TEXTO ACADÉMICO

MAESTRÍA EN ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES

PARA ESCP.

MODULO1: DIBUJO ARTÍSTICO

Bolivia
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 Índice

Introducción ............................................................................................................................. 5

Unidad Temática 1: Nociones Fundamentales de la Anatomía Humana - Sistema

Óseo y Sistema Muscular................................................................................................ 6

1. Lectura Motivadora ......................................................................................................... 7

2. Nociones básicas de anatomía para artistas.............................................................. 9

3. Sistema Óseo.................................................................................................................. 10

3.1. El esqueleto .................................................................................................................... 10

3.2. Tobillo y pie ..................................................................................................................... 11

3.3. Cráneo ............................................................................................................................ 12

3.4. La Escapula .................................................................................................................... 12

4. Sistema muscular ........................................................................................................... 12

Vista Anterior del Sistema Muscular Tórax ......................................................................... 13

4.1. Musculo de la Pierna .................................................................................................... 14

5. Síntesis, gestualidad esquematización....................................................................... 15

5.1. Método de Síntesis. ........................................................................................................ 16

5.2. Dibujo gestual ................................................................................................................ 19

Unidad temática 2: Importancia del dibujo al natural .................................................. 24

6. Lectura motivadora ...................................................................................................... 25

7. Importancia del Dibujo ................................................................................................. 27

7.1. Objetos angulares ......................................................................................................... 27

7.2. Objetos Circulares ......................................................................................................... 28

8. Dibujo artístico ............................................................................................................... 28

9. Dibujo libre y creativo ................................................................................................... 30

9.1. La creatividad ................................................................................................................ 31

10. Replica ............................................................................................................................ 31

10.1. La importancia de las réplicas de las obras de arte........................................... 32

11. Bodegón, Naturaleza muerta...................................................................................... 33

11.1. Mayores Exponentes ................................................................................................ 34

12. Técnicas del dibujo artístico ........................................................................................ 36

12.1. Técnica del difuminado a mano ........................................................................... 36

12.2. Líquidos fijativos ......................................................................................................... 36

Unidad temática 3: Retrato, figura humana en movimiento ........................................ 38

13. Lectura motivadora ...................................................................................................... 39

14. El retrato en el arte ........................................................................................................ 40

14.1. Estructura del rostro .................................................................................................. 41

14.2. Retrato religioso ........................................................................................................ 42

14.3. Retrato histórico ........................................................................................................ 42

14.4. Retratos de famosos ................................................................................................ 42

14.5. Retratos de desnudos .............................................................................................. 42

15. Figura humana a través del tiempo ........................................................................... 42

15.1. La anatomía humana y el arte en la contemporaneidad ................................ 45

16. Proporción y canon .................................................................................................... 46

17. Figura humana en movimiento ................................................................................... 47

18. Artistas destacados bolivianos .................................................................................... 47

Unidad temática 4: Paisajismo – Perspectiva en el Dibujo............................................. 49

19. Lectura motivadora ...................................................................................................... 50

20. La importancia del paisaje........................................................................................... 51

21. Paisaje a través de la historia ...................................................................................... 52

21.1. Paisaje como género artístico ................................................................................ 52

21.1.1. Paisaje en Egipto .................................................................................................. 52

21.1.2. Paisaje en Grecia ................................................................................................. 52

21.1.3. Paisaje en Roma ................................................................................................... 52

21.1.4. Paisaje en China ................................................................................................... 53

21.1.5. Edad media ........................................................................................................... 54

21.1.6. Renacimiento ........................................................................................................ 54

21.1.7. Época contemporánea ...................................................................................... 54

21.1.8. Siglo XX y la nuevas tendencias ......................................................................... 55

22. Perspectiva ..................................................................................................................... 56

22.1. Elementos principales de la perspectiva .............................................................. 57

Bibliografía.............................................................................................................................. 59
 Introducción

El presente módulo 1 de la Maestría de Artes Plásticas y Visuales, desarrolla

Unidades Temáticas, para enriquecer y fortalecer el trabajo del maestro en
aula, a través de la profundización de conocimientos, desarrollando y
potenciando capacidades, habilidades y cualidades educativas, para el
perfeccionamiento continuo de la labor docente, generando el uso de
metodologías educativas, técnicas e instrumentos innovadores, para la
producción de textos, mediante la investigación educativa y la resolución
científica de problemas concretos de las realidades en ámbitos
pedagógicos.

La maestría provee la oportunidad de combinar el debate sobre la

realidad y experiencia y los criterios que plantea el MESCP para fortalecer
y revitalizar el proceso de enseñanza y aprendizaje del dibujo artístico.
Además, el maestro es quien pone en práctica la concreción curricular
con el trabajo tesonero día a día en el aula. Dirigiendo las actividades
curriculares para que sean desarrolladas en el PDC, ya que el maestro
puede armonizar y operativizar los contenidos tomando en cuenta el
currículo base.
 Unidad Temática 1: Nociones Fundamentales de la Anatomía
Humana - Sistema Óseo y Sistema Muscular

El presente texto de la Unidad Temática, Nociones fundamentales de la

anatomía humana.
La asignatura de Artes Plásticas debe formar parte integral del educando
para que desarrolle habilidades, destrezas y potencialidades innatas, que le
oriente a compre der la representación gráfica para que pueda expresarse
con espontaneidad y creatividad plástica

El fundamento y la figura. humana que acompaña el trabajo a los maestros y

maestras del sistema educativo Plurinacional (SEP). El propósito pedagógico
es analizar y reflexionar de la importancia del sistema óseo y sistema
muscular.
El presente trabajo es una propuesta para mejorar el dibujo de la figura
humana. tomando como estrategia la anatomía el sistema óseo y sistema
muscular.
El conocimiento anatómico puede servirle para resaltar determinados
detalles, para manifestarse con sutileza o vigor, para adoptar un tono alegre
o para expresar con realismo y naturalidad.
 1. Lectura Motivadora

