PINTAR LA PIEL A LA MANERA DE REMBRANDT, DESCIFRANDO SU

PROCESO

La textura y el claroscuro que Rembrandt logró al pintar la piel en sus retratos ha

influenciado a miles de pintores a través de los siglos. La obra de Rembrandt atravesó
por varios periodos, por lo que no podemos hablar de una sola manera de hacer las
cosas cuando hablamos de él. Sin embargo sí podemos mencionar ciertos puntos
significativos respecto a su manera de trabajar la piel.

En este artículo analizaremos cuáles eran y cómo utilizaba los pigmentos para pintar la
piel en sus retratos y técnicas que aplicó para crear las texturas características en sus
obras maduras, entre otros.  

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Conocido más frecuentemente solo como Rembrandt, fue un pintor y grabador del siglo
XVII. Su trabajo es el máximo exponente de la pintura de la Edad de Oro holandesa. 

Rembrandt es uno de los artistas más venerados de todos los tiempos. Entre sus mayores
triunfos plásticos se encuentran diversos retratos de sus contemporáneos, ilustraciones
de escenas bíblicas, sus autorretratos, innovadores grabados y por supuesto su distintivo
uso de la sombra y la luz.

Artista: Rembrandt (1606–1669). Título: Autorretrato a los 34 años. Fecha: 1640.

Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones: Altura 102 cm (40.1 ″); Ancho 80 cm (31.4 ″).
Colección: National Gallery, Londres.
La Paleta de Rembrandt 

La paleta de Rembrandt estaba formada por aquellos pigmentos que estaban disponibles
en los Países Bajos en el siglo XVII.  Entre estos pigmentos encontramos ocres, sienas,
tierras, óxidos, umbers, blanco de plomo, negro de humo y negro de hueso, entre otros.

Estos pigmentos se vendían en boticarios como polvos molidos listos para ser
mezclados con aceite, y así preparar la pintura al óleo en los estudios de cada artista.

Fotografía de la casa de Rembrandt

La preparación de las pinturas al óleo era una tarea laboriosa y lenta que requería ciertas
habilidades y conocimientos de las proporciones necesarias, materiales y el
procedimiento para lograr una pintura de buena calidad. En el museo de la casa de
Rembrandt se muestra aún hoy la losa de piedra original que utilizaron él y sus
asistentes para mezclar pigmentos con aceite. 

El número de pigmentos que Rembrandt usó en sus obras era bastante limitado. Sin
embargo, esta paleta restringida de colores permitió al maestro crear una cantidad
indefinida de efectos ópticos y combinaciones de matices de color en sus pinturas. Esto
se debió a la profunda comprensión que Rembrandt tenía de los materiales de pintura y
las habilidades para pintar en capas, aplicar esmaltes ópticos y otras técnicas de pintura.

Si bien Rembrandt no dejó nada escrito al respecto se dice que él se jactaba de emplear
un paleta limitada. Igual que grandes artistas como Tiziano, consideraba que lo
importante no era la cantidad de pigmentos, sino cómo se empleaban.
Título: Self Portrait with Beret and Turned-Up Collar. Artista: Rembrandt.  Fecha:
1659. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 84.5 cm x 66 cm. Colección: Galería
Nacional de Arte, Washington, D.C. Estados Unidos de América.

 La Paleta de Rembrandt al pintar la Piel

Rembrandt creó sus retratos distintivos con la misma paleta limitada que empleaba en
los otros temas de sus obras. Lo realmente significativo es la manera en que empleó su
paleta y sus materiales para conseguir este propósito.

Ya hemos mencionado antes que la obra de Rembrandt tiene varios periodos distintos
en los que trabajó de maneras diferentes. Tomando esto en consideración analizaremos
solo uno de sus autorretratos y mencionaremos en qué momento usaba que materiales y
con qué propósito.
Los fondos de Rembrandt para Retrato

Rembrandt no utilizaba un solo tipo de fondo en todas sus obras. Como todo entendido
de la pintura, no dependía de seguir una misma receta una y otra vez. Su versatilidad a
la hora de pintar era una consecuencia de entender a profundidad los resultados
producidos por diversos sistemas.

Rembrandt cambiaba de fondo dependiendo del tema y de la atmósfera de la obra que

iba a trabajar. De hecho en varias ocasiones sus fondos no eran de un color solido, sino
grisallas con matices variables. Puedes observar este efecto en la siguiente imagen:
Título: Cristo ante Pilatos (Ecce Homo). Fecha: 1634. Técnica: óleo. Dimensiones: Alto
54,5 cm; Ancho 44,5 cm Colección: Galería Nacional de Londres

Sin embargo, cuando realizaba retratos sin escenas mas complejas, sí llegaba a emplear
fondos de colores lisos.

Por ejemplo, en el siguiente fragmento de su autorretrato anteriormente mostrado

observa el fondo verdaccio muy agrisado entre sus brochazos. Incluso se percibe el
grano de la tela en ciertas áreas cubiertas con ese verdaccio. Si te fijas en el grano de la
tela y en el color que asoma entre los otros brochazos puedes identificar claramente y
sin duda dicho color de fondo.

Este tipo de verdaccio muy agrisado fue un fondo ampliamente utilizado por Rembrandt
en muchos de sus retratos.
Si quieres saber más sobre la pintura de retrato usando verdaccio, te recomiendo leer
este otro articulo sobre el verdaccio.

Los materiales para fondear de Rembrandt

Los materiales que Rembrandt empleaba al iniciar un cuadro, son acordes al metodo de
magro a grasso del periodo barroco.

Lo primero era entelar un soporte con un lino de grosor suficiente y prepararlo con
una  imprimatura de aceite.

Barniceta prima

Sobre el soporte comenzaba a pintar con un medio conocido como barniceta prima, que
en italiano quiere decir “primera barniceta”. Esta barniceta era mezclada con temple,
práctica muy común durante todo el periodo barroco. Recordemos que en realidad el
óleo evolucionó como un temple aceitoso.

El agregar temple al aceite se acelera considerablemente su tiempo de secado y se

incrementa su fluidez. Así mismo, al volver la pintura inicial más magra, mejora la
capacidad que tiene la pintura base de absorber las capas superiores de pintura más
aceitosa.

El aceite empleado en esta barniceta prima durante este periodo no era solo un aceite
cualquiera. Era un aceite conocido como aceite negro, que se podía mezclar en cierta
proporción con otros aceites, resinas y solvente para generar las barnicetas adecuadas
para cada paso de la obra. Este tipo de aceite tiene muchas cualidades valiosas para la
pintura. Entre ellas están su alta capacidad de refracción y su capacidad de acelerar el
secado del óleo.

Pigmentos empleados

Por ultimo los pigmentos que Rembrandt empleaba en esta primera mano de pintura
pudieron haber sido ocres o sienas mezcladas con negro de carboncillo y blanco para
formar verdaccios. Estos pigmentos eran muy utilizados para pintar fondos desde la
edad media. Su gran delgadez y transparencia en relación a otros pigmentos los volvía
ideales para generar la ilusión de distancia y profundidad.

Otra opción de materiales que empleó para estos fondos es la merma de ciertos
materiales empleados en el proceso de producción de aceite negro. Estos materiales, al
ser quemados durante el proceso, generaban un tono de verdaccio muy similar al que
empleó en el cuadro que estamos analizando.

Definición de rasgos, arrugas y sombras en los retratos de Rembrandt

Rembrandt no realizaba un boceto previo sobre el lienzo antes de empezar a trabajar un

cuadro. Todo lo contrario: comenzaba a pintar con el pincel sobre el lienzo. De hecho
varios “Rembrandts” falsos han sido descubiertos gracias a este detalle. Al sacar una
radiografía de una obra de Rembrandt, si ella tiene boceto previo, no es de él.
Una vez que había colocado su fondo verdaccio, en el caso del cuadro que estamos
analizando, comenzaría a modelar los rasgos esenciales del retrato.

Áreas de sombra y pliegues.

En esta obra puedes ver que los rasgos plasmados sobre el fondo gris verdoso, son en
ciertas zonas las áreas de sombra y pliegues. El color de sombra aplicado para este
propósito tendría una función posterior dentro del cuadro. La función no era solo señalar
una forma, sino producir la ilusión de volumen de dicho rasgo en el rostro.

