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INDICE

CONTENIDO DIAP PAG

 01 QUE ES EL ARTE ............................................................. 2

 02 ARTE Y BELLEZA ............................................................. 3
 03 EXPERIENCIA ESTÉTICA ................................................ 4
 04 MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS .................................. 6
 05ESTÉTICA EN GRECIA ..................................................... 7
 06 ESTÉTICA EN LAS ESCUELAS HELENÍSTICAS ............ 9
 07 ESTÉTICA EN ROMA ...................................................... 10
 08ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD ANTIGUA .............. 11
 09 ESTÉTICA EN EL MEDIOEVO ......................................... 12
 10 ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD MEDIA .................. 13
 11 ESTÉTICA RENACENTISTA Y MANIERISTA .................. 14
 12 ESTÉTICA BARROCA Y ROCOCÓ .................................. 16
 13 ESTÉTICA EN EL NEOCLASICISMO
Y ROMANTICISMO ................................................................ 18
 14 ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD MODERNA ........... 20
 15 BELLEZA OBJETIVA O SUBJETIVA ................................ 21
 16BELLEZA ABSOLUTA O RELATIVA .................................. 22
 17JUICIOS ESTÉTICOS ........................................................ 23
 18 ESTÉTICAS DEL SIGLO XIX ............................................ 24
 19ASPECTOS DEL ARTE EN EL SIGLO XIX ........................ 25
 20ESTÉTICAS DEL SIGLO XX .............................................. 26
 21ASPECTOS DEL ARTE EN EL SIGLO XX ......................... 28
 22BELLEZA VS VALORES .................................................... 29
 23FINALIDAD DEL ARTE ...................................................... 30
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01 QUE ES EL ARTE

Es posible formular una definición amplia del arte a partir de la

etimología de esta palabra que proviene del término ars, equivalente latino de
la voz griega techne. Según este significado original y con un sentido amplio, el
arte es la adquisición de destreza para la realización de una actividad,
mediante su práctica con un fin determinado. Esta acepción permite por
ejemplo hablar del arte de la guerra como la aptitud para combatir obtenida a
través de la aplicación de la estrategia de la táctica y del uso de las armas en
un enfrentamiento con enemigos.

En un sentido estricto, el término arte es utilizado para señalar las

actividades que persiguen una finalidad estética. Dentro de este concepto
quedan englobados aquellos actos a través de los cuales el ser humano busca
expresar sus emociones, manifestar sus sentimientos, sus angustias, sus
inquietudes y aspiraciones espirituales. Aunque no existe una definición exacta
que delimite la noción de arte, diversos artistas y pensadores se han dedicado
a reflexionar sobre dicha noción y de sus ideas nació una rama de la filosofía
denominada estética; de acuerdo con los sistemas de ideas dominantes en los
terrenos filosóficos, sociológico o psicológicos surgen diversas teorías
estéticas.

Determinados autores intentaron definir el arte distinguiéndolo de otras

disciplinas. Por contraposición, los estudiosos pertenecientes a esta corriente
señalan que el arte no es ni ciencia ni filosofía por que no extiende el dominio
del saber científico o filosófico. Esta definición como otras, intentan circunscribir
la noción de arte; sin embargo, ninguna de ellas ha logrado aún una definición
absolutamente precisa de que es el arte.
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02 ARTE Y BELLEZA

Los filósofos suelen vincular el arte con la belleza, pero al afirmar que la
belleza es la esencia del arte no resuelve el problema, sino que abren una
nueva polémica: la definición de lo bello

Este concepto ha cambiado a lo largo de la historia del pensamiento.

Algunos autores clásicos estiman que la belleza es un producto de la actividad
humana. Aristóteles por ejemplo sostenía que el arte es la facultad de producir
dirigida por la razón humana. Esta idea del hecho artístico le permitió afirmar
que el hombre puede buscar las leyes de la belleza en la armonía de las
proporciones y en la geometría. Otros filósofos por el contrario consideraron
que la belleza es completamente ajena al ser humano individual. Para Platón,
por ejemplo, lo bello es un absoluto que solo existe en el plano superior al real,
que este filosofo denomino el mundo de las ideas. En consecuencia, las
manifestaciones concretas del arte son solo un reflejo imperfecto de la idea
abstracta y perfecta de la belleza. A lo largo de la historia, los grandes
pensadores definieron la belleza y desarrollaron una estética a partir de sus
sistemas de ideas. Por lo tanto existen diversos puntos de vista sobre el arte y
la belleza, aunque ninguno puede señalarse como definitivo e incontrovertible
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03 EXPERIENCIA ESTÉTICA(D0_B1)

La experiencia estética está involucrada con los siguientes elementos:

objeto, sujeto y contexto
EXPERIENCIA ESTÉTICA

Contexto
Objeto Sujeto
 Época
 Materiales  Edad  Lugar
 Técnicas de elaboración  Sexo  Panorama socio
 Sello del artista  Cultura político
 Personalidad Cultural económico
 Clase social

Según Brest. Madera deDureroAlemania s. XVI (Renacimiento)

Comparación
entre los Aguafuerte de Rembrandt Holanda, s. XVII (barroco)
grabados de
Piedra de Daumier Francia, s. XIX (Romántico)

Para que un objeto sea una obra de arte, debe

PR  Darse en determinadas condiciones sociales (no siempre
OD propicias)
UC  Contar con soporte material (sonidos, telas, mármol, etc.)
CO TO  Poseer una forma distintiva, única, irrepetible que identifica la
personalidad del artista y su contexto
M
O
RE  Producir un placer estético, aunque puede entremezclarse
CE temor, reflexión o rechazo por el contenido o mensaje (ej: el
PCI Guernica de Picasso)
 Ser polisémica, prestarse a diversas interpretaciones, cualidad
ÓN
que propicia su trascendencia
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COMENTARIO SOBRE LA EXPERIENCIA ARTÍSTICA

En lugar de los artistas grabadores, pongamos artistas músicos y

literatos. En el caso de la música, en lugar de Durero, consideremos a
Palestrina, cuyo contexto es Italia s. XVI, el catolicismo, el renacimiento. Su
sello es la moderación de la polifonía. El material es el sonido de la voz. Los
instrumentos todavía eran considerados generadores de pasiones bajas. En
lugar de Rembrandt, consideremos a Bach, cuyo contexto es Alemania, s.
XVII, el protestantismo, el barroco. Su sello es el máximo representante del
contrapunto. Los instrumentos ya eran aceptados. Monteverdi ya había
concebido la orquesta. En lugar de Daumier, consideremos a los Beatles, cuyo
contexto es Inglaterra, s. XX, el movimiento del jazz, la guerra de Vietnam. Los
instrumentos ya no necesitan de la fuente acústica del aire. Ahora son
eléctricos y electrónicos, que pueden quedar registrados sus sonidos en
soportes discográficos.

