❖ CRISIS DEL CINE CLÁSICO

1° guerra: dio lugar a las vanguardias.

2° guerra: dio lugar a los movimientos modernos.
El MRI comienza a darse en 1915 con “Nacimiento de una nación”, pero termina de darse hasta la época de los
30´, 50´ con la llegada de lo sonoro. El estudio system surge en EEUU pero también es tomado por muchos otros
países.
IMAGEN-MOVIMIENTO – GILLES DELEUZE: Dice que Welles y Hitchcock son cineastas límite.

HITCHCOCK: Fue (igual que Wilder o Capra) uno de los realizadores extranjeros que marcaron la
época dorada de Hollywood. ROMPE CON EL LENGUAJE DEL CINE CLÁSICO:
❖ Incorpora al espectador y figuras del pensamiento.
❖ Crea la relación entre director, personaje y espectador. Con Hitchcock, la gente empieza a ir a ver la película por
su director, y no por el actor.
❖ Perfeccionó el cine de estudio, pero lo que quiere evitar termina sucediendo gracias a él ya que queriendo
sostener el cine de estudios sus innovaciones lo ponen en crisis.
❖ -Según Deleuze, había una relación entre el director y el relato. Hitchcock añade un tercer componente a esta
relación: el espectador. D – R – E.

Características de Hitchcock:
El MacGuffin: lo que mueve a la trama
EJEMPLO: “Intriga Internacional” (1959): La película trata sobre el espionaje y la única pregunta que surge en
la historia es averiguar la identidad verdadera del personaje de Cary Grant.
Lenguaje no verbal: Sus películas se refieren al acto de mirar, a menudo de una manera obsesiva o malsana.
EJEMPLO: “La ventana indiscreta” (1954) donde el personaje de James Stewart espía de una manera un tanto
obsesiva, la vida cotidiana de sus vecinos. Hitchcock era un narrador visual excepcional, que prefería usar
imágenes en lugar de diálogos para transmitir emociones y crear estados de ánimo en sus diferentes trabajos
cinematográficos.
Manejo del suspense: Hitchcock hizo del suspense un arte en sí mismo, al mantener continuamente a su
público al borde de sus asientos, esperando pacientemente el momento óptimo para abrir la cortina y revelar
qué cosa terrible estaba esperando al otro lado.
EJEMPLO: En “La soga”, teniendo un cadáver bajo la mesa de la fiesta en toda la película.

WELLES: Orson Welles ya había sido responsable de producciones innovadoras en otras artes como el teatro. En
los años 30’ crea “Mercury”, una compañía de teatro. En 1933, hace el programa de “La guerra de los mundos” donde
crea un verosímil que hace creer a las personas que los extraterrestres llegaron a la tierra, aunque todo era actuado.
Luego, en 1940, se opera “Citizen Kane”. Con tan solo 25 años, Welles dirigió, protagonizó y produjo su primer
largometraje, Ciudadano Kane (1941).
Su ingeniosa cinematografía y su estilo narrativo no clásico, fueron fundamentales para el desarrollo de lo
que ahora llamamos cine moderno. Orson Welles no solo utiliza a los personajes para relatar la historia, hace uso de:
Movimientos de la cámara:
Encuadres:
Composición en el plano:
Uso de la cámara subjetiva:
La utilización de espejos para la desfragmentación de los personajes.
Posiciones de cámara - Picado y contrapicado: enalteciendo o disminuyendo a los personajes y sus interlocutores.
También realiza tomas desde abajo integrando los pisos en el decorado como así también los techos.
“CITIZEN KANE”: Película de cine de estudios, pero no es una película clásica. Según Deleuze, lo menciona en el apogeo
del cine clásico. La película está rodada en estudios pero rompe con muchas de las pautas del Studio System.
- ESPACIO Y TIEMPO: Son importantes en la película está contada desde varios puntos de vista, hay 5 narradores, la
historia es no lineal y se juega con los planos. Secuencia y profundidad de campo.

Características Welles:
Profundidad de campo: compuso en profundidad, gracias a que las imágenes situadas en planos diversos salían todas
perfectamente enfocadas. Los efectos dramáticos de una escena se lograban más por la propia composición que por el
montaje.
EJEMPLO:
El gran angular: crean la ilusión de perspectiva exagerando el tamaño relativo de los objetos situados en distintos
planos: los más próximos a la cámara aparecen mucho mayores que los más alejados.
EJEMPLO:
Planos largos: Extienden la acción y le dan mayor importancia a lo que está fuera de plano. También hacía un uso muy
creativo del sonido como mecanismo de transición entre secuencias.
EJEMPLO:

RENOIR: UMBRAL A LA MODERNIDAD.

