Resumen de Historia

Fechas y cortos

Técnicas y herramientas

Artistas

Importante

Aspectos a tener en cuenta:

● Los aspectos sociales, políticos,económicos y culturales generan la dominancia del

producto en su época y cómo repercute en la historia.
● La historia del cine vivo y animado se puede dividir en 4 grandes períodos:
○ 1888 - Primera Guerra Mundial (1914)
○ Fin PGM (1918) - Comienzo de la Segunda Guerra Mundial (1939)
○ Década de los 60 (aparición de la tv)
○ Fin de los 80 comienzo de los 90 (globalización)

Charles Emile Reynaud: Reynaud crea el Praxinoscopio en 1877 al mejorar su

anteriormente hecho zoótropo. El praxinoscopio era un aparato de ilusión. Decide hacerle un
par de mejoras para que sea más accesible y en 1888 ya tiene el producto final armado.
Junto con la nueva versión de su aparato de ilusión también crea una serie de cortos
llamados Pantomimas Luminosas, una de estas fue Pauvre Pierrot (1892).

El Teatro Óptico de Reynaud fue un éxito durante casi una década, se realizaban dobles
pases diarios en el Teatro hasta la aparición del cinematógrafo de los hermanos Lumière. El
Teatro Óptico de Reynaud dejó de ser la principal atracción audiovisual del momento y, en
1910, Reynaud terminó destruyendo la mayor parte de las obras que realizó lanzando las
mismas al río Sena.
Charles Emile Reynaud es el abuelo de la animación

Hermanos Lumière: Eran ingenieros franceses que poseían gran curiosidad en la

tecnología y los efectos visuales. En 1895 crean el cinematógrafo y a finales de ese mismo
año presentan sus primeras películas, algunas de las más importantes fueron: Salida de los
Obreros de la Fábrica Lumiere, Regador Regado y Llegada del Tren a la Estación Ciotat.

Los hermanos tuvieron una disputa por la patente del cinematógrafo con Thomas Edison,
quien había creado un aparato similar. Para desgracia de Edison, los hermanos Lumiere le
ganaron la patente del producto.

EL CINE VIVO NACE CON FINES DOCUMENTALES

George Méliès: Méliès era un verdadero hombre del espectáculo, un showman que se
dedicaba más que nada a la magia e ilusiones visuales. Luego de ahorrar mucho tiempo,
compra un cinematógrafo con el cual comienza a grabar sus shows de magia y hacer
películas propias. Algunas de sus obras más famosas son El Hombre Orquesta (1900) y
Viaje a la Luna (1902).

Méliès es el padre de los efectos visuales y efectos especiales. Creó también la

preparación de ambiente de trabajo y escenografía, junto al storyboard.

James Stuart Blackton: Nacido en Inglaterra, se trasladó de muy joven a Estados Unidos
donde comenzó a hacer caricaturas en un diario. En 1896, Thomas Edison le ofreció un
trabajo al jóven Blackton mientras era entrevistado. Trabajó para una serie de cortos de
Edison. Más tarde, Blackton comenzó a hacer cortos por su cuenta usando un
cinematógrafo, filmando al estilo Chalk Talk. Crea el corto Humorous Phases of Funny Faces
(1906), poniendo en práctica la técnica de paso de manivela y la técnica de animación por
sistema de recortes.
Blackton es uno de los padres de la animación.

Segundo de Chomón: Este español le dio vida a los objetos al crear el primer corto en Stop
Motion (con objetos) usando el paso de manivela, demostrando su habilidad en El Hotel
Eléctrico (entre 1905 y 1907) . Su talento se demostró en la facilidad para convertir el cine
en un mundo mágico y fantasioso, tal como lo había concebido Georges Méliès.

Emile Cohl: Cohl le dio un gran empujón a la animación tradicional al hacer su primer corto
animado, Fantasmagorie (1908), usando de protagonista a Fantoche.

Cohl acusa a la compañía Gaumont de plagio, pero como no podían pagarle, decidieron
ofrecerle un trabajo de guionista, director y camarógrafo al artista. Luego de pensar, Cohl
acepta la propuesta y enseguida empieza a trabajar en Gaumont. Sin embargo, su período
de animación fue corto, más o menos de 1908 a 1914.

Cohl es el segundo padre de la animación.

Raoul Barré: Gana mayor parte de su influencia al crear el primer estudio de animación
(Barré & Nolan Studios). Barré fue quien creó el registro, utilizado para mantener la hoja en
su lugar, también desarrolló la técnica Slash and Tear que consistía en dibujar aparte el
personaje y el fondo, e ir borrando del fondo las partes donde se calcaría al personaje
animado. Barré se encargó de animar los personajes de su colega Bud Fisher, estos
personajes eran Mutt y Jeff. Atrajo a artistas muy famosos como Pat Sullivan, quien luego
animaría Felix el Gato.

John Bray: Tomó la animación desde un lado comercial e hizo una de las mayores
compañías de animación de la época, los Bray Production Company. Bray creó el método de
impresión de fondos para acelerar el proceso de producción, pero luego fue reemplazado
por las superposiciones con acetato que resultaron siendo más útiles que la impresión.
Trabajó como una productora, o sea, tenía varios equipos de animadores trabajando en
series diferentes. En 1913 estrena The Artist’s Dream, también conocido como The
Dachshund and The Sausage.

Uno de sus empleados crea al personaje del Granjero Alfalfa (1916), un gran hit dentro de la
productora, que no mucho tiempo después fue superado por Out of the Inkwell con su
protagonista Koko El Payaso. Koko fue creado por un pionero de la animación, Max Fleischer
en 1918.

WINSOR McCAY: Fue quien estableció visualmente los 12 principios de la animación.

Desde joven había tenido reconocimiento como artista, trabajando mayormente en diarios.
Tuvo dos historietas muy destacadas: Dreams of a Rarebit Friend (1904) y Little Nemo in
Slumberland (1905). McCay utilizó a Little Nemo para crear su primer corto animado, que
fue estrenado en 1911. Luego, en 1912, lanzó How a Mosquito Operates pero su gran éxito
fue Gertie the Dinosaur.

McCay creó varias técnicas que serían utilizadas por futuros animadores. Una de esas
técnicas era reutilizar algunos dibujos para ahorrar tiempo y trabajo. Él se preocupó
especialmente en la coordinación de movimientos de gertie, como su respiración o el
temblor de la tierra debido al peso del dinosaurio.

Las Vanguardias del Cine

Ocurren entre 1910 y 1930. El Dadaísmo y Surrealismo toman lugar especialmente en

Europa occidental, mientras que el Cubismo y el Expresionismo se centran en Europa
oriental.

Dadaísmo: destruir el arte y comenzar de cero. Liberación total.

Surrealismo: mundo onírico, subconsciente, irracional.

Cubismo: descomposición de la realidad en estructuras ultra básicas.

Expresionismo: intensidad en la expresión y recepción de los sentimientos y expresiones.

Lotte Reiniger: Comenzó como estudiante en una escuela de teatro muy prestigiosa de
Berlín, llamando la atención de los actores y staff al recortar siluetas de cada uno de ellos.
En 1923 Lotte y su marido, Karl Kotch, comienzan a trabajar en largometrajes hechos con
siluetas recortadas. El primer largometraje registrado y preservado fue Las Aventuras del
Príncipe Achmed (1926).

Lotte utilizaba distintas técnicas y métodos de animación, pero siempre mezclandolas con
su icónica técnica de animación por recorte contraluz (fondo negro, siluetas blancas).
Walter Ruttman la incentivó a tratar con arena y líquido (ebru).

El primer largometraje fue El Apóstol de Quirino Cristiani.

Walter Ruttmann: Fue quien hizo la primera representación pública de una película
abstracta, por lo que tuvo un eco sensacional en la prensa y con el público. Junto a Hans
Richter, se le considera como los principales exponentes del cine abstracto. Presentó
Lichtspiel Opus I (1921). En los años siguientes produjo otros tres cortometrajes: Opus II
(1921), Opus III (1924) y Opus IV (1925).

Las relaciones de Ruttman en la industria cinematográfica le introdujeron al equipo de Lotte

Reiniger, siendo él su asistente principal. En 1927 dejó su sello en Berlín, Sinfonía de una
Gran Ciudad, que fue una despedida a su período artístico.

Hans Richter: Comenzó su carrera como pintor dentro del grupo Zurich, pero pronto se
interesaria por el estudio y experimentación del medio cinematográfico, es considerado uno
de los pioneros del cine abstracto. Fue uno de los más coherentes y precursores del cine
experimental. Reunió todas sus obras en un largometraje titulado 40 Años de Experimentos.
Percibió la decadencia de la pintura estática y la necesidad de algo nuevo y rítmico.
Comenzó a pintar en blanco y negro con el objetivo de reproducir los opuestos, uno de los
principios rítmicos escenciales. A finales de 1918 y comienzos de 1919 Richter creó su
Prelude sobre temas de la cristalización. El desarrollo de Ritcher se encuentra en tres
cortometrajes de los años 20: Rhythmus 21, Rhythmus 23 y Rhythmus 25.

Viking Eggeling: artista y cineasta de vanguardia sueco relacionado con el dadaísmo , el

constructivismo y el arte abstracto y fue uno de los pioneros en el cine absoluto y la música
visual . Rodó sus dibujos en una bobina larga titulada Horizontal-Vertical Orchestra.
Descontento con el resultado, empezó a trabajar en Diagonal Symphonie es una de las
películas abstractas seminales en la historia del cine experimental. Al estallar la primera
guerra mundial, se trasladó a Zurich, donde se unió al grupo dadaísta de la ciudad. Ahí
conoció a otros artistas como Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Janco y Hans Richter, con
quien colaboró los siguientes tres años explorando la representación del movimiento en
formas abstractas.

