ARTE GÓTICO
Arquitectura gótica, características generales. La catedral. Ejemplos más significativos
El arte gótico se desarrolló en Europa occidental entre los ss. XIII-XV, en una época marcada por una serie de
cambios políticos, económicos, sociales y culturales. Se produce un gran crecimiento urbano, de las
ciudades, la reanimación del comercio y el desarrollo de la burguesía que serán los nuevos patrocinadores
del arte. Además, es importante el auge de la monarquía, así como el cambio de la mentalidad religiosa
(reforma cisterciense), la filosofía aristotélica y el pensamiento de San Francisco de Asís que promueve el
amor en vez del temor, la visión del hombre como obra maravillosa de Dios y el naturalismo. Se crean
también universidades, los nuevos centros culturales y artísticos.
Generalmente se divide el gótico en tres grandes periodos: Gótico inicial (siglo XII y XIII), partiendo del
románico, se configuran las nuevas formas góticas. Gótico clásico (siglos XIII y XIV), considerado una etapa
clásica y de expansión de las formas góticas. Gótico flamígero (siglo XV e inicios del XVI), periodo
caracterizado por la exuberancia ornamental.
Los principios estéticos del nuevo estilo son: la búsqueda de la verticalidad, tanto en el interior (altura de las
naves, arcos apuntados…) como en el exterior (pináculos, agujas), así como la iluminación. Por ello, el muro
pierde su función de soporte para ser un simple cerramiento, predomina el vano sobre el muro y este es
sustituido por amplios ventanales decorados con vidrieras reflejando la nueva espiritualidad (Dios=luz).
Gracias a eso encontramos un espacio dinámico en el interior. Como vemos, estos principios estéticos
contrastan con los del Románico donde apreciábamos espacios oscuros (escasez de ventanas), predominio
del muro sobre el vano e inexistencia de un espacio dinámico.
La gran innovación técnica de la arquitectura gótica fue el uso de los arcos apuntados y de la bóveda de
crucería. Los primeros, son más seguros y funcionales ya que tienen la ventaja técnica de ejercer menos
empujes laterales que los arcos de medio punto usados en el Románico, por lo que son más ligeros
reduciendo así la presión y siendo más fáciles de contrarrestar. La bóveda de crucería permite concentrar los
empujes en varios puntos (ángulos) liberando el muro. Los empujes se recogen hacia abajo sobre los pilares
y en el exterior hacia los contrafuertes que se separan del muro a través de los arbotantes. A su vez, el
contrafuerte suele estar rematado por un pináculo que permiten elevar la altura del edificio y desviar los
empujes oblicuos de los arbotantes hacia abajo. Además, tienen una función decorativa ya que aumentan la
verticalidad. Otros elementos decorativos, que diferenciamos en tres tipos, son los arquitectónicos que son
los ya mencionados pináculos junto con las agujas y los baquetones; los escultóricos (gabletes, relieves en la
fachada) y los pictóricos: rosetón, retablos y las vidrieras. Estas últimas se colocan en los amplios ventanales,
gracias a la liberación del muro, consiguiendo mucha luminosidad, esencial en el arte gótico.
La catedral es el principal edificio, el símbolo de la nueva espiritualidad y de la vida urbana donde se reflejan
todos los valores artísticos y arquitectónicos ya mencionados. Parte de la iglesia románica, pero incorpora
algunas novedades tanto en la planta (basilical o de cruz latina, subdividida en naves) como en la fachada y
alzado. La planta, su principal novedad es el gran desarrollo de la cabecera: ábsides, la girola (doble) y las
capillas absidiales más numerosas que en el románico. Además, el transepto está poco marcado en planta y
situado más lejos de la cabecera. En el alzado la nave central es mucho más elevada que las laterales, lo que
permite que se abran grandes ventanales. Encontramos 3 pisos: las arquerías, el triforio (ahora es una simple
galería abierta al interior) y el clerestorio que se decora con ventanales que permiten la iluminación a través
de las vidrieras. Por último, en las fachadas principales y en la del crucero encontramos 3 puertas abocinadas
rematadas por gabletes. El tímpano, a diferencia del románico, está dividido en franjas horizontales y las
figuras en las arquivoltas dispuestas longitudinalmente en vez de radialmente. Además, observamos 3 pisos:
las puertas, el friso con estatuas y los vanos con rosetones; y las fachadas flanqueadas por torres, rematadas
por agujas o chapiteles. También se desarrolla la arquitectura civil: Palacios, casas, hospitales, lonjas,
ayuntamientos, reflejo de la importancia de la vida urbana.
