TEMA 1: LAS ARTES ESCÉNICAS
2º BACHILLERATO
CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES
ARTES AUDITIVAS / ARTES VISUALES
ARTES ESCÉNICAS
CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES
ARTES ESPACIALES / ARTES TEMPORALES
ARTES ESCÉNICAS
ARTES PERFORMATIVAS
◼ Representación en vivo
◼ Comunicación inmediata con ◼ PERFORMATIVIDAD
el público
◼ Puesta en escena
UNA POSIBLE DEFINICIÓN
◼ Las artes escénicas comprenden el estudio y la práctica de
formas expresivas que se representan frente a un público y
se caracterizan por la inmediatez entre la ejecución de la
obra artística y su recepción.
ELEMENTOS COMUNES A TODAS LAS ARTES
ESCÉNICAS
◼ a) El espacio y el tiempo (el “aquí y ahora”: performatividad).
◼ b) La acción (física y/o verbal). La representación escénica
nunca es estática, ni en lo físico, ni en lo expresivo ni en lo
emocional: el movimiento
◼ c) La estructura y sus componentes (texto, personaje,
conflicto, situación). De la ordenación de los elementos en una
estructura nace la belleza y la expresión
DRAMATICIDAD Y TEATRALIDAD
La dramaticidad es la parte
literaria de la comunicación
escénica. El texto que el autor
◼ Dramaticidad: parte literaria escribe para que la historia sea
representada. en él se plantea el
conflicto, los sucesos, por los
personajes o caracteres que el
autor ha creado.
◼ Teatralidad: parte escénica
La teatralidad es la parte física y
sensorial del hecho escénico: los
decorados, los elementos de la
puesta en escena, la voz y el
recitado, toda aquello que da vida a
la acción dramática.
DRAMATICIDAD Y TEATRALIDAD
◼ Estos dos conceptos nos ayudan a diferenciar tradiciones escénicas.
◼ En Occidente ha preponderado la importancia de la dramaticidad.
◼ En Oriente la tradición escénica ha sido predominantemente teatral.
◼ Sin embargo, con la renovación del teatro en la actualidad la teatralidad
ha pasado a un primer plano también en Occidente
CÓDIGOS DE SIGNIFICACIÓN ESCÉNICA:
CÓDIGOS DE SIGNIFICACIÓN ESCÉNICA:
CUALQUIER ELEMENTO EN ESCENA ES UN SIGNO
◼ CÓDIGO VERBAL. Las palabras.
◼ CÓDIGO NO VERBAL. Lo que no se dice.
◼ .- PARALINGÜÍSTICO: CÓMO se dicen los textos: entonación, ritmo, velocidad, intensidad,
silencios y la dicción
◼ .- KINÉSICO O CINESTÉSICO. EL MOVIMIENTO físico: gestos, pies, manos, cuerpo, miradas.
◼ .- PROXÉMICO. DÓNDE SE UBICA EL ACTOR EN EL ESPACIO ESCÉNICO.
◼ .- ADICIONAL. ESTÉTICA O PLÁSTICA de la escena y del personaje. El maquillaje o la
máscara. El vestuario, los accesorios. El decorado, la escenografía. La iluminación.
◼ .- MUSICAL.
CONVENCIONES TEATRALES: PACTO FICCIONAL
La cuarta pared es la pared invisible
imaginaria que está al frente del escenario de
un teatro a través de la cual la audiencia ve la
actuación. Se utiliza el término "romper la
cuarta pared" para referirse a la acción de
◼ LA FICCIÓN TEATRAL uno o varios personajes que interactúan con
◼ LA CUARTA PARED el público espectador.
◼ LOS APARTES El aparte es una forma discursiva en donde un
personaje habla en voz alta, suponiendo que los
otros personajes presentes en la escena, no
lo escuchan, estableciendo, además, una cierta
complicidad con otro personaje o con el público.
Muchas veces, en estos apartes se manifiestan
sentimientos o pensamientos personales.
El aparte
Romper la cuarta pared
Romper la cuarta pared
CÓDIGOS DE SIGNIFICACIÓN ESCÉNICA:
ACTIVIDADES: EL TEATRO, ACTO COMUNICATIVO COMPLEJO
◼ 1..- Acudes a ver un espectáculo teatral, una versión de "Otelo" de Shakespeare. ¿Quién
es el emisor? ¿Hay un solo emisor?