Tal es el poder de la música, que de un simple danza (el rock and roll),
se convirtió en un género (el rock). No se detuvo allí, hasta convertirse en un
mundo nuevo dentro del mundo (el rock como estilo de vida, como paradigma
de un nuevo tipo de pensamiento). El rock implicaba el pelo largo, la vida light,
el pacifismo, los hippies, los alucinógenos, hacer el amor y no la guerra, la
crítica al gentleman, etc.

En el caso de la literatura, en lugar de Palestrina, consideramos a

Dante, cuyo contexto era Italia, s. XIV, la edad media, el fin de las cruzadas,
predominaba la música religiosa, su famoso ciclo de poemas “La divina
comedia” transformó el pensamiento religioso de la época con sus 9 cielos, el
purgatorio, el infierno, etc. En lugar de Bach, consideremos al novelista Dan
Brown, cuyo contexto es EEUU, s. XXI, donde todas las creencias son
cuestionadas. Creador de la novela de misterio “El código D’Vinci”,
complementada por la película basado en su libro, generó una nueva forma de
ver al cristianismo, al Cristo, la logia de Leonardo da’vinci, su pintura de la
santa cena, el rol de magdalena, etc. , la descendencia de Cristo, etc.

Como vemos, el poder del arte parece no tener límites cuando

trasciende, se propaga, se instala en el corazón de las masas, genera nuevos
paradigmas, etc.
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04 MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS

Tradicionalmente se señalan la existencia de artes que se manifiestan

desde la prehistoria y que con mayor o menor vigor estuvieron presentes en
todas las culturas que coexistieron o se sucedieron y perduran hasta la
actualidad. Estas 6 artes son la pintura, la escultura, la arquitectura, la
literatura, la música y la danza. A ellas se sumó en el siglo XX el cine, llamado
en consecuencia el séptimo arte. La fotografía y la televisión también
constituyen manifestaciones artísticas modernas. Además el surgimiento de la
videograbación permitió producir formas expresivas propias de la televisión
como el videoclip. La división del arte en distintas formas de expresión
sometidas a determinadas reglas no fue estética. en su evolución, éstas
manifestaciones del espíritu humano se interrelacionaron. Es decir, que tanto
en su expresión tradicional como en sus manifestaciones más modernas, las
formas del arte se combinaron entre sí. En la opera por ejemplo se mezclan el
canto y el drama. El ballet suma la danza y la música. La talla en madera
recurre asiduamente a los materiales y técnicas de la escultura y la pintura. La
fotografía en consecuencia está presente en la plástica actual y el cine combina
la música, la pintura, la prosa literaria y el drama, a lo que se añade un estilo
actoral de características peculiares.
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05ESTÉTICA EN GRECIA

En el siglo de oro de Pericles, el arte tuvo mucho esplendor. Demócrito

(s. IV AC), uno de los primeros en estudiar el arte de modo más descriptivo que
conceptual, lo consideró como tendiente al placer basado en la naturaleza
donde se encuentra la belleza.
Los artistas se inspiran en ella, por lo que el arte es de estilo naturalista.
La belleza está asociada a la bondad. La belleza para los sofistas era relativa a
cada individuo.

Para Sócrates, el arte es la idealización de la naturaleza y la belleza no

solo puede ser física, como la entendían hasta entonces, sino también
espiritual.

Para Platón, el arte es la capacidad, destreza o habilidad (tekhne) de

realizar cosas con inteligencia tanto material como intelectual, asociado a un
aprendizaje. Tanto el alfarero como el zapatero, el poeta o escultor hacían arte,
porque era suficiente tener la habilidad para hacerlo.

Con todo, a estas habilidades se las dividía en serviles (escultura,

pintura) porque involucraba un trabajo corporal, manual; y en liberales (poesía,
música) porque se vinculaba a un trabajo mental, intelectual.

La obra artística tenía lugar gracias a la poiesis (“crear” en griego).

Platón la define como la causa que convierte cualquier cosa de no ser a ser. Es
el proceso creativo. En la filosofía moderna, Heidegger la compara con el
florecer de una flor, el salir de una mariposa de su capullo, la caída de una
cascada cuando la nieve comienza a derretirse; es decir, es un momento de
éxtasis producido por la transición de una cosa que se aleja de su posición
inicial para convertirse en otra. En la actualidad artística, es la fascinación
provocada por la integración e interrelación de distintos elementos de un
conjunto para generar una nueva entidad estética.

Platón introdujo el concepto de mímesis (imitación de la naturaleza, de

cosas, de personas y de acciones). En este sentido deplora a los artistas por
ser pseudoartífices ya que su imitación está lejos del original que está en el
mundo de las ideas. Lo que hacen es copia de una copia. También proponía
desterrar de la ciudad a los poetas por ser el arte peligroso para la juventud.

En sus escritos, trato el tema de la belleza corporal y de las almas. La

belleza es objetiva. Está en el mundo de las ideas. De las definiciones de
belleza que postula, asocia ésta con la utilidad y el bien moral. El amor por las
cosas bellas puede conducirnos a la belleza ideal platónica perfecta.
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Para llegar a este estadio, primero se debe amar la belleza física, de los
cuerpos; luego amar la belleza celestial, de las acciones y por último amar la
belleza ideal, la de la ciencia. El objeto artístico debe contener armonía,
proporción y esplendor. De aquí se desprenden las dos teorías de la belleza
que dominaron casi toda la historia de la estética: la belleza como armonía y
proporción; y la belleza como esplendor.

La belleza que sostenía Platón abarcaba la física, espiritual, moral y

cognoscitiva. La belleza y bondad eran sinónimas.

Aristóteles distinguía 3 tipos de pensamiento: conocimiento (teoría),

acción (praxis) y realización (poiesis).