La arquitectura gótica en Europa:
Francia es el centro difusor donde surgieron las primeras catedrales góticas, a partir de la segunda mitad del
siglo XII, como: la catedral de Notre Dame de París, Chartres, Ameins y Sainte Chapelle de París (gótico
radiante). En ellas se observa el mayor tamaño de las cabeceras, el crucero casi en el centro, el protagonismo
de las vidrieras y las torres flanqueando la fachada. Esta arquitectura influirá en la arquitectura de los Países
Bajos donde habrá una tendencia a la verticalidad y un gran desarrollo de la arquitectura civil destacando el
Ayuntamiento de brujas y el de Bruselas. La influencia francesa también se verá en Alemania destacando las
catedrales de Colonia y Ulm de gran altura.
En Italia pervive el clasicismo, la policromía, la horizontalidad y no usan arbotantes. Destacan la catedral de
Milán (de época flamígera, muy tardía) y la Santa croce en Florencia. Respecto a la arquitectura civil el
Palacio de los dux, la signoria de Florencia y el Ayuntamiento de Siena.
El gótico inglés en su primera etapa (s.XIII) Refleja la influencia francesa (catedral de York) y también un
gótico primitivo (estilo propio) destacando la catedral de Salisbury. Más adelante, en el siglo XIV, se
distancian de los modelos franceses y se desarrolla un gótico ornamental (catedral de Gloucester) que
anticipa el gótico flamígero europeo. Por último, el gótico perpendicular destacando la capilla real de
Cambridge.
En Portugal se desarrolla el gótico manuelino (S.XV) Con exuberante decoración hispanoflamenca y mudéjar
con temas heráldicos y de tipo marino (soga). destaca la torre de Belém, monasterio de los jerónimos.
Por último, hay que mencionar el gótico español que tiene de antecedente el arte cisterciense (gótico
inicial), tiende a la horizontalidad y tendrá una evolución en tres etapas más: gótico clásico del S.XIII que
combina la influencia francesa y destacan las catedrales de León, Burgos y Toledo. Gótico Mediterráneo o
horizontal del siglo XIV destacando la catedral de Barcelona y en el siglo XV, el gótico isabelino que se
caracteriza por el recargamiento ornamental enlaza con el plateresco (1º estilo del Renacimiento) y destaca
el monasterio de San Juan de los Reyes en Toledo y la catedral de Sevilla.
Escultura gótica: evolución y obras más representativas.
El arte gótico se desarrolla en Europa occidental entre los siglos XIII y XIV coma en una época marcada por el
crecimiento urbano y el auge de la burguesía. Aparece una nueva espiritualidad, con un mayor interés por la
naturaleza coma y una nueva religiosidad con cambios en los temas antiguos representados. Se siguen
representando los mismos temas como el juicio, pero con un nuevo estilo además aparecen nuevos temas
(Virgen madre) y está más presente El Nuevo Testamento.
En cuanto a las características principales hay un reflejo del espíritu de la época, la escultura gótica destaca
por las novedades de estéticas e iconográficas. Los principios estéticos del nuevo estilo son el naturalismo, la
humanización (Cristo sufre, Virgen madre…), individualización de los rostros independencia del marco
arquitectónico, expresión de los sentimientos, volumen, dinamismo, etc. Desde el punto de vista
iconográfico, durante el gótico predominan los temas religiosos, pero a diferencia del románico hay una
ampliación de los temas predominando los del Nuevo Testamento, temas de la Virgen María (Anunciación,
visitación) y vidas de los Santos (“leyenda dorada”). El estilo tiene un mayor espíritu narrativo realismo,
detallismo… En la escultura exenta coma de bulto redondo aparece Cristo doliente en la Cruz, la Virgen
madre con el niño y nuevos temas (Piedad, Descendimiento que refleja el protagonismo de la Virgen María,
etc). Aparecen figuras de los patrocinadores (obispos) a los que está “dedicada” la catedral además del tema
religioso aparecen Reyes del Antiguo Testamento en las fachadas como reflejo de la importancia de la
monarquía.