Berthold Bartosch:fue un animador y director cinematográfico alemán. Fue quien más

tarde presentó sus productos, sin embargo hizo parte del expresionismo alemán. En 1930
creó la película L'Idée, de 30 minutos de duración, su técnica consistía en personajes
confeccionados en cartón pintado y los escenarios de trasfondo eran de pliegos de papel de
seda. Básicamente una técnica con múltiples capas de animación superpuestas. Bartosch
mezcló todas las técnicas utilizadas por los grandes expresionistas para hacer L'Idée:
recorte, arena, mesa retroiluminada, etc. Él decide utilizar otro tipo de iluminación para su
film que le permitiría mostrar las expresiones de los personajes y no solamente su silueta.

Alexander Alexeieff y Claire Parker: Llegan a finales de la vanguardia expresionista.

Realizaron una técnica de animación de pantalla de agujas o un tablero de alfileres, es una
técnica que consiste en un tablero lleno de alfileres que se mueven para adentro o para
afuera presionandolas con un objeto generando un relieve, el cual se ilumina desde los
costados para generar una imagen en la pantalla con su sombra. El resultado de la imagen
se podría confundir con un sombreado hecho a carboncillo. Hicieron 6 cortos en 50 años.
Wladyslaw Starewicz: Era un fiel seguidor del impresionismo. Wladyslaw viene del mundo
del documental, siendo su principal interés los insectos. Como no podía documentar la vida
nocturna de dichos insectos, decidió imitarla haciendo animaciones. Utilizó escarabajos
embalsamados para reconstruir las diferentes fases de su lucha, fotograma por fotograma.
Adquirió una destreza increíble en muy poco tiempo y en 1910 lanzó Lucanus Cervus y unos
meses más tarde La Bella Leukanida, estrenada en 1911. Recibió un premio por sus
habilidades gracias a su película El Saltamontes y la Hormiga. Creó en 1912 The
Cameraman 's Revenge, una de sus más grandes películas. Fue quien creó el stop motion
con muñecos. En muchas de sus películas, Starevich contó con la ayuda de su familia, la
que estaba implicada en todo el proceso de producción.

Expresionismo Alemán - Cine Vivo

Para expresar violencia utilizaban el triángulo debido a las puntas que no tienen balance y se
relacionan con pinches y dolor. Exagera a los personajes pintando sus caras de blanco,
resaltando las ojeras con negro, usando guantes y por lo general tenían cabello oscuro. El
expresionismo va de la mano con el cubismo, pues toma muchos de sus aspectos, en
especial al hacer la escenografía.

Friedrich Murneau: director de cine alemán. Es conocido más que nada por Nosferatu
(1922), libre adaptación de Drácula de Bram Stoker. A diferencia de otros expresionistas,
Murneau no puso énfasis en la escenografía, sino que centró su atención en la iluminación,
especialmente en los espacios en sombra y espacios en luz. Su siguiente obra maestra fue
El Último (1929) seguido de Fausto (1926) basado en la historia del Doctor Fausto, astrólogo
y mago alemán.
Fritz Lang: Luego de hacer una película con su colega Joe May, se desilusionó, pues la
dirección no fue la gran cosa, por lo que decidió dirigir y escribir sus propias películas. Su
primer estreno fue Die Spinnen (1919). Lang tenía un sentido muy desarrollado para la
composición de imágenes y tenía un sensible talento dramático para el relato. Su obra
maestra fue Metrópolis (1927).

Robert Wiene: Su amplio conocimiento le permitió dar un salto a la vida de cineasta.

Comenzó con La Pobre Eva (1915) y llegó a ser uno de los directores alemanes que
sostuvieron con su producción la industria nacional. Wiene sorprendió a todo el mundo al
dirigir El Gabinete del Doctor Caligari (1920), un título que fue punto de referencia para
entender en gran medida una buena parte de la producción alemana de los años 20. Aportó
novedosas singularidades en el tratamiento del espacio y el uso de la luz.

Surrealistas

Luís Buñuel: Realizó junto a otro director un corto experimental llamado Un Perro Andaluz
(1928), título que se convirtió inmediatamente en una pieza clave en la historia del cine por
su inmersión en el estilo surrealista. A este título le siguió La Edad de Oro (1930), una sátira
surrealista recibida con entusiasmo por la crítica del momento. Buñuel llevaba el
surrealismo al extremo.

Comienzo de la industrialización en el occidente

Edwin Porter: Toma gran inspiración en George Méliès y varios documentalistas, Porter
quiso hacer también un cine narrativo. Revolucionó el cine al inventar la técnica de la edición
dramática (juntando escenas filmadas en diferentes lugares y momentos). Porter dirigió su
primer documental, "Life of an american fireman"(ha sido considerada como una película
pionera en el montaje paralelo), mientras trabajaba con Thomas Edison. "The great Train
Robbery"(película que inició el género del wéstern) puede ser considerada como la primera
obra importante con argumento de ficción del cine estadounidense. Edwin Stanton Porter
fue un pionero del cine, más conocido como productor, director, gerente y director de
fotografía de la empresa manufacturera de Thomas Alva Edison.

David Griffith: Dirigió "Nacimiento de una Nación", una película muda estadounidense de
1915. Es, debido a su técnica, una de las más famosas de la época del cine mudo, con
avances técnicos no utilizados hasta esas épocas que tornaron a la película en un notable
progreso en cuanto a la aún joven cinematografía. No obstante, la película ha sido una de las
más polémicas debido a que su argumento promueve abiertamente el racismo, apoya sin
ambages la supremacía de la raza blanca y describe en sus escenas el supuesto heroísmo
de los miembros del Ku Klux Klan, lo que avivó su hasta entonces desgastada popularidad.
David fue pionero en muchos aspectos del montaje cinematográfico​y amplió el arte de la
película narrativa, también trabajando la cámara como si fuese un personaje más. Algunos
de los principios básicos que aplicó Griffith fueron: Simetría en cuestión al peso, principio de
fuera de campo y el principio de eje vertical.

Felix el Gato: Hasta finales de los 60, el productor Pat Sullivan era considerado el creador
de Felix, el personaje más importante de la animación estadounidense anterior a Mickey
Mouse. Las normas de los estudios y el carácter reservado de Otto Messmer, el auténtico
creador de Félix, contribuyeron al equívoco más prolongado de la historia del cine. Lo que es
seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados que incluían al
personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920. Paramount Pictures distribuyó
las primeras películas entre 1919 y 1921.

En 1922 Sullivan adquirió astutamente los derechos de Felix y así capitalizó con el enorme
éxito del personaje con una de las primeras operaciones de merchandising. Los beneficios
de Sullivan aumentaron con la venta de juguetes, peluches y objetos con el rostro del
personaje.

En el panorama de la época, Felix destacó por su complejidad: era a la vez felino, humano y
mágico. Su figura mezclaba ingeniosamente las formas suaves y redondeadas con otras
angulosas que ponían en relieve la agudeza y el carácter travieso del personaje, dando
origen al estilo Rubberhose.

Disney: Comienza como caricaturista, pero impulsado por el deseo de aventura, se une al
ejército. Allí se hizo célebre entre los soldados, pues hacía dibujos y caricaturas de ellos. Al
salir del ejército conoce a Ub Iwerks con quien comienza a hacer animaciones. Iwerks luego
sería la mano derecha de Disney.

En 1922 Disney funda Laugh - o - Gram Films, contratando a Iwerks también, sin embargo la
empresa no dio resultados. Como último film piloto hizo Alicia in Cartoonland que luego se
distribuyó con ayuda de Charles Mintz y Margaret Winkler.

En 1927, Disney crea un nuevo personaje, Oswald, el conejo afortunado. Tras el éxito de
Oswald, Mintz logra contratar excelentes animadores y apropiarse de los derechos del
conejo. Disney tuvo que comenzar otra vez luego de su desacuerdo con Mintz. Se dice que,
después de este suceso, Disney crea a Mickey. La leyenda oficial explica que fue creado por
Walt Disney durante un viaje en tren y que su nombre inicial fue Mortimer, pero que cambió a
Mickey a petición de su esposa, La versión más verosímil es que el personaje fue creado por
el dibujante Ub Iwerks, a pedido de Disney. A Walt Disney sólo hay que atribuirle tanto la voz
del personaje, como la personalidad y carácter del ratón.

El primer cortometraje de su nueva serie fue Plane Crazy (1928). En ese momento, Al Jolson
comenzó a hablar y cantar en The Jazz Singer, por lo que Disney comprendió que el cine se
iba a orientar hacia el sonido, por lo que creó un sistema de sincronización y lo utilizó en
Steamboat Willie.

En Silly Symphonies, Disney sigue experimentando con la sincronización del sonido y video.
Fue una serie de cortometrajes animados producidos por Walt Disney Productions entre
1929 y 1939. El 22 de agosto de 1929 se estrena “El baile el esqueleto” un corto de dibujo
animado producido y dirigido por Walt Disney y animado por Ub Iwerks. El más famoso de
los relatos fue Los Tres Cerditos (1933). "El baile de los esqueletos" fue la primera película
de dibujos animados en utilizar el sonido no “postsincronización''.
El Full Color fue presentado por primera vez con la Silly Symphony Flowers and Trees (1932).
La cámara tenía un prisma divisor del haz de la luz, la cámara capturaba colores nítidos y
vibrantes que luego eran recombinados. En concreto, la luz entraba a través de un lente y se
dividía por el prisma: verde por un lado y rojo y azul por el otro.

Walt Disney había visto algunas pruebas del Dr. Herbert Kalmus para un nuevo proceso de
Technicolor que reemplazaría al viejo "RG color space". Disney firmó un contrato con
Technicolor que le dio al estudio de Disney derechos exclusivos del nuevo proceso a finales
de 1935.

Cámara Multiplano: Esta máquina consistía en una serie de láminas situadas en diversos
planos que se podían desplazar libremente de forma horizontal y vertical para crear un
efecto de tridimensionalidad.

La primera en aplicar este concepto fue Lotte Reiniger, sin embargo Disney lo actualizó y
mejoró. La máquina fue usada por Iwerks y Disney por primera vez en la película Silly
Symphony, The Old Mill (1937).