MATRIMONIO ARNOLFINI

Clasificación: La imagen corresponde con el óleo pintado por Jan Van

Eyck, en el siglo XV, titulado el Matrimonio Arnolfini. Se trata de una
escena costumbrista que representa una alegoría del sacramento del
Matrimonio.
Análisis: El motivo central del
cuadro es la boda de Giovanni
Arnolfini, un rico comerciante
italiano afincado en Brujas. Esta
obra es una de las más
representativas de la pintura
flamenca del siglo XV. En la
imagen aparecen ambos
cónyuges, el marido toma la
mano de la esposa con la
izquierda mientras bendice el
matrimonio con la derecha, se
trata de un rito matrimonial
anterior al Concilio de Trento, el
resto de la escena está
compuesta por un interior,
supuestamente la casa del matrimonio, con gran profusión de detalles.
Así podemos decir que la composición es más bien sencilla, ocupando
el matrimonio el centro de la escena. La luz desempeña un papel
fundamental, de carácter natural entra por las ventanas de la estancia
e inunda suavemente la estancia y contribuye a dar profundidad a la
escena.
No se utiliza ni perspectiva caballera ni axonometrico, sin embargo, no
está exenta de profundidad, no es matemática, sino más bien intuitiva
debido a la naturalidad que impone la pintura flamenca, el espejo
del fondo, ayuda bastante a crear profundidad. Los colores son vivos y
brillantes, sin duda, debido a la utilización del óleo, una técnica nueva,
ideada por los pintores flamencos que consiste en utilizar como
aglutinante algún tipo de aceite y grasa, así el colorante adquiere
mayor intensidad como se observa en el verde del vestido. No obstante,
no desaparece la línea, que también tiene un valor compositivo,
creando un equilibrio perfecto entre línea y color.
Función y Significado: La función no sería otra que conmemorar el
matrimonio de la pareja Arnolfini, y su significado sería exaltar los valores
del matrimonio, para ello Van Eyck utiliza diversos símbolos, por ejemplo,
el perro que representa la fidelidad o el ir descalzos que representa la
pureza. El Matrimonio Arnolfini, es una obra cumbre de la pintura
flamenca del siglo XIV y que recoge todos los elementos característicos
de este estilo. Uno de ellos será su naturalismo, que lo desmarca de la
pintura medieval, acercándolo más al Renacimiento, el otro será el
empleo del óleo, que permitirá veladuras creando atmósferas muy
realistas y que ayudarán a crear volumen y profundidad por medio del
color, otro de los aspectos fundamentales será la profusión de detalles,
que los convierte en casi miniaturistas, como se puede ver en los
medallones de los espejos con imágenes de la Pasión de Cristo, también
el empleo de la perspectiva, aunque sea fingida, el equilibrio entre la
línea y el color y un gran simbolismo en todos los detalles. La pintura
primitiva flamenca, influirá mucho en los artistas posteriores cuando se
generalice la utilización del óleo, desde pintores del mismo entorno
geográfico como Rembrandt o Rubens a españoles como Velázquez.
Víctor Cantos
 Reflexiones
A partir de su experiencia como docente del área de artes plásticas
reflexione a través de los siguientes enunciados:
- Realice un análisis iconográfico e iconológico de la obra
presentada anteriormente
- Realice el dibujo esquemático de la obra “Matrimonio Arnolfini”;
súbalo al
foro y realice la retroalimentación con sus colegas.

2. Nociones básicas de anatomía para artistas

El dibujo ocupa en cualquier proceso formalizador, su capacidad de asumir

los valores esenciales de los procesos de diseño, han convertido a éste en la
pieza más apreciada del aprendizaje del arte. El dibujo ha sido la clave más
profunda de los procesos de conocimiento que la creación artística que ha
ido formulado sobre el concepto de realidad y de verdad en la composición
simbólica de lo imaginario. En los
estudios de anatomía artística es
frecuente estructurar los trabajos en
cuatro categorías en primer lugar el
esqueleto, en segundo lugar, las
articulaciones y ligamentos en tercer
lugar los músculos y en último lugar la
piel, abordar el estudio del cuerpo
humano.
Las cuatro categorías para el estudio de
anatomía:
1.- El esqueleto
2.- Las articulaciones y los ligamentos
3.- Los músculos
4.- La piel
Con frecuencia se elabora el estudio del cuerpo humano en el arte, desde un
punto de vista topográfico, subdividiéndolo en cabeza, tronco, brazos, mano,
pierna y pie; es importante relacionar el tema con el dibujo de la figura en
general. En el estudio de la cabeza, la estructura ósea aparece dividida en
dos partes, el cráneo y la mandíbula inferior. Los músculos están relacionados
con las funciones de comer y hablar como también es de gran importancia
respecto a la expresión facial.

La espina dorsal de 33 a 34 vértebras con forma de S.

Los dibujos de anatomía se suelen invocar con la idea de la concepción

antropocéntrica de la cultura que, en el Renacimiento, sitúa al hombre en el
centro de atención adoptan este enfoque para estructurar tratados de
anatomía. Entre los más conocidos se encuentra la Anatomía para artistas de
Reginald March. La teoría de las porciones aritméticas y geométricas están
basadas en la observación directa y la experimentación en las distintas
disecciones de cuerpos.