En cuanto al emplazamiento, encontramos esculturas en las fachadas: tímpanos divididos en franjas
horizontales, el dintel, las arquivoltas (esculturas realizadas en el sentido del arco) y jambas (mayor
independencia del marco arquitectónico). Destaca la puerta del sarmental de la catedral de Burgos Hola
sambas en la portada occidental de la catedral de Reims. Además, aparecen nuevos soportes para la
escultura cómo los retablos, muros detrás del altar decorados con esculturas o pintura que se dividen en
vertical (calles) y en horizontal (pisos). Un ejemplo los del cartujo de Miraflores. Los sepulcros pueden ser
exentos o parietales con gran individualización, destaca el de la Cartuja de Miraflores (Rey Juan II) en Burgos.
Las sillerías, se colocan en medio de la nave central, adquieren gran desarrollo a finales del gótico. Destaca la
sillería de la catedral de Toledo De Mateo alemán. Los púlpitos, plataformas elevadas desde las que los
sacerdotes se dirigen a los fieles, con motivos escultóricos en las partes laterales. Destaca el de la catedral de
Siena De Nicolás pisano. Por último, las esculturas de bulto redondo tienen más desarrollo que en el
románico destacando las representaciones de Cristo doliente y la Virgen madre.
La escultura evoluciona desde la románica (sin la cual la gótica no existiría) con la que comparte ciertos
rasgos (temas, religiosidad, etc) pero se va alejando, a través de las novedades estéticas e iconográficas,
hacia un mayor realismo, expresividad, individualización… que culminará en el renacimiento donde se
conseguirá la representación perfecta del cuerpo humano.
En Francia destacan las portadas realizadas en el siglo XIII de Chartres, Amiens, y Reims. en chartres sigue
habiendo cierto hieratismo, pero las columnas no son personajes rígidos, tienen cierto dinamismo. en Reims
encontramos, en las jambas de la portada occidental, la Anunciación (gótico sereno), cuyo Arcángel muestra
una sonrisa abierta, y la Visitacion, destacando el clasicismo. En Amiens Destaca la figura de gran belleza: la
beau Dieu. También destaca en el ducado de Borgoña la obra de Claus sluter (puzzle de Moisés y el secuestro
pulcro de Felipe el atrevido) por su realismo, detallismo etc. En Italia, el clasicismo es muy notable en la obra
de los hermanos pisano destacando los púlpitos de pisa, las primeras puertas del baptisterio de Florencia de
marcado clasicismo y que anuncia el Renacimiento.
Por último, En España, la escultura parte del pórtico de la gloria del maestro Mateo (obra de transición) para
llegar a mediados del s. XIII con la puerta del sarmental de la catedral de Burgos, de fuerte influencia
francesa (naturalismo), a la etapa del gótico clásico. En León encontramos la Virgen blanca del parteluz que
destaca la nueva religiosidad con el papel de la “Virgen madre”.
En el s. XIV destaca, entre otras, la portada del reloj de la catedral de Toledo, dónde el tímpano está dividido
en varios niveles que tratan sobre la Pasión de Cristo y en su remate la muerte de la Virgen. En este siglo las
figuras representan sonrisas un poco irreales, se describen detalles secundarios, anecdóticos, destaca la
abundancia de pliegues, etc. en la misma catedral de Toledo también encontramos la Virgen blanca en el
altar del coro.
El s. XV es el siglo de la escultura española, con fuerte influencia borgoñona y flamenca que se ve en él
realismo, detallismo, minuciosidad, etc. (horror vacui).
Destacamos autores que alcanzaron gran perfección técnica, como Gil de Siloé que realizó el retablo y
sepulcro de la Cartuja de Miraflores en Burgos. Mateo Alemán que realizó la sillería del coro de la catedral de
Toledo con escenas de la guerra de Granada. También destacamos a Simón de Colonio con la fachada del
convento San Pablo de Valladolid, o Juan de Mercadante con el sepulcro del cardenal Cervantes en la
catedral de Sevilla.