◼ 2.- ¿Y el receptor?
◼ 3.- ¿Qué código se utiliza? ¿O son varios?
◼ 4.- ¿El mensaje que transmite el teatro es simple o complejo?
◼ 5.- ¿Cuáles son los canales de comunicación?
1) EL TEATRO
◼ Rama de las artes escénicas
◼ de naturaleza social y presencial
◼ que utiliza diversos medios expresivos
◼ para transmitir una historia, unas ideas y emociones
◼ en un espacio determinado
◼ y para un público concreto
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ A) TEATRO: SEGÚN SU PROCEDENCIA
◼ tradiciones occidentales (+dramaticidad)
◼ tradiciones orientales (+teatralidad)
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ A) TEATRO: SEGÚN EL LUGAR DE REPRESENTACIÓN
◼ teatro de interior
◼ teatro de calle - Más experimental, popular, y libre
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ A) TEATRO: SEGÚN SU MODELO DE CONSTRUCCIÓN
◼ Clásico
◼ De vanguardia
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ A) TEATRO: SEGÚN SUS MEDIOS EXPRESIVOS
◼ Teatro textual
◼ Teatro gestual-corporal
◼ Teatro de objetos
◼ Teatro musical
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ A) TEATRO: SEGÚN SUS MEDIOS EXPRESIVOS
◼ Teatro textual
◼ Teatro gestual-corporal
◼ Teatro de objetos
◼ Teatro musical
1) EL TEATRO DE OBJETOS
El objeto no es solo un elemento escenográfico, pues durante la actuación
se convierte en un ser vivo al que el actor presta personalidad, emociones y
voz pasando así a ser el protagonista de la representación.
TEATRO DE TÍTERES
TEATRO DE SOMBRAS
TEATRO DE TÍTERES
Espectáculo que cuenta una historia mediante una figura inanimada que se
mueve gracias al esfuerzo de una persona o personas que los manipula. El actor
da vida al títere y a veces también le presta su voz.
Teatro de títeres (página 13)
a) ¿Dónde encontramos los primeros rastros
documentales del teatro de títeres?
b) ¿En qué época se consagra el teatro de títeres?
c) ¿Qué ventajas tiene trabajar con títeres y no con
actores?
d) Nombra una compañía de títeres española
Teatro de títeres
a) ¿Dónde encontramos los primeros rastros
documentales del teatro de títeres?
b) ¿En qué época se consagra el teatro de títeres?
c) ¿Qué ventajas tiene trabajar con títeres y no con
actores?
d) Nombra una compañía de títeres española
Un espectáculo de títeres para adultos: Aullidos de Teatro Corsario
TEATRO DE SOMBRAS
◼ En estos espectáculos se utiliza la proyección de figuras en movimiento
mediante un juego expresivo de luces y sombras, realizado con todo el
cuerpo, con las manos o con objetos cuya silueta se recorta a contraluz
Teatro de sombras
a) ¿De dónde viene la tradición del teatro de sombras?
b) ¿Qué función tenía el teatro de sombras en Turquía?
Durante el siglo XX se ha desarrollado mucho gracias a la
iluminación eléctrica y al uso de nuevas técnicas como
fluorescencias, flashes, mapping, etc.
1) EL TEATRO GESTUAL-CORPORAL
El peso del espectáculo recae en el gesto y en el movimiento de los
actores. El texto está prácticamente ausente o muy subordinado a la
expresión corporal. Este tipo de teatro pone el énfasis en el actor como
creador en lugar del actor como intérprete. Está muy relacionado con las
formas de vanguardia y busca generar experiencias visuales, sensoriales y
viscerales en el espectador.
T
1I) EL TEATRO GESTUAL-CORPORAL
La especialidad básica es la PANTOMIMA, representada por un tipo
especial de actor llamado MIMO, que utiliza el gesto como herramienta
expresiva en lugar de la palabra para expresar todo tipo de situaciones y
emociones
T
1I) EL TEATRO GESTUAL-CORPORAL
Clown. El término, de origen inglés, significa “payaso”. Se trata de
personajes graciosos y excéntricos, con un vestuario exagerado o ridículo,
que se expresan con gestos y onomatopeyas. Se comporta como un niño
grande, exento de malicia y navega a través de las emociones en
situaciones disparatadas. La improvisación es esencial. Se relaciona con el
circo, pero en el siglo XX se han revalorizado gracias a figuras como
Charlie Rivel o Charles Chaplin.