Observa en la siguiente imagen las zonas en que Rembrandt continuó con los colores de
sombra sobre el verdaccio.

Puedes ver como como los colores obscuros están en ciertos sitios directamente frotados
sobre el verdaccio y en ocasiones se ven ligeramente translúcidos. A su vez observa
cómo estos brochazos de colores obscuros pueden verse parcialmente cubiertos en
ciertas áreas por los colores de encarnaciones más luminosos, que fueron colocados
posteriormente en la mayoría de las áreas del rostro.

Sin embargo, no todos los brochazos obscuros fueron puestos desde el principio. De
hecho hay sitios donde puede verse que los tonos obscuros cubren ligeramente los tonos
de encarnación más luminosos. Esto ocurre debido a que Rembrandt, así como otros
grandes pintores tenía tal dominio de su oficio que no dependía de hacer siempre las
cosas de la misma manera. Si bien sí hay un hilo conductor en sus métodos, Rembrandt
probaba siempre cosas diversas.
Por último es muy importante hacer hincapié en cómo Rembrandt empleó estos colores
obscuros para señalar los rasgos. No los aplicó a manera de contornos, sino a manera de
sombras. Lo que estaba haciendo con estos colores obscuros era modelar el volumen
tridimensional del rostro, no definir su forma dimensional.

Materiales en arrugas y sombras

Los colores oscuros en arrugas y otras zonas de sombra del cuadro que estamos
analizando aparentan ser un rojo óxido mezclado con negro en diversas proporciones. A
más obscura la zona de sombra trabajada, más negro, a más luz en esa zona, más rojo
óxido. Como mencioné antes Rembrandt solía emplear una gama limitada de
pigmentos.

Sin embargo, también existe la posibilidad de que utilizara un color como la sombra
tostada en las zonas de sombra mezclado con negro marfil donde requiriera más
obscuridad y que los acentos de luz fueran rojo o naranja óxido. Esta última opción
parece en este caso ser más acertada debido a que se ven dos distintos tipos de
transparencia en los colores de sombra que empleó en este cuadro.

En la imagen anterior, en ciertas partes se ve claramente un rojo similar al sombra

tostada tanto en su transparencia como en su color. A su vez puede verse un café más
anaranjado y a su vez opaco. Este tono café podría ser una mezcla del rojo anaranjado
óxido que se ve en el lagrimal sin mezclar, mezclado con negro en distintas
proporciones.
En cuanto al medio empleado en este paso de la contrucción de la obra pudo haber sido
empleada también la barniceta prima, pero con una mayor concentración de aceite que
de temple. Esto nos lo indica la textura del brochazo de la áreas obscuras. Otra cosa que
nos lo indica es el proceso de magro a grasso.

Los impastos superficiales

Los impastos superficiales de esta pintura de Rembrandt están en realidad divididos en

dos.

 Unos impastos más delgados y agrisados internos.

 Unos impastos más luminosos y empastados posteriores.

Aparte des estos impastos también hay unas secciones de sombras más amarillentas
colocadas sobre los impastos de las cuales hablaremos más adelante.

Las diferencias entre los impastos que mencioné pueden verse en la siguiente sección
del rostro.
Nota como hacia la derecha de la frente pueden verse tonos de piel más grises y
considerablemente menos empastados que los del lado izquierdo.

Por otra parte del lado izquierdo los colores son más luminosos, blanqueados y
empastados.

Aparte puede verse cómo los colores más agrisados y delgados del lado izquierdo
fueron colocados previamente y los más empastados del lado izquierdo se colocaron en
segundo lugar. Esto es visible al poner atención en que brochazos están encima y cuales
debajo.
Por último tenemos colores de sombra amarillentos y anaranjados que fueron colocados
sobre los impastos para marcar arrugas ligeras, sombras superficiales y sombras dentro
de la zona de luz.

Veladuras superpuestas

Estos colores fueron puestos a manera de veladuras superpuestas. Dichas veladuras se

colocaron mientras la pintura inferior aún estaba fresca. Observa cómo se ve claramente
la mezcla se las veladuras con las capas internas en ciertas zonas. Esto fue seguramente
a propósito, puesto que en ciertos puntos podemos ver como Rembrandt incluso arañó
los impastos luminosos con el pincel al poner las veladuras.

Rembrandt solía hacer arañazos en las capas superiores de pintura para exponer parte
del color de las capas previas.
Impastos luminosos

Rembrandt pintó los impastos densos para producir encarnaciones con blanco de plomo,
densamente aplicado y mezclado con bermellón, óxido de hierro rojo, salpicados de
tierra amarilla, ocre rojo y algo de negro de hueso para agrisar ciertas zonas.

Como puedes ver, es en esta zona de impastos luminosos donde Rembrandt empleó
mayor variedad de colores, pasando de rojos, a naranjas y amarillos mezclados con
blanco o aplicados en ciertas zonas con veladuras.
Los medios de impasto de Rembrandt

Los medios de impasto de Rembrandt son particularmente interesantes. Rembrandt

observó que si se pintaba con mucho blanco de plomo empastado, el color tendía a
obscurecerse con el tiempo. Esto pudo verlo en obras antiguas, previas a las suyas,
donde el color se había obscurecido gravemente, particularmente en las zonas pintadas
con blanco de plomo o con aceite negro, el cual se produce con blanco de plomo.

Puesto que quería usar impasto blanco denso y aceite negro por sus grandes beneficios
ópticos, experimentó considerablemente para desarrollar métodos técnicos a partir de
los cuales lograr su cometido sin los contratiempos del material.
Lo que hizo fue, aparte de emplear aceites más densos en las capas de pintura
impastada, disminuir la cantidad de blanco de plomo en dichas zonas agregando cuarzo
molido. Por último mezcló sus barnicetas con ceras. De esta manera logró aislar el
blanco de plomo del ambiente circundante y retrasar su engrecimiento futuro.

Al mismo tiempo que usó ceras logró un tipo de brochazo empastado característico de
su obra madura y una luminosidad sin precedentes.

GUÍA PARA COMPRENDER LA TEORÍA DEL COLOR Y LA LUZ EN LA

PINTURA

El color es la impresión producida por una onda de luz en los órganos visuales. Por lo
tanto, ambos conceptos, luz y color, se encuentran estrechamente vinculados entre sí. 

A continuación, te comparto una guía resumida de los conceptos más importantes a

considerar en cuanto a luz y color en la pintura. Un estudio más detallado de estos
temas te ayudará a mejorar tu capacidad de percepción y por lo tanto incrementar
tu creatividad al pintar.

Relación entre el Color y la Luz

La relación entre la luz y el color tiene connotaciones físicas múltiples. Sin embargo,
hoy estudiaremos aquellas más esenciales relacionadas con el espectro de luz
humanamente perceptible. Es decir a la región del espectro electromagnético que el ojo
humano es capaz de percibir.

A menudo solemos pensar que los objetos tienen colores fijos. Una manzana, por
ejemplo, es roja. Pero en realidad, el color de un objeto resulta de la forma en la que
se refleja la luz que cae sobre él.

En realidad, bajo luz blanca la manzana se ve roja porque refleja la luz en la fracción
roja del espectro visible y absorbe la luz de las otras longitudes de onda.
Representación de las longitudes de ondas absorbidas y reflejadas en una manzana.

La Teoría del  Color      

La teoría del color consiste en un conjunto de principios que proporcionan

orientación sobre la relación entre los colores, el porqué los mismos aparecen en la
naturaleza bajo ciertas circunstancias y los impactos fisiológicos, y psicológicos de
ciertas combinaciones de colores. 

La importancia de comprender la teoría del color supera con creces el simple hecho de
saber mezclar los colores. Por lo tanto, comprender dicha teoría es uno de los aspectos
imprescindibles de la pintura.  Principalmente, lo que necesitas comprender es la
aplicación general de la teoría del color, la relación entre los colores y cómo los
percibimos.
Circulo cromático

Términos Importantes de la Teoría del Color             

Existen un conjunto de términos en la teoría del color que a su vez se utilizan con
regularidad en el arte. Sin embargo, en muchas ocasiones estos conceptos pueden
confundirse y malinterpretarse. Parte de la razón por la que esto ocurre es que la teoría
del color es muy amplia y no toda se relaciona de forma obvia con la pintura.