Pintura gótica italiana: características y autores
La pintura gótica italiana se inicia en el siglo XIII y adquiere cierto carácter independiente al desaparecer el
muro pero aquí no desaparece tanto como en el resto de Europa. Parte de la influencia bizantina (plana,
fondos dorados, hieratismo, etc.) hacia un mayor volumen, expresividad (retratos), naturalismo, etc. Se
caracteriza por: el interés por la realidad (naturaleza, paisaje, realidad cotidiana) y la profundidad. Además,
las composiciones son simétricas con un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional. El dibujo tiene
mayor importancia, así como la luz y el color para dar volumen a los cuerpos. Los temas se amplían, la
temática es principalmente religiosa pero también se desarrollan temas profanos. Encontramos pintura
mural al no desaparecer tanto el muro, pero también encontramos nuevos soportes cómo: pintura sobre
tabla (dípticos, trípticos, polípticos,); miniaturas (libros religiosos y profanos) y vidrieras. Y diversas técnicas:
óleo sobre tabla, una de las principales innovaciones que da más brillo, mejor mantenimiento y detallismo;
temple o frescos sobre muros.
En gótico italiano diferenciamos dos escuelas: la de Florencia y la de Siena (delicadeza, elegancia, más
influencia bizantina, más importancia de la línea y no tanto del volumen). En el siglo XIII se va abandonado la
maniera greca (bizantinismo), hay más dinamismo y volumen. En esta época en Florencia encontramos a
Cimabue (maestro de Giotto) destacando su Maestá. Y en Siena destaca Duccio con la Maestá de la Catedral
de Siena. Después pasamos al trecento (s. XIV), con un mayor interés por la representación del espacio y
donde se inicia la pintura moderna con Giotto (de la escuela de Florencia). El Giotto innova en su sentido del
espacio gracias a: el color, luz y sombras que utiliza para crear sensación de profundidad, las figuras
realizadas en escenarios arquitectónicos o naturales que sugieren la tridimensionalidad y figuras en escorzo,
situadas de espaldas al espectador. También innova la representación de la figura humana dotándolas de
gran monumentalidad y volumen, de apariencia escultórica y con expresiones dramáticas. Por último, innova
en la interpretación de los hechos sagrados al representar personajes realistas, abandonar los
convencionalismos medievales y situarlos en espacios verosímiles. Sus obras destacadas son: los frescos de
la Capilla Scrovegni en Padua (ciclo de la vida de la Virgen: Anuncio a Santa Ana, Nacimiento de la Virgen) y
los frescos de la Basilica de Asís (vida de San Francisco). En esta misma época en Siena encontramos a
Simone Martini que tendrá una gran influencia en el gótico internacional. Realiza figuras muy expresivas, con
sus característicos rostros ovalados y ojos pequeños. También se caracteriza por el amaneramiento y
estilización de las figuras. Su obra más importante es la Anunciación de la Galería Uffizi y Maestá del palacio
Comunal de Siena. Los hermanos Lorenzetti que destacan por la ALEGORIA DEL Buen y Mal gobierno.
Después encontramos el GÓTICO INTERNACIONAL (XV): arte cortesano y refinado, temas profanos. Interés
en lo anecdótico (vestidos), figuras alargadas y estilizadas, tonalidades brillantes y claras. Recibe influencia
de la escuela Sienesa, predominio de la línea curva.
En cuanto a la evolución primero encontramos el gótico lineal de principios del siglo XIII hasta mediados
siglos XIV o también llamado Franco-gótico. Es una pintura bidimensional con colores planos y vivos, carácter
narrativo e importancia del dibujo. Destacan las vidrieras y miniaturas (Cántigas De Santa María). Luego
Pintura flamenca:
La pintura flamenca es un hito en la hª del arte. Refleja el auge económico de la burguesía flamenca,
ciudades como Gante, Brujas o Yprés alcanzan gran prosperidad gracias al comercio de tejidos de lana. Se
generaliza el uso del ÓLEO que aporta un gran detallismo, dado que el secado es muy lento, más
luminosidad, brillantez a los objetos, riqueza de colorido, efectos de transparencias y veladuras…). Refleja el
espíritu burgués en un realismo extremo, minuciosidad (rostros, objetos, tejidos, animales, plantas…).
