Unidad 1

HERENCIA MUSICAL DEL SIGLO XVIII Y XIX

1.1 Forma Sonata
La sonata se conforma por 4 movimientos, de los cuales en el primer movimiento se logra ubicar a la forma sonata.
 Primer movimiento
Se titula Allegro, es el movimiento más complejo de los 4, ya que a su vez está compuesto por 3 partes.
 Segundo movimiento
De tempo mucho menos acelerado, en andante, adagio o largo. Permite crear contraste entre el primer y tercer
movimiento.
 Tercer movimiento
El tercer movimiento de la estructura de la forma sonata, utiliza estructuras para la danza, estos suelen ser el minueto
o el scherzo.
 Cuarto movimiento
Para terminar, el cuarto movimiento de la estructura de la forma sonata es el que cierra de nuevo como ha comenzado
con otro allegro, este siendo de menor complejidad. Se combina con el rondó.
Forma sonata (primer movimiento)
La forma básica consta de tres partes. Exposición, desarrollo y reexposición de las cuales se detallan a continuación:
La exposición
En la exposición, el compositor presenta los temas que usará en la obra. Generalmente tiene dos secciones, la primera en la tonalidad
principal, la segunda en la tonalidad de la dominante o - en el caso de tonalidades menores - en el relativo mayor o la dominante.
Cada sección puede tener uno o más temas. Los temas pueden ser similares o contrastantes. Una transición sirve de enlace entre la
primera y segunda sección sirviendo para modular a la nueva tonalidad. Desde temprano en el desarrollo de la forma sonata,
compositores como Beethoven experimentan con otras tonalidades para la segunda sección. La exposición termina con una codetta
y puede ser precedida de una introducción.
El desarrollo
En esta sección el compositor desarrolla los temas presentados en la exposición. Son comunes las modulaciones frecuentes. No
siempre se desarrollan todos los temas y en ocasiones el compositor puede presentar un nuevo tema (como por ejemplo en la
tercera sinfonía de Beethoven).
Reexposición
La reexposición es casi una repetición de la exposición, pero con un cambio principal: la segunda sección aparece ahora en la
tonalidad principal. A parte de ese cambio, el compositor normalmente hace múltiples variaciones, extendiendo, reduciendo o
eliminando secciones, variando la escritura instrumental o la orquestación en el caso de obras orquestales. El movimiento termina
con una coda que en algunos casos se convierte en un segundo desarrollo.
1.2 Concierto
Como género musical se entiendo por concierto una composición para uno o varios instrumentos que actúan como solistas con
acompañamiento orquestal. Su nombre proviene de la música italiana donde se le denominaba concerto per soli, del cual
mediante su abreviación se llegó a la palabra concierto.
El género nació durante la época barroca. Su predecesor fue el concerto grosso, nacido a finales del Siglo XVII, una composición
para orquesta en la cual un grupo mayoritario denominado tutti o ripieno intercambia material musical con un grupo de solistas
llamado concertino.
En el Siglo XVIII Vivaldi estableció la estructura de diálogo entre solista y orquesta, consolidando el concierto para solista o
concerto per soli. Tradicionalmente adoptó la forma de estar dividido en tres movimientos, el primero rápido, el segundo lento
y el tercero rápido.