La teoría del color ha sido en realidad desarrollada por científicos, pensadores y artistas.
Sin embargo, los lenguajes que distintas ramas del pensamiento utilizan no siempre es el
mismo o bien se refieren por los mismos nombres a distintas cosas. Esta circunstancia
puede traer consigo ciertos malentendidos. A continuación, repasaremos cada uno de
ellos:

Los colores primarios

La frase colores primarios puede ser un poco confusa para algunas

personas. Principalmente porque existen dos modelos básicos de colores
primarios. Estos dos modelos de color son:

 Color primario en luz (rojo, verde, azul)

 Color primario de pigmento (cyan, magenta, amarillo)
Colores Primarios Aditivos (Luz)

El rojo, el verde y el azul ultramar son los colores primarios de la luz. Es decir, al
combinarlos en diferentes proporciones se pueden crear los demás colores. Por
ejemplo, la combinación de la luz roja con la luz verde da como resultado una luz
amarilla. 

Este sistema de color primario aditivo es utilizado para fuentes de luz. Por ejemplo:
televisores y monitores de computadora. Por lo tanto, a partir de la luz se pueden crear
una amplia gama de colores. Cuando diferentes proporciones de luz roja, verde y azul
ingresan a tu ojo, tu cerebro es capaz de interpretar las diferentes combinaciones como
diferentes colores.

Cuando los tres colores primarios de luz se unen se crea como resultado luz blanca.

Colores primarios aditivos

Colores Primarios Sustractivos (pigmentos)

Existe otro conjunto de colores primarios con los que seguramente estás más
familiarizado. Los colores primarios de pigmentos, también conocidos como primarios
sustractivos, generalmente mencionados como rojo, azul y amarillo. Estos se usan
cuando se producen colores a partir de la luz reflejada. Por ejemplo, al mezclar
pintura o usar una impresora a color.
Los pigmentos son sustancias químicas que absorben longitudes de onda selectivas.
Esto implica que evitan que ciertas longitudes de onda de luz se transmitan o
reflejen. Debido a que las pinturas contienen pigmentos, cuando la luz blanca (que se
compone de luz roja, verde y azul) impacta la pintura de color, solo se reflejan algunas
de las longitudes de onda de la luz. Por ejemplo, la pintura cian absorbe la luz roja pero
refleja la luz azul y verde; la pintura amarilla absorbe la luz azul pero refleja la luz roja
y verde. 

Tradicionalmente se nos enseña en la escuela que los colores primarios son rojo, azul y
amarillo. Sin embargo, al descubrirse cada vez más sobre el color espectral y cómo
funcionan las longitudes de onda con las superficies (reflexión / absorción) y el ojo
humano, el modelo azul-rojo-amarillo ha cambiado al modelo cyan, magenta,
amarillo. Sin embargo, aun hoy en día se utiliza el modelo azul, rojo y amarillo para
mezclar pinturas, y es la rueda de color más común que podrás encontrar en las
tiendas de arte.

Colores primarios sustractivos

La Temperatura de los Colores                      

En relación a las pinturas, la temperatura del color se refiere a nuestra percepción de un

color como cálido o frío. A muchos artistas les gusta dividir la rueda de colores en
colores cálidos y fríos, como se muestra a continuación:
Rueda del color con los colores fríos y cálidos

Así, los rojos, naranjas y amarillos generalmente se consideran colores cálidos, y los
azules y verdes generalmente se consideran colores fríos.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que la temperatura de color de nuestras

pinturas es solo perceptual. Es decir que depende de la luz, la percepción, la
perspectiva y otros muchos aspectos circunstanciales.

La realidad es que las pinturas no tienen ninguna temperatura de color intrínseca o

fija. Simplemente se asocia ciertos colores como cálidos o fríos según sus
circunstancias.

Como artista, es preferible pensar en la temperatura del color en términos relativos en

lugar de términos absolutos. Esto se debe a que los colores no pueden existir por sí
mismos. Es decir, solo serás capaz de identificar un color si y solo si tienes otro
color para compararlo.

Decir que el azul es un color frío no es una declaración útil. Claro, cuando se compara
con el rojo, parece ser un color frío. Pero eso no quiere decir que siempre lo sea. Los
colores siempre son cálidos o fríos en relación a otros colores.

Cuando comiences a pensar en la temperatura del color (y el color en general) en

términos relativos, verás una gama mucho más amplia de posibilidades para usar la
temperatura del color en tus pinturas. 

En lugar de tratar de contrastar un color cálido como el rojo contra un color frío como el
azul, verás oportunidades para crear contrastes mucho más sutiles de temperatura, o a la
inversa contrastes muy radicales. Es decir, podrías realizar variaciones sutiles
que pasarán de un azul cálido a un azul frío por ejemplo; o transiciones drásticas
que pasen de un amarillo rojizo, a un morado azuloso. Así es como podrás ir
logrando impresionantes vibraciones de color dentro de una pintura.  

Como dato curioso, pintores impresionistas y postimpresionistas como Monet y Van

Gogh otorgaron gran atención a esto. Aprendieron a emplear la temperatura del color y
el contraste para acentuar el color, la luz y la emoción en sus pinturas.

La Temperatura del Color y la Luz

Si pintas bajo la luz de una puesta de sol, los colores que verás serán muy diferentes a
los colores que vería bajo la luz de un día nublado.

Claude Monet realizó su serie de pinturas sobre la Catedral de Rouen, así como otras
muchas series para estudiar y dominar esta circunstancia. Esta estructura arquitectónica
fue pintada por Monet en distintas horas del día, por lo tanto la luz y el color en cada
uno de los cuadros de esta serie es diferente.
Título: Series Catedral de Ruan . Artista: Claude Monet. Fecha: 1892. Técnica: Óleo
sobre lienzo. Dimensiones: 107 cm x 73 cm. Colección: Musée d’Orsay, Francia.

Entonces, si la luz que ilumina a tu modelo es la luz naranja de una puesta de sol,
deberás elegir los colores adecuados para generar la ilusión de ese ambiente. 

Si deseas saber más cobre el color y la temperatura revisa nuestro texto

sobre temperatura de color y volumen.
Distintas impresiones de la Catedral de Ruan en diversos momentos del día capturados
por Monet

Otros conceptos esenciales de la teoría del color

A continuación mencionaremos otros de los conceptos más importantes de la teoría del

color. Tener una comprensión considerable de estos conceptos te será de utilidad en
cualquier tipo de pintura y a todos los niveles de tu desarrollo artístico.

Saturación o croma

La saturación es la medida de la pureza o intensidad de un color. Es posible reducir la

saturación de un color agregando blanco, gris o un color en el lado opuesto de la rueda
de colores. 
Si elimináramos poco a poco la saturación de los colores de la rueda de color, daría
como resultado lo expuesto a continuación:

Desaturación del círculo cromático

Tono o matiz

Tono es un término ampliamente incomprendido. Incluso, muchos artistas no están

completamente seguros de lo que significa a pesar de que se usa con bastante
frecuencia. Esta confusión surge en español debido a que utilizamos el término tono
para referirnos a dos cosas diferentes.

Por un lado está el tono que generalmente se refiere a la longitud de onda dominante del
color de los doce colores en la rueda de colores. Por ejemplo, el tono del mar es azul y
el tono de la savia es verde. Este tono también puede sustituirse por el término matiz.

Los colores a continuación son tonos o matices.

Tonos

Por otro lado está el tono que se refiere al valor del color dentro de una escala de grises.
A este nos referiremos a continuación.

Valor tonal

El valor, valor tonal o tono se refiere en esta circunstancia a qué tan claro u oscuro es el
color en una escala de negro a blanco. Este término es uno de los más ampliamente
considerados como una de las variables más importantes para el éxito de una
pintura.

Si al momento de pintar deseas aclarar u oscurecer el valor de un color solo debes

realizar estos dos sencillos pasos:

 Para aumentar (aclarar) el valor de un color, deberás agregar blanco y / o algún

color de valor tonal claro, como el amarillo.
 Para disminuir (oscurecer) el valor de un color, deberás agregar negro, un color
complementario y / o un color de valor obscuro, como el azul ultramar o algún
morado.

El valor debe ser simple de entender, sin embargo, la inclusión del color puede
convertirlo en un concepto difícil de percibir sin entrenamiento previo. Esto se debe a
que es posible que tengas colores visiblemente diferentes pero con el mismo valor, ello
dificultará distinguirlos.