Ubbe Ert Iwwerks: Más conocido como Ub Iwerks fue un animador estadounidense,
famoso por su trabajo con Walt Disney. Fue el creador del personaje Mickey Mouse. Dirigió
las primeras entregas de la serie Silly Symphonies. Sin embargo, rompió con Disney en 1930,
cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios, allí creó Jack y
las Habichuelas (1933) pero en 1937 regresó a trabajar con Disney e inmediatamente se
pone a trabajar en efectos especiales.

Los Hermanos Fleischer: Max y Dave crean Out of the Inkwell en el estudio de John Bray.
Max inventa el rotoscopio en torno de 1905, un dispositivo que permitía transferir una
secuencia de acción real a dibujos, fotograma por fotograma. Sus colaboradores fueron sus
hermanos Dave y Joe.

En 1921 los hermanos Max y Dave Fleischer abandonan a Bray para fundar su propio
estudio, que sería el más importante luego de Disney. En 1931 crean a Bimbo, el perro. En
Dizzy Dishes presentan al icónico personaje de Betty Boop, que aparece con facciones
caninas pues sería interés amoroso de Bimbo. Luego crean una serie solamente de Betty
Boop pues el personaje fue de interés para el público. Más adelante presentan a Popeye, el
Marino.

Los Fleischer introducen el bicolor en 1934 con Poor Cinderella, de Betty Boop y luego crean
el estereoscopio, que consistía en filmar una escenografía y sobre ello aplicar la animación.
Lo usaron por primera vez en El Pequeño Molino Holandés.

Los hermanos estuvieron a cargo de la compañía hasta que fueron despedidos por
Paramount Pictures en enero de 1942. En su apogeo, fue el más significante competidor de
Walt Disney Productions, y es famoso por llevar a la pantalla dibujos animados como Koko
el payaso, Betty Boop, Popeye y Superman.

WALTER LANTZ: Comienza trabajando con Mintz y fue quien se encargó de Oswald, El
Conejo cuando Disney se fue. Lantz se va de Universal y enseguida crea a Andy Panda
(1939). Los productos de Lantz eran muy infantiles por lo que se dice que fue uno de los
artistas que corroboró para que el público pensara que los dibujos animados son solo para
niños. Estos "cartunes" fueron lanzados por Universal Pictures de 1939 a 1947, y United
Artists de 1948 a 1949. Andy se convirtió en la segunda estrella de los dibujos animados de
Walter Lantz después de Oswald the Lucky Rabbit . Alcanzó una considerable popularidad
hasta que finalmente fue suplantado por el Pájaro Carpintero.

Warner Brothers: El nombre se debe a los cuatro fundadores, los hermanos Warner: Harry,
Albert, Sam y Jack, de ahí el nombre. En 1903, Harry Warner, el mayor, incursionó en el
negocio del cine con una pequeña sala de cine. En los tiempos del cine mudo, contrataron
un pianista para que tocara en vivo (mientras que el público veía las películas) en las
funciones con una cortina musical. Hacia 1925, Sam Warner descubrió que podría ahorrarse
el costo del músico mediante algún sistema para incorporar sonido a las películas. De esta
idea nació Vitaphone que comenzó a experimentar con películas sonoras (aunque todavía
no habladas).
Se destacó el productor Leon Schlesinger. Trabajó en el estudio de animación de Warner
Bros. durante la denominada "era dorada de la animación estadounidense". En 1929 llegan
tres artistas a la Warner: Fritz Freleng, Rudy Ising, Hugh Harman. Consigo trajeron una
propuesta para León, quien aceptó y empezó a producir Bosko the Talk-Ink Kid fue el primer
corto animado de Warner Bros. Producido como un corto piloto en mayo de 1929. Presenta
imágenes de acción en vivo de Rudy Ising dibujando a Bosko, quien cobra vida.

En 1935 aparecen las Merrie Melodies, una serie experimental surgida de los Looney Tunes,
aquí aparece por primera vez Porky. A partir de este personaje crece Warner y los Looney
Tunes. En ese mismo año, Warner comienza a contratar más gente, presentando a una
figura extremadamente importante: Tex Avery. Él le dio el estilo al estudio, tanto de forma
narrativa como estética. Se destacó por darle un toque violento y alocado a los cortos.

Fritz Freleng: fue un animador, humorista gráfico, director y productor estadounidense

conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros, como Looney Tunes y
Merrie Melodies., introdujo las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín,
El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. incluso se convirtió en el más premiado
de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de
animación en 1963 Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng
Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los
años 1980.

RUDY ISING: fue un animador, productor y director estadounidense conocido por fundar los
estudios de animación Warner Bros. Cartoons, Inc. y MGM Cartoon Studio junto a su
compañero Hugh Harman.

HUGH HARMAN: fue un animador, productor y director estadounidense conocido por fundar
los estudios de animación Warner Bros. Cartoons, Inc. y MGM Cartoon Studio junto a su
compañero Rudolf Ising. (estos tres trabajaron juntos en "Bosko the Talkink Kid" y cantando
en la bañera)
DISNEY: Entre los animadores más importantes de Disney se encuentran los 9 ancianos de
Disney:

LES CLARK

FRANK THOMAS

OLLIE JOHNSTON

MILT KHAL

WARD KIMBALL

MARC DAVIS

JOHN LOUNSBERY

ERIC LARSON

WOOLIE REITHERMAN

Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc.: Todo esto comenzó con Metro Pictures

Corporation, fundada en 1915 por Richard A. Rowland. Louis B. Mayer, trabajó para Metro
Pictures, pero en 1918 abandonó y creó su propia compañía, Louis B. Mayer Pictures.
Goldwyn Pictures, fue fundada en 1917, con el característico logotipo de Leo el León. En
1924 Marcus Loew compró Louis B. Mayer Pictures y Goldwyn Pictures, fusionándose con
Metro Pictures Corporation, creando así, el estudio veterano Metro-Goldwyn-Mayer.

Happy Harmonies es el nombre que recibe la serie de cortos animados distribuidos por la
Metro-Goldwyn-Mayer y producidos por Hugh Harman y Rudolf Ising entre los años 1934 y
1938. El primer corto estrenado de Happy Harmonies fue Botellas. En 1939 hacen Peace on
Earth, se basan en las posibles tragedias que una Segunda Guerra Mundial puede ocasionar.
Este corto le quitó el Oscar a Disney. Los cortos fueron producidos en Technicolor (aunque
los dos primeros cortos fueron producidos en Cinecolor).
Hanna-Barbera Productions, Inc. fue un estudio de animación estadounidense. La compañía
fue fundada en 1957 por los directores de Metro-Goldwyn-Mayer, William Hanna y Joseph
Barbera, en asociación con el director de películas George Sidney. Tom y Jerry
protagonizaron un gran número de cortometrajes creados, escritos y dirigidos por William
Hanna y Joseph Barbera (anterior a la fama de su empresa Hanna-Barbera). Las series
fueron producidas por el estudio de Hollywood de Metro-Goldwyn-Mayer desde 1940 hasta
1958, cuando el grupo de animación del estudio fue cerrado. En 1960, MGM subcontrata la
producción de Tom y Jerry a Rembrandt Films (dirigido por Gene Deitch) en Checoslovaquia.

Era Dorada de Hollywood: Crece a finales de los años 30. Tuvo un tope técnico, directivo y
cinematográfico. El cinematógrafo tuvo muchos cambios, al igual que su fílmico, teniendo
menos sensibilidad y menor tamaño de grano. La película más grande de esta época fue “lo
que el viento se llevó” con actores como: Hattie McDaniel (primera actriz afroamericana en
ganar un premio Oscar).

Los ahora llamados camarógrafos eran profesionales en lo que hacían e inclusive había
mucho trabajo directivo. Lo que el Viento se Llevó fue nominada a 13 premios diferentes.

Tuvieron muchos problemas a la hora de filmar el largometraje: Cukor, quien fue director, se
encargó de la mayor parte de la película, pero luego fue reemplazado por Fleming, que
enferma por lo que entra en escena Wood que permanece hasta la recuperación de Fleming.
Fue una de las películas más rentables de la historia (ganancia mucho mayor que el gasto).

Cine Soviético

Serguei Eisenstein: Es conocido por tres grandes películas: El Acorazado Potemkin,

Octubre y La Huelga. Se volvió el gran maestro del montaje moderno (diferente a la clásica).
El Acorazado Potemkin es una película que reproduce el motín ocurrido en el acorazado
Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.
La cinta está considerada como una de las mejores de la historia del cine, una de las más
estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje y una de las más influyentes
de todos los tiempos. Antes de la llegada de las herramientas digitales de edición de las que
disfrutamos ahora, cada corte debía ser tratado manualmente, cada pieza del montaje
perfectamente estudiada antes de ser incorporada al producto final.

En los años 30 serguei se va a estados unidos para trabajar, pero al llegar lo persiguen
pensando que era un espía sovietico, por lo que se redirige a México, donde hace la película
Viva México, sin embargo no pudo montarla y dirigirla. Frustrado, regresó a la unión
soviética donde hizo una película a favor del gobierno llamada Alejandro Nevski (1938).
Poco después vuelve a hacer largometrajes centrados en criticar a su gobierno, pero fue
luego de Iván El Terrible que lo exiliaron.

MONTAJES

Métrico: tiempo calculado de exposición para cada plano

Rítmico: ritmo sonoro y/o visual que justifica cada plano

Tonal: las emociones determinan el montaje

Armónico: Confluencia de los 3 anteriores

Intelectual: Juegos y asociaciones de imágenes y/o sonidos que intelectualmente conducen

a un pensamiento (principalmente al del realizador).

VSEVOLOD PUDOVKIN: Vsévolod Ilariónovich Pudovkin es quizás, junto a Serguéi

Eisenstein, el más prestigioso de los realizadores cinematográficos soviéticos. Pudovkin
debuta como realizador con un cortometraje cómico y con un documental. Fue quien creó el
guión técnico. Este tenía tanto detalle que no era necesaria la presencia de Pudovkin en
escena. En 1926, inicia la realización de su trilogía, compuesta por La Madre, El fin de San
Petersburgo y Tempestad sobre Asia.