El primer movimiento adopta la forma sonata con modificaciones para permitir el virtuosismo del solista. Esto se realiza en
forma de cadencias, cadenza, fragmentos interpretados únicamente por el solista, que suelen encontrarse en la parte final del
primer o último movimiento, antes de que terminen con un tutti.
La cadenza estaba realizada en forma de improvisación por el propio solista, pero como dependía mucho del momento y
calidad de su intérprete finalmente fueron escritas por el propio compositor o por algún importante solista y dejaron de ser
improvisadas.
El segundo movimiento solía escribirse en forma de lied o canción, mientras que el tercero se realizaba en forma de rondó,
siendo más ligero que el inicial. Como veremos en los capítulos descriptivos el género ha ido evolucionando a lo largo de su
historia. Los instrumentos solistas empleados en los conciertos son muy variados. En la época barroca empezaron con los
instrumentos de cuerda, siendo los escritos para violín unos de los más notables, seguidos por los de violoncelo y viola. El clave
era el primitivo instrumento de teclado que posteriormente derivó hacia el piano. Entre los instrumentos de viento destacan
los de oboe, seguidos por la flauta y el fagot. La trompeta, la trompa y el trombón, también tienen sus propias obras.
Prácticamente se han escrito conciertos en los que se emplean como solista cualquiera de los instrumentos de la orquesta
moderna incluida la percusión, además de otros instrumentos que no son habituales.
1.3 Sinfonía
La sinfonía es un concepto genérico puro. Su instrumentación es la orquesta. Su forma es la sonata, que marcará la distribución
de los movimientos y la estructura de los mismos.
Su estructura proviene del género sonata clásica, una composición instrumental solista, en un principio para un instrumento
de teclado, formada por tres o cuatro movimientos, que emplea la forma sonata definida anteriormente, por lo menos en el
primer movimiento. Podríamos definir a la sinfonía como una sonata para orquesta, por lo cual su constitución orgánica será
estudiada de forma conjunta.
La sinfonía clásica, consta de tres o cuatro movimientos. Estudiaremos la última forma por ser la más completa y característica.
Movimiento inicial, rápido, allegro. Algunas veces con una introducción lenta. Este movimiento está escrito en forma sonata.
Es el movimiento base de la obra, sobre el cual se construirá el resto. Para dar un carácter unitario a la obra algunas veces sus
temas son usados en otros movimientos, especialmente en el último. Su tonalidad principal se indica en el título de la obra.
Segundo movimiento, lento, adagio, con tonalidad opuesta, menor o mayor, a la del primer movimiento. Su forma es menos
definida. Puede tener dos temas, empleando la forma lied, ya comentada con anterioridad. También puede utilizar la forma
sonata, muchas veces de manera restringida. Otra alternativa es el uso de una forma monotemática, es el caso de un tema y sus
variaciones.
El tercer movimiento, es un minuetto o scherzo desde la época de Beethoven. Su tonalidad puede escogerse libremente. A
menudo falta este movimiento. Habiendo definido la forma minuetto con anterioridad, explicaremos brevemente que se
entiende por scherzo. Su nombre proviene del verbo italiano scherzare que significa bromear. El scherzo tiene un carácter
alegre y rítmico, una especie de broma musical. Su forma no es tan rigurosa como el minuetto, ni tiene que adoptar su ritmo,
pero suele tener estructura ternaria, con la parte central también llamada trío.
El cuarto movimiento, finale, es rápido, normalmente un allegro o presto, escrito en la tonalidad principal. Puede adoptar dos
formas. Puede ser un movimiento de sonata, como el primer tiempo o estar constituido por un rondó. En algunas obras aparece
nuevamente el tema principal para dar un carácter cíclico a la obra.
1.4 Poema sinfónico
Un poema sinfónico es una obra que toma como referente un texto literario o un hecho histórico y que pretende evocar, plasmar,
expresar o describir este. Aunque puede parecer que fuese música programática, esta última es siempre instrumental, mientras
que un poema sinfónico puede incluir lecturas o textos. Este género también es conocido como “poema tonal” y en sus inicios
era confundido con las oberturas, pero este último concepto se fue reservando en los siglos XIX y XX a piezas introductorias que
antecedían a las óperas. El poema sinfónico como género es atribuido a Franz Liszt (romanticismo musical), sin embargo, desde
el barroco se escuchaban algunas obras que contaban con intenciones descriptivas como “Las cuatro estaciones” de Vivaldi y la
“Sexta sinfonía” de Beethoven.
Así mismo, es necesario nombrar al francés Héctor Berlioz como uno de los más contundentes precursores del género, aunque
les llamase a sus obras sinfonía y no poema sinfónico. Berlioz en “Sinfonía fantástica” deja a un lado los esquemas propios de la
sinfonía e introduce elementos poéticos para contar una parte de su vida, su fascinación por la actriz inglesa Harriet Smithson.
En esta obra Berlioz cuenta una historia personal y permite identificar en ella a un personaje o hecho central. Después de Berlioz
y Liszt, otros compositores como Wagner, Tchaikowsky, Richard Strauss, Rachmaninof y Sibelius realizaron poemas sinfónicos.