Por ejemplo, si eliminas el color de la siguiente imagen, te quedarás con un rango de

colores negros y blancos. En dicho rango el color negro será el valor más bajo,
mientras que  el color blanco será el valor más alto. 

Título: Impression soleil levant. Artista: Claude Monet. Fecha: 1872. Técnica: Óleo
sobre lienzo. Dimensiones: 48 cm x 63 cm. Colección: Musée Marmottan Monet, Paris,
Francia.

Esta es una de las razones por las cuales el dibujo es tan apreciado para mejorar la
capacidad de pintar. El dibujo facilita la comprensión del concepto de valor sin tener
que preocuparse por la inclusión del color.

El valor es considerado por muchos artistas como un concepto mucho más importante
que el color en la pintura. Esto se debe a que el valor realmente establece la
estructura de tu pintura en términos de luz, contraste e incluso composición.

¿Qué papel juegan los Valores Blanco y Negro?      

Si bien puede parecer lógico que para aclarar un color le agregues blanco y que para
oscurecerlo agregues negro, esto es una simplificación excesiva. 

El blanco reduce la saturación, por lo que aunque aclara el color, puede eliminar su
vitalidad. Por otra parte el negro no solo agrega oscuridad sino que ensucia los colores.
En determinados casos el negro es especialmente útil, por ejemplo, la amplia gama
de verdes que se puede producir cuando se mezcla con amarillo. Sin embargo hay
colores que aparentan ser oscuros a la vez que muy puros. En estas circunstancias el
negro no nos ayudará a recrearlos.

Te recomiendo que desarrolles tus habilidades en la mezcla de colores para producir

tonos de intensidad variable. Por ejemplo, para aclarar un rojo, prueba agregar un
poco de un color más claro como el amarillo y observa lo que ocurre. En otra
circunstancia agrega blanco y observa lo que ocurre. Distintas formas de aclarar tus
colores te serán útiles en distintos momentos.

Clave alta versus clave baja

Por ultimo, el valor tonal también nos sirve para producir ciertos tipos de contrastes. Es
común escuchar o leer en el medio artístico cuadros descritos como de “clave alta” o
“clave baja”. Esto se refiere a la escala de valor general utilizada en la pintura. Una
pintura de clave alta tiene una escala de alto valor (claro) mientras que una pintura de
clave baja usa una escala de bajo valor (oscura).

También existen cuadros de claves intermedia. Ello se refiere por un lado a que tan clara
u obscura es la totalidad de la obra, pero también da pie a distintas formas de emplear el
contraste dentro de distintas obras.

Clave mayor alta, intermedia y baja

Clave menor alta, intermedia y baja

Estos fueron algunos de los conceptos más importantes con respecto a la teoría del
color. Si deseas conocer más sobre ellos te recomendamos los siguientes textos de
nuestro blog.
 LAS EMOCIONES Y EL COLOR EN LA PINTURA

El color puede inducir estados de ánimo y dictar potentes sensaciones.

Ya en el siglo XV, los artistas utilizaban pigmentos específicos para transmitir y evocar
emociones. Sin embargo, una comprensión integral de la teoría del color (reglas para el
uso del color en el arte) no se comenzó a desarrollar formalmente hasta el siglo XVIII
cuando Isaac Newton desarrolló la rueda de colores. Y una teoría del color ligada a la
experiencia emocional humana no surgiría hasta tiempo después, con la llegada de
Goethe.

Descripción general de la psicología del color.

Esta se define como el “estudio de los matices como un determinante del

comportamiento humano”. Esto quiere decir que, los artistas pueden analizar la manera
en que nos hará sentir y reaccionar la utilización de los colores. Algunas de estas
asociaciones son tan fuertes que, pueden estimular el comportamiento, las acciones y
hasta los sentimientos en las personas.

En el arte, podemos utilizar los colores  para expresar nuestras emociones. Así mismo
podemos hacer uso de los colores intencionalmente para provocar emociones en nuestra
audiencia.

Para ver con más claridad este hecho, usaremos de ejemplo los llamados Período Azul y
Rosa de Picasso.

Los periodos azul y rosa de Picasso

En el “Período Azul”, pintó obras monocromáticas, representando en ellas escenas

sombrías y desalentadoras. Más tarde, en el “Período Rosa”, utilizó tonos alegres como
el rojo, el naranja y el rosa. Así, puedes observar el contraste directo con los colores
fríos de su período anterior.
Título: El viejo guitarrista. Autor: Pablo Picasso. Fecha: finales de 1903 – principios de
1904. Técnica: óleo sobre panel. Dimensiones: 122,9 x 82,6 cm (48 3/8 x 32 1/2 pulg.).
Fuente: The Art Institute of Chicago y [Link]

Observa cómo el significado del color jugo un papel importante en sus obras. Tradujo
sus sentimientos a una imagen que el espectador podría desempacar. El público tuvo la
oportunidad de vislumbrar la mente de Picasso.
Título: Maternité (Madre e hijo). Autor: Pablo Picasso. Fecha: 1905.

Toma en cuenta que el espectador puede tener una interpretación diferente de la pintura,
que se aplica a su propia cultura y experiencias de vida. Es importante que tengas
presente que los colores y el diseño pueden significar algo diferente para cada persona
que los ve. 

La ciencia del color en la cultura Occidental

Si bien aún hoy en día se debate sobre la falibilidad de asociar colores con emociones
muy especificas, existen reacciones incuestionables que los colores pueden producir en
nosotros los seres humanos.
El estudio del color en relación a la emoción tiene muchas aristas diversas. Tiene
connotaciones biológicas, culturales, psicológicas, sociales e incluso mercadológicas.

A continuación mencionaremos algunas asociaciones que coloquialmente se ejercen en

relación a diversos colores.

Azul

Hay una variedad de tonos azules en la naturaleza, especialmente en el cielo y los

cuerpos de agua. El azul a menudo se asocia con la calma y la satisfacción. Los tonos de
azul también se dice representan la confiabilidad. En algunas situaciones, especialmente
en el arte, el azul opaco y oscuro ha sido asociado con la tristeza.

Título: Reflexiones de nubes en el estanque de nenúfares. Artista: Oscar-Claude Monet.

Fecha: 1920 Técnica: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 200 × 1,276 cm. Colección:
Museo de Arte Moderno. Nueva York.

Verde.

El verde está aún más ligado a la naturaleza que el azul. Las plantas y árboles aportan
una gran variedad de tonos verdes. De hecho, puesto que es el color de muchísimas
plantas, mismas que los seres humanos estamos “diseñados” para reconocer, es uno de
los colores que percibimos en mayor cantidad de matices. La mayoría de las culturas
ven el verde como señal de juventud y salud. Por lo mismo también se relaciona con la
prosperidad y la vida.
Título: Mont Sainte-Victoire with Large Pine Artista: Paul Cezanne. Fecha: 1887.
Técnica: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 67 cm x 92 cm. Colección: Courtauld Institute
of Art. Universidad de Londres. Londres.

Púrpura 

El púrpura tiene una larga relación con la nobleza. Por siglos fue un color difícil de
producir, por lo que históricamente sólo los ricos podían permitirse artículos de color
morados. Actualmente, el violeta  es visto como un ejemplo de creatividad y serenidad.
Sin embargo por su herencia histórica sigue también siendo asociado con nobleza y
sabiduría.
Título: Palacio Papal Artista: Paul Signac. Fecha: 1909. Técnica: óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 73,3 cm x 91,9 cm. Colección: Museo de Orsay, Paris. Francia.

Rojo 

Un color rojo brillante y abrasivo puede expresar enojo y tumulto. Sin embargo el rojo
significa más que solo  frustración o caos. Transmite pasión, incluido el amor. El rojo es
usado por muchas marcas comerciales no necesariamente por los sentimientos que
evoca, sino porque es muy fácil de notar para el ojo humano. Hay un viejo dicho entre
pintores que dice: “si quieres vender un cuadro, pintalo de rojo”.
Título: El grito. Artista: Edvard Munch. Fecha: 1893. Técnica: Óleo, temple y pastel
sobre cartón. Dimensiones: 91 cm × 74 cm. Colección: Galería Nacional de Noruega,
Oslo, Flag of [Link] Noruega.