3. Sistema Óseo
3.1. El esqueleto
El esqueleto se define como la estructura que sostiene los músculos y los
órganos internos, el esqueleto humano está formado por huesos, estructuras
vivas que
recibe el aporte de los vasos sanguíneos y los nervios. Los huesos planos que
forman la bóveda del cráneo protegen al cerebro la caja torácica es una
jaula resistente que protege los pulmones el corazón y el hígado como
también demuestra su fragilidad, la columna vertebral o espina dorsal
cumple la misma función que el pilar fundamental de un edificio, la pelvis se
asemeja a un cubo que protege los órganos vitales, los huesos de los brazos y
piernas trabajan sobre los mismos principios mecánicos de la palanca, los
huesoso están unidos por estructuras fibrosas.
El esqueleto influye en la
configuración de la estructura del
individuo. Los huesos de la muñeca
están formados por ocho huesos
denominados metacarpianos la
muñeca tiene los movimientos
limitados, su función es de flexionar
y extender, la muñeca tiene la
capacidad de realizar un
movimiento lateral. Si gira hacia el
interior se denomina aducción y la
abducción,
Los huesos de las extremidades
inferiores el muslo está formado por
un hueso largo al que se unen
muchos músculos recibe el nombre
de fémur y describimos en forma
descendente, cabeza, cuello y
caña y en la parte interior se encuentra la articulación de la rodilla y a
continuación están los huesos denominados la tibia y el peroné, al que se
unen muchos músculos y ligamentos.

3.2. Tobillo y pie

La articulación del tobillo se encuentra entre la zona inferior de la pierna y el
pie, y está formado por las terminaciones de la tibia y el peroné y los tarsos
del pie.
 3.3. Cráneo
Tiene su propia importancia al delimitar al delimitar la forma de la cara y en su
relación con el tronco. Los huesos del cráneo se dividen en dos grupos:
aquellos que conforman la caja craneal y los que sirven de base al rostro. Los
huesos que forman la cavidad que contiene el cerebro se denominan
calvaría e incluyen los siguientes: el hueso frontal, con dos cavidades frontales
y dos orbitas, los huesos parietales ano triangulares forman la parte superior y
lateral del cráneo.

3.4. La Escapula
En el libro Dibujo Anatómico de la figura humana del autor Gordon LOUISE Las
escápulas son huesos planos y triangulares con un leve arqueamiento de la
parte superior que les permite acoplarse a la caja torácica se halla situada en
la parte posterior y superior del torax.
La Clavícula
En el varón, el hueso suele hallarse en posición horizontal o presentar la
extremidad externa elevada. En la mujer, la extremidad externa se encuentra
en posición más baja.

4. Sistema muscular
Los dos componentes del músculo esquelético son la parte carnosa (carne),
integrada por células musculares, y la parte fibrosa que se denomina tendón
o aponeurosis. Los tendones suelen ser redondos, en forma de cordón, o bien
planos, en forma de bandas.
Los músculos de la cara, el orbicular de los parpados, de los labios, el frontal,
el superciliar, el elevador del labio, elevador de la comisura Bucal, los
cigomáticos mayor y menor. el risorio, y el cuadrado de la barba.
Las estructuras básicas del cuello el músculo más sobresaliente es el
esternocleidomastoideo
 Vista Anterior del Sistema Muscular Tórax

La forma del tórax viene dada por la caja torácica que protege los órganos
vitales más importantes. De los músculos de la zona el deltoides tiene la forma
de la letra griega delta, de la que viene el nombre. Tiene su origen en la parte
anterior y posterior de la cintura escapular, y se inserta en el húmero, es el que
utilizamos para levantar el brazo lateralmente e interviene también a la hora
de mover el brazo hacia atrás y hacia delante. El pectoral mayor o músculo
pectoral se une al extremo exterior del externo, a la clavícula y a la sexta y
séptima costilla. Toda es masa muscular es casi visible desde la superficie del
cuerpo.

Los músculos es una maravilla creada para revestir la osteología y motricidad

en el cuerpo humano. El pectoral mayor musculo ancho tiene la forma de
abanico. El musculo oblicuo abdominal externo es el musculo de la parte
externa de la pared abdominal, las fibras del músculo están colocadas en
dirección oblicua desde su extremo superior, donde se une a las ocho
costillas inferiores, hasta su extremo inferior donde penetra en el pubis y se
inserta en la región superior de la pelvis. Tira de la caja torácica y es el
encargado de mover la pelvis hacia delante.
El musculo serratus magnus o
serrato mayor tiene forma de
sierra y nace en el lateral de la
caja torácica.
Las tramas de músculos
insertados hacen del ser humano
una obra perfecta de Dios,
creación magnifica en la
humanidad.
Los músculos de la espalda son
músculos largos
El músculo rectus abdominis o
recto del abdomen. Ocupa la
parte anterior del tronco y cubre
el abdomen. Por la parte superior
se une a los cartílagos de la
quinta, la sexta y la séptima costilla y al
esternón; en su extremo inferior; se inserta en el pubis.
Cada músculo juega un papel importante en los movimientos del cuerpo
humano.

4.1. Musculo de la Pierna

Los músculos del muslo (desde una vista anterior) comprenden cuatro
músculos exteriores: el rectus femoris o recto femoral, el vastus medialis o
vasto medial y lateral, el crurens. Todos ellos se insertan en la rótula y forman
una masa muscular: Los músculos exteriores de la parte frontal del muslo son
el sartorios o sartorio, el tensor faciae femoris o tensor femoral de la fascia y la
cintura iliotibial a estos se unen.
Los músculos de la pierna sostienen con firmeza y ayudan a la
psicomotricidad fina y gruesa; movimientos finos como mover los dedos de los
pies la psicomotricidad gruesa comprende los movimientos amplios ejemplo
saltar correr, etc.
El sartorio es un músculo en forma de tirante que se extiende oblicuamente
desde la espina iliaca anterosuperior de la parte superior del muslo hasta la
zona inferior interior de este y por detrás de la articulación de la rodilla. Es el
musculo más largo del cuerpo y une el muslo con la parte inferior de la
pierna. Su función consiste en ayudarnos a flexionar tanto la rodilla como la
articulación de la cadera, y participa con otros músculos a la hora de volver
de dentro a fuera de la pierna.
Los músculos se extienden y se contraen en el movimiento constante para
que la estructura y postura se vea firme requiere de constante trabajo en los
músculos de rotación, abducción y aducción como también contracción; los
músculos esqueléticos se unen a los huesos, es de gran importancia conocer
la anatomía humana tanto la osteología como la miología, para poder
interpretar, el dibujo de la figura humana. La columna del fémur siempre está
envuelta en musculo, pero el cóndilo externo del fémur aparece, la rótula y el
ligamento se expresa en todas las posiciones .la cabeza y l cuerpo humano.