"La Madre" es una película muda soviética de 1926 dirigida por Vsévolod Pudovkin Retrata
la lucha de una mujer contra el régimen zarista durante la Revolución rusa de 1905. La obra
se construye a partir de sus planos detalle y con esa construcción se hace la obra.
DZIGA VERTOV: director de cine vanguardista soviético, autor de obras experimentales,
como El hombre de la cámara (1929), que revolucionaron el género documental. Vertov tenía
rechazo a cualquier proceso de filmación ficticia, al punto tal de hacer un Manifiesto del
Cinematógrafo sin Actores. Es un cine donde la cámara es el único recurso necesario. Él no
trabajaba con actores y tampoco constaba de historia para sus films.

MANIFIESTO DEL CINEMATÓGRAFO SIN ACTORES:

Cine Ojo (unificación del lenguaje cinematográfico)

Uso de todos los medios al alcance de la cámara (dispositivo)

Uso de todos los medios y recursos posibles sobre el material fílmico

Uso de todo tipo de Montaje

OSKAR FISCHINGER: Fue un pintor, animador abstracto y director de cine alemán

vanguardista, sin embargo no le es fiel a las vanguardias. Se destacó por la creación de
animación musical abstracta en la que combina la geometría con la música, (como en
"Wachsexperimenten" donde usa cera colorida cortada en rodajas), varias décadas antes
de la aparición de los gráficos por computadora y los vídeos musicales. En la Alemania de
Adolf Hitler, se consideró su obra de arte degenerado y se exilió en Estados Unidos.
Fischinger era amante del Stop Motion, siendo su principal forma de expresión, se puede ver
bien en la propaganda de Cigarrillos Muratti (1934). Usa objetos 3D en un espacio 3D.

Una de sus obras, Composición en Azul, fascinó a Disney quien luego llamó al artista para
que hiciera parte de Fantasía, una película rítmica. Ambos artistas tienen una disputa, por lo
que Disney decidió quitarle los créditos a Fischinger

LEN LYE : fue un artista neozelandés conocido principalmente por sus filmes experimentales
y esculturas cinéticas. El primer corto animado de Lye fue Tusalava (1929). En Nueva
Zelanda no había material para trabajar cinematográficamente, por lo que el artista tomaba
los fílmicos viejos de películas que llegaban a la isla e intervenía sobre ellos. Utilizaba la
técnica de animación sobre celuloide, marcando el fílmico con pluma, lápiz, pintura, etc.
También intervino sobre el sonido que venía en los fílmicos.

A Color Box es una película de animación experimental británica de 1935 de Len Lye .
Encargado de promocionar la Oficina General de Correos , fue la primera animación directa
de Lyen en recibir un comunicado público.

TIPOS DE EXPERIMENTACIÓN:

Color y grafismo

Textura y transparencias del color

Grafiti sobre celuloide negro

ANTHONY GROSS Y HECTOR HOPPIN: crearon una muestra de animación para adultos con
el título de "La alegría de Vivir", es considerada una obra maestra de la animación francesa.
Este ballet moderno y floral realizado en 1934, corresponde a la estética moderna del
período de entreguerras, muy influenciado por el Art Déco. Tenía una animación mucho más
estilizada que el Rubberhose, aunque tenía influencia de ello. Intentaron hacer el primer
largometraje europeo post Lotte Reiniger, sin embargo se encontraron con la guerra, por lo
que no lo lograron.

GEORGE PAL: fue un productor de cine, director y animador húngaro. Trabajaba con stop
motion. En 1942 hace Puppetoons, producida por Paramount en Estados Unidos. Lo hicieron
usando animación de reemplazo: usando una serie de diferentes marionetas de madera
talladas a mano (o cabezas o extremidades de marionetas) para cada cuadro en el que la
marioneta se mueve o cambia de expresión, en lugar de mover una sola marioneta, como es
el caso con la mayoría de las paradas. En el mismo año estrena Los Tulipanes Deben Crecer,
película que hace alusión al conflicto bélico. Pal fue mentor de muchos otros artistas de
Stop Motion.
SOYUZMULTFILM (1928): Es una productora nacional. Fue fundado en 1936 para
aglutinar los estudios de animación soviética existentes en una sola compañía estatal. En
un primer momento centró su actividad en la animación tradicional y en la técnica de
celuloide, pero a partir de los años 1960 comenzó a experimentar con técnicas como la
animación en stop-motion y la animación con recortes. Sus producciones tenían el fin de
competir contra la producción capitalista estadounidense.

ALEKSANDER PTUSHKO: A Ptushko se le conoce con frecuencia y algo engañosamente)(

como "el Walt Disney soviético ", debido a su destacado papel inicial en la animación en la
Unión Soviética, hizo un uso innovador de la cinematografía en color y los efectos
especiales. Se convirtió en director de largometrajes que combinaban cine vivo y
stop-motion, a este estilo de animación se le denomina Pixelation. Fue utilizado en El Nuevo
Gulliver (1935) donde Gulliver era un actor y los liliputienses eran muñecos. El stop motion
era la técnica predilecta de Ptushko

IVAN IVANOV VANO: Fue quien hizo algunos de los primeros cortos animados de la Unión
Soviética. En 1932 hace el film Blanco y Negro que tenía un fuerte mensaje sobre la
esclavización del oligarca. Fue la primera película con sincronía de sonido de la URSS.

LEV ATAMANOV: Fue un clásico director de cine de animación soviético de origen armenio y
fue uno de los fundadores de la animación en la URSS. Es el director de los famosos
clásicos de la animación soviética, adaptando cuentos de hadas nacionales. Lev Atamanov
transmitió sutilmente el colorido nacional de los cuentos de hadas y combinó la euforia
romántica en imágenes de personajes positivos con un humor cálido y amable. Una de sus
primeras obras fue "La historia del pequeño toro Blanco" que tenía un mensaje antibélico,
como la mayoría de sus obras.

SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: ALEMANIA

El triunfo de la voluntad (Documental):es una película propagandística nacionalsocialista
dirigida por Leni Riefenstahl. Se estrenó en 1935 y es una de las películas de propaganda
más conocidas de la historia del cine. Fue Hitler quien encargó el filme y su nombre figura en
los créditos iniciales. El tema principal de El triunfo de la voluntad es el regreso de Alemania
a la categoría de potencia mundial, con Hitler como un mesías que devolverá la gloria a la
nación. Las técnicas utilizadas por Riefenstahl, tales como cámaras en movimiento,
teleobjetivos para crear una perspectiva distorsionada, fotografía aérea y un revolucionario
enfoque en el uso de la música y la cinematografía, han hecho que El triunfo de la voluntad
sea considerado como el documental político artístico mejor consumado en la historia del
cine.

NAZICARTOONS: Animaciones pronacionalistas Nazis. En estos cartoons mostraban a los

judios como plagas roba dinero, entre otros estereotipos del pueblo que no poseía sangre
Aria. Dir Storemfried (1940) retrata los ataques enemigos al pueblo alemán y como los nazis
contraatacan, dejando al enemigo completamente destrozado.

RUSIA:

SOYUZMULTFILM: Hacían contenido pronacionalista contra los alemanes. Los Buitres (1941)

retrata sin miedo los conflictos, dejando a Rusia como el vencedor.

EEUU

DISNEY:

Epoca de Oro:

Blanca nieves 1937

Pinocchio 1940

Fantasía 1940

Dumbo 1941
Bambi 1942

PELICULAS PAQUETE: fue un paquete de películas propagandistas sacado por Disney, que fue
obligado a hacerlas en su momento por eeuu.

Canción del sur 1946: es un largometraje musical de acción real y animación estadounidense de
1946 producido por Walt Disney y distribuido por RKO Radio Pictures. Se basa en la colección de
historias del Tío Remus, La película tiene lugar en el sur de los Estados Unidos durante la Era de la
Reconstrucción, un período de la historia Estadounidense poco después del final de la Guerra civil
estadounidense y la Abolición de la Esclavitud en los Estados [Link] tres secuencias
animadas, que luego se lanzaron como funciones de televisión independientes.

Cortos pro-nacionalistas:

Der Fuehrer's Face: cuenta con el Pato Donald en un escenario de pesadilla como empleado en una
fábrica en la Alemania nazi, se hizo en un esfuerzo para vender bonos de guerra y es un ejemplo de la
propaganda estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial.

Razón y Emoción : fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación en

1943. Estrenado el 27 de agosto de 1943 en los Estados Unidos, El corto demuestra cómo una
persona adopta su habilidad para resolver problemas a través del razonamiento lógico (la cabeza) o a
través de la pasión emocional (el corazón). Se muestra que Adolf Hitler no tiene ningún razonamiento,
sino que se basa únicamente en la emoción; se explica que "los estadounidenses deben controlar la
emoción dentro de nuestra cabeza para que no nos controle y nos haga vulnerables a la vil alarma de
miedo de Hitler ". Los discursos y tácticas de motivación de Hitler se muestran como manipuladores.

Educación para la muerte: El cortometraje narra la historia de Hans, un niño nacido y criado en la
Alemania Nazi, por lo que es educado para convertirse en un despiadado soldado. el corto quiere
dejar entender que en alemania le lavan la cabeza a niños inocentes que se convierten en soldados
nazis sin corazón

LOS HERMANO FLEISCHER “EL NUEVO GULLIVER”: (1939), el problema con esta película fue que
justo comenzó la primera guerra mundial, entonces nadie le dio atención a esta película y no
recuperaron su capital. aun así más adelante reinvirtieron en un segundo largometraje llamado:
Hoppity goes to town: este segundo largometraje fue estrenado en 1941, justo el mismo año del
bombardeo a Pearl Harbor, haciendo que esta película tampoco tuviera éxito.

luego de que lograron sobrevivir uno años más económicamente, tuvieron que dedicarse de lleno a
las series animadas como popeye que tenía una especie de auro pronacionalista, betty boop,
superman (serie que no le gusto mucho al público por la propuesta tan diferente al diseño de
superman)

WARNER BROS: en 1940 aparece por primera vez bugs bunny, luego aparece el pato lucas que va
subiendo cada vez más de popularidad, incluso quedando más arriba que porky

.“You ought to be in pictures”: el pato lucas quiere convencer a porky que se retire del mundo de la
animación y haga cine vivo es un cortometraje que combina animación y cine vivo), para ser la nueva
estrella de los looney toons, finalmente bugs bunny termina arruinando su plan convenciendo a porky
de que es igual de importante que siempre.