Coincidía con Platón en la objetividad de la belleza y en el concepto de

mímesis como objetivo del arte. La belleza tiene que ver con la magnitud,
orden, proporción y simetría. La belleza ha de ser agradable y buena
simultáneamente; es decir, la belleza causa placer y tiene un valor intrínseco,
es valiosa por sí misma independiente de su finalidad

Sea A un objeto artístico

Si A es bello  A es placentero y bueno (simultáneamente)

Si A es placentero y bueno, no necesariamente A es bello

Definió la tragedia como la imitación de acciones, con refinamiento de

lenguaje dando lugar a un efecto denominado catarsis (purificación de las
emociones)

Imitación (Proceso Estético)

↑
Realidad → ficción
Ficción → realidad
↓
Catarsis (Proceso Ético)

Contrario a Platón, alentaba el género de la tragedia porque generaba la

beneficiosa catarsis, con la cual se purgaban las emociones de terror y
compasión. Sentirlas en la ficción era más inofensivo que sentirlas en la
realidad de las guerras o fatalidades
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06ESTÉTICA EN LAS ESCUELAS HELENÍSTICAS

En el PERIODO HELENÍSTICO, hubo una decadencia filosófica. Hay

una transición consistente en la disminución de la exploración del cosmos
(física, metafísica, biología); y un aumento del estudio del ser humano, la
sociedad y la moral (psicología, ética, política, poética). El arte produjo formas
dinámicas, recargadas, emotivas (Ej: escultura de Laoconte y sus hijos).

El ESTOICISMO que promovía la autosuficiencia del hombre, tuvo como

objetivo la felicidad mediante la virtud, la moderación y el dominio de las
pasiones. Relacionaban la belleza con la moral, por lo que la poesía debía ser
una vía para el crecimiento espiritual. Veían la belleza tanto en la totalidad
como en sus partes constitutivas de los objetos y de los seres vivos. La
proporción genera la belleza total y lo conveniente y adecuado, la belleza
relativa.
Plantearon una categoría estética: la fantasía (concepto psicológico
basado en la imaginación)

El EPICUREÍSMO poco abordo la estética. Con influencia hedonista

(hedone=placer), este movimiento asociaba el bien con el placer, donde el
hombre debe buscar solamente la felicidad por sobre la cuestión espiritual. Si
bien no eran como los cirenaicos (placer egoísta), los epicúreos bregaban por
la felicidad asociada a la razón y el bien común
Menipo de Gadara sostenía que la bondad poética está en la unidad de
forma y contenido y no en cualquier contenido moral que pretenda tener la
poesía

El ESCEPTICISMO se abstenía de todo juicio debido a la imposibilidad

de contar con el conocimiento verdadero. Opinaban que el arte, la música y la
literatura eran negativas, sin beneficio y perjudiciales por el riesgo de confundir
al hombre con lo ficticio. La belleza, aunque proporciona placer, no tiene valor
práctico

El NEOPLATONISMO afirma que la belleza es interior, pertenece al

alma y el arte es una representación exterior del espíritu. Contrario a
Aristóteles, la belleza no está en la simetría, ni en el conjunto, ni en sus partes
constitutivas, ya que si algunos elementos del conjunto no fueran bellos, el
conjunto no lo sería. La belleza no está en las formas, sino detrás de ellas, en
la vida, en el alma, en el resplandor. Ej: el fuego tiene belleza en sí mismo sin
necesitar forma.
Plotino (s. III DC) promueve un paradigma estético: la estética de la luz,
el cual domino en el gótico medieval.
El artista, en lugar de imitar a la naturaleza, debe extraer de su interior la
idea de belleza y mediante el intelecto plasmarla en la materia. El proceso de
buceo hacia esa luz debe hacerlo no racionalmente, sino por inspiración.
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07ESTÉTICA EN ROMA

Siglo I AC: El arte es imitación de la realidad. La belleza tiene que ver

con la proporción y el orden (Cicerón, orador rom.)

La poesía debe estar sujetas a ciertas reglas racionales (Horacio, poeta

rom.).

La obra artística debe tener belleza y utilidad. Además de esta última

cualidad, la belleza se basa en la proporción y el color (Vitrubio, arq rom.)

En el siglo II DC, Galeno, (med gr) realiza una clasificación de las artes,
la cual se respetó en todo el medioevo. En las artes liberales (intelectuales) se
encuentran la retórica y la música, entre otras. En las vulgares (manuales), la
arquitectura, escultura y pintura.

Siglo III: Surge una categoría estética: lo sublime (Longino, fil gr).
Comparando con lo bello, este guarda las formas, lo sublime es independiente
de ellas. Lo bello es contención, lo sublime es incontinente, grandioso, etc.
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08ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD ANTIGUA (D1_B2)

JERARQUÍA:

Habilidad mental y/o manual. (tekhné, griego ≅ ars, latino  arte)

Alfarero, zapatero, escultor, poeta, etc.

Artesanías = arte
Serviles (escultura, pintura) → existe trabajo
Artes corporal, manual
≡ Liberales (música, poesía) → hay trabajo mental intelectual

OBJETIVOS:

Mímesis (imitación de la naturaleza, de cosas, personas y acciones)

(Aristóteles)

En medio de guerras, La Tragedia Purificación de Pasiones

vivencia inofensiva de esas excesivas como la
← ↓ →
emociones en la ficción del compasión y el temor
teatro, evitaban llegar a ser Catarsis
destructivas en la realidad

FUNCIÓN:

Producir determinados efectos en el receptor lo cual puede generar:

 Justificación artística

o Aristóteles le atribuye una función positiva mediante “la catarsis”