1.5 Estudio
El Estudio musical es un género ligado al virtuosismo y al aprendizaje. Aunque se suela situar como un género romántico, esta
forma musical breve existe ya desde el Renacimiento. Surgido como una necesidad pedagógica, principalmente para teclado,
buscaba el desarrollo técnico de la ejecución instrumental, abandonando cualquier intención de musicalidad. Esto cambiaría
con los grandes Estudios del siglo XIX que elevaron a este género de simple pieza de aula a obra de concierto. Las primeras
obras didácticas datan del siglo XV y se escribieron para enseñar y perfeccionar la técnica de ejecución de los organistas.
Durante el Renacimiento, el órgano adquirió vital importancia debido a su papel dentro de la música sacra, hecho que provocó
un alto desarrollo de obras para este instrumento impulsando así la necesidad de obras pedagógicas que ayudaran a los
intérpretes nobeles a afrontar las complejas obras. Así, el tratado más antiguo conocido para este fin data de 1452; el
“Fundamentun Organisandi", obra del compositor y organista alemán Conrad Paunman y considerado una de las obras
pedagógicas para órgano más importantes.
Pero el padre de la técnica pianística, el compositor que abrió las puertas al virtuosismo sobre el teclado con sus obras es, sin
lugar a duda, Muzio Clementi. La preocupación primordial de Clementi era experimentar la sonoridad y las posibilidades del
teclado desde el punto de vista de la ejecución. Así sus obras renuncian a la ornamentación con el fin de explorar las digitaciones,
intervalos, la potencia y el ataque, contrastando pasajes ligados con otros picados. La técnica empezaba a ser un aspecto
fundamental en el proceso compositivo, aún más que la propia melodía o musicalidad. Esto le valdría las críticas de
compositores como Mozart que tacharon su obra de "antimusical".
1.6 Compositores de la época
Domenico Scarlatti (1685 – 1757, Italia)
Scarlatti es reconocido mayoritariamente por sus maravillosas sonatas para clavicémbalo (se calcula una cantidad de 555
sonatas aproximadamente). También fue popular por sus óperas. Scarlatti es un claro ejemplo de la transición de un músico del
barroco a la transición al período preclásico. Algunas obras notables: Sonata K. 9 en D menor, Amleto.
Georg Fredrich Händel (1685 – 1759, Alemania)
Por supuesto, Händel es otro de los compositores del siglo 18 más importantes. A Händel le llaman “el primer maestro de la
homofonía” (técnica musical de voces paralelas que crean acordes). Además de ser pionero en esa área, se le reconoce como el
primer músico en adaptar sus obras al gusto del público y no al gusto de la monarquía. Destacan de sus obras la forma del
oratorio y la ópera. Algunas obras notables: El mesías, Música actuática, Música para los reales fuegos de artificio.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750, Alemania)
A Bach se le considera uno de los músicos más importantes de todas las épocas, inspirando a muchos otros compositores
esenciales como Mozart, Beethoven, Liszt, Wagner y Malher entre otros. Se le denomina a Bach como el maestro del
contrapunto, gracias sus obras que destacan en la forma de la Fuga. Una de las contribuciones más importantes del compositor
es “El clave bien temperado”, una compilación de obras para teclado con la cual se establecieron los principios de la afinación
de las 12 tonalidades que aún utilizamos hoy en día (en épocas anteriores la afinación era únicamente una aproximación
desequilibrada que no permitía la interpretación de las obras en cualquier tonalidad). Bach marca el fin del barroco con su
muerte en 1750. Algunas obras notables: El clave bien temperado, El arte de la fuga BWV 1080, Tocata y fuga en D menor BWV
565.
Antonio Vivaldi (1678 – 1741, Italia)
Además de compositor fue sacerdote, violinista y profesor. Vivaldi cumplió un importante rol como impresario, (persona
dedicada a la organización de eventos artísticos, en este caso musicales y teatrales). Vivaldi destaca por sus numerosos
conciertos (aproximadamente 400) y sus óperas (aproximadamente 46). A Vivaldi se le reconoce el aporte de desarrollar una
estructura formal y rítmica para el género de concierto como forma musical. Algunas obras notables: Las cuatro estaciones,
Ercole su’l Termodonte.
Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787, Austria)
Gluck es otro de los mejores compositores del siglo 18. Es responsable de realizar reformas esenciales en cuanto a la forma y
estructura musical de la ópera. Su contribución más trascendente fue quizás el insistir en el enfoque en el argumento de la
ópera, creyendo que la poesía era más importante que la producción escénica en sí. Obras importantes: Orfeo y Eurídice,
Alcestes, Ifigenia en Áulide, Ifigenia en Táuride Armida.
Carl Philipp Emmanuel Bach (1714 – 1788, Alemania)
 Para muchos, el hijo más prolífico de Johann Sebastian Bach. Fue uno de los fundadores de la música de estilo clásico y uno de
los clavecinistas más importantes de Europa en su época. Es acreedor de más de 800 composiciones que son en su mayoría para
teclado. Obras importantes: Concierto para dos clavicordios, Magnificat en Re mayor, Cinco sinfonías de Berlín.
Joseph Haydn (1732 – 1809, Austria)
Haydn destaca por sus composiciones en las formaciones de música de cámara y trío para piano. Pasó la mayor parte de su vida
bajo el patrocinio de la familia Estherházy, para quien compuso por encargo la mayoría de sus obras. Muchos piensan en Haydn
como el padre del cuarteto de cuerdas y de la sinfonía. Como dato curioso, Haydn fue el compositor de la melodía de lo que es
hoy en día el himno nacional de Alemania (“Kaiserlied”). Obras importantes: Música acuática, Sinfonía No. 100 y 101,
Deutschlandlied.
Ludwig Van Beethoven (1770 – 1827, Austria)
Beethoven es, sin duda, uno de los compositores del siglo 18 más célebres. Se le reconoce como uno de los compositores con
mayor excelencia para sinfonías, habiendo compuesto 9 sinfonías de gran popularidad y aclamadas por su belleza tanto en
aquel entonces como hoy en día. Beethoven tomó parte del clasicismo, pero también se destacó luego durante el romanticismo.
Obras importantes: Tercera sinfonía “Heroica”, Quinta Sinfonía y Novena Sinfonía, cuyo cuarto movimiento está basado en la
“Oda a la Alegría”.
Unidad 2
ROMANTICISMO Y LAS FORMAS PEQUEÑAS
2.1 Pequeñas formas del Romanticismo
2.1.1 Tipo Libre:
Fantasía La fantasía es una forma musical libre que se distingue por su carácter improvisatorio e imaginativo, más que por una
estructuración rígida de los temas. Así, permite al compositor una mayor expresividad musical relajando las restricciones
inherentes a otras formas tradicionales más rígidas, como la sonata o la fuga. Como ejemplos ilustrativos de este contraste podemos
citar la Fantasía cromática y Fuga de J. S. Bach o la Sonata Op. 27 Quasi una Fantasia de Beethoven; también se pueden citar las 12
fantasías para violas de Henry Purcell (Z732 a Z745). Sin embargo, esto no quiere decir que una fantasía carezca por completo de
estructura formal. De hecho, muchas fantasías se basan en la forma sonata en aspectos tales como el uso y reexposición de varios
temas, o la delimitación de secciones contrastantes entre sí, pero con un tratamiento mucho más libre. Es una pieza instrumental
en la que la improvisación y la imaginación del compositor se antepone a estilos y formas convencionales. En los S.XVI y XVII, se
llamaba Fantasía a piezas instrumentales donde un tema se desarrollaba en eso imitativo y contrapuntístico. La fantasía combinaba
entonces elementos de la Tocata y del Ricercare. Para los románticos, la fantasía proporcionaba los medios para una expansión
formal sin las restricciones de la forma sonata. Aunque la Fantasía tenga un carácter eminentemente improvisatorio, no quiere decir
esto que carezca de estructura formal. Es más, contempla los principios básicos de cualquier forma musical. El término fantasía lo
utilizó Franz Liszt y otros compositores aplicados a piezas virtuosas basadas en temas procedentes de una ópera u otra obra. La
primera forma es la llamada Fantasía de Ópera. Los compositores contemporáneos del siglo XX utilizaron el término Fantasía para
designar piezas instrumentales ampliadas y variaciones libres.
Capricho, término que comenzó a aplicarse en el siglo XVII, es una pieza musical habitualmente de forma libre y de carácter vivo y
animado; Se puede decir que el capricho es una forma predominantemente instrumental. El capricho habitual es aquel que es de
naturaleza rápida, intensa y a veces virtuosísima.
Rapsodia, pieza de diferentes partes sin relación entre sí → efecto brillante. Puede ser de 2 partes “Lento dramático + Allegro”.
parecido a Fantasía y Capricho
2.1.2 Tipo Danza:
Vals,
Mazurca, danza y la forma musical a menudo asociada con oberek o mazurka, hoy presente en la tradición rural; una forma
estilizada de la música sobre la base de una de las tres danzas: mazur, oberek o kujawiak. Ritmo de mazurca (en polaco, rytmy
mazurkowe). Estos tres tradicionales prototipos de mazurca son originarios de la región de Mazowsze - Mazovia en Polonia, desde
el siglo XVI. Una mazurca era originalmente un baile de salón de la corte real y la nobleza polaca, y se convirtió con el tiempo en una
danza para la clase popular. En la tradición rural bailaron a menudo juntos en orden: mazur (medio rápido), kujawiak (lento) y
oberek (rápido). La diferencia entre estas danzas se basa en la expresión y la velocidad. Escrita en compás ternario (3/4, 3/8), se
caracteriza por sus acentos en los tiempos 2º y 3º, en contraste con el vals. También se parece mucho al minué (de origen francés,
la más famosa danza durante el siglo XVIII) en cuanto a su estructura y a su movimiento moderado.

