Actividades emergentes por contingencia viral segunda
parte para 2DO. Grado
La academia de artes visuales de la escuela Secundaria Federalizada Jacinto Uc de los Santos
Canek de ambos turnos escolares en coordinación con la Dirección y las Subdirecciones
correspondientes de la escuela y con la participación activa de las autoridades sindicales, hemos
diseñado una estrategia de trabajo emergente con el fin de apoyar a nuestro alumnos en su
proceso de aprendizaje con el fin de no ver afectado el avancen escolar durante el periodo de
aislamiento provocado por el momento histórico que vivimos a nivel mundial.
Estas actividades están diseñadas de acuerdo con el plan de estudio de artes visuales 2, las cuales
permiten que los estudiantes del grado ya mencionado adquieran un avance en los aprendizajes
esperados en la asignatura.
Nombre del alumno__________________________ grado ____grupo ____ turno ______
Como se interpreta una imagen
artística
Vivimos inmersos en un mundo de imágenes que
nos acercan a un universo de formas, diseño, color
relativos a los valores estéticos de los objetos; los
cuales a su vez requieren de un conocimiento
básico para ser correctamente interpretados.
El ser humano tiende a crear más allá de sus
límites, y así genera la actividad artística
determinada por la necesidad de expresarse, de
hacer evidente el deseo de dar forma a sus
pensamientos y aquellas características que
definen a la personalidad humana.
Desde el lugar del espectador, es importante
contemplar todo tipo de imágenes, ya que a través
de su percepción, reflexión y sensibilidad completa
el proceso complejo de comunicación - expresión.
Esta comunicación basada en códigos del lenguaje
plástico visual, es posible, aunque no todos
conozcan las alternativas de articulación de
elementos de dicho lenguaje. Y, justamente esta
posibilidad está representada por la capacidad de
reflexión y por la cualidad polisémica de la imagen
que actúa como disparador del desarrollo del
pensamiento, pudiendo traspasar aspectos
temáticos, materiales, técnicos quizás más
evidentes.
Así como todos podemos contemplar cualquier
imagen, también somos capaces de interpretar
una producción artística sin miedo a opinar o a
percibir distinto a los demás; ya que se trata de
un acto subjetivo y de experiencia única que pone
al descubierto aquellas cualidades más nobles del
ser humano como su capacidad para comunicarse,
expresarse a través de lenguajes distintos y la
capacidad de interpretar y de crear a fin de
comprometerse a la superación de sí mismo.
Cada producción artística no sólo es una
combinación de códigos específicos de un lenguaje
sino la ilustración de un pensamiento; forma y
contenido se unen para la transmisión del mensaje,
cuyos criterios de análisis son referentes de la
propia experiencia perceptiva y emocional.
La obra puede gustar o no gustar, muchas veces
las obras se califican como feas las obras alejadas
en el tiempo, cuando las mentalidades de la época
han sido olvidadas, o cuando se trata de culturas
contrastantes.
Al emitir un juicio de valor establecemos
prioridades de selección que reflejan el carácter
polisémico de las imágenes.
La persona habituada a detenerse a la
contemplación desarrolla una
sensibilidad hacia la vida misma,
disfruta, analiza, interpreta ampliando
sus capacidades de comunicación y
expresión.
Todos podemos acceder a la contemplación de la
obra de arte o de cualquier tipo de imágenes sea
cual fuere su funcionalidad, y cuanto más
preparados estemos según nuestro caudal de
conocimiento, mayor y mejor será el
acercamiento a este mundo de experiencias
sensoriales.
La aventura de la interpretación de la imagen y
en especial de la producción artística exige a la
mente una actitud de disponibilidad y apertura, y
un tiempo de
paz
contemplativa.
Para interpretar una imagen artística debemos seguir los
siguientes pasos:
1- Se le llama objeto a la imagen central que el artista
desea representar, esta interpretación suele ser muy
sencilla debido a que dentro de las imágenes figurativas
realistas e hiperrealistas el objeto central o principal de
la obra lo encontraremos siempre con más detalles de
color o luz, brillantes etc.… es decir el artista se encarga
de hacerlo sobresalir de los demás elementos que
acompañan.