5. Síntesis, gestualidad esquematización

La síntesis gráfica es cuando una figura simplifica su forma original
manteniendo el uso de líneas y planos, pero en menor cantidad. Cada
método utilizado para simplificar produce un efecto visual diferente, aunque
el contorno general de la misma permanezca, para lograr una síntesis gráfica
debemos tener como referencia el tema de Morfología que en el diseño es,
la disciplina que estudia la generación y las propiedades de la forma.
(Antropomorfa, forma humana), (Fito morfa que provine de los vegetales)
(zoomorfa del genero animal), luego lo (convencional o inanimados que son
objetos sin vida.)

5.1. Método de Síntesis.

Imagen de referencia: Síntesis en Dibujo Síntesis del

Es la figura que Lineal: Este
contorno: Viene a ser el recorrido de
tomaremos como guía proceso consiste en
la línea que va a encerrar la figura y
para el proceso de captar los mayores
convertirlo en una sola plano que
síntesis esto se dará por detalles de líneas que
es la forma de la figura,
medio de líneas y planos. existe en la figura
llamad o también contorno.
Síntesis en siluetas: Fondeado: A la silueta se le Sombreado: En esta síntesis se
Tan parecido al contorno da un efecto como de adecua especialmente las luces
con la diferencia que negativo. y sombras para
siluetaexpresa visualmente las proporcionen un efecto de
líneas interiores y exteriores, volumen sobre la forma, creando
provocando así las sensaciones de una imagen
espacios vacíos dentro estilizada (no tiene que ser lineal)
de la forma.
Negativo: Fragmentado o formas: Geométrico o rectilíneo:
La figura de Superficie continua La figura sufre una La figura se representará a
puede tener detalles usando líneas descomposición en través del uso de la formas
en negativo (líneas blancas sobre segmentos de planos geométricas y planos que
fondo negro), se debe guardar cortados, como si fueran brindaran una sensación de
tanto los detalles pedazos de la misma forma, rigidez y dureza con un
internos como externos se puede usar tanto menor número de elementos
orgánico como rectilíneo en su composición.
 5.2. Dibujo gestual

El dibujo gestual implica capturar la acción, la forma y la pose de un sujeto.

Por lo general, su práctica consiste en dibujar un modelo que adopta
posturas cronometradas que van de 1 a 5 minutos. Cuanto más corta sea la
pose, menos información podrás capturar. En su forma más primitiva, un
dibujo de gesto puede ser sólo un par de líneas curvas que indican el
movimiento.

Para poses más largas, puedes comenzar a agregar más detalles,

sombreados y tonos.
El propósito del dibujo de gestos es principalmente estudiar la forma y la
anatomía humanas. Te permite explorar la forma en que el cuerpo se mueve
y está conectado. Comenzarás a tener una idea de las contracciones,
articulaciones, giros, tirones y curvas demostradas por el cuerpo humano.
Como no tienes tiempo para copiar simplemente lo que ves, debes hacer
suposiciones rápidas y lógicas sobre cómo funciona el cuerpo.
¿Cómo se conecta el brazo al resto del
cuerpo?
¿Dónde están las articulaciones?
¿Hay torceduras o pellizcos en los músculos?
¿El brazo está mirando hacia mí o lejos de mí?
¿Cuál es el contorno del brazo?
¿Ves la diferencia entre estas preguntas y
simplemente copiar lo que ves? Copiar lo que
ves está bien, pero para ver realmente como
artista, debes entender lo que está sucediendo
y lo que realmente estás viendo, puedes
comenzar a agregar más detalles, sombreados
y tonos.
No lleva mucho tiempo practicar esta técnica de dibujo.
El tiempo de preparación para dibujar gestos es mínimo. Todo lo que
necesitas es lápiz y tu cuaderno de bocetos. Las poses pueden ser tan cortas
como un (1) minuto. Por lo tanto, puedes encajar fácilmente en el dibujo de
gestos en intervalos cortos durante el día. Como señalé anteriormente,
practica el dibujo de gestos todos los días durante algunos meses. Incluso si
practicas duran las mañanas, podría ser un ejercicio muy relajante para toda
la jornada.
No tiene que preocuparse por cometer errores en el dibujo
No debe borrar nada en el dibujo de gestos.
Si cometes un error, simplemente aprenda de él y pase al siguiente dibujo. Por
esto recomiendo que utilices bolígrafo para te imposibilites borrar tus trazos.
Verá mejoras notables en su dibujo en un período de tiempo relativamente
corto Esto se debe a que estás trabajando relativamente rápido y
encontrarás muchos más problemas que si solo estuvieras haciendo una gran
obra de arte. Cuantos más problemas encuentre, más soluciones desarrollará.
Aprenderás a dibujar más instintivamente. No puedes darte el lujo de pensar
demasiado con el dibujo de gestos, por lo que debes confiar mucho más en
el instinto, factor fundamental de todo artista y dibujante.
Obtendrás una mejor comprensión de la forma y la anatomía humana
Esta es una de las principales razones por las cuales las personas practican el
dibujo de gestos en primer lugar. Realmente te da una idea de la forma y la
anatomía del cuerpo humano. Aprenderás cómo se mueve y se conecta el
cuerpo humano y elementos clave de la anatomía.
Beneficiará indirectamente tus habilidades de pintura
El dibujo es la columna vertebral de la pintura, así que no lo pases por alto. El
dibujo por gestos es una forma muy eficiente de perfeccionar tus habilidades
de dibujo sin tener que dedicarle una gran cantidad de tiempo.
Mejorará tus trazos y soltarás las manos
A menudo encuentro que mis primeros dibujos en una sesión son rígidos y
ajustados. Mis manos simplemente no hacen lo que mis ojos quieren que
hagan. Pero a medida que avanzo, mis manos y ojos se calientan y todo
comienza a fluir.
Consejos para dibujar gestos y gestualidad Comienza con el cabeza primero
Todo fluye desde la cabeza y ayuda a desarrollar un punto de partida
constante. Con cada pose, busca la cabeza y rápidamente dibuja el
contorno antes de pasar al resto de la pose. Al hacer esto, no hay dudas al
comienzo de cada pose, ya que sabremos exactamente cómo queremos
comenzar. Además, trata de hacer una nota rápida de hacia dónde mira la
cabeza (arriba, abajo, izquierda, derecha). Después de haber identificado la
cabeza, observa cómo fluye el resto del cuerpo desde allí. Un gran punto de
referencia es la columna vertebral. Si alguna vez estoy perdido, solo sigo la
columna vertebral y trato de construir una forma alrededor de eso.

