INTRODUCCIÓN
La cultura mexicana es muy rica y diversa, se ha nutrido de elementos,
costumbres y tradiciones de sus pueblos a lo largo de su historia. Esto se ve reflejado en
la creación de artesanías de distintas regiones del país, impregnando cada una de ellas
de autenticidad y estilos únicos para compartir la belleza cultural de México.
Las artesanías mexicanas son un ejemplo de la compleja y rica diversidad
cultural que conforma el país; cada una de estas artesanías, que resultan de un trabajo
manual único que las hace especiales al encontrase alejadas de la industrialización,
contiene y refleja la identidad de los pueblos y regiones de donde provienen o fueron
hechas.
Existen tantas artesanías en el país, como regiones, pueblos y tradiciones. Esta
diversidad se ve plasmada en los propios productos, mismos que se elaboran con base
en materiales que son obtenidos en la región que habita la artesana o el artesano.
Las artesanías conjuntan diseño, arte, estética, divinidad y sentido práctico del
producto; por lo que los artesanos y cultores son considerados maestros y maestras en
técnicas ancestrales que, en la mayoría de los casos, se aprenden en el seno de una
familia para continuar con una larga tradición.
Federico Silva
Nacimiento: 16 de septiembre de 1923 (98 años)
Ciudad de México (México)
Nacionalidad: mexicana
Información profesional
Ocupación: Escultor y pintor
Empleador: Universidad Nacional Autónoma de México
Distinciones: Premio Nacional de Ciencias y Artes (1995)
Antes de dedicarse a las artes, Federico Silva realizó estudios de veterinaria,
derecho y antropología. Su aprendizaje en las artes se dio de forma autodidacta a través
de libros, primero, y luego de forma práctica bajo la supervisión de David Alfaro
Siqueiros, de quien fue asistente; destaca la colaboración de Silva en el mural Nueva
democracia que Siqueiros realizara en el Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de
México. A partir de su vínculo con el mencionado muralista, Federico trabó amistad con
figuras como Diego Rivera, Leopoldo Méndez, Pablo O´Higgins y el escritor José
Revueltas que ayudaron a continuar su formación artística.
Tras la Segunda Guerra Mundial viajó a Europa, donde residió principalmente
en Austria e Italia, para luego regresar a México y organizar el Primer Salón de la
Pintura, en el cual participó con la obra Aregumentum Baculinum que le hizo
merecedor de una mención honorífica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).
Desde 1950 comenzó a pintar sus propios murales; también empieza su
experimentación en la escultura y el arte cinético.
Desde 1992 es miembro de número de la Academia de Artes de México, de la
Sección Escultura
Durante varias décadas ha sido investigador en la Coordinación de Humanidades
de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
Entre sus obras se encuentran Fuente solar en Michoacán, Alux de la muerte en
la Plaza de las Tres Culturas, Canto a un dios mineral en el Palacio de Minería,
Vigilante, obra dedicada al satélite Morelos, Espacio matemático en la Facultad de
Ingeniería de la UNAM, el mural Huites en Sinaloa, Pájaro C, Serpientes del Pedregal y
varios monumentos ubicados en Aguascalientes, Puebla y Tlaxcala. Algunas de sus
obras se encuentran en España, Estados Unidos, Francia, Suecia, Japón y Jamaica.
Pedro Friedeberg
Nacimiento:11 de enero de 1936 (85 años)
Florencia (Reino de Italia)
Nacionalidad: mexicana
Educación: Educado en Universidad Iberoamericana Información profesional
Ocupación: Escultor y pintor
Área: Pintura y escultura
Friedeberg ha pintado y creado murales para diferentes instituciones mexicanas.
En el extranjero, ha creado ilustraciones y portadas de libros, muebles y diseños
completos. Friedeberg era el director de arte de un espectacular llamado "El Árbol de la
Vida, juntos con Sergio Villegas". Comenzó a diseñar muebles en los sesenta,
rechazando el estilo dominante internacional de la arquitectura. Friedeberg ha creado
sillas, mesas y sillones con diseños que se consideran fantásticos. Su obra la mano-silla
es muy famosa y ha vendido más de 5,000 copias desde su creación, en 1962.5 La silla
original la hizo en madera, cubierta por láminas de oro.910 Está diseñada para sentarse
en la palma, usando los dedos como respaldo y descansabrazos. Friedeberg ha declarado
que nunca está muy relajado, y afirma haber pintado un lienzo por semana, 52 semanas
al año, durante 50 años de carrera, además de las esculturas y el diseño de sillas. Sus
pinturas, esculturas y muebles estaban muy de moda en los sesenta y setenta.