Destaca el antinaturalismo en pliegues, angulosos y duros. Hay un auge del retrato e interés en el paisaje. Se
Crea el espacio gracias a la difusión de la luz sobre los objetos, y se les da Importancia a las escenas de la vida
cotidiana, incluso en temas religiosos. También se representan temas profanos y se usan retablos sobre tabla
(trípticos, dípticos…). Los principales autores son:
JAN VAN EYCK que fue el creador del oleo técnica que perfecciona y difunde y le permite ser muy detallista
en sus representaciones. Sus obras destacan también por la brillantez de los colores y la importancia de la
luz que envuelve las figuras y los objetos. La gran mayoría de sus trabajos son retratos o escenas sacras
desarrolladas en un ambiente profano. Destacan "EL POLIPTICO DEL CORDERO" que hizo junto a su hermano
(12 tablas algunas pintadas por detrás); "EL MATRIMONIO ARNOLFINI" que representa al banquero italiano
Arnolfini y su esposa en el interior de una vivienda burguesa. La escena está llena de simbolismo y con una
innovadora concepción espacial gracias al uso de un espejo. "LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLLIN" en la que se
observa un paisaje de fondo y se deja atrás las distinciones de tamaño entre la Virgen y el canciller
(donante), propio de etapas anteriores.
ROGER VAN DER WEYDEN. EL DESCENDIMIENTO (Mºdel Prado
BARROCO:
BERNINI, nacido en Nápoles (1598-1680), fue escultor, arquitecto y pintor italiano, aunque se consideró
sobre todo escultor.. Trabajó especialmente en Roma. Es considerado el más destacado escultor de su
generación (SXVII), creador del lenguaje escultórico barroco. Es además junto a Borromini el principal
arquitecto del Barroco italiano. En sus obras resulta ya evidente una concepción radicalmente distinta de la
escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos, donde sabe
fusionar la escultura, arquitectura y pintura. Supo representar el movimiento en el acto como ningún otro
(David, Apolo y Dafne) y alcanzó una gran calidad técnica en la representación de distintas texturas y
deformando y doblando los pliegues. Sus obras escultóricas más destacables son el Éxtasis de Santa Teresa,
Fuente de los Cuatro Ríos, Apolo y Dafne, David, el Rapto de Proserpina, estas últimas en la Galería
Borghese. Entre sus obras arquitectónicas destacan el Baldaquino de San Pedro o la Plaza de San Pedro, que
muestra una concepción del espacio dinámico y el gusto por las curvas y contracurvas. En las primeras obras
fue influenciado por su padre Pietro Bernini. Fue considerado sucesor de Miguel Ángel por su habilidad en la
talla de mármol. La influencia que ejerció en los artistas de su época fue considerable, incluso en pintores
como Rubens.
CARAVAGGIO pintor italiano considerado el máximo representante de la pintura barroca en Italia y un gran
revolucionario en la técnica pictórica conocida como tenebrismo, que consiste en fuertes contrastes de luces
y sombras.. Nacido en Milán trabaja desde joven en Roma, en una época profundamente marcada por el
espíritu de la Contrarreforma. Sus obras son fundamentalmente de temática religiosa, y por ello tienen un
marcado carácter didáctico. Caravaggio reflejaba su personalidad en sus obras, que destacan por el
naturalismo y el realismo. En sus obras daba una mayor importancia a los rostros resaltándolos así con una
luz y envolviendo los fondos con tinieblas; es decir, oscurecía las sombras para que el rostro fuera el único
foco de luz. El realismo le lleva a representar personajes religiosos como profetas y santos como gente real,
vestidos con ropas contemporáneas, renunciando así de cualquier idealización. Sus obras más
representativas son “La vocación de San Mateo” (1600), “Baco” (1595” La conversión de San Pablo” o “La
cena de Emaús” . En sus últimas obras evoluciona hacia un tenebrismo extreme (“Muerte de la Virgen”).