T
1II) EL TEATRO MUSICAL
Asimismo, el teatro puede ser musical o no musical, según incorpore la
música como elemento fundamental (ópera, zarzuela, comedia musical,
etc.), o simplemente la trate como un elemento de expresión de apoyo a la
expresión que forme parte de la estructura junto a otros muchos elementos
visuales y auditivos
LA ÓPERA
◼ Rama de las artes escénicas
◼ de naturaleza social y presencial
◼ que utiliza la música y el canto como principal medio expresivo
◼ para transmitir una historia, unas ideas y emociones
◼ en un espacio determinado
◼ y para un público concreto
LA ÓPERA
◼ Consiste en una acción dramática desarrollada por unos personajes y
representada por medio del canto con acompañamiento instrumental.
◼ Durante el siglo XIX se le dio una orientación casi exclusivamente musical, lo que
hizo que se descuidaran los aspectos escénicos, sobre todo los referidos a la acción
dramática, la preparación de actores y el texto.
◼ Actualmente, hay un cambio de actitud en este sentido; se reconoce a la ópera
como una de las artes escénicas, perteneciente al drama o teatro, de modo que los
aspectos de puesta en escena, acción, caracterización e interpretación son atendidos
con el mismo rigor que la parte musical, para lograr lo que ya Richard Wagner llamó
“el espectáculo total”.
◼ En esta línea, la ópera ha sido considerada como el único espectáculo que aúna en la
representación todos los recursos disponibles para el teatro: música y canto, espacio
escénico, aspectos artísticos de vestuario y escenografía, interpretación, etc.
Zarzuela
Zarzuela
EL MUSICAL
◼ Forma de teatro que combina música, canción, diálogo y baile, y que se representa
en grandes escenarios, como los teatros de West End (Londres) o Broadway
(Nueva York)
◼ Orígenes: fuentes teatrales del siglo XIX, incluida la opereta, la ópera cómica, la
comedia musical, la pantomima, el vodevil y el género burlesco
◼ Este famoso género nació en Nueva York, casi por casualidad, un verano, en el que
un grupo de ballet se quedó sin local donde actuar por un incendio. Un productor
les ofreció combinar sus bailes con la obra de teatro que estaban ensayando en
otro recinto. The black crook se estrenó en 1886 y cosechó un gran éxito.
◼ En 1927, el cine adoptó esta nueva tendencia que alcanzó su máximo esplendor
con títulos como Sonrisas y lágrimas, El rey y yo, o West side story .
DIFERENCIAS
◼ “En la ópera la música es la fuerza que lo impulso todo; en el teatro musical, las
palabras vienen primero. Mientras escuchas una ópera, normalmente no importa
en qué idioma se cante, siempre y cuando se conozca la trama básica, pero en el
teatro musical, el matiz proviene de las letras”.
◼ “Hay algunas óperas que tienen diálogo, y algunos musicales que no. La diferencia
radica más en el estilo musical y la calidad vocal en términos generales. Hay una
amplia zona gris entre la ópera y el teatro musical, lo que algunas personas
llaman “crossover”. En general, los cantantes de ópera tienen un nivel mucho más
alto de entrenamiento vocal. Además, generalmente (no siempre) los musicales
no tienen las mismas demandas vocales y no requieren el mismo nivel de técnica
de sus cantantes. De hecho, los cantantes de los musicales casi siempre usan
micrófonos”.
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ B)MÚSICA
◼ C)DANZA
III) LA DANZA
◼ Rama de las artes escénicas
◼ de naturaleza social y presencial
◼ que utiliza el movimiento corporal
◼ como forma de expresión artística
◼ para crear un espectáculo dinámico y plástico
◼ en un espacio determinado
◼ y para un público concreto
LA DANZA
◼ La danza podemos encontrarla en el mismo origen del ser humano,
pues ya el hombre primitivo la utilizó como forma de expresión y
de comunicación, tanto con los demás seres humanos como con las
fuerzas de la naturaleza que no dominaba y que consideraba
divinidades. Entre los hombres primitivos la danza tenía un sentido
mágico animista, pero también valor de cohesión social. La
danza sirve para infundir ánimo a los guerreros, para el cortejo
amoroso, para ejercitarse físicamente, etc.