 Rechazo artístico

o Platón le atribuye una función negativa; propone expulsar a los

poetas de la república por la influencia negativa que ejerce en la
juventud

 Ver trabajos prácticos

o TP lenguajes y función del arte en los hebreos

o TP lenguajes y función del arte en los griegos

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09ESTÉTICA EN EL MEDIOEVO

En la alta edad media, el motor bibliográfico para las artes es la Biblia

Bueno (Sentido ético hebreo)
 Vio Dios que todo lo creado era
Bello (Sentido estético griego)
(Génesis 1:31)
 Es vana la belleza (prov 31:30) (la moral sobre la belleza)
 Libros de Daniel y Apocalipsis. (simbologías sobre el pasado y futuro)
Los símbolos en el arte, mediante la iconografía, tenían un significado
religioso. Debido al analfabetismo reinante, el símbolo debía cumplir una
función didáctica para evangelizar a la gente mediante los iconos. En lo
didáctico, el artista en lugar de crear, traducía conceptos colectivos, no
individuales; de ahí que el arte tenía una función social.
La belleza está en la expresión, en los símbolos y no en las formas,
proporción, representación y perspectiva (filosofía neoplatónica del resplandor
de Plotino, s. III)
La belleza esta fuera del objeto artístico, está en el resplandor, detrás del
objeto. La belleza es la luz, el bien, el reflejo de la belleza divina (pseudo-
dionisio, fil gr., s. V)
La belleza es objetiva. No se encuentra en el mundo de las ideas, sino en
Dios (S. Agustín, Argelia, s. V)
En la baja edad media, Surge la estética de la luz (símbolo de la divinidad)
reflejada en las luminosas catedrales góticas con amplios ventanales y
coloridos vitrales. Cada color tenía también un significado simbólico,
refiriéndose a un atributo divino o humano.
En el siglo XII surge la expresión “ars pulchra” (arte bello) en una obra
goliarda (profana) donde el arte se relaciona por primera vez con la belleza
En esta época, surge la ESCOLÁSTICA. En las universidades estudian los
temas religiosos desde una postura más racionalista, sin desconsiderar la fe.
Para ello, dan relevancia a la filosofía aristotélica en lugar de la de Plotino. Esto
implica que ahora la belleza tiene armonía, proporción, simetría, medida, forma
y orden (Aristóteles), además de la luz como principio básico de la belleza (S.
Buenaventura, teol it. s. XIII)
La belleza se produce cuando la materia en su proporción y armonía,
trasluce su esencia (fusión de las teorías aristotélicas y neoplatónicas por
Alberto Magno, teol al. s. XIII)
Para que el objeto artístico sea bello debe ser íntegro, armonioso y
resplandeciente, ya que al ser roto o incompleto, o desproporcionado o no
tener claridad como símbolo de la verdad, el objeto dejaría de ser bello (S. T.
de Aquino, teol it. s. XIII)
El amor es fuente de belleza. El artista debe crear su obra de arte inspirado
en el amor. (Dante Alighieri, poeta it. s. XIV)
Creación del Criatura de Dios
hombre por amor por amor

Arte ----R-→ naturaleza ----R- → obra de Dios

Nieto de Dios
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10ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD MEDIA (D2_B3)

JERARQUIA:

 LA JERARQUÍA DEL ARTE ES SIMILAR A LA ANTIGUEDAD,

EXCEPTO EL TÉRMINO MECÁNICO EN LUGAR DE SERVILES

 LOS ARTISTAS SON AMPARADOS POR LOSGREMIOS.

OBJETIVOS:

EXPRESAR LA FE RELIGIOSA (EL CRISTIANISMO) A TRAVÉS DE

 IGLESIAS, CATEDRALES

 ORNAMENTOS INTERIORES Y EXTERIORES

 PINTURAS CON ALGÚN ELEMENTO SOBRENATURAL

 LITERATURA Y MÚSICA LITÚRGICA EXCLUSIVAMENTE VOCAL

FUNCIÓN:

LA FUNCIÓN DEL ARTE ES DIDÁCTICA,LA CUAL COMPRENDE

ASUNTOS RELIGIOSOS A FIN DE FORTALECER LA FE A TRAVÉS DE LA
ARQUITECTURA, ESCULTURA, PINTURA, MÚSICA Y POESÍA
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11ESTÉTICA RENACENTISTA Y MANIERISTA

En el siglo XVI se desarrollan las estéticas renacentistas y manieristas.

Renace el espíritu de la cultura grecorromana por sobre la teología de la edad
media. La belleza deja de ser simbólica y vuelve a basarse en la armonía y
proporción

En el RENACIMIENTO, La belleza implica ordenación simétrica. El

artista debe adecuar los objetos en un sentido mesurado (decorum) (Alberti,
arq it, s. XV)

Se desarrolló la técnica de la perspectiva para potenciar la imitación de

la naturaleza (Lucca pacioli, mat. It. S. XV)

Ghiberti (esc. It., s. XV), clasifico la historia del arte en clásica antigua,
medieval y renacer de las artes. Agostino Nifo (fil. It. s. XVI) crea un tratado
sobre la belleza desde los sofistas hasta los neoplatónicos

Surge el concepto de diseño como impulso creador, forjador de la idea

previa a la concepción material de la obra. (Cennino Cennini, pintor it, x. XV)

Esta nueva estética se enriqueció con los representantes de la academia

florentina, con los tratados de Alberti (arq. It. S. XV), de Leonardo Da Vinci
(pint, escultor, arq, ing it, s. XVI), entre otros.

Da Vinci expresa la necesidad de imaginación y fantasía en la obra de

arte. En el caso de la pintura, intenta otorgarle vida a sus obras pictóricas
aplicando una alternancia de oscuridad (cuerpo) y luz (espíritu), además de los
contornos con transición tonal (sfumato)

Se plantea una categoría estética: la gracia (mezcla de belleza y

bondad, delicadeza de las formas), cualidad que atrae hacia la belleza. (León
Hebreo, fil heb, s. XVI)

En el MANIERISMO (mitad del s. XVI) hay una transición de las ideas de

belleza absoluta a relativa, de la objetividad a la subjetividad

En efecto, en lo relativo, hay tantas artes como artistas, el arte no tiene

normas, no se aprende, se inspira. La belleza no proviene de Dios, sino de la
naturaleza, de las obras humanas; no es única ni absoluta, sino múltiple,
relativa, indefinida, indescriptible. (Giordano Bruno (fil, poet it)

En lo subjetivo, los objetos son como los ve el artista y no tal como son,
con lo cual el objeto artístico se deforma de la realidad al capricho, a la
expresión sentimental del artista. En consecuencia, la belleza manierista ahora
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es no reglamentada, onírica y munida de espiritualidad, contraria a la belleza

renacentista basada en la ciencia, vacía y sin alma.

Además, este nuevo estilo se basa en la sutilidad, rareza, oculto,

complejo y prohibido. “Así como la belleza es mayor cuanto más perceptible es,
la sutilidad incrementa la belleza cuando es más difícil de captar” (Gerolamo
Cardano, med, matem y astrol it)

Miguel Ángel (arq, esc, pint, poeta it) establece otra relación entre arte y
belleza. El objetivo del arte es crear belleza teniendo como medio la imitación
de la naturaleza; y no, la imitación de la naturaleza como objetivo del arte

Surge una categoría estética: lo grotesco y fantástico. Ej en Pinturas de

Brueguel (pint flamenco) y Arcimboldo (pint it)

Giorgio Vasari (arq, pint, escrit it) confecciona un tratado de historia del
arte donde relata la vida de los artistas del renacimiento
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12ESTÉTICA BARROCA Y ROCOCO

El arte BARROCO (s. XVII) es refinado, ornamentado, decorativo,

recargado, artificial, con formas dinámicas y efectistas. La belleza está rodeada
de asombro y sorpresa. Hay gusto por loanecdótico, ilusiones ópticasy golpes
de efecto.