“A wild Hare”: es una caricatura de Warner Bros. Merrie Melodies de 1940 dirigida por Tex Avery . El
tema corto presenta a Elmer Fudd y Bugs Bunny , este último haciendo lo que se considera su primera
aparición oficial

“The Ducktators”: un ejemplo de contenido creado por la warner que hace referencia a la guerra que
sucedía, es un cortometraje animado de propaganda antinazi de la serie Looney Tunes,

“Comando Lucas”: un corto de 1943 en donde el pato lucas destruye un asentamiento nazi.

Metro Goldwyn Mayer: Tex Avery Usaron a tom y jerry para hacer referencia a la enemistad de
los países en la guerra en el corto “ratón solitario” de 1943.

Yankee Doodle mouse 1943: es un cortometraje animado de la serie Tom y Jerry, El cortometraje
muestra a Tom y Jerry enfrentándose en un ambiente bélico, haciendo numerosas referencias a
tecnología de la Segunda Guerra Mundial como Jeeps y bombarderos, lo cual permite suponer que el
corto fue hecho con fines de propaganda.

Quiet Please 1945: se trata de una pelea entre Tom, Jerry ,y Spike.
ORSON WELLES: Considerado uno de los artistas más versátiles del siglo xx en el campo del teatro,
la radio y el cine, en su debut en la radio el hizo la transmisión de la guerra de los mundos que dio
pánico a muchos estadounidenses. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas
con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de
estos beneficios, solo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), su película
más exitosa. En 1946, bajo la sospecha de ser comunista, su carrera en Hollywood se estancó y se
vio obligado a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones, algo
característico del período del macartismo.

El ciudadano Kane: le fue muy mal como obra comercial en Hollywood, más allá de ser considerada
una gran película. siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la
estructura narrativa. En la película se usaron técnicas muy parecidas a las más modernas de hoy en
día e incluso se rompe la cuarta pared un par de veces en ella.

Etapa postguerra:

Ivan Ivanov Vano: Ivan y su Pony mágico '47: Primera película de animación realizada en la
Unión Soviética. Ivan usaba un estilo fuertemente infantil y caricaturas.

HERMANAS BRUMBERG (Valentina y Zinaida): ellas fueron dos de las primeras figuras
femeninas de la animación en la unión soviética, su estilo tiene una inspiración en de películas
como babi, con fondos muy realistas y trabajados, y personajes realistas medio cartoons, pero
con movimientos cartoonizados.

LEV ATAMANOV: el trabaja con rotoscopia para sus personajes humanos, y estilo cartoon
para los animales, tiene un estilo muy estilizado y un poco más realista. Suele trabajar con una
escenografía hiperrealista, de muy buena calidad. ej: El antilope Dorado '54.

JOHN HALAS y JOY BATCHELOR: son una pareja de directores y animadores que tienen su
impacto más importante en inglaterra, lo que más logran perfeccionar en cuanto a técnica es la
animación tradicional, crean el primer largometraje a color en gran bretaña “Rebelión en la Granja
'54”, que está inspirado por La Granja de los animales (1945) de George Orwell, ellos también
son autores de varios libros de animación como por ejemplo “la técnica del dibujo animado”

RAY HARRYHAUSSEN : fue un técnico en efectos especiales y productor cinematográfico

estadounidense. Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop
motion. Entre sus trabajos más notables figuran El gran gorila en 1949,La Bestia de otro Planeta
'57, Jason y los argonautas '63, Furia de Titanes '81. el más grande animador de contenido
animado mezclado con cine vivo. fue colaborador de varios proyectos junto con jorge pal, otro
gran animador que mezcla con cine vivo.

JIRI TRNKA: el padre del stop motion en checoslovaquia, en el periodo post segunda guerra,
checoslovaquia se convirtió en el país en donde debías ir si querías estudiar stop motion. i jiri
era uno de sus más grandes maestros, se dice que jiri sería la contracara de george pal, ya que,
este creó el sistema de reemplazo y jiri rara vez lo usaba, él mantenía sus personajes constantes
en casi todo el proyecto. Su obra más famosa es “la mano”, que le da mayor relevancia mundial
en el mundo animado.

KAREL ZEMAN: Fue un cineasta checo, director de películas de animación, considerado, junto
con Jirí Trnka, uno de los fundadores del cine checo de animación. “Inspiración” que es creado
con stop motion con figuras de vidrio que calientan a temperaturas muy altas, mueven, dejan
enfriar y luego calientan de vuelta para crear la animación, es un corto hermoso de Karel
Zeman,que junto con Jiri Trnka, Bretislav Pojar y Hermina Tyrlova, es considerado por muchos
como uno de los más grandes animadores de la antigua Checoslovaquia.

ANTONIO GINO DOMENEGHINI : autor del primer largometraje italiano post segunda guerra
mundial, llamado “La rosa de bagdad “'49, que estuvo en producción durante la segunda guerra,
(desde el 42 en adelante) y esto crea las bases de lo que van a ser las futuras propuestas de
animación italiana. Para agregarle color esta pelicula se filma tres veces con tres filtros de color
diferente que luego son combinados. A Antonio se lo considera el padre de la animación italiana.
NATIONAL FILM BOARD (Canadá): un organismo estatal que promueve la producción nacional
de contenido animado y que siempre busca un estilo propio no necesariamente comercial , la
mayoría de sus grandes artistas tienen una expresión más experimental, este organismo nace
con JOHN GRIERSON en 1939 en montreal. JOHN GRIERSON era un documentalista que se
interesó en la animación por una relación de trabajo que tuvo con Disney, y para comenzar a
hacer animación decide buscar un animador con otra perspectiva que el producto comercial
estadounidense, el va a gran bretaña trabajando con NORMAN McLAREN, que era un joven que
solía presentarse en diferentes festivales de cine. John le ofrece ir a trabajar a la National Film
Board en donde se pone al mando del departamento de animación.

Norman McLaren:

UPA: Surge de la huelga de artistas de 1941. Se salió a denunciar la situación laboral en los
Estudios Disney. Uno de los hechos que marcaron este conflicto fue la diferencia de sueldos
que había entre los diferentes animadores. Esta situación llevó a que Bill LIttlejohn
(animador que más tarde sería conocido por sus trabajos en Tom & Jerry o en los cortos de
Snoopy) y Art Babbitt (creador de Goofy y uno de los animadores mejor pagos del estudio)
propusieron la idea de sindicalizar a los animadores del estudio. Esta idea fue descartada
por Walt Disney lo que generó la primera huelga. Al ver que no podía evitar las quejas de los
animadores, Disney decidió despedir a 17 animadores, entre ellos Babbitt, a quien
consideraba un enemigo personal. Esto generó que más de 200 animadores se sumaran a la
huelga generando grandes problemas para un estudio cuyas películas no estaban siendo un
éxito económico. John Hubley fue el cabecilla del reclamo y posteriormente de la UPA.
Comenzaron a producir cortos, con el poco subsidio que les daba el Estado, pues al venir de
una huelga se les había marcado como comunistas. La UPA genera un nuevo estilo que
nace de la falta de presupuesto, la animación limitada, que se muestra por primera vez en el
corto Hell-Bent for Election. En la animación limitada comienza a ser normal el uso del
reciclado de animación, la partición de personajes (solo animan las extremidades
necesarias), sueltan el hiperrealismo en los fondos y los vuelven más bidimensionales,
usando más que nada colores base (sin texturizado y con formas básicas).
En 1948 crean un vínculo con Columbia Pictures y el primer corto que generan en este
vínculo fue Mr. Magoo (1949). Este va a ser el emblema del estudio (se definen como
estudio más o menos en el año 46). Tenían algunas condiciones de lo que podían y no hacer,
por ejemplo: no usar animales parlanchines, los protagonistas eran humanos, pero ningún
animal hablaba.

Gerard McBoing Boing fue otro personaje que usaba este estilo de animación limitado.
Usaban un solo color de fondo, era plano, con pequeñas referencias visuales de donde
quedan las paredes, pisos y los colores no se quedan limitados a las líneas.

La UPA genera un efecto dominó que hace que se influencien otros artistas y estudios.

El objetivo es entretener lo más posible al espectador para que no perciba la falta de

animación. Este estilo repercute en lo económico, especialmente para la televisión, que en
sus comienzos no tenía tanto dinero.

Mucha preponderancia de las voces y sonidos.

La UPA trabaja por muchos años y en la década del 50 crece mucho, es allí que producen
sus obras más destacadas, lo que le da gran ingreso económico. En los 60 cuando se
venden las televisiones en masa, los canales piden cosas para mostrar, entonces la UPA
toma ventaja en eso. Comienzan a hacer largometrajes.

John H. tiene que abandonar la UPA por el constante acoso político especialmente del FBI.
Ese abandono pega fuerte en la UPA, decae mucho su calidad productiva y el negocio
empieza a decaer. En la década de los 70 no se pudo mantener y cerró.

John hace productos independientes.

Zagreb Studio: Estudio europeo. Se destaca por ser el clon de la UPA pero en Europa. El
estudio es de Yugoslavia. Se había organizado una cooperativa con varios artistas de
distintas empresas. Los más destacados fueron Dusan, Zlatko, Aleksandar y Bordo.