ROCA DELS MOROS O CUEVAS DE EL COGUL
La danza nació como ritual y esa condición sigue influyendo en el carácter ceremonial
de muchas de sus formas
DANZA RITUAL DE ARQUEROS CUEVA REMIGIA
LA DANZA
◼ Los primeros en reconocer la danza como un arte fueron los griegos, que
le dedicaron en su mitología una musa: Terpsícore. Su práctica estaba ligada
al culto del dios Dionisos y, junto con la poesía y la música, era elemento
indispensable de la tragedia griega, donde la catarsis ponía al individuo en
relación con los dioses, aunque también entre los griegos cumplía la danza
una función de comunicación y cohesión social.
LA DANZA
◼ En la Italia del Renacimiento aparecen los primeros manuales prácticos
de danza, siendo el primero de ellos de 1450, cuyo autor fue Domenico
Piacenza, considerado el primer coreógrafo de la historia. Este tratado
teórico vino motivado por la práctica habitual de la danza en medios
cortesanos y populares. Hay que destacar la colaboración que los artistas
del Renacimiento, como Da Vinci y Botticelli, prestaron a la danza con el
diseño de escenografías muy complejas. Por esa misma época y por
influencia italiana, se produce en Francia el nacimiento del ballet
comique, que será el germen del ballet moderno.
LA DANZA
◼ En 1713 se crea la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la más antigua
de Europa y modelo de las que se habrían de fundar posteriormente en
otros países. A lo largo del siglo XVIII se desarrollará de tal modo que
permitirá el triunfo de la danza como arte escénica en el siglo XIX.
LA DANZA
◼ En el Romanticismo evoluciona hacia una mayor independencia
artística. Hasta entonces el ballet era una parte fundamental de las
óperas. Por eso se puede decir que la historia del ballet moderno
comienza en 1831 con la representación de la ópera “Robert le
Diable” de Meyerbeer. En esta ópera se apagaron por primera vez
las luces de sala.
LA DANZA
◼ San Petersburgo, centro de la creación coreográfica europea en el
siglo XIX, será el escenario del ballet imperial ruso y su figura
fundamental, Marius Petipa, lo dotará de sus características
esenciales (tres actos, más una apoteosis y una introducción,
autonomía de la ópera y capacidad de contar una historia
completa). Petipa inaugura también el tipo de ballet llamado de
“gran espectáculo”
Algunos de los ballets clásicos más conocidos son de Marius Petipá
Cascanueces
El lago de los cisnes
Don Quijote
DANZA CONTEMPORÁNEA
◼ Nace a finales del siglo XIX como contraposición de la rígida estructura del ballet
clásico y alternativa a su estricta técnica.
◼ Huye de la forma clásica de expresión corporal mezclando movimientos de otros
bailes (flamenco, tribales, acrobáticos).
◼ La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza
contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma
no lineal.
◼ La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o
presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no
siempre tiene que contar una historia.
◼ La danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados
mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas
formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el
intérprete.
Isadora Duncan
Loie Fuller
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
Características y elementos de otras de estas artes, como el
teatro, la música y la danza.
◼ EL CIRCO Mostración de lo extraordinario, tanto en sus aspectos
nobles como en sus aspectos grotescos o paródicos
Espectacularidad y riesgo
El circo es un espectáculo escénico de naturaleza social y presencial constituido
por varias disciplinas que utilizan la sorpresa como elemento de expresión
artística para componer un divertimento de variedades en un espacio
determinado y para un público concreto
CIRCO CONTEMPORÁNEO
◼ Circo contemporáneo: añade una intención artística e integra danza, música, etc.
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
-Performance art: arte en vivo
◼ PERFORMANCE -Improvisación como elemento de creación artística
-Vivencia de una experiencia: acción artística
-El cuerpo del performer como base de la
experiencia
No se trata de convencer al espectador, el objetivo es obtener una reacción,
LA PERFORMANCE
◼ Esta disciplina nace en 1916 a la par que el movimiento dadaísta bajo el nombre de
Arte Conceptual. Éste es liderado en un principio por Triztan Tzara, uno de los
fundadores de la corriente DADA. El ‘Cabaret Voltaire’ albergó las primeras
acciones performance de los dadaístas, los cuales hacían presentaciones en las que
mezclaban la poesía, las artes plásticas, la música y acciones repetitivas que en su
contenido total formaban un concepto.