Influido por el Manierismo y los pintores venecianos, su estilo ha influido mucho en otros autores barrocos
como Rembrandt, Zurbarán o José de Ribera sobre todo en el uso del claroscuro.
AUTORES
GIOTTO (1266-1337) Pintor, muralista, escultor, arquitecto, es el máximo representante de la escuela
pictórica florentina del Trecento (s. XIV), considerado el padre de la pintura moderna. Discípulo de Cimabue,
su fama le llevó a trabajar no solo en Florencia, donde fue maestro de las obras de la catedral, sino también
en Asís, Milán, Nápoles y Padua. Fue un pintor revolucionario por su nuevo sentido del espacio, del volumen
y del color, que deja tras de sí las tendencias bizantinas que dominaban en la pintura de la Edad Media
anunciando el Renacimiento. Su maestría en el uso de la luz, las sombras y el color le permiten representar el
espacio y la tercera dimensión, dotando además a las figuras de volumen. Las figuras, que a menudo
presentan actitudes dramáticas y siempre activas son monumentales, sólidas, de apariencia escultórica.
Destaca también cómo incorpora el paisaje, natural o arquitectónico, aunque de apariencia algo teatral. Es
también innovador en la forma en que interpreta los hechos sagrados, con escenas enmarcadas en una
realidad verosímil. Entre sus obras más importantes destacan los frescos sobre la vida de San Francisco que
realiza para la basílica de Asís entre 1295-1298 (primer ciclo narrativo sobre la historia de un santo), los
frescos de la capilla Bardi de la iglesia de la Santa Croce de Florencia sobre la vida de San Francisco y los que
realiza para la capilla Scrovegni de Padua sobre la vida de la Virgen y Cristo (1304-1306), donde alcanza la
madurez de su estilo. Su obra influirá en el Quattrocento (Masaccio, Piero della Francesca) y Cinquecento
(Miguel Ángel).
ROGER VAN DER WEYDEN, pintor perteneciente a los Primitivos Flamencos, representante de la pintura
Gótica flamenca junto a los hermanos Van Eyck. Trabajó en óleo sobre tabla con la minuciosidad y detallismo
característico de la pintura flamenca. Muy influenciado por la escultura, destacó por la monumentalidad de
sus figuras y el intenso dramatismo de sus personajes, así como por su desinterés por los fondos. Sus
principales obras son el Juicio Final del Hôtel-Dieu de Beaune (Francia) y el Descendimiento del Museo del
Prado, que es el panel central de un tríptico. Esta obra destaca por su original composición, por la expresión
de intenso dramatismo de sus personajes, su intenso cromatismo y las calidades táctiles de las telas. El
realismo en los rostros los convierte en auténticos retratos de honda penetración psicológica.
JAN VAN EYCK es el pintor más innovador del Gótico Flamenco del siglo XV. Recibió una sólida formación
humanística, fue nombrado pintor de corte por El Duque de Borgoña. Se trasladó a Brujas, donde desarrolló
gran parte de su trabajo y donde finalmente murió. Utiliza con gran maestría la técnica del óleo, técnica que
perfecciona y difunde y le permite ser muy detallista en sus representaciones. Sus obras destacan también
por la brillantez de los colores y la importancia de la luz que envuelve las figuras y los objetos. La gran
mayoría de sus trabajos son retratos o escenas sacras desarrolladas en un ambiente profano. Destacan "EL
POLIPTICO DEL CORDERO" que hizo junto a su hermano (12 tablas algunas pintadas por detrás); "EL
MATRIMONIO ARNOLFINI" que representa al banquero italiano Arnolfini y su esposa en el interior de una
vivienda burguesa. La escena está llena de simbolismo y con una innovadora concepción espacial gracias al
uso de un espejo. "LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLLIN" en la que se observa un paisaje de fondo y se deja
atrás las distinciones de tamaño entre la Virgen y el canciller (donante), propio de etapas anteriores. Es
considerado fundador del retrato en la época moderna, ejerciendo gran influencia en otros autores
flamencos como Van der Weyden. También tiene relación con la pintura italiana del s. XV, ya que Jan van
Eyck viajó a Roma y Florencia.