Polonesa, (a veces también polacca o polaca) es una forma musical consistente en un movimiento de marcha moderada y ritmo
ternario (3/4), con característico comienzo en ritmo tético y fin en prótesis. Es la danza nacional de Polonia. Algunas de las polonesas
más destacables y famosas son las de Frédéric Chopin.
2.1.3 Tipo Canto:
Balada, aparece a finales de s. XVIII en Alemania. Inspirado en texto literario, estructura simple, estrófica como Goethe. Composición
de canto mas acompañamiento para piano u orquesta, con Schumann (coros) mas dominio de música instrumental, de carácter
épico y narrativo.
Nocturno, Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre. La denominación "nocturno" se le daba, en
una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un
lado. Algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro orchestras,
K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. Para esa época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de
la noche, pero habían sido escritas para que las tocaran en la noche, como sucede con las serenatas. En su forma más común (vale
decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente
en el siglo XIX.
Romanza, similar al preludio “cantabile” y carácter diverso, normalmente un solo tema. Puede ser binario, ternario o Tipo Sonata.
Pieza pianística, relativamente breve como un Lied. Mendelssohn su música inspirada, selecta y elocuente con una estructura:
Introducción, A (Exposición temática de 2 frases relacionadas, B (Desarrollo, diseños temáticos y modulantes), A’ (Reexposición
temática en tono principal y episodio modulante), Coda o Cadencia.