Shakespeare (dramaturgo ingl), si bien asocio fuertemente el arte con la

naturaleza y la belleza con el sentido de la vista (“el ojo es el juez de lo bello”),
otorgó al arte una jerarquía superior a la naturaleza por poseer el componente
de la imaginación (“el arte enseña a la naturaleza”). Esta concepción, coloca a
Shakespeare como precursor de la estética romántica

Semejante al manierismo, “La belleza no tiene reglas, no se circunscribe

a cánones o proporciones. En la belleza siempre existen rarezas en las
proporciones” (Francis Bacon, fil ing)

En el siglo del racionalismo francés y empirismo inglés, el primero

basara la futura estética en la razón y normas de la naturaleza, mientras que el
segundo dará relevancia a las sensaciones, a la psicología del arte
defendiendo la subjetividad del gusto y afirmando que la belleza no es
inherente a las cosas, sino que está en la mente del receptor (subjetivismo)
sentando así las bases del relativismo estético

Leibniz (fil y matem al.) realiza una síntesis entre razón y sensación. La
belleza está inmersa en un dinamismo, unidad dentro de la variedad. El
conocimiento de lo bello no es racional, sino depende del gusto. Es o no bello,
pero no se sabe porque.

La belleza es todo aquello que con su aspecto nos promete el bien.

Hobbes (fil ing) ( Apreciar comentario de Danto en el video)

Bacon intenta una clasificación de arte: decadentes (hedonistas),

maduras (liberales) y jóvenes (marciales). Por otro lado, en 1746, Charles
Batteux (fil fr) divide el conocimiento en artes y ciencias. Acuña el término
“Bellas Artes” que es la concepción actual

En el siglo XVIII se desarrolla la estética del ROCOCÓ en Francia y

Alemania, donde el barroco es llevado a un paroxismo de riqueza, elegancia y
sofisticación. Así, el rococó implicará exuberancia y artificiosidad

El rococó convive con el barroco a principios del siglo XVIII, con el

neoclásico a fines del mismo siglo, con la ilustración de ese siglo, con el
racionalismo francés y el empirismo ingles que vienen del siglo anterior.
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En el rococó disminuye la representación del poder monárquico y

eclesiástico propio del barroco, para dar lugar a un arte autónomo, a la
voluntad del artista, a las cualidades del objeto artístico con poco interés de su
significado.

La belleza tiene que ver con el sentimiento, la pequeñez (ornamentos),

la delicadeza, pureza, elegancia (decoración) sin tener que ver con la
proporción (Edmund Burke, fil brit). Esta es la estética ilustrada, la de los
sentimientos.

Burke plantea una categoría estética: lo patético, sentimiento similar

pero opuesto al placer. Esta sensación se encuentra en la oscuridad, en la
tormenta, el terror, etc., mientras que lo sublime provoca temor controlado que
atrae al alma. Se lo encuentra en la inmensidad, lo infinito, el vacío, la soledad,
el silencio, etc.

Hume (fil ing), afirma que la belleza es una cualidad no intrínseca de las
cosas. Es subjetiva. Una belleza diferente para cada individuo. No se puede
regular la sensación de belleza ajena que para uno puede ser bello y para otro
feo. Los juicios estéticos están condicionados por la cultura, el temperamento,
edad, etc.

Baumgarten (fil al) acuña el término “estética” en 1735 en su tratado

“reflexiones filosóficas acerca de la poesía”. Dicho termino deriva de la palabra
griega aisthesis (sensación). Estableció la misma como disciplina filosófica
especial, comenzando de este modo la historia de la estética y
sistematizándose con Immanuel Kant, aunque los estudios de este tema
comenzaron ya con los griegos, quienes la denominaban filocalía (amor a la
belleza), naciendo de este modo la estética como concepto en la Grecia
antigua y con Baumgarten se convirtió en una rama de la filosofía. En sus
estudios, compara la estética con la lógica en sus aspectos epistemológicos, de
representación y comunicación.

Con Jean Baptiste Dubos(fil fr) surge la figura del genio, quien está más
allá de las reglas. Para Diderot, primer crítico de arte moderno, el genio es un
don de la naturaleza, lleva las pasiones al límite sin romperlos.
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13ESTÉTICA EN EL NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO

En el NEOCLASICISMO(fines del s. XVIII), resurgen las formas clásicas,

austeras, sobrias y naturalistas del arte en contraposición a los excesos
ornamentales del barroco y rococó. Estas características neoclásicas se deben
al auge de la burguesía tras la revolución francesa, dejando atrás el estilo
rococó identificado con la aristocracia.

Como el término lo indica, se valora el legado clásico grecorromano.

“Los artistas modernos no imitan a la naturaleza, sino a los griegos, quienes
fueron los únicos que imitaron la naturaleza con perfección” (Winckelman,
arqueólogo Al., padre de la histografía del arte)

La belleza es un reflejo de lo natural, un estado de armonía, perfección,

de gracia (Schiller, poeta, dramaturgo, filósofo e historiador al.)

Kant (fil. Al.) sistematizo la recién nacida ciencia estética, separándola

del conocimiento racional y autonomizándola como disciplina. Trató las
categorías de lo bello y sublime, entre otros conceptos, en su libro crítica del
juicio (1890), por lo que se le considera el padre de la estética contemporánea
por establecer sus cimientos.

Para Kant, el arte no necesariamente ha de representar la realidad

(IDEALISMO). El arte no viene de una significación racional, sino de
pensamientos arbitrarios, sentimientos y sensibilidad, generado por la
representación de la imaginación de ideas.

Para que un objeto sea bello debe cumplir con 4 condiciones: 1) libre y
desinteresada, 2) universal, 3) finalidad sin fin, 4) necesario

ROMANTICISMO

En el ROMANTICISMO, se renovaron todos los géneros artísticos,

teniendo en cuenta la espiritualidad, de la imaginación, la fantasía, el
individualismo, el sentimiento, la pasión, la evocación ensoñadora, el amor a
la naturaleza, el ocultismo, etc.

Se valora los sentimientos nacionalistas, la cultura popular, lo exótico, el

paisaje, las ruinas, los lugares tenebrosos, desgarradores, de recogimiento
espiritual, etc.

Este estilo artístico surge del movimiento literario alemán STRUM &
DRUNG (tormenta e impulso) de fines del siglo XIX, con poetas como Schiller,
Goethe, entre otros, cuya corriente se propaga al resto de las artes,
resaltando la expresión de las emociones del artista surgidas espontáneamente
y dando relevancia al genio, a lo sublime, etc.
 19

Tres filósofos alemanes enmarcados dentro del IDEALISMO

ABSOLUTO abordan el tema artístico: Fitche, Schelling y Hegel

Fichte: El espíritu a través de la imaginación produce obras singulares

estéticas y no teóricas ni prácticas. El conocimiento viene del yo absoluto,
metafísico y no de la realidad exterior por ser incognoscible

Schelling: Con el arte se representan las infinitas ideas que provienen

del yo absoluto y se materializan en forma finita, por lo cual, el arte es el
principal vehículo de revelación de lo absoluto.

