctica, en donde los
elementos técnicos y musicales, se asimilan a través de melodías y piezas conocidas, en
lugar de ejercicios exclusivamente técnicos.
Si bien no se trata de un método propiamente dicho, si es un camino que utiliza todo lo
que este a su alcance para lograr resultados. Suzuki llama a su metodología interna
Lengua Materna o Educación del Talento, que se fundamentan en la exposición a
temprana edad de las artes, dando importancia a la motivación del niño, priorizando la
práctica prolongada y asignando roles a cumplir en el aula.
“Primero por el amor al niño, después por el amor de enseñar al niño. Posteriormente
por el amor de enseñar música al niño. Pero siempre el niño es primero” (Suzuki, 1979).
La premisa fundamental de la filosofía Suzuki pregona que todos los niños pueden
aprender, en igualdad de condiciones su idioma, entonces todos pueden aprender de
todo, incluida la música. Shinichi Suzuki (2007) afirma: “Las palabras talento y
habilidad se utilizan en sentido amplio y se refieren a la capacidad de la persona para
pensar, actuar o sentir en cualquier situación dada”
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Sus principios se basan en:
* La habilidad se desarrolla tempranamente. Neurológicamente más aptos y receptivos,
capacidad de asimilación constante
* La familia y la escuela nutren el crecimiento gradual, se aprende a su ritmo y en
unidades pequeñas de desarrollo.
* La interrelación es de dos vías, los que más saben enseñan a los que empiezan.
* La repetición como estímulo, conocimiento acumulativo. La repetición consciente con
enfoque.
Cuidados
EL PUENTE
El puente tiene que soportar una presión de unos treinta kilos, así que conviene
supervisarlo. De vez en cuando conviene comprobar que no ha empezado a inclinarse
hacia delante. Puedes enderezarlo tú mismo con mucho cuidado, pero si no te ves
seguro deja que lo haga alguien con más experiencia. Las patas deben estar a la misma
altura y su planta perfectamente apoyada.
Puente nuevo
Si la presión de las cuerdas ha llegado a doblar el puente habrá que cambiarlo. También
si las ranuras de las cuerdas se han agrandado. En las ranuras no debería entrar más de
un tercio del diámetro de cada cuerda. También hay que comprobar que el puente no
está demasiado plano ni demasiado curvo.
Cortar un puente
Un puente debería estar hecho a medida, para que tenga la altura y curva adecuadas,
permitiendo que las patas se ajusten perfectamente a la tapa. Un puente nuevo debería
durar años.
OTROS PUNTOS
El alma y la atadura
con un violín nuevo puede ser buena idea llevarlo a revisar a los 6 meses. El alma puede
haberse quedado un poco corta si la madera no estaba completamente seca al comprarlo,
o la atadura puede haberse dado de sí. En este último caso la distancia entre cordal y
puente sería demasiado corta y el sonido se apagaría. La distancia adecuada es entre 5,5-
6 cm en el violín y 1 cm más en la viola
El diapasón
Las cuerdas terminan haciendo surcos en el diapasón, incluso el sudor de los dedos
puede producir a la larga pequeños hoyos. Los violinistas profesionales pueden cambiar
el diapasón cada dos años, el resto esperaremos más, ya que no es un cambio barato.
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Trozos sueltos
Si se rompe alguna parte del violín, por ejemplo en los bordes, asegúrate de que no se
moja y no lo limpies. Lleva el instrumento a un luthier y conserva el trozo suelto.
También conviene que lo lleves si ves partes despegadas o grietas nuevas. NO hagas tú
las reparaciones.
Ruidos
Un violín puede tener ruidos de muchos tipos:
La cejilla y la cejilla inferior se pueden haber soltado.
El entorchado de una cuerda pude estar dañado.
Si el puente o la cejilla están demasiado bajos, la tensión puede hacer que las cuerdas
vibren contra el diapasón.
Los extremos de las cuerdas pueden vibrar si rozan el clavijero o el cordal.
El cordal no debe rozar la tapa o la barbada en ningún punto.
La barbada debe estar perfectamente sujeta.
Los canutillos, bien puestos.
Un filete suelto, un ojo Paris o la decoración de una clavija pueden causar ruidos.
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Estudios para violín solo, un material técnico-musical que aborda la ejecución de
posiciones fijas, de la 2ª y 3ª posición.