Por ejemplo en el retato cubista de pablo picasso “mujer
llorando” es evidente que se trata de una mujer y por los
gestos que picasso marco con enfaciasis
podemos afirmar la accion que realiza.
2- Otro de los elementos fundamentales para
interpretar una obra artística es la forma, en
ella están integrados elementos técnico propios
del estudio de las artes, mismos que ya conoces
pues los estudiamos en temas anteriores. Me
refiero al medio de producción, es decir la
intención social, estética, religiosa, política o
comunicativa que el autor tenga para con su
obra. Digamos fácilmente como el hiso y por
qué el hiso.
3- Dentro de la forma también nos vamos a
encontrar con el estilo. Figurativa realista, no
realista o abstracta. Cada artista tiene una manera
de realizar las obras que da a conocer ya sea en
museos, galerías o cualquier otro medio de difusión
artística, a esto le llamamos estilo y este, posibilita al
espectador conocedor de temas artístico reconocer no
solo quien la hiso sí, no, además la época de creación
de la obra.
4-
En la forma encontramos también
técnicas y materiales. Cuando
hablamos de técnicas hablamos de los
conocimientos técnicos adquiridos
durante la formación académica del
artista y la experiencia aprendida durante
su trayectoria como artistita.
Los materiales con los que un creador de
imágenes o obras de arte trabaja, en gran
medida depende de la técnica y estilo del
artista así como de la corriente filosófico
estético que abrace, así que dentro del
universo llamado arte encontramos
desde los pigmentos naturales utilizados en el paleolítico superior, pasando por la
encáustica en la edad media, renacimiento, barroco y neoclásico con el óleo asta
elementos de reciclaje en el modernismo y si apuramos em concepto la tecnología y
sus herramientas son fundamentales en las expresiones de arte actual.
Y por último dentro de la forma
encontramos los elementos formales.
Formato, color forma y composición En este
punto están inmersos conjuntamente la
estética, creatividad, espontaneidad,
mensaje, incluso el propio estilo del artista.
5- Contenido, en este elemento de
interpretación de una obra de
arte recae el mensaje que el
artista desea comunicar en su
trabajo artístico, para poder
encontrar el contenido en una
obra de arte debemos detener
conocimientos previos sobre el
tiempo en que vivió o vive el
artista, para darnos una idea del
comportamiento social de su
tiempo y saber cómo pensaba
Polos azules Jackson Pollock
dicho artista. Para la
1952
interpretación de imágenes artísticas también
debemos poner atención al título de la obra, pues esto nos sirve como referente de
interpretación. Y es fundamental que nosotros, como espectadores manifestemos
cualquier tipo de sentimiento que la obra nos provoque.
Análisis artístico de opinión escolar
LA GIOCONDA
fecha. hacia 1503
Técnica. Óleo sobre tabla
Formato. 77 x 53 cm
Género. Retrato
Localización. Museo del Louvre.
Actividad:
lee atentamente este análisis sobre la
Gioconda y al finalizar expresa tu opinión
sobre esta importante pieza de arte.
La Gioconda o Mona Lisa es uno de los cuadros
que mayores controversias ha desencadenado a lo
largo de la Historia del Arte.
Durante muchos años se ha
especulado sobre su identidad, desde
una mujer cercana a Giuliano de
Médicis hasta que es el propio
Leonardo, si bien la mayoría de
expertos piensan que se trata de un
retrato de Lisa Gherardini, esposa de
Francesco Giocondo un comerciante
ANÁLISIS FORMAL
La técnica es óleo sobre tabla de álamo que luego se trasladó a lienzo, aparece sin cejas
al parecer por una errónea restauración, esta circunstancia la hace más enigmática.
Leonardo pinta a la modelo sentada en escorzo
lateral y cabeza levemente girada y el brazo
izquierdo que descansa sobre el brazo de la silla
en sentido contrario a la cabeza.
Existe un gusto por los detalles, fino velo,
encajes, estudio naturalista de los pliegues del
vestido y de los finos dedos alargados de gran
elegancia.
La composición es clásica, triangular o piramidal con el vértice en la cabeza que crea
efecto de equilibrio.
En cuanto al volumen los rasgos y el
contorno de la figura
están difuminados por el sfumato que
es como una especie de neblina que se
consigue a base de veladuras
sucesivas de óleo que difumina las
líneas del dibujo y los colores.