Con este filósofo culmina el sistema filosófico relativo a la asociación

arte y belleza iniciado en el renacimiento. En efecto, luego de la
proporcionalidad del neoclásico, en el romanticismo se ve la otra cara de la
belleza (lo ambiguo, grotesco, macabro)

Hegel: La belleza es la materialización y resultado de la idea que ha

tomado forma; así, la idea se refleja en la belleza artística. En el proceso
histórico, el arte en lugar de mimesis, tiene libertad espiritual, se vuelve más
conceptual y reflexivo hasta culminar en la muerte del arte.

ARTE
FORMAS
SIMBÓLICO CLÁSICO ROMÁNTICO
CONTEXTO
Infancia Madurez Vejez
HISTORIA (arte antiguo) (arte (arte cristiano)
grecorromano)
IDEA Desajuste Ajuste Desbordamiento
FORMA O Arquitectura Escultura Pintura, música, poesía
LENGUAJE (muy materializado) (Materia y forma) (mas desmaterializada,
QUE SOBRESALE espiritual)

Para Nietzsche (fil. Al.), la belleza y la fealdad son relativas, dependen

de cada uno. Plantea que la tragedia griega es una combinación del espíritu
apolíneo y dionisíaco donde interactúan las artes plásticas (Apolo) con la
música (Dionisio). Inicialmente proponía recuperar el espíritu dionisíaco en la
tragedia, el cual se atenuó debido al progreso de la lógica a partir de Sócrates.
Posteriormente, comprendió que se debía establecer un equilibrio estético
equiparando y combinando los dos tipos de representaciones. El arte apolíneo
representa lo visionario, lo armonioso, lo simple, la simetría, el orden. Por otro
lado, el arte dionisíaco representa lo emotivo, lo que embriaga, lo que arroya
por su fuerza.
 20

14ASPECTOS DEL ARTE EN LA EDAD MODERNA (D3_B4)

JERARQUIA:

RENACIMIENTO
Bellas artes. Objetivo: Crear belleza (música, poesía, pintura, escultura)
Artes≡
Artesanías Objetivo: funcionalidad de los objetos

Los artistas son protegidos por los mecenas (clérigos o aristocráticos)

OBJETIVOS:

 Imitar a la “bella” naturaleza

 Las voces imitan mejor que los instrumentos (Adam Smith)

FUNCIÓN:

La función del arte puede tener como propósito

 La justificación artística
o s. XVI y XVII: función moral a través de la literatura y el teatro
o s.XVIII función de protesta a causas sociales y/o políticas
 21

15BELLEZA OBJETIVA / SUBJETIVA (D3_B6)

La belleza – respeto del receptor –
puede ser :

Externa (objetiva) Interna (subjetiva)

 
Tiene: (Está involucrada con el)
Proposición, armonía, equilibrio, Gusto
orden, simetría, etc. de los
elementos de la forma Individual grupal
… pero…
NO EXISTE sistema único para
porque No si
clasificar el objeto en bello o no
Susceptible de cultivar
Por ej: en el clásico, renacimiento
y neoclásico se consideraba tal Un gusto es diferente para cada individuo
sistema, pero en el manierismo, ….  ….
barroco y romanticismo, otro era NO EXISTE sentido de crítica estética
el sistema (desproporción,
dinamismo, contrario al equilibrio,
etc.)
COMENTARIO:

El filósofo que reflexiona acerca del arte (esteta) se encuentra con un problema
que no cierra. Por un lado la objetividad de la belleza no armoniza con la realidad de
los periodos del arte. Por otro lado, la subjetividad de la belleza rompe la influencia
que pueda tener un gusto grupal o individual, ya que los gustos son diferentes para
cada individuo o grupo

LA BELLEZA NATURAL

Ya sea desde una posición objetivista o subjetivista, la naturaleza siempre será

el referente

 Quien no ha apreciado el equilibrio y la armonía de un objeto natural, aunque

hay otros objetos naturales que no responden a estas cualidades (objetivista)

 Quien no ha sentido emoción al apreciar un evento natural aunque hay

personas que no cuentan con la sensibilidad necesaria para disfrutar de tal
evento (subjetivista)

Según Kant, lo bello natural es más superior que lo bello artístico, ya que tiene
una finalidad sin fin y da una satisfacción desinteresada, mientras que en lo bello
artístico, se puede sospechar una finalidad o interés.
 22

16BELLEZA ABSOLUTA O RELATIVA (D3_B7)

BELLEZA

ABSOLUTA RELATIVA

¡Única en todo lugar, en todo Depende del individuo? Del

tiempo, en todo tipo de sociedad! grupo?, de una época?, de una
↓ cultura?, de una región?
Pero ↓
↓ Pero
¿Por qué pierden vigencia algunas ↓
obras que fueron bellas en otro ¿Por qué algunas obras persisten
periodo histórico? en períodos históricos extensos
como bellos?

SE ADMITE SOBRE LA BELLEZA QUE:

 Si es absoluta  es objetiva
 Si es subjetiva  es relativa a un grupo cultural, histórico, etc.

UNICA COINCIDENCIA:

La belleza es un valor bipolar. Tiene su lado inferior, opuesto (la fealdad)

COMENTARIO:

El filósofo vuelve a encontrarse con otro problema que no cierra. Por un lado la
proposición de que la belleza absoluta es única en todo lugar, tiempo, etc., es falsa, ya
que tiene validez solo para algunos periodos.
Por otro lado, en el caso que dependa de algún periodo histórico, el Aleluya de
Haendel, el Himno a la Alegría, Para Elisa de Beethoven, etc. perduran hasta nuestros
días
Existe una relación entre belleza absoluta y belleza objetiva; entre belleza
subjetiva y belleza relativa.
La proposición compuesta “si la belleza es absoluta  es objetiva” es válida.
Aunque el antecedente sabemos que es falso, la proposición es verdadera de acuerdo
a la tabla de verdad, ya que suponiendo la veracidad del absolutismo en la belleza,
debería ser verdad que todo el mundo que la vea, o la oiga, contemplará los mismos
principios que la hacen bella: proporción, simetría, etc.
Lo mismo ocurre con la proposición “si la belleza es subjetiva  es relativa a un
grupo o individuo”. Suponiendo la veracidad de que la belleza es subjetiva, es lógico
que esta sea relativa a cada individuo
 23