Usa ciertos recursos que luego vamos a llamar cine moderno.
Usa profundidad de campo.
REALISMO: Unidad natural del tiempo y espacio. Generar imágenes auténticas.
Profundidad de campo, el espectador tiene que decidir a donde ver.
Hay ambigüedad y evita el corte. Montaje interno.
Encuadre y reencuadre: pensado con respecto a los actores.
En vez del corte: movimientos de cámara.

Las reglas del juego, están en la cocina y luego a las escaleras

CINE MODERNO: El argumento se debilita para dar lugar a elementos extra argumentales. Va en contra de las
convenciones del cine clásico. Ligados a la exploración de la psicología humana, las realidades del sujeto, la infancia,
crisis de familia, cuestionamientos. En el contexto sociológico hay una crítica a los ámbitos políticos y religiosos por la
crisis post guerra.
¿Qué es para Deleuze lo moderno?:
No hay imagen globalizante, sino que es dispersiva. Encadenamientos débiles, lo imprevisto. Ya no hay causa
consecuencia, parece accidental. Nueva manera de relacionarse con el mundo.

El cine moderno deriva al neorrealismo italiano y la nouvelle vague, movimiento de la postguerra.

Neorrealismo italiano: Escuela de liberación de lo que quedó de la segunda guerra.
DIRECTORES IMPORTANTES: Mussolini; De sica; Visconti.
En los años 20, Mussolini tenía el poder de un régimen totalitario. Mussolini aliado de Hitler, fascista se
adueñó del cine. Las películas eran propaganda o entretenimiento sin sustento. Comedias livianas de clases
altas sin mostrar problemas. Con la caída de Mussolini en el 40, como alternativa al fascismo, se propuso
contar historias del pueblo real con las cámaras y lo que tenían disponible. Surgió el Neorrealismo Italiano. Sus
principales fuentes de inspiración fueron el cine soviético, que era el realismo anterior. También fue una
inspiración de Renoir.
El neorrealismo italiano muestra temas históricos, en lugares públicos para grabar y los personajes son del
pueblo y muchas veces usan actores con su propia historia y nombre para mostrar la realidad, el verdadero
realismo. Muestran personas de la vida real en la vida real. La película “Roma” se considera lo que lanza el
neorrealismo italiano.
CARACTERÍSTICAS DEL NEORREALISMO: Novedad, se reinventa, dobladas, hubo un realismo soviético
y este se renovó. Decorados, marcas identitarias de una nación. Coral, el grupo como centro. Usaban un nuevo
lenguaje cinematográfico, sin estudios, sonido doblado, cámara en mano.
- TÉCNICO: Posguerra, directores de cámara desarrollaron cámaras portables para permitir salir del estudio.
Películas más sensibles: Se graba con menos luz.
- AMALGAMA ACTORAL: Reunión de actores no profesionales, los extras eran gente pasando por su barrio de
verdad y actores. Rompe con star system, muestra personas reales. Cineastas de la realidad.
- ECONÓMICO: Decorados naturales, se filma en la calle, la Italia derrumbada es el escenario para personajes.
Nueva forma de mirar la realidad: Es un cine que rompe con el lenguaje cinematográfico estadounidense y
crea su propia forma.
Puesta en escena y realización: Se recurre a grabar en locaciones naturales como plazas, pueblos, en el
campo, debido sobre todo a la falta de recursos técnicos y estudios de cine. Iluminación. Se trabaja con
iluminación natural.
Sonido: No se solía recoger el sonido en directo, por lo que se recurre a la técnica del doblaje. Al no contar con
equipos de sonido, les permitía tener más movilidad a la hora de mover la cámara.
La cámara: Es recurrente la grabación con cámara en mano. Y la fotografía, sin iluminación artificial y muy
precaria.
Actores: coexisten actores profesionales con actores no profesionales, pero hay más actores no profesionales
Producción: No hay diseño de producción y el equipo de producción con el que se cuenta es muy parecido a
los equipos de producción de documentales.
NOUVELLE VAGUE: Nueva ola francesa.
DIRECTORES IMPORTANTES: Gordard, Truffault, Rivette. (admiraban a Hitchcock, Renoir, Mussolini)
El cine francés de la época se había estancado en su frialdad y “aburrimiento”. En los años 50, se crea una
nueva camada de movimientos. “La teoría del autor”: El verdadero responsable de la película es el autor. Su
visión es importante. En aquellos tiempos el cine pertenecía a las productoras y el director no era valorado.
Los directores franceses, adquirieron los conocimientos cinematográficos viendo las películas que llegaban de
Norteamérica, para luego romper con todas sus reglas. Los cineastas galos, usaban cámaras menos pesadas y
a su vez prescindieron del uso del trípode, para dar mayor dinamismo a sus películas. El desarrollo narrativo,
no era lineal, muchas veces se montaban las películas en capítulos, como si de una obra literaria se tratará.