Se forma en fines de los 40 comienzos de 50. Su primer corto es de 1949, llamada La Gran
Reunión. Su corto más destacado es Surogat (primer corto animado extranjero en ganar un
oscar) es del año 1962. Tiene una estética cuidada pero muy simple. El estudio se encargó
de animar toda una temporada de los cortos de Tom y Jerry. La mayoría de los estudios,
mundialmente, toman la idea de la UPA y usan animación limitada.

Warner: La década de 50 y 60 es la época de oro de este estudio. Aparecen grandes cortos

y grandes personajes. Pepe el zorrillo aparece en el año 45 en el corto Odorable kitty. Para el
año 45 Tex Avery ya no estaba, había renunciado. Chuck Jones toma el mando. Jones
trabaja también en la UPA. Warner es el que mejor se acomodó en la dinámica de trabajo
mezclando la animación limitada y la típica animación de Warner.

Aparecen distintos personajes, como por ejemplo:

Años 45: Sam Bigotes en un corto de Bugs Bunny.

Silvestre en Life with feathers.

Año 47: Piolín en A tale of two kitties. Solía ser un personaje con más maldad, diferente al
actual que es más inocente.

Silvestre y piolín en una sola serie. Aparecen juntos en el corto Tweetie Pie.

Aparecen el coyote y correcaminos.

En estos trabajos había mucho uso del barrido y smear.

La diferencia es que el barrido donde hay texturizado y el fondo transparentado.

The Dover Boys es un gran ejemplo del barrido y smear. Chuck Jones ya está como cabeza
del equipo. El barrido se puede aplicar de varias formas, haciendo alusión al movimiento con
un solo color o haciendo alusión con los colores del personaje. El smear visualmente no
permite ver el fondo, no es transparente. Ambos requieren que tengan a consideración a
que velocidad se trabaja. El smear funciona a partir de 16 fps y el barrido a partir de 12.

Chuck Jones: hace una aplicación de recursos económicos minimalistas usando

animación limitada en conjunto. Mezcla el estilo de Tex Avery con el de la UPA.
Metro-Golwyn-Mayer: productos propios de Tex Avery. El primer personaje que crea es
Droopy en Dumb-Hounded (1943). Es un personaje muy tranquilo que en consecuencia, su
rostro es lento, se contrapone a los otros personajes con mucho más movimiento. Tex es
bastante violento con las animaciones.

En red hot riding hood (1943) presenta el cuento de caperucita roja, pero contada con su
estilo. Hace que los mismos personajes rompan la cuarta pared y cambien su propia
historia. En esta animación, Caperucita inspira al personaje futuro de Jessica Rabbit.

Los personajes de Tex son muy expresivos a excepción de Droopy.

Tex es más surreal, a diferencia de Chuck

JAPÓN:

No había mucha animación en el periodo pre guerra. Comenzaron a hacerla en forma

propagandista durante la Segunda Guerra Mundial.

KENZO MASAOKA: Fue uno de los primeros creadores de anime. Masaoka fue el primero
en usar animación cel y sonido grabado en el anime. Trabajó en varias compañías como
animador y actor. Su trabajo como artista de efectos especiales le valió el título de "Meliès
japonés". La Araña y el Tulipán (1943) es el lado pacifista de esta situación de guerra.
Trabajaban en blanco y negro, pues el color llega en los años 60. Estéticamente tiene una
pseudo influencia del Rubberhose mezclado con el arte clásico japonés.

MITSUYO SEO: fue un animador , guionista y director de películas animadas japonés que
desempeñó un papel central en el desarrollo del anime japonés, especialmente para el
contenido bélico. Sus películas más famosas fueron propaganda para Japón durante la
Segunda Guerra Mundial. En Momotaro's Sea Eagles (1943) traslada a Momotaro, una figura
de cuentos clásicos de Japón, a la animación para dar su visión de la guerra. Estéticamente
buscaban cosas pseudo realistas, similar a la de la época de los 30 con influencia
americana pero manteniendo el estilo clásico de su país. Se observan algunos atributos del
concepto de animación limitada (ej.: reciclaje de animación).

Shin Nihon Dogasha: Cuando Japón pierde la guerra lleva a un cambio de visión
productiva, pues tenían pocos recursos luego de las sanciones impuestas por los países
enemigos. La producción cae mucho por lo que se generan asociaciones o conglomerados.
En octubre de 1945 se construye la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la producción de
películas de dibujos animados y cine vivo, con Sanae Yamamoto, Kenzō Masaoka y Yasuji
Murata como figuras principales. Centrada en Tokio, llegó a reunir hasta 100 personas para
dedicarse al mundo de la animación, pero la falta de trabajo obligó a disolver la recién
nacida compañía. Generan más que nada cortometrajes. Una de las obras más destacadas
fue El Crayón Mágico.

Nihon Doga: contando entonces con la colaboración de Yasuji Murata, se formó en su

lugar la Nihon Manga Eigasha, donde Masaoka concluyó Sakura, obra que describe las
bellezas de Kioto a lo largo de las cuatro estaciones pero que no llegó a estrenarse. Tras
ello, en 1948 Yamamoto y Masaoka decidieron independizarse de Nihon Manga Eigasha
para formar la Nihon Doga Company. El crecimiento de esta empresa hace que se vuelva la
mayor empresa en pocos años. Lograron hacer largometrajes en los años 50 y su calidad se
vuelve increíblemente grande. En el año 56 aparece la Toei Company que absorbe la Nihon
Doga. Nace el departamento de Toei, donde era Hiroshi Okawa la cabeza de todo esto ya
que tenía la ilusión de crear un Disney japonés. Un ejemplo de la Toei era Hakujaden (1958).
Acá se observa el implemento del color. La forma de narrar cambia debido a la cultura. Hay
mucha relación entre su escritura (vertical y de izquierda a derecha) y su forma de
componer. Ej.: Es muy normal encontrar a los villanos del lado derecho y los buenos del lado
izquierdo, cuando en nuestra cultura es al revés.

Se especializan cada vez más en animación y van produciendo varios clásicos. En las filas
de la Toei por un poco tiempo trabajó Osamu Tezuka quien realizó y produjo Treasure Island.
Osamu Tezuka: fue un mangaka y animador japonés, conocido popularmente en su país
como «el dios del manga», debido a que gracias a su obra expandió y difundió masivamente
la lectura y el consumo del manga como medio de entretenimiento popular, dando como
consecuencia que los mangas, llegarán a tener una influencia profunda en la sociedad
japonesa de la postguerra. Trae el baby face (ojos grandes, cabeza grande). Tezuka fue
también uno de los pioneros de la animación japonesa, comenzó en los años 50 pero no fue
hasta 1968 que hizo su primera adaptación. Creó su propia empresa, Mushi Productions,
con la que estrenó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom
("Astroboy"). Luego vinieron Jungle Taitei ("Kimba, el león blanco") y Ribbon no Kishi ("La
Princesa Caballero"). Ya hay mucha influencia de animación limitada. Todas ellas fueron
grandes éxitos. La mushi productions hace Cleopatra (1970) dirigido por Yamamoto, siendo
el primer film censurado (solo para adultos) por nudismo, escenas eróticas y violencia. En el
año 1973 la Mushi Productions se vio forzada a cerrar debido a problemas económicos.

Astroboy tiene mucha influencia en Estados Unidos, reinstala la producción de series de

superhéroes. Mazinger Z es la serie más icónica de mechas.

Tezuka también tenía sus obras pensadas para competir en festivales de animación. Un
ejemplo es La Sirena (1964) producido en la Mushi Prod. Es una crítica pseudo política y
social. Tetsuka conoció al renombrado director Stanley Kubrick. Él hizo varias referencias a
cosas de Tezuka, especialmente en La Naranja Mecánica. Jumping (1984) fue el último
corto que hace Tezuka antes de fallecer (1989).

Género Mecha: Es un vehículo de gran tamaño controlado por uno o más pilotos, que posee
partes móviles tales como brazos o piernas, y varía en su uso dependiendo de la obra de ficción
a la que pertenezca. También puede usarse el término mecha para referirse a subgénero de la
ciencia ficción. La diferencia entre un mecha y un robot consiste en que el mecha es controlado
por un piloto, mientras que un robot se mueve por cuenta propia.

Durante esta época y con mucha influencia japonesa, todo el contenido de dc fue creado por
FILMATION y el contenido de Marvel por GRANTRAY LAWRENCE.

Hanna - Barbera tuvo también su contenido inspirado por la animación japonesa, por
ejemplo "Jonny Quest".
stop motion producido por japón:

KIHACHIRO KAWAMOTO: Fue un diseñador y creador de marionetas japonés, director de cine

independiente , guionista y animador y presidente de la Asociación de Animación de Japón

desde 1989, sucediendo al fundador Osamu Tezuka. Trabaja mucha estética cultural
japonesa. La casa de la Llama (1970) demuestra con claridad su estilo. Muy basado en Jiri
Trnka, pues fue su aprendiz. No usaba reemplazo de partes en los muñecos.

Tadanari Okamoto: fue un animador independiente japonés. conocida por su trabajo de

stop motion con reemplazo de partes. Uno de sus cortos más famosos fue “Hacia el Arcoiris
(1977).”

Disney, era de plata:

DIR DE ART - Mary Blair: Fue una artista estadounidense destacada por el trabajo que
realizó para The Walt Disney Company. Blair produjo los impresionantes conceptos
artísticos de películas como Alicia en el país de las maravillas, Peter Pan, Canción del sur y
La Cenicienta. Blair también creó diseños para personajes de varias atracciones de los
parques de Disney como It's a Small World (Es un mundo pequeño), la escena de fiesta en El
Río del Tiempo en el pabellón de México en el World Showcase de Epcot, y en un enorme
mosaico en el interior del Contemporary Resort de Disney. Varios de sus libros ilustrados
para niños de la década de 1950 siguen siendo editados, como I can fly (Puedo volar), por
Ruth Krauss. Blair fue honrada como una leyenda de Disney en 1991.