Sin embargo, en las mangas el modelado tiene
unos contornos definidos y una apariencia algo
rígida, en cambio las telas de los hombros
presentan un modelado más suave y con
sfumato.
La luz se concentra en el rostro y crea un suave
sombreado en su lado izquierdo (nuestra
derecha) El rostro lleva un fino velo, símbolo de
la castidad.
El paisaje en el que se sitúa la figura es muy
importante tanto por el hecho de conseguir la
profundidad como por resaltar lo enigmático de
su sonrisa.
En este paisaje en el que combina, lagos,
montañas y niebla aparece todo muy difuminado
con lo que crea la profundidad que se consigue
con el sfumato de nuevo y con gamas de color
frías: azules, plateadas. Este tipo de perspectiva
aérea será perfeccionada en el barroco.
Este interés por la profundidad es consecuencia
de sus investigaciones sobre la perspectiva fruto
de su experiencia basándose en el hecho de las
cosas se ven con menos claridad más
difuminadas con la distancia por efecto de la
atmósfera.
Además, en este paisaje la línea del horizonte no
coincide es más alto en el lado de nuestra derecha, de modo que al estar la línea del
horizonte más baja a nuestra izquierda arrastra la mirada hacia abajo y el de la derecha
lo hace hacia arriba pareciendo más alta.
También cambia la expresión al mirarla de uno u otro lado
Expresión. La Gioconda muestra un estudio psicológico a través de los ojos y la
enigmática sonrisa que el hecho famoso. Su expresión está entre sonriente y nostálgica
EL AUTOR
Leonardo Da Vinci
Leonardo es el hombre que mejor
representa lo que fue
el humanista A lo largo de su vida,
Leonardo se dedicó a la constante
exploración. diseñador de aparatos
de ingeniería, investigador del cuerpo
humano, la óptica e incluso la
gastronomía.
De entre todas estas ocupaciones, probablemente fuera la pintura la que más le permitió
expresarse. Leonardo experimentó con múltiples aspectos de la pintura, desde los dibujos
hasta las propias técnicas escribiendo el Tratado de la pintura.
Nació en Vinci, un pueblo de la Toscana, y se formó en el taller de Andrea Verrocchio,
en el cuadro el Bautismo de Cristo de este pintor se observa ya la mano de Leonardo en
un ángel. Murió en Francia en 1519. Allí había acudido reclamado por el rey Francisco
I interesado por rodearse de artistas e intelectuales que difundieran el Renacimiento
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Guernica
La Guernica es una de las
pinturas más destacadas de Pablo
Picasso realizada en 1937, tiene
una dimensión de 349 cm
× 776 cm (137.4″ × 305.5″) y se
encuentra en el Museo Reina
Sofía, en Madrid, España.
Análisis temático del Guernica
Género histórico, pero, aunque fue inspirado en un hecho concreto se trata de una obra
de carácter universal. El tema principal son los horrores de la guerra. La lectura visual de
esta obra empieza con los Personajes de izquierda a derecha por lo general consideradas
víctimas. Tres animales (un toro, una paloma y un
caballo herido) y 6 figuras humanas: Mujer con hijo
muerto o desmayado, hombre o estatua mutilada
con una espada rota y una flor, mujer avanzando
hacia la luz, mujer con una vela, mujer entre llamas
con los brazos en alto.
Función propagandística para dar visibilidad a los
horrores de la guerra civil por encargo de la
República española. Sobre su simbología se han
propuesto multitud de interpretaciones distintas
(algunas de ellas incluso contradictorias entre sí)
sobre el significado simbólico de los elementos y
personajes de esta obra.
Análisis formal del Guernica
Se debe mencionar en la descripción sobre la técnica o sistema empleado:
Óleo sobre lienzo. Obra figurativa,
con elementos y figuras
reconocibles, aunque con un alto
grado de abstracción. Pintura no
naturalista. Los elementos y
figuras han sido simplificados y
deformados para expresar un
concepto en vez de imitar la
realidad.