Naranja

El naranja, como el rojo, es muy visible y usado a menudo en las marcas comerciales,
especialmente de equipos deportivos. Los tonos naranjas brillantes son enérgicos y
joviales, mientras que los tonos más claros se pueden percibir como relajantes y
refrescantes, tal como las puestas de sol y el sorbete de naranja. 
Título: Veleros al atardecer. Artista: Ferdinand du Puigaudeau. Técnica: óleo sobre
lienzo.

En las culturas occidentales, el amarillo se identifica como alegre y cálido por su

relación con el sol. Sin embargo, cuando se usa con demasiada dureza o en el contexto
incorrecto, puede provocar frustración e incomodidad. El amarillo también está
relacionado con la estimulación del aperito.
Título: Los girasoles. Artista: Vincent van Gogh. Fecha: 1888. Técnica: óleo sobre
lienzo. Dimensiones: 93 cm × 72 cm. Colección: Neue Pinakothek , Múnich.
Pinakothek. Múnich. Alemania.

Negro

El negro a menudo está relacionado con la oscuridad y el mal. Sin embargo en las
sociedades occidentales, el negro denota poder y autoridad.
Título: La ronda de noche. Artista: Rembrandt. Fecha: 1642. Técnica: óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 359 cm × 438 cm. Colección: Rijksmuseum, Ámsterdam. Países Bajos.

Blanco

El blanco es interesante porque tiene connotaciones casi opuestas en las culturas

occidentales y orientales. En Occidente, el blanco es visto como puro, elegante y limpio.
Por el contrario, el blanco está asociado con la muerte en el Este. En algunos casos,
como la prisión, la esterilidad del blanco puede usarse para inducir la privación
sensorial. 
Título: La tentación de Cristo. Artista: Ary Scheffer. Fecha: 1854. Técnica: óleo sobre
lienzo. Dimensiones: 75,5 × 55,0 cm. Colección: Galería Nacional de Victoria,
Melbourne. Australia.

Indudablemente, hay una variedad de emociones exhibidas a través de los colores.

Además, puede haber varios sentimientos evocados simplemente cambiando el tono de
un solo color. Por lo mismo definir con exactitud lo que transmiten los colores es un
tema de debate significativo, puesto que hay infinitas variaciones sutiles.
Sin embargo, no hay ninguna duda de que los colores son piedras angulares en la
transmisión de significado. Este significado muchas veces es transmitido sin que el
espectador se dé cuenta conscientemente.

Artistas famosos que usaron el color para expresar emociones

Hay muchas ocasiones en que una pintura revela en gran medida las emociones del
pintor. Los colores que éste usa reflejan su perspectiva de la vida y su circunstancia
emocional.  Han existido muchos grandes pintores que nos han dejado obras maestras
inmortales en las que se enfatizó el uso del color como mensajero. A continuación te
nombraré y mostraré artistas junto a obras significativas en que emplearon el color para
apelar a la emoción humana.

Pablo Picasso

Fue un pintor y escultor español, creador junto con Georges Braque del cubismo. 
(Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973).

Los amantes

Una de las consideradas obras maestras de Pablo Picasso es Los amantes. Cómo puedes
apreciar aquí, él representa a un hombre y una mujer abrazados con suavidad y amor en
sus ojos. En ésta maravillosa pintura podemos percibir el amor que el pintor
experimentaba al dibujarla.
Título: Los Amantes. Artista: Pablo Picasso. Fecha: 1923. Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 130.2 x 97.2 cm. Colección: Galería Nacional de Arte de Nueva York,
Nueva York, Estados Unidos.

Vincent Van Gogh

Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo

(Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890).

La noche estrellada

La pintura de Van Gogh La noche estrellada, nos muestra su propia naturaleza

surrealista. Con giros de nubes, estructuras oscuras, luna, planetas y la representación
del movimiento del viento y un colorido que intensifica la dualidad entre luz y
obscuridad. En ella podemos ver claramente la variabilidad en la mente del artista.
Puedes encontrar en ella distintas interpretaciones según tú estado de ánimo. Por ello es
considerada una de sus grandes obras.

Título: La noche estrellada. Artista: Vincent Van Gogh. Fecha: 1889. Técnica: Óleo
sobre lienzo. Dimensiones: 73,7 cm × 89,2 cm. Colección: Museo de Arte Moderno de
Nueva York, Nueva York, Estados Unidos.

Gustav Klimt

Fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del
movimiento modernista de la secesión vienesa. (Baumgarten, 14 de julio de 1862-
Alsergrund, 6 de febrero de 1918).

El beso

Creada por Klimt El beso es una pintura que  representa la ‘emoción humana de la
pasión’. Podemos observar un hombre y una mujer bellamente dibujados, mientras
comparten un beso. Puedes apreciar en esta pintura la sensualidad plasmada por el
artista en ella, se puede sentir que el beso está ocurriendo realmente.

Uno de los elementos que mayor éxito trajo a la obra de Klimt fue su uso habitual de
hoja de oro en contraposición con un carateristico colorido brilante.
Título: El beso. Artista: Gustav Klimt. Fecha: 1907-1908. Técnica: Óleo sobre tela.
Dimensiones: 180 cm × 180 cm. Colección: Österreichische Galerie Belvedere, Viena,
Austria

Miguel Ángel Buonarroti

Conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano
renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus
esculturas como por sus pinturas y obras arquitectónicas (Caprese, 6 de marzo de 1475-
Roma, 18 de febrero de 1564).

La creación de Adán

Realizada en el techo de la Capilla Sixtina en Roma, esta obra maestra es realmente una
belleza. En ella puedes palpar el amor del pintor por Dios y la humanidad. A través de
esta pintura se expresa la magia de la creación divina del hombre. También se puede
sentir la emoción humana de la fe.
Artista: Miguel Ángel Buonarroti. Título:
La creación de Adán. Técnica: fresco. Fecha:1511. Dimensiones: Altura 230.1 cm (90.5
″); Ancho 480,1 cm (15,7 pies). Colección: Capilla Sixtina.

Johannes Vermeer

Es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. (Bautizado en
Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675)

Chica con un arete de perla

Johannes Vermeer, es considerado uno de los mejores pintores de todos los tiempos por
su habilidad para percibir la luz y representarla. Puedes observar gran belleza e impacto
pese a la simplicidad de esta pintura; se trata de una niña con un tocado de turbante y un
arete de perlas, la cual hasta la fecha es considerada una pieza muy valiosa en la historia
del arte. Si bien su valor no solo radica en el turbante azul de la chica, esta pintura ha
sido mencionada incontables veces por dicho turbante.
Título: Chica con un arete de perla. Artista: Johannes Vermeer. Fecha: 1665-1667.
Técnica: Óleo sobre tela. Dimensiones: 46,5 × 40 cm. Colección: Mauritshuis, La Haya.

Henri de Toulouse-Lautrec

Conocido simplemente como Toulouse-Lautrec, fue un pintor y cartelista francés. Se le

enmarca en el movimiento postimpresionista (Albi, 24 de noviembre de 1864 – Château
Malromé, Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901).

En la cama: El beso.

En esta pintura de Henri de Toulouse-Lautrec, En la cama: el beso, podemos ver lo

audaz de la misma, al representar dos mujeres besándose. Esta nos muestra una gran
cantidad de emociones humanas que el pintor ha capturado con maestría. En la pintura,
el artista le ha dado un tinte de color rojo al borde de los labios, dándole a esta pieza un
aspecto erótico y al mismo tiempo tierno. La luz nos introduce en una atmósfera que
nada tiene que ver con el tabú de la época. Una escena tierna, con una iluminación
acogedora, llena de ternura y pasión.

Título: En la cama: el beso. Artista: Toulouse Lautrec. Fecha: 1892. Técnica: Óleo
lienzo. Dimensiones: 70 × 54 cm. Colección: Colección privada, París, Francia.

Georgia O’Keeffe

Georgia O’Keeffe fue una artista estadounidense mejor conocida por sus pinturas de
flores agrandadas, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha
sido reconocida como la “Madre del modernismo estadounidense” (15 de noviembre de
1887 – 6 de marzo de 1986).