Sus dos exhibiciones individuales fueron en la Galería Diana, en 1959, y en la
Galería Protec, en 1960, ambas en la Ciudad de México. Durante los sesenta, tuvo
dieciséis exhibiciones en México, Francia, Nueva York, Portugal y en la Unión
Panamericana, en Washington, D.C., en 1963. En los setenta, tuvo diecinueve
exhibiciones en varias ciudades de México y de los Estados Unidos, en Barcelona, en
Haifa (Israel) y en Canadá. En los ochenta, tuvo trece, incluida una en el Museo de Arte
Moderno en la Ciudad de México. Durante la década de los noventa, tuvo veintiún
exhibiciones, la mayoría en México; entre ellas, un tributo a su trabajo en 1997 y una
exhibición en Colombia. Ya en el siglo XXI, ha tenido nueve, todas en México, a
excepción de una que tuvo lugar en Alemania, en el 2000, y otra en Bélgica, en el 2003.
También, participó en varias.
Desde su primera exhibición, su trabajo tuvo un estilo fácilmente identificable.
A veces, se ha inspirado en planos arquitectónicos para crear diseños inusuales, e
inclusive ha utilizado objetos inútiles, resultado de su aburrimento. Ha estudiado e
incorporado elementos de las varias modas artísticas que ha vivido, desde el art nouveau
hasta el op art. Gran parte de su trabajo es de calidad industrial, derivado de su
experiencia con lo arquitectónico. Sin embargo, tiene una calidad algo soñadora a la
vez, pintando lugares imposibles y otras estructuras, con innumerables pasillos y
cuartos, pasajes secretos y escaleras absurdas.
Las pinturas, muebles y otras cosas de Friedeberg se caracterizan por estar llenos
de ornamentos, con poco o sin espacio en blanco, llenos de líneas, colores y símbolos,
que hacen referencia a esculturas antiguas, códices prehispánicos, el catolicismo, el
hinduismo, etcétera. Está en desacuerdo con la crítica que expresa que él agrega
ornamentos a su obra como distracción, argumentando que la ornamentación es la forma
más antigua de arte fino para darles a los objetos una cualidad excepcional, incluso
religiosa. Friedeberg ha llamado a su sobre ornamentación "un churrigueresco
Nintendo".
Pertenece a un grupo de artistas surrealistas mexicanos del siglo XX, entre los
que se incluyen Gunther Gerzso, Mathias Goeritz, Alice Rahon, Kati Horna, Leonora
Carrington, Remedios Varo y Paul Antragne, cohesionados en un grupo conocido como
“Los Hartos”. Los integrantes fueron especialmente conocidos como originales,
excéntricos, irreverentes e iconoclastas. Su técnica no ha cambiado desde que empezó,
y sus temas sólo han variado ligeramente. Aún incluye animales fantásticos en algunas
de sus obras. Ha criticado el arte moderno diciendo “El arte ha muerto. Después del
surrealismo, no ha habido nada nuevo”. También dice que la gente ha perdido su gusto
por la ironía, el sarcasmo y lo absurdo.
Gabriel Orozco
Nacimiento: (27 de abril de 1962 (59 años)
Xalapa
Nacionalidad: mexicano
Familia: Padres Cristina Félix Romandía y Mario Orozco Rivera
Hijos: Simón Orozco
Información profesional: Ocupación Artista, escultor, pintor, fotógrafo, dibujante,
artista de instalaciones, artista conceptual y computer artist
Obras notables: Mátrix Móvil
Distinciones: Sección Espacios Alternativos en el Salón Nacional de Artes Plásticas en
la Ciudad de México (1987), Naranja Azul (2006)
Orozco asistió a la Escuela Nacional de Artes Plásticas entre 1981 y 1984, pero
el programa de estudios le pareció conservador y en 1986 se trasladó a Madrid y se
matriculó en el Círculo de Bellas Artes. Fue entonces cuando sus instructores lo
introdujeron a una amplia gama de artistas de la posguerra que trabajaban en formatos
no tradicionales, entre los que se encontraba el grupo MatC (Man at the Crossroads).