Los directores dejaban la coherencia narrativa, para jugar con el lenguaje cinematográfico más puro. Los
realizadores franceses pretendían traer de vuelta, ese espíritu artístico que fue impulsado por directores como
D.W Griffith o Sergei M. Eisenstein.
Rodar en localizaciones reales: Los directores franceses preferían rodar en localizaciones reales, en vez de
hacerlo en un estudio, porque de esa manera se aportaba mayor realismo a la cinta. A su vez, la luz natural
aportaba un toque natural a la cinta. Los directores de la Nouvelle Vague, admiraban las películas del
neorrealismo italiano.
En la película de Truffaut, Los 400 golpes (1959) podemos observar al comienzo una secuencia del personaje
por las calles de París y durante la película, podemos ver al personaje de Antoine junto a su amigo René,
deambulando por las calles parisinas en vez de asistir a clase.
Uso de diálogos improvisados: En las cintas de la Nouvelle Vague, era frecuente que el director introdujera
diálogos improvisados de los actores. Con esto se quería obtener una espontaneidad hacia el espectador,
dejando que la escena fluyera por sí sola de manera natural.
En Sin aliento (1960), Godard hizo uso de diálogos improvisados, durante las escenas iniciales, donde vemos a
Michel conduciendo un coche.
Producciones de bajo presupuesto: La inversión que se hacía en el cine en aquellos años era muy baja, lo que
generaba muchas complicaciones a los creadores, para financiar las películas que querían rodar.
El sonido directo: El sonido en las películas de la Nouvelle Vague también se grababa en vivo, lo que era algo
poco habitual en el cine. Los directores no solían hacer muchas correcciones a este respecto. Cuando dos
personajes hablaban al mismo tiempo, el sonido tendía a mezclarse con la música de fondo o con el sonido del
entorno
Cámara en mano: Podemos observar que varias escenas se ven temblorosas o inestables. Esto se debía a que
los directores no utilizaban el trípode, ya que de esa forma se conseguía una mayor flexibilidad a la hora de
rodar un plano. Esta técnica también permitía al director realizar una toma de mayor duración, en la que la
cámara seguiría a los personajes durante toda la escena.
Los directores hacían uso de esta técnica, para captar a los personajes caminando por la calle, entrando a
distintos lugares, o poniendo la cámara por encima de los hombros del personaje, para de esa forma captar su
punto de vista. Cleo de 5 a 7 (1962) es un claro ejemplo de ello, en la que vemos en gran parte del metraje, a
la protagonista caminando por las calles de París.
El uso del jump cut: Otra de las características técnicas que predomina en las cintas pertenecientes a la
Nouvelle Vague es el uso de elipsis o jump cuts, en la edición de las películas.
La película de Godard, Sin aliento (1960), en la que hay una secuencia donde el personaje de Michel conduce
un coche robado y vemos como el fondo va cambiando con la sucesión de cortes, mientras el personaje sigue
manteniéndose en una misma posición dentro del plano.
En esta cinta, también hay una escena en la que el personaje de Patricia, sube al coche de Michel después de
comprar un vestido nuevo. Godard optó por usar jump cuts, en vez de rodar la secuencia en un solo plano.
El uso del plano secuencia:
El uso del plano secuencia, también es una de las principales características de la Nouvelle Vague. Por
ejemplo, en Los 400 golpes (1959) tenemos un plano secuencia al final de la película, cuando Antoine escapa
del reformatorio.
Al final de la escapada, Godard también usa este recurso, en la secuencia en la que Patricia y Michel están
caminando del hombro por las calles de París.
La teoría de autor: La teoría de autor dictaminó, que la cámara de los realizadores tenía que ser como un
bolígrafo en sus manos, en el que debían escribir todas sus visiones y experiencias vitales, de una forma
cinematográfica.
Andre Bazin, trató en innumerables ocasiones en Cahiers du Cinéma, los aspectos más imprescindibles de esta
teoría fílmica. Bazin reiteró la necesidad del creador, de hacer de su obra algo personal, para de esa forma
aproximarse lo máximo posible a una verdad creativa.
Personajes sin rumbo en la vida: En las películas de la Nouvelle Vague, siempre es recurrente la aparición de
personajes que se comportan y actúan de una manera inmoral e irresponsable en sus vidas. A menudo, no
tienen un objetivo claro en la vida y tampoco tienen lazos familiares en los que apoyarse.
TEXTOS
RENOIR: “Las reglas del juego”, “La gran ilusión”.
Renoir francés
Las películas mudas

El gesto poético
Carta sobre rossellini
Lo de q es el cine

Cine según Hitchcock

El cine de Alfred Hitchcock