Lied: singular / Lieder: plural consta de voz y piano, voz y orquesta, coro tiene conexión entre texto y música proviene del Madrigal.
El piano intensifica la expresividad en el acompañamiento y la voz resalta el contenido del texto. Tiene una forma binaria o ternaria,
de 2 o 3 periodos o secciones musicales
A - A’ A - B A - B – C

2.2 Compositores de la época

Franz Schubert (1797-1828)

Otro de los más influyentes músicos del romanticismo es el austriaco músico Franz Schubert, el cual tiene un repertorio de
composiciones enorme: sinfonías, música sacra, , música de cámara, música para piano, ópera y más de seiscientas obras vocales
seculares. Como sucede con muchos autores, tuvo más reconocimiento tras su muerte que en vida, ya que otros músicos del
romanticismo influyentes, de la época inmediatamente posterior a su fallecimiento, exaltaron sus composiciones musicales.
Louis-Hector Berlioz (1803-1869)

Berlioz fue un compositor francés de gran renombre en el panorama de la música romántica y que realizó grandes aportaciones a
la orquesta moderna, utilizando un gran número de músicos en sus conciertos. Si bien es cierto, su obra más destacable podría
ser: Symphonie fantastique

Johann Strauss (1804-1849)

Strauss es otro de los grandes compositores de origen austriaco del Romanticismo. Entre sus piezas musicales, destacan sus valses,
los cuales impulsó de la mano de Joseph Lanner. Fue además una referencia para sus hijos, Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard
Strauss, también músicos. Su obra más famosa es la conocida Marcha Radetzky ¡Deleitemonos con ella!

Fanny Mendelssohn Hensel (1805-1847)

Fanny fue una compositora y pianista de origen alemán que es además hermana de otro gran músico del romanticismo, Felix
Mendhelsson. Durante su carrera compuso unas 460 obras aproximadamente, muchas de las cuales se publicaron bajo el nombre
de su hermano Felix. Veamos una muestra compositiva de esta gran artista romántica:

Felix Mendelssohn (1809-1847)

Felix Mendhelsson como su hermana fue compositor y pianista, además de organista y director de orquesta. Inspirándose en
muchos aspectos de la música de Bach compuso múltiples sinfonías, oratorios y conciertos. Oigamos la banda sonora que compuso
Felix para la famosa comedia de William Shakespeare: Sueño de una noche de verano

Fryderyk Franciszek Chopin (1810-1849)

Chopin fue un gran compositor y pianista polaco del romanticismo. Escribió muchas piezas para piano y tenía un estilo muy
específico y técnico. Es considerado por muchos como una de las primeras estrellas musicales que vio nacer el romanticismo.

