Vanguardias
• Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos
que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su
propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo
después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia,
dado que en la época se produce en el arte una auténtica
revolución de las artes plástica.
• Escultura y pintura, participan de los mismos supuestos. Los
movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una
estética, que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase
en el lenguaje de las formas y los colores. Es la hegemonía del
inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al espectador se
le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de
ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.
Concepto de vanguardia
• El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el
desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte
y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia
del mismo siglo.
• Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos
de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época,
y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de
vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.
• El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya
en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación
al arte y, en el XX constituye un termino clave para el mundo del arte.
DESARROLLO – CAUSAS
• Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se
desarrollaron, es necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres
acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera
República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914),
provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la
época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio
y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese
mundo convulso que provocaba situaciones miserables y
desafortunadas
• A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de
obligado nombramiento, el comienzo de los llamados Salones de
París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que
contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron
rechazados la mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron,
por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la
intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra
principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público.
• Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y
el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.
Impresionismo (1874), Neoimpresionismo
(1884) y Postimpresionismo (1910).
• Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias
al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los
gustos que imperaban en la época. En su caso, el Impresionismo no
buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que
pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la
realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue.
• El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede
apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista.
Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha
carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes
autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados
por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y
Cezanne.
Impresión, Sol naciente (Monet)
• Tras unos comienzos dubitativos y llenos de pruebas, el
Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los
salones del fotógrafo Nadar.
• Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve
pintores, conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos
iguales que defender. En esta exposición se encontraba una obra de
Monet llamada Impresión, Sol naciente que, burlonamente citada
por un crítico dio nombre al grupo.
• Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión.
Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en
cuestión. Dado que las condiciones lumínicas de los paisajes cambian
a cada segundo, requiere una pincelada rápida y directa, que permita
resolver una obra en pocos minutos. Es lo más parecido a la fotografía
instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del amanecer, el reflejo de
la luz en un edificio en la caída del sol, la luz reflejada sobre el río a
medio día. Esa es la razón por la que las obras impresionistas dieron la
sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y
por tanto, fueron despreciadas
• Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las
nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la
fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía
infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el
Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente
por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección
impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado,
mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta,
racional y estudiada.
• Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención,
como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se
les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una
exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en
absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el
Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un
nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e
innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van
Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy
ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas. Gaugain fue un
artista que reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Taití,
donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino
brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba. Toulouse-Lautrec
fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.
El espíritu de los muertos vela (Paul Gauguin)
Fauvismo 1905 / 1907
• El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad,
abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio
del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras
contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo
denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes,
tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los
historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste
trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el
Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son
Matisse, Derain, Dufy y Braque.
La ventana abierta (Matisse)
Cubismo 1907 / 1914.
• Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado
principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente
fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento.
Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de
vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una
misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía.
Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con
un particular claroscuro.
• Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos,
mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos)
y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el
collage. Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente
ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen
propia,nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a
ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad.
Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis
Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.
Las señoritas de Avignon (Picasso)
El Portugués (George Braque)
Expresionismo 1905/1913.
• Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión
de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio
de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio
de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin
del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus
grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco,
y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard
Munch.
• Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los
llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente
por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul)
compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich,
ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia
estilística que les dividía.
El Jinete azul (Vasily Kandinsky)
Futurismo 1909/1914.
• El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el
periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor
italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que
“un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de
Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo
mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de
estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia.
• Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra
Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se
relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones
de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino
Severino y Giacomo Balla.
• Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la
historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones
ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían
del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria
resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El
Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo
lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.
Muchacha corriendo en una galería (Giocomo Balla)
Dadaísmo 1915/1922.
• El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en
Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista
que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social,
moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo
absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá
que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un
diccionario). Su objetivo principal era cuestionar unos criterios
artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época.
• El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp
que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales
sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho
de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de
ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués.
Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó
otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación.
• Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans
Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray.
Fuente (Marcel Duchamp)
Surrealismo 1924/1939.
• Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André
Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla,
como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de
entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la
profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los
escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base
científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia
artística.
• Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes
grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al
Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René
Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una
óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y
transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los
objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves
Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp.
• Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry
Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.
Antes del nacimiento (Hans Arp)
Suprematismo 1915/1919.
• Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir
Malevitch. Busca la sensibilidad pura del arte a través de un lenguaje
plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas
previas. Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza
recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de
color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color
poco saturado.
• Al ser obras de pocos elementos, y además geométricos, tendrá
mucha importancia la composición y distribución de éstos en las
obras.
Construcción suprematistica (Kazimir Malevit)
Constructivismo 1913/1920
• Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas con la anterior, por lo
que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo en su
evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica
propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes,
pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte objetivo con
una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la Bauhaus.
Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron
profesores o impartieron seminarios en algún momento en dicha
escuela alemana. Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El
Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo. Prueba de lo completo de este
movimiento es su manifestación cinéfila obra de Eisenstein, quien
tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.
Monumento a la III Internacional (Vladimir Tatlin)
Monumento a la III Internacional (Vladimir
Tatlin)
• De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de
“De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que
trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue
una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque
sin su ideología y compromiso político. Demostraron su intento por
aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el
interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los
mismos...) en un mismo proyecto porque entendían que no eran
conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales
recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados,
especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus
principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.
Cuadro No. 2 – composición (Piet Mondrian)
Historia Universal del Arte- Arte S. XX - VV- IX,
Editorial Planeta, 1994 – Dirigida José Milicua.
Artículos varios, Wikipedia enciclopedia virtual.
DUDAS