El lago

En la pintura de Georgia O’Keeffe llamada El Lago se pueden apreciar los colores

fuertes utilizados en ella, que definen su audaz perspectiva. En esta pintura puedes ver
representada la imagen de un lago que fluye suavemente. Se puede apreciar la calma en
la mente de la artista y su amor por la naturaleza. Mediante su uso del contraste,
representa un intenso haz de luz rodeado por lo que pareciera nuves grises y densas.
Con ello la pintora intenta aparentemente hablarnos de esperanza, la llegada de la luz y
la calma después de la tormenta.
Título: El lago. Artista: Georgia O’Keeffe. Fecha: 1924. Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 91,4 x 76,2 cm. Colección: Des Moines Art Center. Museo / DACS,
Londres.

Matisse

Fue un pintor fauvista francés conocido por su uso del color y por su uso original y
fluido del dibujo. Se desempeñó como dibujante, grabador y escultor, pero
principalmente como pintor. (31 de diciembre de 1869-3 de noviembre de 1954).

Lujo, calma y voluptuosidad.

Esta obra es considerada como una síntesis del postimpresionismo. Puedes apreciar en
ésta obra la utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleada  por
Matisse en su periodo fauve. Otra característica que puedes observar en esta pintura, es
su intención de expresar sentimientos que iban más alla de la representación literal del
mundo. Esto hace que se perciba la naturaleza y lo que le rodea priorizando lo subjetivo.
Se aprecia la idea de que hay una diferencia entre el color percibido por los ojos y el
color procesado por la mente o el pensamiento.

Los fauvistas hicieron gran énfasis en usar el color de manera decididamente distinta de
la natural. Decían que era imposible usar el color de manera naturalista despues de
haber presenciado la primera guerra mundial. Simplemente los colores “naturales” no
eran lo suficientemente intensos para representar lo vivido.

Título: Lujo, calma y voluptuosidad. Artista: Henri Matisse. Fecha: 1904. Técnica: Óleo
sobre lienzo. Dimensiones: 98,3 × 118,5 cm. Colección: Museo de Orsay, París,
Francia.
 LA TEORÍA DEL COLOR MUNSELL PARA PINTAR TONOS DE PIEL

En este artículo hablaremos como el uso del Sistema de Munsell,  la Mezcla de

Pigmentos y la Teoría del Color te ayudará mezclar y seleccionar tonos de piel
adecuados para la pintura de retrato o figura humana. 

Los tonos de piel son difíciles de describir, especialmente de describir en cuanto a sus
mezclas. Afortunadamente, esta área se puede estudiar utilizando la notación de
Munsell, la cual toma en cuenta los conceptos de tono, valor y croma.  Esto hace que la
tarea de identificar y luego mezclar el color sea mucho más fácil.

El Sistema de Color Munsell

El Sistema de Color Munsell especifica colores basados en tres dimensiones de color,

tono, valor y croma.

Albert H. Munsell, un profesor y pintor americano, quería crear una “forma racional de
describir el color” basada en el principio de “equidistancia percibida”. De esta manera
empleó la notación decimal en lugar de los nombres de los colores (que él consideraba
“tontos” y ” engañosos”). Comenzó a trabajar en el sistema por primera vez en 1898 y
lo publicó en su totalidad en Color Notation en 1905. 
Albert Munsell, creador del Sistema de Color de Munsell

El sistema Munsell está representado por un esquema circular posicionado en el centro

del modelo. Además consta de un cilindro irregular con el eje de valores (claro/oscuro)
que lo recorre hacia arriba y hacia abajo. Los colores oscuros están en la parte inferior
del árbol y los claros en la parte superior, medidos de 1 (oscuro) a 10 (claro). 

Sistema de Munsell. Se encuentran señalados cada uno de los componentes de este

sistema.

Cada “corte” horizontal del cilindro a través del eje es un círculo de matices, que se
divide en cinco tonos principales: rojo, amarillo, verde, azul y morado; y cinco
intermedios, amarillo-rojo, verde-amarillo, azul-verde, púrpura-azul y rojo-púrpura.

Dicho Sistema depende de la medida de las propiedades del color, las cuales se grafican
sobre tres ejes que corresponden a:

Tono o Matiz

Es el espectro cromático que es tomado como muestra en la medición del tipo de

colorido relacionado con la longitud de onda dominante del color. Esta propiedad otorga
la cualidad de distinción entre los demás colores. 
Representación gráfica del Tono o Matiz del color

Luminosidad o Valor

Mide la claridad u oscuridad. Dicha escala también es llamada “Escala de Valor Tonal”
o “Claroscuro”. En el modelo de Munsell esta escala corresponde al tronco de su “Árbol
de Color”.

Representación gráfica del Valor o Luminosidad del color

Croma, Saturación o Colorido

Esta propiedad mide la intensidad o pureza del color. Es decir, incluye lo que va desde
la ausencia del colorido que se observa en los colores neutros, hasta los colores más
vivos o saturados. En este modelo la descripción del rango o número de pasos en la
escala del croma de cada color se ejemplifica en la forma de una rama de este “Árbol de
color”.
Representación gráfica del Croma, Saturación o Colorido del color

Analizar el tono de la piel según el Sistema Munsell

Según el sistema de color Munsell, para lograr establecer o seleccionar el color de piel
que quieres al realizar un retrato debes tener en cuenta los siguientes detalles:

Primero, debes considerar el color local promedio de la piel. Dicho color, se define
como el área inalterada por sombras, medios tonos, luces altas o luz reflejada. Es aquel
tono que se percibe cuando un objeto o superficie mate es aislado e iluminado
uniformemente por una luz blanca frontal. De forma más sencilla, es aquello a lo que
nos referimos como el “color de piel” de una persona, ya sea negra, blanca, morena.

El color local de la piel puede variar considerablemente de acuerdo con la procedencia,

la raza, los hábitos, la edad y la ocupación de cada individuo. Lo importante es saber, si
es caucásica, por ejemplo, que color describiría mejor su color de piel de forma general.
Lo mismo con todos los otros tipos de piel.

Una manera simple de empezar a entender el color local de la piel, es colocando una
pequeña gota de pintura directamente sobre la imagen de referencia que utilicemos y ver
que coincida de manera cercana con el tono de la misma. O incluso manchar a nuestro
modelo, si es un modelo vivo (por supuesto si se hace esto hay que estar seguros de que
nuestra pintura no es tóxica o venenosa).
Tres muestras de colores locales de piel en modelos esféricos

Una patron de color reconocible

Se ha descubierto un patrón de color local en la piel en los humanos según la escala de

Munsell. Ya que la gran mayoría de nosotros variamos en color de piel entre 5R (rojo)
a 10 YR (amarillo rojiso), en valores de 2 a 7 y cromas de 2 a 6. 
El rango de 7.5 YR en la tabla de Munsell, como el que se muestra en esta imagen
comprende una gama básica de tonos de piel independientemente de la mayoría de las
etnias.
Estas escalas nos muestran un panorama interesante respecto a la pintura de retrato y los
colores de la piel humana. Generalemente las pieles tienden a ser entre rojas y amarillas,
pero con un mayor o menor grado de blanco y negro, dependiendo de la etnia y otros
factores. Conocer esto puede hacer que pintar retratos sea mucho más fácil si al pintar se
parte de esta gama de tonos de piel.

Paleta de tonos color piel

La elección de la paleta de colores es muy importante. Esta refleja la sensibilidad y el

método de cada artista. Por lo tanto, seleccionar una paleta de tonos piel para pintura de
retrato conviene ser pensada estratégicamente y también en base a nuestras preferencias.

Es importante que conozcas la función de cada tubo de pintura que usas en tu trabajo.
Por ello suele ser conveniente empezar con una paleta limitada como la paleta de Zorn,
e ir agregando otros colores poco a poco para ir personalizando tu propia forma de
abordar la piel. También conviene analizar la paleta que otros artistas que admiras
utilizan y sobre todo indagar en el motivo de su selección de colores.

Paleta de tonos piel en el Sistema Munsell

Ahora, para la paleta de tonos piel, bien sea que elijas colorantes de alta croma como el
naranja cadmio y el azul cobalto para mezclarla; o pigmentos  de baja croma como el
amarillo ocre, el siena tostada (burnt sienna) y el negro marfil, te convendrá tener en
cuenta los hechos en cuestión antes mencionados.

Los tonos de la piel ocupan por lo general un área específica del Sistema de
Munsell, entre 5R (rojo) a 10 YR (amarillo rojizo), en valores de 2 a 7 y cromas de
2 a 6, como se muestra en las gráficas anteriores. Y lograr dichos tonos no requiere en
realidad demasiados colores. Tus pigmentos esenciales siempre serán rojo, amarillo,
blanco y negro, independientemente de la piel que pintes, y sobre eso irás haciendo
variables según tus necesidades.