Siempre piensa en el contorno del cuerpo

¿El cuerpo se inclina hacia adentro o hacia afuera? ¿Dónde están las
articulaciones y los cambios de dirección? Puedes usar líneas de contorno
simples para dar una indicación de esto. No todas las líneas necesitan seguir
el contorno, pero es útil tener algunas líneas de contorno importantes como
puntos de referencia.

Intenta capturar la esencia de la pose antes de intentar renderizar la forma

Independientemente de los límites de tiempo, lo primero que debes hacer en
el dibujo de gestos es capturar la esencia de la pose. Una vez que hayas
hecho eso, puedes renderizar con más detalles y tonos. Esto sigue el directriz
trabajo general a específico.

Usa líneas simples y significativas

Intenta dibujar cada línea con algún tipo de propósito. No dibujes líneas solo
por dibujar líneas. Normalmente hago algunos golpes de práctica en el aire
antes de comprometerme con el papel. Algo así como un golfista practicará
algunos cambios de práctica antes de conectarse con la pelota.

Trabajar rápidamente no significa trabajar imprudentemente

Trabajar rápidamente se trata más de tomar decisiones rápidas que de hacer
trazos rápidos con tu lápiz / bolígrafo. Incluso cuando trabajas con poses
cronometradas.

Intenta tener una idea real de la pose y la acción. Este es el propósito del
dibujo gestual.
Abraza las curvas de la figura
Debes tener cuidado con las líneas rectas. La mayoría de las veces, las líneas
curvas son mucho más efectivas para representar la forma humana.
Entonces, en lugar de dibujar una línea recta para un brazo, piensa en la
acción y pose de ese brazo y usa curvas para representarlo.

Intenta capturar lo que más te gusta de la pose.

Por lo general, solo habrá una o dos cosas que realmente te gusten de una
pose determinada. Concéntrate en esos aspectos y realmente trata de
enfatizarlos. Podría ser el músculo en el hombro, la curva de la espalda o la
forma de las piernas. A veces, incluso es posible que desees exagerar
ligeramente la pose para capturar realmente lo que te cautiva de la misma.

“¿Debemos pintar lo que está en el rostro, lo que está dentro del rostro,
o lo que está detrás del mismo?”

(Pablo Picasso)
 Unidad temática 2: Importancia del dibujo al natural

El dibujo tiene su importancia en las obras de arte tanto en pintura como en

escultura y en todas las disciplinas de las bellas artes.
El dibujo del natural en el dibujo artístico representa los objetos que nos
rodean ya sean angulares o circulares son objetos que el artista observa
antes de iniciar el dibujo, considerando las reglas del dibujo artístico, como
ser croquis boceto acabado, proporción, encaje y composición.
En el dibujo del natural se destaca su forma externa angular, circular o
combinada. El dibujo contribuye al desarrollo de la capacidad creadora del
niño, y elevar el auto estima es una tarea de todos los educadores en artes
plásticas.
El dibujo libre es una representación de imágenes expresivas donde el niño
exterioriza sus ideas, sentimientos y emociones.
El dibujo creativo se puede realizar mediante líneas en movimiento, captar el
ritmo en el dibujo
La réplica en el dibujo es una copia del original que tiene un parecido similar
al original.
En el siglo XVIII Jean Simeón Chardin el género de La naturaleza muerta le da
la importancia y su valor dentro del arte, presentando su obra el Bodegón
con Gayto y pescado en su obra más famosa.
Famosos artistas pintaron bodegones con todo tipo de cambios y ensayos,
como Edouard Manet, Augusto Renoir realizaron composiciones de flores y
frutas llenas de color, Vicente Van Gogh pintó bodegones la mayoría de
flores su obra Jarron con doce girasoles, en el siglo XX el bodegón
experimenta todo tipo de cambios y ensayos Picasso o Braque practicaron el
bodegón en Diverss formas incluyendo el collage.
 6. Lectura motivadora

El dibujo y el niño

El dibujo artístico es un medio de

expresión espontáneo, libre de normas
y, por ello, pleno de satisfacción y
alegría. Para los estudiantes, el dibujo
es un acto asociado al juego, por lo
cual es el producto de un encuentro
agradable entre el lápiz y su mundo
interior, es un medio maravilloso para
comunicarse con el lenguaje de las
líneas. El estudiante sólo necesita de su
capacidad lúdica natural para dibujar,
de su deseo de querer transmitir un
mensaje no verbal, una imagen que
refleja su propia capacidad para
concebir y estructurar la realidad.
Lowenfeld (1958;
1972) ha resumido las etapas de maduración del estudiante y ha clasificado
cada momento como parte de un proceso natural de aprendizaje
experimentado por el
ser humano. Sin embargo, en algunas de las escuelas han entendido que tal
proceso debe ser reforzado con técnicas dibujísticas copiadas de libros para
enseñar a dibujar y colorear con modelos previamente diseñados; Inclusive,
les imponen esos ejercicios a los niños bajo el supuesto de que así lograrán
mayor maduración de la psicomotricidad fina. Con tal exigencia sólo
consiguen agotar la paciencia y el interés de los niños, al punto de perder el
deseo de dibujar espontáneamente. Igualmente, se somete al estudiante a la
copia de modelos pre- dibujados que se cree, ayudan a adquirir la habilidad
del dibujante, como por