Cada posición reúne tres estudios y sirven para complementar, reforzar o acrecentar el
conocimiento del estudiante hacia el aprendizaje del violín. Cada Estudio guarda un
sentido musical que integra a su vez destreza y técnica para desarrollar cuestiones como
el saber articular los sonidos con el arco, la habilidad para operar los dedos de la mano
izquierda en el diapasón, así como para dar seguimiento al fluir musical en cuanto a
fraseo (inflexiones del discurso melódico) y dinámica sonora. Se plantean los siguientes
objetivos:
General: desarrollar en el violín una ejecución técnica y musical solvente en cada una
de las posiciones de los estudios.
Particulares:
• Comprender la mecánica en el manejo y la distribución del arco, así como su relación
con las articulaciones, la nomenclatura y los signos respectivos.
• Adquirir la capacidad psicomotora en el reconocimiento y la ejecución de las notas, en
correspondencia con los dedos-dígitos trazados en cada posición.
• Proyectar musicalmente la simbología contenida en cada Estudio, haciendo énfasis en
la dinámica y fraseo según el discurso escrito.
La nomenclatura aquí utilizada no se aparta de lo que se observa en la literatura
violinística, no obstante, se especifica lo siguiente:
T. A. = Todo el arco
M. = Mitad o zona media del arco
M. I. = Mitad inferior del arco
M. S. = Mitad superior del arco
Π = Arco hacia abajo (jalar)
V = Arco hacia arriba (empujar)
Por último, se aclara que en los Estudios 2, 3 y 9 se manejan tresillos, los cuales, según
la costumbre, van acompañados de un número 3 que se escribe arriba o debajo de cada
grupo de tres notas; empero, por cuestiones didácticas se omite dicho número, para no
confundirlo con la digitación.
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Es en este mundo donde es una gran herramienta el libro de Violin Fingerboard
Mastery, una publicación que identifica y trabaja todas las claves para moverte sin
miedo por tu diapasón. Y es que hay quien piensa que improvisar tiene que ver algo así
con la inspiración y la libertad caprichosa, cuando la realidad es que está más
relacionada con el conocimiento de la armonía, de patrones, escalas, progresiones,
acordes, etc., de manera que es más sencillo y lógico improvisar y crear cuando conoces
y te restringes a esas reglas que cuando simplemente tocas a capricho según las ideas
que se te puedan ir ocurriendo en el momento.
Para ello, Jason Anick plantea ejercicios (que deberías realizar unos pocos minutos cada
día) de:
Patrones de digitación.
Aproximaciones prácticas a la improvisación.
Acordes y arpegios fundamentales.
Una guía de diez pasos para practicar progresiones de acords.
Escalas pentatónicas y licks relacionados.
Técnicas de conducción y voice-leading para el aprendizaje de relaciones armónicas,
desde el círculo de quintas al movimiento de acordes simétrico.
Cinco estudios de interpretación de jazz.
Como veis, es lo más alejado que hay de un método para aprender canciones o
perfeccionar técnicas de interpretación. Es más bien una disciplina mental para entender
la música que tocamos, para familiarizarnos las estructuras musicales tonales más
importantes y poder aplicarlas a la hora de tocar.
Es llamativo que un músico de la talla de Gill Shaham, probablemente uno de los
mejores violinstas clásicos vivos actuales, haya integrado con entusiasmo en su rutina
diaria los ejercicios de este libro. «Este libro cambia la manera en la que uno escucha
música»(…) «traza un mapa del diapasón del violín con una perspectiva muy fácil de
entender» «Lo recomiendo a cualquier violinista de cualquier género».
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Así que este es un libro para años. Sus ejercicios son tanto prácticos como mentales; de
hecho, una de las recomendaciones del autor es plantearte retos de ejercicios sin el
violín en la mano, ya sea mientras estás en la ducha por ejemplo o realizando cualquier
otra tarea que no requiera tu atención. Y es que lo bueno de muchos de sus ejercicios es
que, cuando entiendes lo que Janick te plantea, no necesitas tener el libro delante, de
hecho, es mejor incluso si no lees los pentagramas, sino que trabajas directamente en tu
cabeza sobre cómo hacer por ejemplo ese patrón de notas en todas las tonalidades, o esa
progresión entre cualquier acorde, planteándote retos adicionales como hacerlo sólo en
las dos primeras cuerdas, o hacerlo en segunda posición, o cualquier otra variación que
se te ocurra. Y así se convierte en un trabajo casi infinito.
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