CENICIENTA (1950)

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS (1951)

PETER PAN (1953)

LA DAMA Y EL VAGABUNDO (1955)

LA BELLA DURMIENTE (1959)

101 DÁLMATAS (1961)

LA ESPADA EN LA PIEDRA (1963)

EL LIBRO DE LA SELVA (1967)

Máximo esplendor de los 9 ANCIANOS

Marc Davis

Milt Kahl

Les Clark

Frank Thomas

Ollie Johnston

Ward Kimbal

John Lounsbery

Eric Larson

Woolie Reitherman

HANNA Y BARBERA: antes de dejar la MGM deciden crear la H-B Enterprise, pero no
avanza hasta el cierre de la Metro en el año 1957. Empiezan a hacer contenido más
comercial, especial para la televisión.

responsables por la creación de:

"Huckleberry Haund Show" '58, "El Oso Yogui" '58, "Tiro Loco" '59, "Los Picapiedras" '60,
"Los supersónicos" '62, "Scooby-Doo" '69.
JAY WARD: Fue un creador y productor estadounidense de programas de dibujos animados
para televisión . Produjo series animadas basadas en personajes como Crusader Rabbit ,
Rocky & Bullwinkle , Dudley Do-Right , Peabody and Sherman , Hoppity Hooper , George of
the Jungle , Tom Slick y Super Chicken . Su empresa, Jay Ward Productions , diseñó los
personajes característicos de Cap'n Crunch , Quisp, y cereales para el desayuno Quake e
hizo comerciales de televisión para esos productos.

FRELANG + DePATHIE + MIRISCH FILMS: fue fundado tras la clausura del departamento
de animación de Warner Bros por el veterano animador Isadore "Friz" Frelang y su
compañero David Hudson DePatie. Muchos de los animadores que trabajaron para Warner
en los años 1950 y 1960 fueron a trabajar para ellos. Su primer trabajo importante fueron los
créditos de la primera película de La Pantera Rosa en 1963, que inspiró una serie basada en
el personaje creado. Ganaron su único premio Oscar por The Pink Phink en 1964, y
recibieron una nominación en 1966 por The Pink Blueprint.

DePatie y Freleng crearon más dibujos animados para cine y televisión. Entre sus trabajos
están The Inspector (basado en el protagonista de las películas de La Pantera Rosa, el
Inspector Clouseau), The Super 6, The Houndcats, Super President, Roland and Rattfink, The
Ant and the Aardvark, Tijuana Toads, The Blue Racer, Hoot Kloot, The Dogfather, Here Comes
The Grump, The Adventures of Dr. Dolittle, The Barkleys, Bailey's Comets, Misterjaw y
Crazylegs Crane.

JOHN HUBLEY Y FAITH ELLIOT: fueron una pareja de animadores de animación

tradicional, solían usar la voz de sus hijos para el doblaje, fueron los creadores de "Las
aventuras de un Asterisco" '55.

"Moonbird" '59, "The Hole" '62.

RICHARD WILLIAMS: fue un animador, director y productor canadiense. Es conocido por

haber trabajado como director de animación en las películas ¿Quién engañó a Roger Rabbit?
(1988) y The Thief and the Cobbler (1993, en España titulada El ladrón de Bagdad). Además
animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What
's New Pussycat? (1965) y The Charge of the Light Brigade (1968). También animó a La
pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

GEORGE DUNNING: Fue un cineasta y animador canadiense. The flying Man (1962)
concursó en el festival Annecy, que tuvo una mención honorífica. Es conceptualmente
sencillo y en esa sencillez radica lo interesante. Es el movimiento por sobre todo lo demás lo
que le da sentido al corto. En sus inicios fue ayudante de Richard Williams. En el año 65
genera una relación con The Beatles y realizan The Yellow Submarine, que termina creando
la marca artística de esta banda. Es un aglomerado especial del álbum de los Beatles,
también fue una forma de marketing. En el film hay una expresión social y comercial. Dunnin
dice que se ve opacado por lo comercial.

BOB GODFREY: fue un animador inglés cuya carrera abarcó más de cincuenta años."Do it
yourself cartoon Kit" es una sátira a las telecompras, utilizó esa dinámica para hacer el corto
mezclando humor inglés. Usa más que nada animación por recorte.

CHECOSLOVAQUIA

BRETISLAV POJAR: fue un titiritero, animador y director cinematográfico checo. A lo largo

de su trayectoria utilizó diferentes técnicas de animación y abordó diversos géneros, desde
las películas infantiles hasta las fábulas políticas. Fue conocido sobre todo por sus películas
de animación con marionetas, en la línea de su mentor, Jiří Trnka.

Polkali se u Kolina es en stop motion sobre planos. Luego de esto, deja los productos
infantiles y comienza a hablar de los problemas de su país. El corto E de 1981 habla de la
distorsión del pensamiento, en este corto trabaja dibujo y recortes.
HERMINA TYRLOVA: Otra discípula de Jiri Trnka. Fue directora y productora checa de
películas de animación. A lo largo de su trayectoria, produjo alrededor de 60 cortometrajes
de títeres, animados con stop-motion y stop-motion sobre planos. Es considerada una de las
grandes personalidades de la animación checa. Sus películas estaban dirigidas
principalmente al público infantil. Dvé Klubíka de 1968 era como la mayoría de sus cortos,
bastante infantil. Ella trabajaba una historia a partir de un objeto. En Dve Klubica gira a
través de una caja de costura, siendo los protagonistas dos ovillos de lana. Kulicka del 1963,
gira alrededor de canicas y bolitas.

RUSIA

FYODOR KHITRUK: fue un animador y director de animación soviético y ruso . Su primera

película, La historia de un crimen , fue un gran éxito. Hoy, esta película es vista como el
comienzo de un renacimiento de la animación soviética después de una vida de dos
décadas en las sombras del realismo socialista. Man in the Frame, su film más reconocido,
usa sistema de animación por recorte y reemplazo. Es una crítica social.

Yuri Norstein: es un animador ruso, conocido sobre todo por su mediometraje ``El cuento
de los cuentos”, considerado una obra maestra de la animación soviética. Estudió animación
en la productora Soyuzmultfilm. Cuando terminó el curso, pasó a formar parte de la
productora, en 1961. Trabajó como director artístico de varias películas, como ¿Quién dijo
miau? (1962), El cocodrilo verde y El zurdo. Para sus películas de animación, Norshtéin
utilizó una técnica especial, consistente en emplear varias láminas de vidrio para dar un
aspecto tridimensional. Trabajó con Ivan Ivanov Vano en Battle of Kerzhenets, un corto por
recortes muy detallado con tono medieval.

ITALIA

BRUNO BOZZETTO: es un animador de italiano. Comenzó su carrera como animador en 1958, cuando
apenas tenía 20 años de edad. Su trabajo más conocido es probablemente "Allegro non troppo",
película de 1976, caracterizada por ser un montaje a base de trozos de sus cortos, fijados a la música
clásica a la manera de la Fantasía de Disney, siendo una sátira de este film. Allegro non Troppo se
estrena al mismo tiempo que una película muy esperada, La Dolce Vitta. Uno de los primeros críticos
que fue a ver a la dolce vitta estaba aburrido y abandonó la sala, antes de salir del cine se deparó con
la sala donde presentaban la película de Bozzetto. Al crítico le encantó y la presentó en los diarios,
por lo que todos fueron a ver su película. Así es como Bozzetto se vuelve famoso.

Pannonia: fue el estudio de animación más grande de Hungría, hacen más que nada films
con stop motion. Se formó en 1951 y se independizó en 1957. Se dice que el estudio cerró
en algún momento alrededor de 2015.

Marcell Jankovics es el más importante de esta época. Él tomó inspiración por el estilo
artístico de George Dunning. Sisyphus de 1974 busca expresar el martirio, la condena y el
dolor del personaje. Parecido a The flying man, pero él juega con el grosor de las líneas, con
esto transmite los sentimientos del personaje.

El film Janos Vitez, es muy parecido al largometraje de George Dunnin The Yellow submarine
de manera estética.

Janos Vitez cuenta la historia de un personaje hungaro. Él no cambia de tipos de animación

y a diferencia de Dunning, usa un 2D no tan 2D.

ISRAEL

RALPH BAKSHI: Es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la

animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y
fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert
Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de
fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla
imagen real con dibujos animados.

CANADÁ

NATIONAL FILM BOARD

CO HOEDEMAN: es un cineasta holandés - canadiense conocido por su dominio de la animación

stop motion y la innovación técnica en películas que revelan su estrecha observación de la
interacción humana y social. Se presentó en la NFB con un rollo de su trabajo anterior bajo el brazo y,
en cuestión de días, consiguió un trabajo como asistente de producción. Su primer gran proyecto allí
fue una película educativa llamada Continental Drift.

The Sand Castle fue un corto en stop motion que tuvo como elemento la arena. Usó un muñeco al
cual embadurnó en arena para dar la sensación de que estaba hecho de este material.

PAUL DRIESSEN: Es un director, animador y escritor holandés. Sus cortometrajes ganaron premios en
todo el mundo, como en los Festivales Internacionales de Animación de Ottawa y de Zagreb. En 1968
George Dunning lo contrató como animador para su largometraje de animación Yellow Submarine. El
estilo de Driessen puede reconocerse por la suavidad de sus líneas siempre en movimiento, así como
por los movimientos fluidos pero incómodos de sus personajes.

trabajos.

el asesinato de un huevo.

PETER FOLDES: fue un director de cine y animador británico de procedencia hú[Link] es

una de las primeras películas de animación por computadora, usando la interpolación

automática . La historia, contada sin palabras, es un relato moral sobre la codicia y la glotonería
en la sociedad contemporánea.

CAROLINE LEAF: es una directora y artista de animación experimental. Los materiales con los que
dibuja y crea movimiento son maleables. Destaca su uso de arena de playa sobre una caja de luz
('Sand or Peter and the Wolf'), la acuarela y el gouache manipulados con los dedos sobre vidrio (The
Street), y las imágenes hechas por el rascado en la suave emulsión expuesta de color y la película de
35 mm y 70 mm .