ejemplo: frutas, animales, casas con chimenea – aunque no la hayan visto

nunca-, y demás estereotipos. El resultado es una gran frustración, pues ni los
modelos se corresponden con la realidad, ni se le respeta al estudiante su
deseo natural de expresión antes bien, se le encadena su creatividad y se le
condena a esperar del maestro un modelo adecuado para expresarse,
convirtiéndolo en un ser pasivo y dependiente. Sin duda, las actividades
descritas anteriormente para enseñar la expresión dibujística en los
estudiantes conducen a una profunda frustración de sus habilidades
comunicativas naturales y a la mutilación de sus capacidades creativas.

Fragmento del texto: Estrategias para estimular el dibujo en los estudiantes de

educación regular (Mújica,2012)

Reflexión

A partir de su experiencia como docente de Artes Plásticas reflexione en

torno a las siguientes preguntas:

¿Cómo facilitar el feliz desenvolvimiento de la habilidad gráfica en el

estudiante?

¿Qué estrategias podrían ser más adecuadas para motivar la creatividad y el

disfrute del dibujo en la educación regular?
 7. Importancia del Dibujo
El dibujo, desde tiempos antiguos en la
prehistoria ha tenido suma vigencia, y hoy
en mayor escala con gran proyección al
futuro. Su importancia ha crecido pues en
dimensiones colosales, el dibujo está
presente en todas las ramas del saber
humano, fijémonos en el gigantesco
mundo industrial y comercial, que, para
proyectar máquinas, utensilios,
vestimentas, juguetes, objetos de toda
clase, necesitan acudir al dibujo

Es importante el dibujo en todas las disciplinas en el qué hacer humano, para

representar de manera gráfica y pueda ser entendido con más facilidad que
las palabras escritas en un texto literario.
El dibujo del natural es una parte del dibujo artístico que representa los
objetos que nos rodean tal como los capta la vista humana. Para que esta
labor artística resulte más fácil y perfecta se acude a sencillas reglas del
dibujo, croquis, boceto y acabado, todo en base a la proporción, el encaje y
la composición, reglas que se deben cumplir en el dibujo.
Consiste en dibujar los objetos estáticos, sin movimiento directamente del
natural destacando su forma externa angular, circular
o combinada.

7.1. Objetos angulares

Son aquellos que en sus formas generales llevan
líneas, ángulos y figuras geométricas rectas, por
ejemplo: Cajas, muebles y adornos.
 7.2. Objetos Circulares
Esta clasificación encierra a todos los objetos que tengan
líneas y figuras geométricas circulares, por ejemplo:
Piezas de cerámica, vajilla, flores, etc.
Combinados los objetos angulares y circulares son
fuentes de novedosas composiciones artísticas que
realizaron grandes maestros de la pintura universal Este
tipo de composición es conocido en arte como
bodegón.

8. Dibujo artístico
El dibujo puede ser definido como la representación
gráfica en una superficie de las cosas reales o
imaginarias, por medio del lápiz, la pluma, el pincel,
está representación, tiene como característica, la
monocromía, es decir la utilización de un solo color:
además, deberá ser agradable a quien observa y
para este fin se siguen las normas que la caracterizan
(Pérez, 1997: 143)
El dibujo artístico es la representación gráfica en una superficie de papel
utilizando lápiz carbón en su mayoría de un solo color.
El dibujo, es considerado como la actividad que todo ser humano ha
realizado al menos una vez en su vida; con la finalidad de realizar
representaciones de diversa índole temática que le lleva al ser humano a
plasmar el mundo que le rodea, así como su mundo subjetivo.
Hay quienes, incluso se atreven a afirmar que, el ser humano aprende a
dibujar antes de aprender el lenguaje oral; pues los niños inician sus trazos y
garabatos como medio más temprano de expresión o comunicación social.
Los dibujos, o primeros dibujos que el niño realiza pueden mostrar o
evidenciar las formas más variadas y diversas, así como los colores; todos
ellos, representarán que todo ser humano puede desarrollarse en el talento
del arte por no ser innato, sino que puede desarrollarse y fortalecerse con la
práctica, de ahí que no hay una edad apropiada para aprender a dibujar;
pues es una habilidad universal y por lo mismo todos y a cualquier edad
podemos aprender a desarrollar esta actividad del dibujo. Es necesario sí,
afirmar que, detrás de cualquier trazo o dibujo que el niño realice, existe un
contenido variado de mensajes que se pueda transmitir; puesto que los
dibujos en los niños evidencian el estado psico emocional de éstos; así los
dibujos son muestras de los sentimientos y emociones que abrigan en su
interior como la alegría, enojo, duda, dolor, sufrimiento, etc. Por ello incluso en
terapias psicológicas se solicita a quien acude a consulta realizar
determinados dibujos que permiten al profesional establece algunos rasgos
característicos de su personalidad. Entonces corresponde a los docentes e
incluso a los padres de familia, solicitarles a los niños realizar dibujos para ir
descubriendo lo que emocionalmente están viviendo.
 Para Chávez, Medina y Segura, (2014),
sostiene que los dibujos, cualquiera sea el
tema y las condiciones en las que sean
elaborados; es considerado como un arte
de tipo gráfico; que se realiza sobre
objetos o situaciones de tipo real o
ficticio, que puede tener diferentes
técnicas o uso de materiales, pueden ser
plasmados en trazos, utilizarse matices de
colores, en blanco y negro o simplemente
sombreados. Coincide con otros autores
en que a través de este arte se transmiten
hacia el exterior el mundo interior que se tiene la necesidad de representar.
Una de las características fundamentales del dibujo es la condición limitada
de diferentes formas compuestas por líneas variadas y versátiles, esto lo hace
diferente a la pintura en la que se emplean en áreas de planos con masas de
colores.