Pigmento de alta croma: Naranja Cadmio Luminoso

Pigmento de baja croma: Amarillo Ocre.

Por lo tanto, es importante que tengas un conocimiento adecuado de las técnicas,
pigmentos y otros materiales que quieras utilizar al pintar. Esto te ayudará conseguir los
colores deseados mediante mezclas de mejor manera. Te reocmiendo los siguientes dos
textos para ello: mezclar sombras, medios tonos y grises, y mezclar colores y pigmento.

Otros pigmentos para pintar la piel

Como en toda pintura, no existe un secreto mágico ni un color perfecto de “piel”. Esto
se debe a que cada color depende del color adyacente, además de que lo más importante
es la relación entre el color y los valores entre sí.

Sin embargo, históricamente se han usado algunos tonos más que otros para pintar piel.
Una muestra de ello es la ya mencionada paleta de Zorn.

Títul
o: La joven de la perla: Artista: Johannes Vermeer. Fecha: 1665. Técnica: Óleo sobre
lienzo. Dimensiones: 44,5 cm x 39 cm. Colección: El Mauritshuis, La Haya, Países
Bajos.
Por ejemplo el famosisimo verdaccio es una mezcla de colores especifica que se
empleaba (y se sigue empleando) para pintar la piel.

Otros colores que también puedes incluir en tu paleta son los tonos tierra, que han sido
históricamente empleados para pintar la piel. En el texto pigmentos para pintar la
piel puedes encontrar más información al respecto.

Los colores y métodos exactos utilizados para crear tonos de piel varían de un artista a
otro, y hay muchas combinaciones posibles de colores que puedes usar. Solo tú puedes
saber en última instancia qué paleta de colores funciona mejor para ti.

Como diría Monet: “Mi selección de pigmentos depende solo de mi preferencia”.

Mezcla de Pigmentos para obtener el color piel adecuado.

El procedimiento para pintar la piel

Otro aspecto importante de aprender a pintar la piel es analizar los distintos

procedimientos que han sido empleados a travez de la história para representarla.

En distintos periodos se desarrollaron y refinaron sistemas de los cuales los artistas

posteriores abrevaron. En los siguientes textos hablo al respecto de esto desde el punto
de vista no de las épocas, sino de la lógica detrás de los procedimientos.
 SIMBOLISMO CULTURAL DEL COLOR

El color es el componente fundamental de los símbolos visuales y es utilizado

principalmente como medio de comunicación. Sin embargo, su simbolismo más
fundamental se extrajo de la naturaleza.

En las civilizaciones antiguas, el color era una parte integral de la sustancia y el ser de
todo en la vida. Aun cuando existían diferencias individuales en la interpretación de los
colores elaboraron formas de simbolismo del color determinadas convencionalmente,
generalmente, como parte de una búsqueda de principios básicos con los que organizar
un mundo de multiplicidades. Por lo tanto, los colores primarios se asociaron con
frecuencia con las divinidades, los elementos y las direcciones.

Por otra parte, el color también se encuentra estrechamente relacionado con los estados
mentales y emocionales, e incluso puede llegar a afectarlos de una manera profunda. 

Existen muchas formas de estudiar el color.  Sin embargo, en este artículo nos
enfocaremos en el origen simbólico de los colores y como estos se encuentran
representados  en diferentes culturas del mundo.

Simbolismo del color: Colores primarios y secundarios

Existe una diversidad muy amplia de colores. Sin embargo estos pueden ser
categorizados en colores primarios, secundarios y terciarios. Tradicionalmente se dice
que los colores primarios están compuestos por: rojo, amarillo y azul, y las culturas
antiguas sumaban a estos tres el blanco y el negro.

En las siguientes secciones, te hablaré de los diversos significados de cada uno de los
tres colores primarios más blanco y negro, y alguno que otro color más. Particularmente
ahondaremos en el significado de cada uno de ellos en diferentes tiempos, lugares y
culturas. Además también te hablaré de sus connotaciones tanto positivas como
negativas. 
 Cí
rculo cromático. Colores primarios y secundarios

Colores primarios.

1. Rojo.

El color rojo se encuentra relacionado en distintas culturas con la sangre, el fuego, el sol
y el cielo al atardecer. Universalmente se considera como el símbolo básico del
principio vital, del fuego y de la sangre. En cuanto a las emociones está estrechamente
relacionada con  la alegría, el amor, la pasión y el peligro. En algunos países ha sido
utilizado como el color representativo de movimientos políticos como el comunismo y
la revolución.
Plaza roja. Moscú Rusia.

Connotaciones positivas.

Según las leyendas de distintas culturas, el color rojo es el primer color recibido por el
hombre. Por otro lado, en tiempos prehistóricos rociaban los cuerpos de los muertos con
este color, ya que se creía que restauraba el color cálido de la sangre y la vida.

En la cultura anglosajona, utilizaban el color rojo como amuleto de protección contra el

mal y los guerreros lo usaban para obtener “poderes mágicos”.

En las tradiciones culturales chinas, está asociado con la buena fortuna, la felicidad y la
celebración. Mientras que en los festivales occidentales, el rojo y el verde se asocian
con la navidad. En cuanto a la religión católica y a la monarquía, este color representa la
influencia y la autoridad. Siendo utilizado por los cardenales católicos romanos en sus
sombreros y en la mayoría de la vestimenta de los reyes. Finalmente el rojo también está
relacionado con el amor y la fertilidad.

Connotaciones negativas.

Como el color de la sangre, el rojo es considerado como un símbolo de advertencia,

guerra, destrucción, sexo, pecado y asesinato. En la mitología romana, el rojo ha está
asociado con el Dios de la guerra, Marte. Antiguamente en Egipto,  el color estaba
asociado, al color del desierto y del dios destructivo Seth. Las banderas rojas son
empleadas por los revolucionarios socialistas. El rojo se asoció en muchos sitios con las
prostitutas.

2. Amarillo.

Según el diccionario Merriam-Webster, la palabra amarillo, proviene del inglés antiguo

”geolu” que es similar al “gelo” alemán antiguo. El tono del color se asemeja a los
limones maduros y a los girasoles. En la cultura occidental, este color se encuentra
asociado con felicidad, alegría, optimismo, igualmente podemos identificarlo con
precaución  y cobardía. En Alemania, representa la envidia. Para la cultura egipcia, este
color transmite felicidad y buena ventura. Al tratar con el amarillo, las asociaciones se
puedes dividir en dos connotaciones.

Connotaciones positivas.

El color amarillo se encuentra asociado con el sol y sus poderes generadores de vida. El
sol amarillo fue adorado como dios en muchas culturas antiguas. Según la mitología
griega, la radiante luz amarilla del sol, personificaba la sabiduría divina; mientras en la
cosmología mexicana, encontramos que el amarillo dorado, era el color de la nueva piel
de la tierra, al comienzo de la temporada de la lluvia, antes de que todo volviera a ser
verde. Por lo tanto, el color está asociado con el misterio de la renovación. En china está
asociado con el centro del universo. Para los budistas, el amarillo es el color de la
humildad.

Título: Florero con catorce girasoles. Artista: Vincent van Gogh (1853-1890). Fecha:
1888. Medio: óleo sobre lienzo. Dimensiones Altura: 92.1 cm (36.2 ″); Ancho: 73 cm
(28.7 ″). Colección: National Gallery
Connotaciones negativas.

El amarillo nos  anuncia la vejez y el enfoque de la muerte. Para los indios Tewa
Pueblo, es el color del oeste, el cual nos anuncia la dirección hacia el inframundo. Para
los chinos, el color  negro y el amarillo eran los colores que representaban el norte, esta
dirección conducía al reino de los muertos. En la tradición del teatro chino, los actores
pintan sus rostros de amarillo como una marca de crueldad, engaño y cinismo. Se usó
una bandera amarilla en occidente, para simbolizar enfermedades y cuarentena.