En la década de los sesenta el movimiento Fluxus recoge la
herencia de los dadaístas. Performance de Joseph Beuys: “I like
America, America likes me”
PERFORMANCE
Marina Abramovic
TIPOLOGÍA DE LAS ARTES ESCÉNICAS
◼ “To happen”: suceder
◼ Busca mezclar representación y vida real
◼ HAPPENING
◼ El público participa de forma activa
◼ El objetivo es que el público reaccione
ante situaciones transgresoras
El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación
espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen
presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello
son las instalaciones coloristas del fotógrafo Spencer Tunik, con sus multitudes
desnudas.
LAS GRANDES TRADICIONES: ORIENTE Y OCCIDENTE
◼ Comparten la escenificación de sus mitos fundacionales
◼ Teatro griego origen del teatro occidental
◼ En el teatro oriental la separación de las artes escénicas de los ritos
religiosos fue mucho más tardía
Artes escénicas orientales
a idea de mímesis es ajena a las tradiciones orientales, que prefieren la
•L
estilización y el simbolismo.
Mezclan literatura, danza, música y espectáculo sin diversificar las formas
escénicas.
•La formación de los actores, por lo general a través de un largo y arduo proceso,
hace hincapié en la danza, en la expresión y agilidad corporal y en las habilidades
vocales, más que en la interpretación psicológica.
•El vestuario y el maquillaje son muy importantes y casi un arte en sí mismos,
•La estilización se extiende al movimiento, las acciones de la vida diaria se
convierten en una danza o gesto simbólico.
•Los decorados también son estilizados y antinaturalistas
•La teatralidad no se oculta
LAS GRANDES TRADICIONES: ORIENTE Y OCCIDENTE
INDIA
◼ Origen ritual
◼ Mezcla técnicas de danza (la separación entre actor y
bailarín no se produce, el intérprete ha de reunir las dos
cualidades)
◼ Temática mitológico/religiosa
◼ Gestualidad muy estilizada y movimientos no naturales
◼ Uso de las máscaras/maquillaje
LAS GRANDES TRADICIONES: ORIENTE Y OCCIDENTE
CHINA
◼ Origen ritual
◼ Mezcla técnicas de
danza, mimo, acrobacia
y canto
◼ Cuatro tipos básicos de
personajes que se
representan mediante
el uso de
máscaras/maquillaje
LAS GRANDES TRADICIONES: ORIENTE Y OCCIDENTE
JAPÓN
• Forma tradicional y popular del teatro japonés
• Cuenta historias antiguas y tradicionales de amor, héroes,
leyendas…
◼ El teatro • Se caracteriza por el maquillaje elaborado por los actores
• El actor ha de saber cantar y bailar.
Kabuki • Cada gesto de los actores tiene un sentido, todo es parte del
código. Estas posturas o poses del teatro Kabuki se llaman
‘kata’. El ejemplo más reconocible es cuando un actor realiza
una pausa y permanece inmóvil, convertido en una estatua,
para presentar así al personaje.
• Aunque en su inicio actuaban mujeres, más tarde se prohibió
y todos los papeles los realizaban hombres
LAS GRANDES TRADICIONES: ORIENTE Y OCCIDENTE
JAPÓN
• Es una de las formas más antiguas de teatro en Japón
• Tiene como protagonistas a los dioses o figuras como espíritus
y fantasmas, o personajes históricos y legendarios.
• El lenguaje está muy elaborado, es aristocrático y elevado
◼ El teatro • Teatro espiritual, ceremonioso, en ocasiones con contenido
religioso (incorpora el pensamiento de la filosofía budista,
Noh taoísta, y sintoísta)
• El. componente musical es crucial en el teatro Noh, porque las
líneas son generalmente cantadas.
• Los actores llevan máscaras
• Las escenas son representadas en un cuadrilátero elevado de
madera de ciprés (hinoki) sin escenografía, la única decoración
recurrente es el kagami-ita, una pintura sobre un panel de
madera que representa a un árbol de pino