9. Dibujo libre y creativo

Considerada como una técnica utilizada en la expresión artística, mediante
la cual el autor encuentra un medio de expresión y comunicación de su
mundo subjetivo y que además da la posibilidad de desarrollar al máximo la
capacidad de imaginación y creatividad, incluso situaciones que pueden ser
o parecer sorprendentes a la vista de los espectadores de esta obra de arte.
Esta técnica, tiene como principal finalidad mostrar o evidenciar el carácter
de la personalidad de los individuos. Se conoce por su capacidad que tiene
como herramienta para desarrollar la creatividad que explora el mundo
interior del sujeto a fin de ser proyectada o evidenciada a través de esta
técnica y que permite tener una visión global de las situaciones que el sujeto
está vivenciando o experimentando en el momento mismo de la realización
del dibujo. De ahí la importancia de su práctica; es decir, es muy vital y
necesario dejar a los estudiantes realizar sus dibujos de manera libre sin
hacerles sugerencias de lo que tienen que hacer, así tendremos una
representación fidedigna de lo que en esos momentos sienten piensan o
viven y de las emociones que están manejando.

9.1. La creatividad
A la creatividad, se le concibe como la capacidad que desarrollan los seres
humanos para ser capaces de poder producir o generar nuevas ideas o
conceptos a partir de otros conceptos ya conocidos. Hablar de creatividad
es sinónimo de originalidad o de capacidad imaginativa para construir;
cuando una persona es capaz de desarrollar su pensamiento creativo y
divergente.
Juna (2016) señala que la creatividad es un indicador para saber cómo está
el niño en su desarrollo del pensamiento y emocional, reflejando una
expresión simbólica de sus experiencias, representando a todo lo que le
rodea en su entorno natural y artificial, es decir que resuelve problemas con
regularidad y hace definiciones de manera activa y representativa, por lo
tanto, produce diferentes planos para una solución saliéndose así de la rutina
y creando originalidad a la hora de hacerlo.
Según Benabeu y Goldstein (2009), al referirse a la creatividad señalan lo
siguiente: Es una sensación que nos permite dar una luz a algo nuevo
asiéndonos sentir libertad de transmitir nuevas e inesperadas ideas buscando
así adaptarnos a pensamientos y conductas.

10. Replica
Las réplicas de obras de arte siempre han existido. Muchas veces se debe a
que los copistas de obras de arte eran los discípulos de los propios artistas. Y
realizaban copias de los cuadros para practicar. En otras ocasiones, los
copistas acudían a los museos para hacer las réplicas de cuadros.
Es bueno recordar la diferencia entre réplica y falsificación. Porque pueden
parecer lo mismo para algunas personas. Y la realidad está muy lejos de esta
concepción. Cuando un copista de obras de arte hace una réplica de un
cuadro. Queda claro que es una réplica. Sin que quepa lugar a dudas. Por
otro lado, en una falsificación hay una intención de engañar. Es decir, una
falsificación trata de pasar como original.

10.1. La importancia de las réplicas de las obras de arte

Valor artístico de las réplicas de obras de arte. Desde las copias realizadas
por los aprendices de grandes artistas. Hasta las réplicas que hacían copistas
anónimos.
Hay obras magníficas y muchos copistas se han convertido en artistas por
mérito propio. Por ejemplo, una copia de la Mona Lisa se vendió por 2,9
millones de euros.
Valor didáctico para los copistas. Cuando las academias y escuelas de arte
quieren enseñar los fundamentos del arte utilizar los grandes clásicos es lo
mejor. Desde el uso de técnicas de pintura, a la creación de composiciones
equilibradas. Y cómo usar de forma adecuada los colores.
Ayuda al desarrollo de los artistas. Si un artista aprende a replicar las obras de
arte más impresionantes de la historia. Y es capaz de aplicar las técnicas y los
conceptos en los que se basan esas obras. También será capaz de desarrollar
un estilo propio y único.
Conservación de las obras originales. Si un coleccionista de arte ha invertido
mucho dinero en una obra. Y quiere mantener la obra en las mejores
condiciones posibles para proteger su inversión. Puede adquirir una réplica de
esa misma obra para exponerla en su salón. Mientras que guarda la obra
original en un lugar óptimo para su conservación.
 11. Bodegón, Naturaleza muerta
Uno de los géneros pictóricos más
utilizados por artistas de diversas
épocas es el bodegón, también
llamado naturaleza muerta.
El bodegón, apareció como género
pictórico independiente en el siglo
XVII. Caravaggio fue uno de los
primeros artistas en representar una
naturaleza muerta con conciencia de obra
pictórica. A partir de entonces, muchos pintores se especializaron en el
género de bodegón.

En los Países Bajos tuvo su mayor esplendor y difusión comercial.

Posteriormente el bodegón se convirtió ha sido tema principal en la obra de
muchos pintores del siglo XIX y XX. Inclusive, la obra de diversos artistas
contemporáneos es protagonizada por naturalezas muertas.
El bodegón, apareció como género pictórico independiente en el siglo XVII.
La Reforma Protestante fue clave en el desarrollo de la naturaleza muerta en
las obras de los artistas.
En una época en que las obras de temática religiosa desaparecieron, los
artistas de los Países Bajos comenzaron a pintar escenas de la vida cotidiana.
Retratos, paisajes, vistas de ciudades y naturaleza muerta.
En este tipo de pieza, los pintores tenían libertad total para escoger los
objetos que quisieran. Por ello, de principio a fin, pintar naturaleza muerta se
convirtió en todo un proceso creativo de experimentación técnica y estudios
de color.
Debido al éxito, el bodegón llegó a Italia y posteriormente pasó a España. Sin
duda, es uno de los fenómenos artísticos más relevantes durante el tránsito
del Renacimiento al Barroco.
Existe una notable diferencia entre los bodegones protestantes y los católicos.
En los Países Bajos y Alemania estas obras muestran la riqueza y las
comodidades de una clase social privilegiada. Esta condición está plasmada
de forma alegre y orgullosa. Por el contrario, en las naciones católicas como
Italia y España incluye un contenido religioso y alude directamente a la
caducidad de la vida.
En la actualidad, los artistas digitales realizan bodegones por medio del
diseño en computadora, incluso son utilizados por marcas publicitarias.