Franz Joseph Liszt (1811-1886)

De origen húngaro y uno de los mayores exponentes de la Nueva Escuela Alemana, Joseph Liszt es considerado otro de los grandes
músicos del romanticismo.

Entre sus perfiles destacó por ser: director de orquesta, pianista, compositor, organista, arreglista y también escritor. Su habilidad
con el piano era extraordinaria y su contribución para impulsar a otros artistas renacentistas muy importantes para la
música. Además se le reconoce la invención de género: poema sinfónico.

Richard Wagner (1813-1883)

Wagner fue un famoso compositor, director de teatro, orquesta y ópera (sobre todo de caracter dramático) y ensayista alemán.
Dados sus múltiples conocimientos y a diferencia de otros músicos de la época, asumió también la elaboración del libreto y
la escenografía de sus creaciones.

Otra de los aspectos que caracteriza el arte de Wagner es el uso de su música en el cine. Una de sus composiciones más
características fue El anillo del nibelungo, compuesto por 4 óperas épicas de temática mitológica alemana.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Verdi es un conocido compositor italiano muy representativo dentro del romanticismo, sobre todo en la ópera, y con un papel
político muy trascendental dentro de su obra musical, en busca de la unificación de Italia.

Disfrutemos de una de las óperas más entrañables, su tragedia lírica, Nabucco.

Johannes Brahms (1833-1897)

Brahms es un compositor y pianista de origen alemán, con una trascendencia para la música del romanticismo comparable a la de
Bach y Bethoven.

Entre su obra global podemos encontrar composiciones para música de cámara, orquesta sinfónica, piano, coro, órgano y vocalistas.

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893)

Tchaikovsky es un músico de origen ruso que se sumó al romanticismo durante la última etapa del movimiento.

Entre sus piezas musicales principales, podemos destacar piezas de música clásica y ballets como: El lago de los cisnes, La bella
durmiente o El cascanueces.
UNIDAD 3

1. EL SISTEMA COMPOSITIVO DE BARTOK

Generalidades
La música de Béla Bartók aparece casi como una isla dentro del complejo siglo XX. Tiene rasgos tonales, pero no es tonal; tiene
muchas características atonales, pero no se inscribe en el atonalismo libre, ni en el serialismo, ni en otra corriente de su tiempo;
incluye aspectos del folclore balcánico, pero tampoco es música folclórica sin más … Todas las obras de este autor suenan claramente
a él mismo y, análogamente, casi todos los intentos de tomarlo como influencia han terminado en una copia de su estilo.
¿Hay un sistema detrás de la técnica compositiva de Bartók? No estamos seguros, porque no dejó nada escrito sobre ello, al contrario
de lo que otros compositores como Messiaen (1993), Hindemith (1942) o Xenakis (1963) hicieron. Sin embargo, cuesta creer que
una música tan orgánica se sustentase únicamente por su intuición. Porque la intuición es muy útil a la hora de componer, pero hace
falta algo más para crear música con la calidad y rotundidad de los grandes maestros. Y Bartók, qué duda cabe, fue un gran
compositor.
Organización tonal

Bartók pretende (o al menos, eso creemos) integrar el mundo de la armonía tonal funcional en algo más amplio donde esta tonalidad
sea únicamente un caso particular. Podríamos asemejarlo a la Física Newtoniana, la cual sería un caso particular de la Física
Relativista de Einstein. Curiosamente, Einstein (1879-1955) y Bartók (1881-1945) vivieron casi en el mismo periodo.
Tomando como base la armonía tonal funcional, podemos ver que cada una de las tres funciones tonales existentes (Tónica,
Subdominante y Dominante) pueden estar representadas por varios acordes de una tonalidad. En Do Mayor, tendríamos los
siguientes acordes principales y secundarios (o paralelos en nomenclatura de Wilhelm Malher):

Funciones principales y secundarias en Do Mayor

Como se puede observar, la Tónica secundaria (o paralela) está una 3ª menor por debajo de la Tónica principal. Lo mismo sucede
con la Subdominante y la Dominante secundarias. Análogamente, en el modo menor (con la escala menor natural) tendríamos algo
parecido, aunque ahora los acordes secundarios (o paralelos) estarían a una 3ª menor ascendente:

Funciones principales y secundarias en do menor

¿Qué le interesa a Bartók? La relación entre fundamentales, porque él considera que los modos mayor y menor son pequeñas
variante de un mismo ente sonoro con centro en la misma nota fundamental (DO, en este caso). Si representamos en el círculo de
quintas cada una de las tres funciones tonales para esta “metatonalidad” de DO, tendríamos lo siguiente:

Funciones tonales dentro de la “metatonalidad” de DO

Parece obvio que las únicas 3 notas que faltan por asignar deberían seguir el mismo patrón S–T–D. De esta manera, por inducción,
llegamos a esta representación:
Representación global de las funciones tonales para la “metatonalidad” de DO

Pero, ¿es esto coherente con el sistema tonal? En el caso de la Tónica, está claro que, en DO (mayor/menor), los acordes sobre LA y
sobre Mib también pueden funcionar como tónica. ¿Puede el acorde sobre FA#/SOLb funcionar también sobre tónica? ¿No está
demasiado lejos, con una diferencia de 6 quintas? Aunque aparentemente DO y FA# (o cualquier par de notas a distancia de tritono)
tienen el máximo número de diferencias, armónicamente no están tan lejos. ¿Cómo puede ser esto? Lo podemos ver de dos maneras:
EXPLICACIÓN 1: en DO, las dos notas que definen claramente la tonalidad son la sensible y la 4ª (SI y FA). Si las resolvemos como
Se ve en la figura siguiente, llegamos de manera clara a la tónica:

Lo que hemos hecho ha sido tomar la nota superior como sensible, resolviendo por semitono ascendente en la fundamental del
acorde de tónica, y la nota inferior como 7ª del acorde de dominante, resolviendo por semitono descendente en la 3ª del acorde de
tónica.
No obstante, el intervalo entre FA y SI es una 4ª aumentada (tritono). Es un intervalo que divide la octava en dos partes iguales, por
lo que, si lo invertimos, tendremos el mismo intervalo (tritono, aunque con la forma de 5ª disminuida). Al ser simétrico, podemos
considerar cualquiera de esas dos notas como sensible, y por lo tanto, los mismos dos sonidos (con las Enarmonizaciones
correspondientes), podrían resolver en estas dos tónicas:

Es decir, las tonalidades de DO y FA# (Mayor y menor) tienen las mismas notas características. Están, a pesar de las 6 diferencias
en el círculo de quintas, muy cerca auditivamente hablando.

EXPLICACIÓN 2: Si tomamos la dominante de DO y le rebajamos la 5ª, tenemos el siguiente acorde:

Que, enarmonizándolo, contiene las mismas cuatro notas que la dominante de SOLb (o FA#) con la 5ª rebajada. Por supuesto,
hablamos de sonidos, aunque en la sintaxis tonal haya que usar enarmonías, como se aprecia en la figura:

Es decir, un solo cromatismo nos ha producido un set de 4 notas que es dominante común de DO y de FA#/SOLb. Por lo tanto,
efectivamente, el mundo tonal funcional cumple que FA#/SOLb sería también un sustituto de la tónica (en DO, obviamente). Para
Bartók, de hecho, esta relación de tritono es la más fuerte dentro de cada función tonal, y por ello hablamos de “ejes”: “Eje de Tónica”,
“Eje de Subdominante”, “Eje de Dominante”. Cada eje sería, en realidad, un par de ejes de tritono separados una 3ª menor. Bartók
entiende que, formalmente, una nota (o un acorde) puede ser sustituido por otra nota (u otro acorde) a distancia de tritono. La
siguiente figura muestra los tres ejes para el modo (o “metatonalidad”, como lo denominamos anteriormente) de DO:
Ejes de cada función tonal para la “metatonalidad” de DO

¿Qué implicaciones tiene esto? Pues que, para Bartók, las cuatro notas de cada eje son intercambiables, como también lo son los
acordes (de cualquier tipo) construidos sobre esas fundamentales. Con ello, logrará una mayor variedad sustituyendo y variando
acordes sobre una función tonal que le interese.