Descripción de sus elementos y
función del cuadro:
Manejo de la Luz
De tipo anti naturalista. Existen varios focos
de luz como la lámpara, la vela, las llamas,
la ventana…), pero la iluminación de la
escena no se rige por ellos. la función de la
iluminación en esta obra es crear focos de
atención y expresar dramatismo. Las
figuras están fuertemente iluminadas. Se
emplean manchas de tonos planos, sin
gradación, que producen un efecto
bidimensional. Sin claroscuro.
Color
Imagen acromática, sin color. Pintada en
blanco y negro (tonos dominantes de la obra)
con una gama de grises La falta de color, como
en las fotos de los periódicos en que se basó,
congela el momento e insiste en la tragedia y
el dolor.
Perspectiva
No se usa ningún tipo de perspectiva. No
existe ningún interés por la representación de
un fondo o tridimensionalidad.
Volumen
Domina la apariencia bidimensional. Artificios
cubistas como la representación de más de un
punto de vista en el mismo plano.
Movimiento
Los personajes han sido congelados en pleno acción de gritar.
Descripción y función de la organización de la pintura
Su estructura formal es geométrica, Se divide en tres triángulos: Uno central que incluye
el caballo, el hombre (o estatua) mutilado y la mujer que avanza hacia la luz. Y otros dos
triángulos rectángulos, uno a la derecha y otro a la izquierda del triángulo central. La
escena está organizada con claridad y zonas delimitadas para facilitar su lectura.
Análisis estilístico del Guernica
Estilo: Principalmente cubista, pero
también existen rasgos surrealistas
(transferencia de la cualidad de los
objetos) y expresionistas
(deformación expresiva de las
formas).
Este estilo se reconoce en rasgos
como: cubista
Sobre su autor y rasgos característicos:
Picasso fue uno de los padres del Cubismo. En la obra se incluyen algunos elementos
recurrentes de sus obras como el toro y el caballo. Dentro de la obra del artista supone
un compromiso político novedoso y la exploración del dibujo infantil en el que se
representa lo que se sabe en vez de lo que se ve, característica de este periodo en la
producción de Picasso.
Contextualización del Guernica
La República española encarga a principios de 1937 una pintura de grandes dimensiones
sobre la tragedia de la guerra civil a Picasso para exhibirla en la Exposición Universal de
París. Cuando Picasso lee en la prensa internacional sobre el brutal bombardeo a Guernica,
una ciudad en el norte de España ocupada tan solo por civiles desarmados y sin ningún
interés militar comienza a realizar multitud de apuntes y versiones de los que saldrá la
obra final.
Actividad: en el siguiente recuadro realiza tu crítica la opinión sobre la obra el Guernica
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Actividad: observa con atención las siguientes imágenes artísticas y realiza una crítica
sobre ellas, utiliza tu propio criterio estético y los pasos que un crítico de arte realiza para
emitir una opinión sobre ellas, recuerda que este análisis de imagen lo tendrás que realizar
con los recursos que tengas a tu disposición y por ello las imágenes son sencillas. Pide
opinión a tus papas sobre las obras y comparte con ellos este trabajo, disfruta de los
comentarios familiares y no lo veas como una simple tarea, si, no, como una oportunidad
de expresarte sobre este tipo de imágenes en convivencia familiar.
Se trata de la noche estrellada del pintor holandés Vincent Van Gogh, creada en 1889,
Quizá uno de los cuadros mas revalorizados por la crítica artística y la mercadotecnia
actual.
Analízalo, coméntalo en familia, indágalo y realiza tu
critica artística.
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Tumba del papa julio II
ACTIVIDAD:
lee con atención y escribe tu
opinión sobre esta obra artística
Tipología. Escultura de bulto redondo y
sedente que se enmarca dentro de un grupo de
esculturas dentro del proyecto para la tumba
del papa JULIO I I.
El proyecto de Miguel Ángel Buonarroti nunca se
realizaría quedando reducido a lo que se ve hoy en la
catedral de San Pedro en el vaticano, que es
un sepulcro retablo dividido en dos cuerpos y tres
calles decorado con veneras, ménsulas y decoración a
candelieri realizada a relieve. En el piso inferior en el
centro Moisés entre Raquel y Lía, símbolos de la vida
activa y contemplativa o pensamiento.
En el nivel superior sobre Moisés el sarcófago del Papa
con su figura recostada que parece proteger desde su
hornacina una Virgen con el Niño.