EL BOSCO, pintor flamenco de los siglos XV-XVI, perteneciente a los llamados Primitivos Flamencos y cuya
pintura combina elementos medievales y otros que anticipan el Renacimiento. Dominó la técnica del óleo
sobre tabla y trabajó con la minuciosidad propia del estilo flamenco, pero destacando sobre todo por su
ardiente imaginación y fantasía, que lo aleja del realismo de otros pintores flamencos. Es la suya una pintura
alegórica, con composiciones extrañas y llena de simbolismo, poblada de seres fantásticos inspirados en el
Bestiario medieval que anticipan el Surrealismo. Tiene un carácter moralizante, ya que critica de forma
satírica la decadencia moral de su época. El Museo del Prado alberga la mejor colección de sus obras,
destacando, El Carro del Heno la Mesa de los Pecados Capitales o su magistral y enigmática El Jardín de Las
Delicias, tríptico en torno al pecado que refleja una visión pesimista del hombre
ARTE PRERROMÁNICO:
BEATO DE LIÉBANA, célebre monje cántabro que vivió en el s. VIII y principal representante de la pintura
mozárabe, estilo englobado dentro del llamado arte prerrománico que se desarrolló en las tierras de
repoblación entre los siglos IX y X. Su principal obra son las miniaturas o iluminaciones que acompañan a los
textos del libro Comentarios al Apocalipsis de San Juan, libro que fue copiado en la Edad Media
reproduciendo su estilo. A estas copias se las conoce como “beatos”. Sus miniaturas se caracterizan por el
fuerte expresionismo, centrado en los grandes ojos y las manos, el rico colorido, la ausencia de perspectiva y
la importancia de la línea negra enmarcando las figuras, rasgos que tendrán una honda repercusión en la
pintura románica posterior. Además, fue un personaje con notable importancia política y religiosa en los
reinos cristianos a comienzos de la Reconquista, ya que impulsó el culto al apóstol Santiago y fue un
defensor de la ortodoxia católica frente a herejías como el adopcionismo.
ARTE ROMÁNICO:
MAESTRO MATEO escultor y arquitecto que trabajó en las obras de la catedral de Santiago de Compostela
en el s. XII. Su obra maestra el Pórtico de la Gloria, que marca la transición del románico al gótico, como
puede verse en los relieves del tímpano, arquivoltas, jambas y parteluz de la catedral. Los principales rasgos
que caracterizan esta obra cumbre del románico tardío son el mayor naturalismo y expresividad de las
figuras, la tendencia a la individualización y la comunicación de los personajes (los profetas de las jambas
sonríes y dialogan), así como una mayor la independencia del marco arquitectónico (en las jambas y el
parteluz). También destaca el abandono del hieratismo, el uso de un canon más estilizado y un mayor
dinamismo en los pliegues. Se cree que el propio Maestro Mateo aparece representado en la parte posterior
del parteluz, lo que indica la importancia creciente que iba teniendo el artista en esta época, frente al
anonimato de los escultores hasta entonces.
BARROCO estilo que nace en Italia y se desarrolla en Europa en el siglo XVII, extendiéndose también a
América. Surge en la época de las monarquías absolutas y la Contrarreforma católica, que reafirma el dogma
en el Concilio de Trento. Es un estilo que abarca todas las artes: las artes plásticas, pero también la literatura
y la música, el pensamiento, hablándose así de una cultura barroca, que frente al manierismo que le
precede, es de carácter popular. En las artes plásticas, se busca integrar todas las artes. Se abandonan el
racionalismo, el equilibrio y la serenidad propia del Renacimiento, para dar primacía al sentimiento frente a
la razón. El Barroco es un arte con una función didáctica y de propaganda de la monarquía y la Iglesia, que
busca conmover al espectador a través de los contrastes, la teatralidad, la exuberancia y el movimiento. El
dinamismo afecta a todas las artes: las fachadas se ondulan (Borromini) , se prefieren las composiciones en
diagonal (Rubens) y las posturas inestables (Bernini). Además del dinamismo, destaca la búsqueda de la
expresión de los sentimientos para emocionar al espectador.