3. Verde / Qing/ Azul.

En la cultura occidental, representa la naturaleza, la conciencia ambiental. En Irlanda,

podemos observar sus maravillosos y exuberantes paisajes verdes, los cuales le ganaron
el apodo de Isla Esmeralda. Se usa para describir las plantas y los océanos. Varios
minerales tienen un color verde, como el Jade y la Esmeralda, de ahí la expresión verde
color Esmeralda.  Los animales como la rana, lagarto, insectos y pájaros, aparecen
verdes debido a una mezcla de capas de coloración azul y verde en su piel. Muchas
criaturas se han adaptado a sus entornos verdes, adoptando u tono verde para
camuflarse. El verde tiene connotaciones positivas y negativas.

Lagarto verde

Connotaciones positivas.

Universalmente, es el color de la vida vegetal, el verde, puede representar despertares,

nuevos comienzos y crecimiento. Los chinos la  relacionan con la primavera. También
encontramos que, para los celtas el hombre verde es un importante dios de la vegetación
y la fertilidad. Antiguamente en Egipto, el verde del dios Osiris simbolizaba la
resurrección y la inmortalidad. Su simbolismo espiritual era más importante en el
mundo Islámico, para ellos este representaba  el color sagrado del Profeta y la divina
providencia. En México, es considerado un color nacional, el cual representa la
Independencia de la República. También es considerado el color nacional del Islam. El
verde se ha convertido en un simbolismo para los ecologistas.

Connotaciones negativas.

También encontramos un lado oscuro en el mundo natural.  En diversas ocasiones, el

color verde ha representado peligro y muerte. Hay muchos casos en que el verde ha está
vinculado con poderes sobrehumanos. Los antiguos egipcios temían a los gatos con ojos
verdes, y se imponía pena de muerte para los culpables de matar a estas criaturas.

En la Europa medieval, el verde estaba asociado con el Diablo, y usarlo se consideraba

desafortunado para los seres humanos. Según las creencias, una persona físicamente
enferma, se ve verde alrededor de las branquias. Cualquiera sea el origen de la creencia,
la correspondencia del verde y la envidia, se han convertido en una costumbre popular.
Además hay otros dos colores similares con el verde: “qing  / azure y azul.

Qing /Azure.

Es el color ortodoxo en la antigua China, en lugar del verde. En  la China tradicional,
“el dragón azul”, preside el barrio oriental, como una de las “cuatro criaturas
sobrenaturales”. Es difícil para las personas distinguir entre qing y verde o azul.

4. Azul.

El azul es el color más usado en el mundo entero, ya que tiene muchas asociaciones
positivas. Históricamente, muchas culturas en todo el mundo no han distinguido el azul
del verde. Los amuletos en forma de ojo azul, se cree protegen del mal de ojo.
Originalmente, no había una palabra china específica para el azul, en cambio qing se
refería a todos los tonos, desde el gris oscuro hasta el azul y verde.

 Los chinos no tienen término separado para “azul” de “verde”, y qing cubre ambos
términos. En el Hinduismo, está asociado a Krishna, que encarna el amor y la alegría
divina. Hay connotaciones positivas y negativas para estás palabras.
Shri Krishna Govinda

Connotaciones positivas.

Ya sea que hablemos del cielo, (azul  celeste) o del mar ( oceánico), el azul evoca
espacios amplios y abiertos, y está vinculado con el infinito y el vacío primordial. El
azul del cielo se ha asociado con  el principio masculino, la distancia y los dioses. Aun
así, las aguas profundas. En el antiguo Egipto, los dioses y reyes a menudo se
representaban con barbas y pelucas azules,  así como la divinidad Hindú Krishna se
representa como azul. Por otro lado, también asocian el azul con el principio femenino.

Como símbolo de paz y pureza, es el color de la Virgen María. El azul, es el símbolo de

la verdad y la eternidad de Dios y siempre seguirá siendo el símbolo de la inmortalidad
humana. La antigua costumbre en las bodas, de que la novia debe llevar algo azul, es
para garantizar la fidelidad.

Connotaciones negativas.

La antigua China tenía una actitud ambigua hacia el color azul. Las criaturas de cara
azul en el arte tradicional eran demonios, fantasmas. Mientras que, Kui-hsing, el dios de
cara azul, era originalmente un erudito. El azul es visto tradicionalmente como una
persona enojada, “de cara azul” y el color de “un moretón”. Con frecuencia se considera
sinónimo de depresión.
También puede representar abstinencia, aislamiento, soledad e inestabilidad. El azul
representa los excesos de la emoción tranquila. La expresión sentirse triste, se relaciona
con el azul y se considera sinónimo de depresión.

5. Blanco.

Es un pigmento del color de la leche o la nieve, debido al reflejo de los rayos de luz
visibles. Para la cultura occidental el blanco representa la pureza, la paz, la elegancia y
la limpieza. Es común que las novias, utilicen un vestido de color blanco en las bodas,
el cual representa la pureza, la virginidad.

En algunos países asiáticos, el color blanco representa la muerte, el luto y la mala

suerte. En Perú, el color blanco está asociado con los ángeles, la buena salud y el buen
tiempo. Al igual que los colores, el blanco tiene connotaciones positivas y negativas.
Connotaciones positivas.

El blanco se puede definir como el color absoluto de la luz, en él se encuentran

concentrados todos los colores. Simboliza la verdad, la pureza, la inocencia, y lo
sagrado o divino. En muchas culturas las vestimentas blancas, son vestimentas
sacerdotales, asociadas simbólicamente con la pureza y la verdad. El blanco es usado
por las novias, en los países occidentales.

Podemos encontrar en las pinturas del Juicio Final, que las almas de los justos se
encuentran representadas por ropas de color blanco. Los cristianos al ser bautizados, son
vestidos con ropa de este color. La asociación del blanco con la pureza y la paz es
utilizada por muchas religiones.

Connotaciones negativas.

Por otro lado, el blanco de asocia con palidez, falta de sangre, de vigor y muerte. En
varias culturas, se cree que el alma deja el cuerpo en forma de mariposa blanca o pájaro
blanco. En China, los actores con caras pintadas de blanco, representan a hombres que
no son considerados malvados, pero si astutos y traicioneros. Los ángeles cristianos se
representan vestidos de blanco, mientras que los fantasmas, se describen como
emitiendo una luz blanca.

6. Negro.

El diccionario Merriam-Webster indica que “negro” se remonta a sus orígenes Proto

indoeuropeos, a través de “bhled“, que significa, “quemar y brillar”. El antiguo inglés
“blaec” era similar al antiguo “alto blac” alemán (negro).

Para muchas culturas el negro representa la sofisticación y la formalidad, pero también

el mal, la muerte, el duelo, la magia, la enfermedad, la mala suerte y el misterio. En el
Medio Oriente, puede representar tanto al renacimiento, como el luto. En África,
simboliza la edad, la madurez y la masculinidad.
Gato negro

Connotaciones positivas.

El color negro está considerado como la ausencia de luz y en lugar de un color en sí

mismo, es un símbolo complejo. Casi todas las culturas reconocen la dualidad y la
oposición entre el blanco y el negro. En Egipto, el negro representa  el color del
“renacimiento” y la “resurrección”. En Grecia, es el color de Cronos/Saturno, que
simboliza el tiempo.

Las diosas Hindúes Kali y Durga, pueden aparecer como diosas negras, lo que sugiere la
dualidad luz-oscuridad necesaria para la continuación de la vida. Un pueblo llamado
Un-Zehn , adoraba el color negro que representaba la dignidad y pudo estar influenciado
por el agua negra del rio Dragon Negro.
Maa Kali

Connotaciones negativas.

En el mundo occidental, el negro tiene muchas connotaciones negativas, muchas de

ellas centradas en el miedo y lo desconocido.  La muerte y el duelo, están simbolizados
en occidente por el negro. La Parca (término empleado por el Cristianismo), como la
personificación de la muerte, está oculta por completo con túnicas negras. La magia
negra se utiliza para propósitos malvados. Los animales negros se consideran
desafortunados, como el cuervo negro, el perro negro, el gato negro y las ovejas negras.
El negro denota culpa y vicio. Por ello encontramos que decir, un hombre tiene el
corazón negro, es una expresión contigua de depravación.

Mientras tanto, en el teatro chino un hombre con la cara ennegrecida representa una
persona honorable y justa. En inglés, utilizar los términos de lunes negro o viernes
negro, no se consideran días de suerte, porque en estos días se han producido muchos
eventos terribles.

En resumen, el significado de blanco y negro no es absoluto y general y depende de

muchas condiciones. Además ha cambiado de vez en cuando y de región a región.