ICONOGRAFÍA
Miguel Ángel presenta a Moisés casi anciano, pero
con poderosa anatomía (al igual que Laocoonte). En
su brazo derecho lleva las tablas de la ley, mientras
que el izquierdo descansa sobre el abdomen Los dos
cuernos de la cabeza son consecuencia de una
traducción errónea de la Biblia, desde la cual se
consideraron atributos del personaje.
Moisés aparece girándose hacia su izquierda y
mirando con furia, poseído de rabia y a punto de
levantarse y estallar. El motivo de esta ira ha
sido interpretado,
Bien porque se percata de que los hebreos están
adorando a un becerro de oro, y su ira le
conduce a romper las tablas, que es la más
aceptada. Bien porque acaba de conocer que
jamás alcanzará la Tierra Prometida.
ANÁLISIS.
Material. El material es el mármol siendo el
procedimiento la talla, su tratamiento
presenta superficies pulidas y suaves y rugosas
y trabajo a trépano en barba, rizos, con ello se
observa como la luz resbala o crea efectos de
luces y sombras en los pliegues acentuando el
volumen
Consigue extraordinarias texturas en las superficies por ejemplo la piel de brazos, rodillas,
tejidos y el modelado de músculos y el detalle de las venas hinchadas
La sensación es de una gran masa escultórica. Esta grandeza humana es símbolo de su
grandeza espiritual
Composición
Existe un ligero contraposto marcado por la posición de
brazos Su brazo derecho que sujeta las tablas y mesa
sus barbas hacia arriba y su brazo izquierdo en ángulo
hacia abajo
Codo derecho muy retrasado y la pierna adelantada y
fuertemente asentada y en la izquierda codo que parece
adelantarse y pierna en ángulo que se retrasa para
realizar el esfuerzo de levantarse
Las líneas rectas quedan compensadas por dos líneas
curvas paralelas: la que forma la larga barba rizada, y
la iniciada en su brazo izquierdo que llega hasta su
pierna derecha.
Mientras que en su perfil derecho dominan las
verticales y el izquierdo se abre mediante los ángulos
de la pierna y el codo y el giro acusado de la cabeza.
Así mismo se percibe una línea en zigzag o desde su
pierna izquierda subiendo por brazo y terminado en la
cabeza.
Con esta composición, el artista sugiere el movimiento
en potencia, los músculos están en tensión, captando
el instante en que Moisés vuelve la cabeza y va a
levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su
pueblo.
La expresión abandona ya la idea de
equilibrio propia del Renacimiento ya que
es de una gran fuerza y terrible: las barbas
encrespadas, mirada furiosa, huecos
oculares (en los que al penetrar la luz
genera claroscuro), labios entreabiertos,
los dedos crispados sobre las
barbas… esto es lo que se conoce como
terribilidad, el momento anterior al
estallido de la
furia, es decir
movimiento en potencia, no ha roto aún las tablas, pero las
romperá.
Simbolismo: algunos han querido ver en el Moisés un
retrato idealizado del propio escultor o del Papa Julio II,
guerrero y líder espiritual, al igual que el profeta bíblico.
Otros piensan que puede ser un símbolo de los elementos que
componen la Naturaleza; así, la barba representaría el agua
y el cabello, las llamas del fuego., Tal vez el Moisés sea una
" sencilla y genial representación de la ira" que tuvo Moisés
al contemplar la traición del pueblo hebreo o su frustración
por no poder llegar a ver la Tierra Prometida.
COMENTARIO.
La larga vida de Miguel Ángel le permitió vivir la transformación y los cambios del siglo
XVI. De los primeros años de mecenazgo del Papado y del pleno clasicismo, se pasa a la
crisis espiritual provocada por la Reforma protestante que afectó al artista y a la
intervención de Francia o España en su intento por influir en Italia y en el nombramiento
y posición diplomática de los Papas. Los tercios españoles llegaron a saquear Roma
Miguel Ángel como escultor trabaja en Florencia y Roma. En Roma recibe los encargos de
los grandes Papas del momento. Fue arquitecto (Cúpula de San Pedro), pintor (frescos
de la Capilla Sixtina) y sobre todo escultor. La influencia de la escultura se observa en las
poderosas anatomías de las imágenes de sus pinturas.
Como escultor evoluciona
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