17JUICIOS ESTÉTICOS (D3_B8)

Sensación placentera (en seres racionales y animales)

Aprobación Moral
Solo en seres racionales
Estética  Éticos
Juicios
Estéticos + sensibilidad
s
(Canales sensoriales)
SEGÚN KANT
El juicio estético debe responder a una satisfacción:

 LIBRE Y DESINTERESADA (ver videos explicativos)

 UNIVERSAL
 FINALIDAD SIN FIN
o La belleza natural tiene finalidad sin fin, porque la finalidad es
solo el goce estético de su belleza y no tiene un fin o utilidad.
La sola contemplación es útil para gozar de su belleza. No se
sospecha un fin o interés"
o Un cuadro bello, por ejemplo. ¿para qué sirve? no es útil, no
sirve para nada. Pero solo sirve para el goce estético. Tiene
una finalidad (goce estético), pero no tiene fin(utilidad para
algo)
 NECESARIA

SATISFACCIÓN

Estética Acciones Placeres fisiológicos

↓ morales (Comidas, bebidas,
Lo bello ↓ lugares de descanso, etc.)
Lo bueno ↓
Lo agradable
 Pueden variar según los
gustos (no son
Los juicios son
universales)
diferentes según
 No son desinteresados
Kant
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18ESTETICAS DEL S.XIX

El ESTETICISMO fue una reacción al utilitarismo imperante en la época,

a la fealdad y materialismo de la era industrial. Apoyaba a esta tendencia el
lema de Teófilo Gautier (poeta fr.): “El arte por el arte”.
La belleza se aleja de todo componente moral convirtiéndose en el fin
último del artista. Además, se acercó al gusto por lo morboso, satánico,
terrorífico, magia, vicios y desviaciones sexuales, surgiendo una estética del
mal.
Poe (escritor estadounidense) defendió los elementos de la imaginación
como principales creadores de la esteticidad del arte, sin ninguna intensión
moral ni didáctica. Que la inteligencia se ocupe de la verdad y el deber,
mientras el gusto, de la belleza
Baudelaire (poeta fr) comparaba la dualidad del arte con la dualidad del
hombre. Por un lado, la belleza eterna, por otro, efímera. La primera mitad
(belleza eterna) anclada al clásico antiguo, la otra mitad (belleza efímera) en el
arte moderno: transitorio, fugaz, cambiante, sintetizados en la moda

La ESTÉTICA SOCIOLÓGICA considera al artista como parte

indisoluble de la sociedad y a su obra artística como fiel reflejo del panorama
social que lo envuelve. Esta estética estuvo vinculada con el realismo pictórico
y socialismo utópico.
John Ruskin (crítico de arte ing) y Williams Morris (diseñador ing)
bregaban por un arte funcional social practico, que cubra necesidades no solo
espirituales sino también materiales. Sus trabajos influyeron en el auge de las
galerías de arte, difusoras de las nuevas tendencias artísticas. En este ámbito,
la belleza era más funcional que estética, dependía de criterios industriales
como la calidad y la producción en masa.

En la ESTÉTICA PSICOLÓGICA, Freud (medico austríaco) introdujo una

nueva categoría estética, lo «siniestro», variación de lo sublime con connotaciones
más negativas, ya que se basa en la angustia, en el miedo. Lo siniestro está en toda
obra de arte, que es reflejo de lo más profundo del hombre.
Fue el primero en aplicar el psicoanálisis al arte, además de aplicarlo a la
sociedad, cultura y religión. Para Freud, el arte sería un modo de expresar un deseo
reprimido de forma sublimada
Según Jung (psiquiatra suizo),los elementos simbólicos presentes en el arte
son «imágenes primordiales» o «arquetipos», que están presentes de forma innata en
el «inconsciente colectivo» del ser humano

En la ESTÉTICA CULTURAL, Dilthey (fil. Al.) ya vislumbraba a finales del siglo

XIX cómo el arte se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada vez
mayor importancia la función del público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la
obra de un artista determinado.
Debido a la anarquía del gusto que percibió, ofreció como salvación del arte, la
psicología (ciencia del espíritu). La creación artística debe poder analizarse bajo el
prisma de la interpretación psicológica de la fantasía
Según Simmel (sociólogo al.), La cultura presenta una dualidad de origen: el
alma subjetiva y el producto objetivo. Simmel percibió en el arte de vanguardia una
disparidad entre subjetividad y objetividad, por lo que el arte dejaba de ser unitario y
armónico para ser fragmentario y caótico
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19ASPECTOS DEL ARTE EN EL S. XIX (D3_B5)

JERARQUIA:

 Tiene relevancia la imaginación del artista. Esta imaginación se

convierte en la obra artística

 Los artistas son protegidos por la clase burguesa e ilustrada, lo cual

implica la implementación de un mercado de arte

OBJETIVOS:

 Lema: “la pintura es más que la imitación”.

 Este paradigma conlleva un distanciamiento de la naturaleza

FUNCIÓN:

La función del arte puede tener como propósito

 Producir solo placer estético

o Lema: “el arte por el arte” del movimiento literario “El Parnaso”
Teófilo Gautier dice: “El arte debe ser desinteresado. No debería
tener fin útil, el arte mismo es su propio fin. Y rendir culto solo a la
belleza. El artista debe preferir las sensaciones, Impresiones,
antes que las emociones, para que su arte sea puro, libre de la
moral o la política

 La justificación artística
o Dice el poeta Víctor Marie Hugo: “El poeta debe involucrarse con
los problemas sociales y ser guía de los pueblos”.
o Ej.: “Los fusilamientos de 1808” del pintor Goya.
 26

20ESTETICAS DEL SIGLO XX

En la primera mitad del siglo XX, el arte actual se dirige más a los
sentidos y a la moda que al intelecto, por ser una sociedad materialista y
consumista, generando de este modo, la pérdida de universalidad con
predominio de los gustos personales.