Curiosamente, quienes conozcan algo de Jazz habrán escuchado hablar constantemente de la sustitución de tritono. Esto es
precisamente algo que ya hizo Bártok décadas antes en su música. Y que no es fruto de un capricho, sino resultado de una
sistematización rigurosa de las funciones tonales sobre las doce notas del total cromático. En una siguiente entrega continuaremos
con otros aspectos del sistema de Bártok que ayudarán a entender hasta qué punto todos los aspectos de su música están conectados
y surgen de una reflexión previa seria y contundente.
 Cuestionario

Sonata
1. Complete
La sonata tiene____________movimientos, pero solo en el___________moviento se puede encontrar la forma sonata.
2. Tomando en cuenta las diferentes agógicas de los respectivos movimientos de la sonata una con líneas según
corresponda
1º movimiento - De tempo mucho menos acelerado, en andante, adagio o largo.
2º movimiento - Es el que cierra de nuevo como ha comenzado con otro allegro, este siendo
de menor complejidad. Se combina con el rondó.
3º movimiento - Se titula Allegro, es el movimiento más complejo de los 4, ya que a su vez
está compuesto
4º movimiento - Utiliza estructuras para la danza, estos suelen ser el minueto o el scherzo.

Forma sonata (primer movimiento)

3. La forma sonata se da en el primer movimiento y consta de tres partes enumere a continuación.
 ________________________
 ________________________
 ________________________
4. Conteste con Verdadero-Falso (V-F)

En el desarrollo de la sonata el compositor presenta los temas, Generalmente tiene dos secciones, la primera en
la tonalidad principal, la segunda en la tonalidad de la dominante o - en el caso de tonalidades menores - en el (_F_)
relativo mayor o la dominante. Cada sección puede tener uno o más temas. Los temas pueden ser similares o
contrastantes
La reexposición es casi una repetición de la exposición, pero con un cambio principal: la segunda sección (_V_)
aparece ahora en la tonalidad principal
En el desarrollo son comunes las modulaciones frecuentes. No siempre se desarrollan todos los temas y en (_V_)
ocasiones el compositor puede presentar un nuevo tema
5. Realice el diagrama de la forma sonata

Sinfonía

6. Mencione dos diferencias y similitudes entre la sonata y sinfonía.

Diferencias Similitudes
La sinfonía como una sonata para orquesta Consta de 4 movimientos
En el primer movimiento de la sinfonía suele tener una Tiene la forma sonata en el primer movimiento
pequeña introducción lenta
 7. Analice la siguiente sonata: Mozart. Sonata para piano en La Mayor Kv 331.

Pequeñas formas del romanticismo

8. En el romanticismo aparece pequeñas formas de diferente enumera cuales son:

Tipo Libre Tipo danza Tipo canto
Capricho Escocesa Balada
Fantasía Mazurka Impronptu
Momento musical Polonesa Nocturno
Rapsodia Vals Romanza (sin palabras)
9. Escriba las características de las siguientes formas:
Vals: danza giratoria en 3/4, de movimiento y carácter diverso.
Mazurka: danza nacional polaca, movimiento moderado en 3/4, un poco más lenta que vals.
Lied: Usado en el movimiento lento de la sonata, concierto y sinfonía clásica es de forma tripartita
Rapsodia: pieza de diferentes partes sin relación entre sí tiene un efecto brillante. Puede ser de 2 partes “Lento dramático
más Allegro
Balada: aparece a finales de s. XVIII en Alemania. Inspirado en texto literario, estructura simple, estrófica como Goethe.
Polonesa: danza de movimiento moderado en 3*4, generalmente inicia el compás una galopa y termina una cuartina.
10. Analice las siguientes obras
Sinfonía nº1, Clásica, 3er movimiento (S. Prokofiev)

Vals Melodioso (E. Granados)

Rêverie (C. Debussy)

sonata Schubert LA MAYOR D.664

Sonata 11 (Mozart)
 Frase A

I_______

I_______________ V____ VI___________ III____ VII7___ I____ V____ I_____________

Frase B

VII____________ #IV__________ V I I______________________ V___________

VI____________ III___ V_____ I____________ V____________ VI_________ V I_____________

I____________ V____ I__ V___________________ IV________ VI_______ III_______ V_________

Frase A'

I_______ V7_ I____ V__________________ IV____________ V__ I__________ I__________

I_____________ I V VI

III VII I V I VII #IV V I

 Frase A

Motivo Principal

V_______ I_________

Frase A`

V______ I________
Frase B

Frase A`

V________ I_______
Introduccion

Ostinato

seccion 1
 A B

A´

cadencia
ampliación cadencial