La Metamorfosis del Sr. Samsa es un film hecho con arena, usando dos capas de vidrio para tener un
mejor control.
ISHU PATEL: director/productor de cine de animación y educador. Desarrolló técnicas y estilos de
animación para apoyar sus temas y su visión. Desde entonces ha producido anuncios animados para
televisión y ha estado enseñando internacionalmente.

El Juego de los Canutillos está hecho, como menciona el título, con canutillos. Es stop motion sobre
planos.

JACQUES DROUIN: fue un animador y director canadiense más conocido por su animación pinscreen.
Se encontró por primera vez con la pantalla de alfiler en una exhibición de animación en 1967. A
principios de la década de 1970, era aprendiz en la Junta Nacional de Cine de Canadá y
experimentaba con esta forma única de animación . Su primera película, Three Exercises on
Alexeieff's Pinscreen , se estrenó en 1974. Hasta su muerte, Jacques Drouin continuó haciendo
películas de animación para la Junta Nacional de Cine de Canadá , uno de los únicos animadores en
el mundo que todavía utiliza este proceso difícil pero gratificante.

trabajos
el paisajista

RADIO CANADA es la corporación de radiotelevisión pública de Canadá.

FRÉDÉRIC BACK: Nacido en Saarbrücken, territorio de la cuenca del Sarre, emigró a Canadá en

1948. Comenzó a enseñar en la École des Beaux-Arts de Montréal. En 1952, se unió al

departamento gráfico de Radio-Canadá, donde permaneció el resto de su carrera. El hombre que
plantaba árboles (1987). Usa carbonilla sobre un plano transparente, esto le daba un toque árido
a la historia.

FRANCIA

RENE LALOUX Y ROLAND TOPOR: El planeta salvaje (en francés La planète sauvage) es
una película francesa animada de ciencia ficción de 1973 dirigida por el francés René
Laloux. marca el estilo del 70 y 80 de las animaciones francesas. Usan animación por
recorte de cosas con volumen o texturizados. Es hoy uno de los grandes clásicos de la
animación europea. A través de una historia de ciencia ficción, el film nos sumerge en el
drama de dos sociedades enfrentadas entre sí, a través de la opresión, y en el incierto
destino al que se enfrentan, abocadas a la propia destrucción. A destacar, además de la
trama, la impactante estética que presenta, heredera de los cánones de la época y el lugar
en que fue creada.

Jean Francois Laguione: también usa recortes con texturizado en el corto Una Bomba por
Accidente.

EEUU

WILL VINTON:Fue un director estadounidense de cine de animación y productor cinematográfico de

películas animadas. Ganó un premio Óscar y varios premios Emmy por su trabajo de animación con
plastilina o también llamado al término que él inventó (Claymation). The Great Cognito es uno de sus
cortos más famosos, donde demuestra sus habilidades

De esto sale el estudio Laika.

BILL PLYMPTON: Es un animador estadounidense, conocido por su nominación al Oscar al mejor

cortometraje animado en 1987, por Your Face.

Animador tradicional, usa el discurso para adultos y usa el humor adulto también. 25 formas de dejar
de fumar es su corto más famoso. Lo particular que tiene es la forma estética y técnica. Usa
animación a treces. The exciting life of a tree usa la misma idea, pero con menos texturizado

REP. CHECA
JAN SVANKMAJER: Es animador de stop motion con claymation, utiliza un tono incómodo, busca
generar repulsión. Usa vísceras, carne cruda, dientes, huesos, etc. Intenta dar la sensación de
uncanny valley.

Amor Carnal (1989) es un film en stop motion que utiliza como principal recurso carne cruda. Luego
Oscuridad Luz Oscuridad (1991) es su corto más reconocido, su intención es recrear un humano en
base de plastilina. Es uno de los grandes artistas de stop motion actuales especialmente en la Rep.
Checa

Es un artista y creador cinematográfico checo, de temática principalmente surrealista. Es conocido

sobre todo por su trabajo creativo en el campo de la animación, donde mezcla diferentes técnicas,
como el stop motion y el rodaje en imagen real, para crear obras inquietantes y sugestivas que
pueden ser interpretadas de diferentes formas.

CINE VIVO-post segunda guerra:

Alfred Hitchcock: Es de origen britanico. A Hitchcock se le adjudica lo que conocemos

como género catástrofe/catástrofes naturales (ej.: el día después de mañana, 2012, etc). Un
ejemplo de esto es Los Pájaros.

Es un pionero del género suspenso. Era partidario de darle algo de información al

espectador para crear un efecto de tensión. Por ejemplo: Dos hombres están sentados en
una mesa hablando de cosas normales, de repente la cámara muestra una bomba debajo de
ellos, por lo que esa pieza de información hace que el espectador tenga estrés. Es para
evitar perder la tensión.

La Soga: tiene una particularidad especial a la hora de trabajar la cámara. Su cámara tiene
la particularidad de parecer que el espectador es un ojo que espía todo. Haciéndonos
cómplices de lo que hagan los protagonistas.

La película está hecha en plano secuencia. Hitchcock corta los planos secuencia haciendo
que un elemento quede enfrente de la cámara por un segundo o que los personajes salgan
de escena.

McGuffin: es un catalizador para la trama en forma de objeto que condiciona el

accionar de los personajes. En la cinematografía de Hitchcock tiene siempre un elemento

especial. En este caso la soga es un elemento de gozo y para el otro personaje un elemento
que le genera desespero.

Usa muchos aspectos de la psicología en sus films, en especial con los protagonistas.

Tuvo una colaboración con un icono de la animación de motion graphics, Saul Bass. Es un
impulsor del motion graphics y se puede ver en la mayoría de los títulos de Hitchcock.

Stanley Kubrick: es un director americano. Fue bastante particular en su crecimiento como

artista, pues no tuvo formación universitaria en cinematografía. Su alto conocimiento
técnico le ha permitido crear o hacer alteraciones en el área técnica. Todo esto fue producto
de su experiencia trabajando en varias áreas del ámbito cinematográfico. Ha colaborado
mucho en el campo de los efectos especiales.

A Kubrick le gusta hablar mucho del progreso/noción evolutiva, como visto en 2001: Odisea
del Espacio (1968) y poner a prueba la vida misma del ser humano y como tiene que sortear
esta barrera para evolucionar y seguir progresando.

Una de las cosas que hizo fue educarse bastante con gente de la ciencia, especialmente con
especialistas en física, astrofísica, profesionales de la Nasa, etc. Busca que sus efectos
especiales sean realistas, o sea, lo que la Nasa previsualiza para el futuro.

Kubrick es uno de los directores más conscientes sobre la música y como debe ser usada
en los films. Tiene ya preparada la música antes de comenzar a grabar.

Andrei Tarkovski: Director cinematográfico sovietico. La Zona (1979) es una de sus obras
más reconocidas. En el caso de Andrei, le da mucha importancia a la preproducción, siendo
uno de los pocos que piensa que esa es la etapa más importante. Trabajaba mucho el guión
técnico y narrativo.

Estaba muy en contra del dogma político de su país. La temática principal en sus films es la
decadencia humana en la modernidad, como ha perdido el control y el valor de ciertos
aspectos del pasado. Por lo que sus personajes siempre están luchando con el entorno
moderno.
Le gustaba trabajar en blanco y negro o en sepia. Le gustaban los choques de valores.

Akira Kurosawa: Es un artista reconocido por su trabajo de cámara, usa el teleobjetivo

(lente). El teleobjetivo es un lente que permite ver de muy lejos y aplana las fugas, por lo que
la noción de distancia es muy próxima, debido a esto siempre tiene que filmar lejos de los
actores. Kurosawa también tiene una fascinación por los fenómenos meteorológicos, por lo
que filma sus películas sin importar el clima y horario, servía para darle una sensación real a
sus films. Fue criticado en Japón por ser muy shakesperiano a la hora de narrar y mezcla la
narrativa del occidente con la del oriente.

Cómo usa mucho el lente teleobjetivo, no puede trabajar con planos secuencia. Usa muchas
cámaras para grabar el mismo plano. En cuanto a lo musical, él era muy consciente, pero es
más sútil a la hora de elegir la música.

FRANCIA: post segunda guerra:

NOUVELLE VAGUE: movimiento cinematográfico que surge buscando estudiar el cine del

pasado y la actualidad para descubrir el cine del futuro, busca que el espectador no se
entretenga al estilo clásico y sea activo y consciente de lo que el film quiere transmitirle
moralmente. nace con un grupo de artistas que estaba editando constantemente una revista

llamada CAHIERS DU CINEMA, de dónde sacan cosas buenas y malas de diferentes artistas

antiguos y modernos, los más destacados de esa son, GODARD, TRUFFAUT, RENOIR,
RESNAIS.

este movimiento, está a favor de una libertad expresiva absoluta, suele ser muy
experimental, busca opciones baratas para diferentes técnicas, está en contra del control y
manipulación artificial de la obra, como demasiados efectos especiales o cosas
inverosímiles en la narrativa, se suele hablar más de aspectos cotidianos de personajes
normales, y aman romper la cuarta pared.

ITALIA
NEORREALISMO ITALIANO: es un tipo de movimiento cinematográfico de carácter moderno,

también está lleno de moralismo que busca mover al espectador a actuar. suele ser más
humilde aún con su presupuesto que la NOUVELLE gracias a la economía italiana de la
época, va en contra del gobierno y quiere ser un cine fiel a los pesares de la realidad, aunque
puede llegar a tener secuencias surrealistas, recurre mucho a artistas amateur o incluso a
transeúntes como actores por la economía, y para describir mucho mejor la realidad de la
gente, en cuanto a carácter moderno le gusta mucho autoreferenciarse y a sus películas,
directores, actores, guionistas, etc, rompiendo la cuarta pared, tiene mucho contenido
documental ya que firmaban muchas cosas sin actores y preferían filmar gente viviendo su
vida real.