El avance tecnológico determinó que el arte cambiase de función, el

artista no necesita plasmar la realidad y lo exterior mediante la pintura, ya que
la fotografía y el cine lo hacen, sino representar su mundo interior, expresar sus
sentimientos. Esta es la génesis del arte abstracto

El artista tampoco requiere cumplir la función didáctica mediante el arte

gráfico como era en el arte religioso, ya que este momento de la historia, hay
un gran crecimiento del alfabetismo

El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías

científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein,
la mecánica cuántica); también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud.
Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo
los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano,
asiático, oceánico), que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte.
Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en
la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista. Existe una
atomización de estilos en el arte reflejando ideas culturales en muchos casos
contradictorias, además de rechazar la idea de belleza clásica en el arte

Surgieron así los movimientos de VANGUARDIA, que pretendían

integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelación artista-
espectador, ya que es este último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir
significados que el artista no conocía. Umberto Eco ve en lo que él denomina
“obra abierta”, una creación que expresa con mayor libertad la concepción del
artista, generalmente susceptible a múltiples interpretaciones, lo que genera un
dialogo del público con el artista.

En la segunda mitad del siglo XX, arte ha experimentado una vertiginosa

dinámica evolutiva, con estilos y movimientos que se suceden cada vez más
rápido en el tiempo.
Las ÚLTIMAS TENDENCIAS artísticas han perdido incluso el interés por
el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual
de concepto. Hay una revalorización del arte activo, de la acción, de la
manifestación espontánea, efímera, del arte no comercial (arte
conceptual, happening, environment)
Surgió así el arte postmoderno, donde el artista transita sin pudor entre
diversas técnicas y estilos, sin carácter reivindicativo, volviendo al trabajo
 27

artesanal como esencia del artista. Por último, hay que remarcar a finales de
siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte: video,
informática, internet, láser, holografía, etc.

De las estéticas del s. XX como la del formalismo, neoidealismo,

novecentismo, pragmatismo, iconología, fenomenología, empirismo lógico,
raciovitalismo, marxismo, semiótica, existencialismo y postmodernismo,
comentaremos solo las siguientes:

 Iconología: Intenta esclarecer el mensaje que el artista pretendió

manifestar en su obra a través de símbolos como emblemas,
alegorías, etc.
 Marxismo: El arte es condicionado y reflejo de la realidad socio-
económica
 Pragmatismo: asociación de arte bello y arte útil. La finalidad del
arte le da un valor intrínseco
 Novecentismo: la función del arte es reformar la sociedad y no
autonomizarse o individualizarse (contrario al lema de Gautier)
 Raciovitalismo: Ortega y Gaset osberva que al perder el arte de
vanguardia los referentes clásicos de imitación y realismo, se
produce una ruptura artista-público, generándose una aristocracia
o elitismo del gusto, lo cual separa a los vulgares de los iniciados
consumidores de arte
 Empirismo lógico con sus dos vertientes. La estética científica por
un lado con método psicológico desarrollado por la Gestal que
afirma una interacción entre cultura, percepción e impresión. La
estética analítica por otro, que intenta una limpieza semántica
para evitar la ambigüedad en el lenguaje del arte
 Semiótica. El arte es un lenguaje para la comunicación de los
valores (Morris). La obra de arte no es un resultado, sino un logro,
porque al buscar un fin sin medios específicos, elabora un
proceso creativo e innovador para culminar con características de
originalidad e inventiva (Pereyson)
 Existencialismo. El arte es un proceso vivo y abierto en continua
transformación, evolución y origen de múltiples procesos de
comunicación
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21ASPECTOS DEL ARTE EN EL S. XX (D4_B10)

JERARQUIA:

 El arte y la estética están unidos a la artesanía y la funcionalidad

 Es relevante la cuestión del “diseño”

 Surgen los críticos de arte, cuya función es evaluar el arte y las

artesanías del mercado

 Pop art: cualquier objeto cotidiano puede representar arte (ready made)

 Circulan objetos artísticos superficiales y abundantes pero generan

indiferencia y corta existencia

OBJETIVOS:

 El cubismo rompe el objetivo de imitar a la naturaleza.

 El expresionismo y dadaísmo refuerzan el nuevo paradigma

FUNCIÓN:

La función del arte es producir determinados efectos en el receptor, uno

de los cuales es la justificación artística

El filósofo existencialista, dramaturgo y periodista francés Sartre sostiene

que el escritor debe estar comprometido con la lucha social y política

A) El Guernica de Picasso (1937),

b) Los documentos de Leni Riefenstahl (1945),
c) Juanito Laguna del pintor Berni (1950),
d) El documental de Michael Moore (2003)
 29

22BELLEZA VS VALORES (D4_B9)

LA BELLEZA COMO VALOR. LA BELLEZA RELACIONADA CON OTROS TIPOS DE VALORES

NO
SI

Según la Bauhaus (s. XX) Según Hartmann (s. XX)

 Los objetos cotidianos deben  La belleza es independiente de la

tener bondad como de la verdad
o Bello diseño y  Así, algo puede ser a la vez malo,
o Ser funcionales falso y bello
 Según Savater y Santiyana: los  Características de la belleza como
valores estéticos se relacionan valor
con los valores vitales humanos. o Atributo de un objeto (bello
o “Nada, salvo lo bueno de o feo) y no de una acción
la vida entra en la textura (buena o mala)
de lo bello” o Se relaciona con otros
o “Si una cosa es fea  no valores estéticos y no éticos:
puede ser completamente desagradable (inferior),
buena; y agradable (superior), etc.
o “Si es completa buena  o Aparecen en el objeto sin
por fuerza debe ser considerar las intenciones
hermosa” ocultas del artista, como en
el caso de una acción donde
el valor bien puede no
aparecer en la acción
o Corresponde a diversidad de
expresiones (pintura,
música, etc.)

Según Alfred Jules Ayer (1910 - 1989), pedagogo y filósofo británico, padre del
positivismo o empirismo lógico. Obra: Lenguaje, Verdad y Lógica (1936):

La función del lenguaje estético es expresiva y no informativa; es decir, en

lugar de formular proposiciones ante una obra de arte, se expresaría ¡cómo me gusta!
O exclamaciones de admiración similares. Los términos estéticos y éticos son similares.
El sentimiento estético responde a causas psicológicas y sociológicas, por lo que no
tienen que ver con la crítica estética como la entendemos. Los términos bello y
horrible se emplean tanto para estética como para ética no tienen sentido los
juicios estéticos de valor
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23FINALIDAD DEL ARTE(D4_B11)

CREAR

BELLEZA FEALDAD
A pesar del contenido. Ej:  Los expresionistas manifiestan su
angustia exentas de belleza
 Son bellas las pinturas de Goya o
 Los neobarroquistas apuntan a la
Berni, a pesar del contenido de
desprolijidad, a la fealdad y la
denuncia social
violencia en lugar de la armonía,
 Son bellas las novelas de Victor equilibrio, orden y proporción
Hugo a pesar de mostrar la clásico
miseria y la deformidad de sus
 Lo desagradable debe salir bien
personajes
desagradable.