En 1987 Orozco regresó de sus estudios en Madrid a la Ciudad de México en
donde organizó reuniones semanales en su casa con un grupo conformado por otros
artistas como Damián Ortega, Gabriel Kuri, Abraham Cruzvillegas y el Dr. Lakra. Este
grupo se reunió una vez por semana durante cinco años y con el tiempo la casa del
artista se convirtió en un lugar en el que muchos proyectos artísticos y culturales
tomaron forma.
Sus primeros trabajos tuvieron por objeto romper con la corriente predominante
de la década de 1980, que a menudo incluía grandes estudios con muchos asistentes y
elaboradas técnicas de producción y distribución. En contraste, Orozco siempre ha
trabajado solo o con uno o dos asistentes más. Su trabajo gira en torno a muchos temas
que se repiten y a técnicas que incorporan objetos comunes y de la vida real.
La exploración de los materiales que él escoge permite a la imaginación del
público explorar las asociaciones creativas entre objetos frecuentemente ignorados en el
mundo de hoy, de ahí que se considere su obra más un producto del discurso literario
que una obra específicamente de arte plástico. “Para él [Orozco], la descentralización de
las prácticas de manufactura refleja una rica heterogeneidad del objeto y del material.
No hay manera de identificar una obra de Orozco en términos de un producto físico. Por
el contrario, su obra debe ser descifrada a través de hilos conductores y estrategias que
se repiten constantemente, pero en formas y configuraciones en constante mutación.” -.
Ann Temkin “Lo más importante no es tanto lo que la gente ve en la galería o en el
museo, sino lo que ve después de ver estas cosas, la manera en la que se enfrenta de
nuevo a la realidad”.
Francisco Coronel Navarro
Es un maestro artesano de laca nacido en 1941 que creció en una familia de
artesanos en Olinalá, Guerrero, pueblo con artesanías famosas desde épocas
precolombinas. A muy corta edad aprendió la técnica de laqueado que utilizaban sus
padres y abuelos y creó piezas que comercializaba en Morelos. Pronto estas técnicas
fueron ejecutadas de manera magistral, por lo que su trabajo comenzó a resonar y ser
reconocido
El artesano ha exhibido su trabajo en la Ciudad de México, en lugares como
el Museo Nacional de Culturas Por Populare y en el Instituto Mexicano de Cultura en
Washington DC.[6] Él ha creado trabajos para corporaciones como Banamex y dos de
sus piezas fueron creadas como regalos para la Reina Elizabeth II y el Papa Juan Pablo
III Ha ganado más de treinta premios importantes incluyendo el Premio Nacional de
Ciencias y Artes en 2007, recibido del Presidente de México Felipe Calderón. Usó el
premio de 450,000 pesos para expandir su taller y comprar materiales.
Coronel Navarro también ha enseñado activamente a las próximas generaciones
de artesanos en su estado natal, incluyendo a los ocho de sus hijos, cinco de los cuales
se gana la vida como su padre
Hasta ahora conjunta más de 30 reconocimientos por su trabajo, entre los que se
encuentran el Gran Premio de Arte Popular 1995, entregado por el FONART; y
el Premio Nacional de Ciencias y Artes 2007, en la categoría Artes y Tradiciones
Populares, entregado cada año por el Gobierno de México.
Irene Aguilar Alcántara
La maestra Aguilar, nacida en 1951, es originaria de Ocotlán de Morelos,
Oaxaca. Ella es miembro de una familia de larga tradición alfarera y de quienes
aprendió su oficio. Desde la edad de 5 años comenzó a elaborar piezas de barro
modelado y policromado que con el paso del tiempo la hicieron famosa por impregnar
en ellas su estilo y visión propias.
Manufactura piezas individuales como músicos, diablos, monjes, catrines,
muertes y demás personajes que le han dado reconocimiento; mismo que creció por su
elaboración de obras escultóricas más elaboradas y complejas, como escenas de
mercados, actividades diarias y festividades de su pueblo.
Su trabajo ha roto barreras y ahora tiene clientes provenientes de Australia,
Japón, Canadá y Estados Unidos; además, sus piezas han sido expuestas en diferentes
recintos culturales en todo el mundo. A lo largo de su carrera ha sido premiada en 13
ocasiones; entre los galardones que le fueron entregados se encuentran el Premio
Nacional de Cerámica 1999 y el Galardón Pantaleón Panduro.
Asimismo, su obra está presente en los libros Grandes Maestros del Arte Popular
Mexicano y Mexican Folk Art From Oaxacan Artist Families.