11.1. Mayores Exponentes

Caravaggio fue el primer gran pintor que hizo
cuadros con naturaleza muerta. Uno de los
primeros bodegones de la historia y
seguramente el más célebre de ellos es
Canasta con fruta, (1599).
El siguiente maestro de las naturalezas muertas
fue Jean Siméon Chardin que en el siglo XVIII
revitalizó el género que en aquella época era
poco valorado. Bodegón con gato y pescado de 1728, es su obra mas
famosa.
A finales del siglo XIX, los impresionistas
adoptan este género y lo ensamblan con
los
paisajes de campos luminosos y llenos de
vibrantes colores.
Édouard Manet y Auguste Renoir
realizaron composiciones de flores y frutas
llenas de color. Manet decía: “un buen
pintor se reconoce por su capacidad para
expresar la simplicidad de un fruto”.
Posteriormente, Cézanne desarrolló el
bodegón de forma más próxima a la
materialidad aún más realista y eliminó el
rigor de la perspectiva. También Vincent
Van Gogh pintó bodegones; la mayoría
eran de flores, prueba de ello es su serie de
girasoles y su obra Jarrón con doce
girasoles de 1888.
Aquí, está presente una pincelada gruesa,
un dinamismo en los pétalos y un color
amarillo luminoso que contrasta con el azul
del fondo.

Van Gogh logra que el bodegón deje de ser una

simple composición que representa objetos y se
convierta en la expresión artística.
Ya en el siglo XX, durante las vanguardias, el
bodegón experimenta todo tipo de
cambios y ensayos. Los cubistas lo utilizaron
frecuentemente. Pintores como Picasso o Braque
practicaron el bodegón en diversas formas
incluyendo el collage.
El último artista que plasmó naturaleza muerta fue Andy Warhol. Con sus
famosas Latas de sopa Campbell.
 12. Técnicas del dibujo artístico
Con los dedos también se puede
difuminar, para obtención de
mancha homogénea y limpia, de
tono único o degradado, a base de
extender el grafito del lápiz sobre el
papel a partir de líneas trazadas
previamente. La mecánica consiste
en el frote con la yema de los dedos,
no solo por su cara frontal, sino
también por sus cantos o

12.1. Técnica del difuminado a laterales.

mano

La superficie frontal de las yemas se

utiliza para difuminar zonas de extensión
media de las yemas se utiliza para
difuminar zonas de extensión media, los
laterales de las yemas, se aplicarán al
difumino de zonas estrechas utilizándose,
en general, los dedos menores para las
zonas menores, los laterales de los dedos
menores para aquellas zonas muy
estrechas donde sea preciso el frote difuminado (Velasco,1980: 65).

12.2. Líquidos fijativos

El líquido fijativo tiene una finalidad: ser
pulverizado sobre el papel en que se ha
dibujado, a fin de fijar en la superficie del
mismo la materia que ha dejado la mina
 del lápiz, para evitar, si el dibujo va a
pasar por muchas manos u operaciones
(Ibíd, 1980: 65).

Un lápiz blando deja una huella en el papel,

que fácilmente se corre, apenas se la roza. El
líquido fijativo, en cuya composición
interviene básicamente la goma laca diluida
en alcohol de quemar, forma una capa
protectora sobre el dibujo, resguardándole de cualquier eventualidad que
pudiera perjudicarle su aspecto artístico de una obra de arte.

“Ningún gran artista ve las cosas como son en realidad. Si lo hiciera, dejaría
de ser un artista”

(Oscar Wilde)
 Unidad temática 3: Retrato, figura humana en
movimiento

El retrato es la representación de una persona y se le da mayor expresión a la

cara , tiene la finalidad demostrar la semejanza.
El ilustrador y pintor satírico William Hogarth, fueron rechazados sus retratos, se
burlaba de la política contemporánea y de las costumbres de la época. , la
personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona.
El rosto tiene una estructura interna a la que le denominamos el cráneo y los
músculos que recubren los huesos de la cara, seguida de una superestructura
blanda que transmite el estado de ánimo y las emociones que configuran la
personalidad del individuo.

La bóveda craneal o cráneo formado por huesos planos y el bloque facial

constituido por huesos estructurados como también los músculos divididos en
dos grupos músculos masticadores que están insertos entre cráneo y
mandíbula y músculos mímicos o faciales de notable interés fisonómico y
expresivo.
Cada hueso y musculo de la cabeza humana es importante en su movilidad
y expresión para el artista.
A lo largo de la historia hubo estilos de retratos artísticos.
La figura humana en la prehistoria tenemos a la Venus de Willendorf pequeña
estatuilla con proporciones prominentes, a través de los siglos muchos
estudios e investigaciones de anatomía se dieron con disecciones e
investigaciones teóricas y prácticas tanto en cátedras de anatomía y de
cirugía.
En la anomia artística hubo cambios a partir del siglo XX los artistas
profundizaron la observación como también realizaron estudio estético de la
anatomía, para el artista la fuente de inspiración fue la anatomía.
La proporción y canon de la figura humana tanto femenina como masculino
fue estudiado en distintos periodos artísticos.

13. Lectura motivadora

La Última Cena
Existe una anécdota del gran pintor, escultor e inventor Leonardo Da Vinci,
acerca de su pintura "La última Cena", una de sus obras más copiadas y
vendidas en la actualidad.
Tardó 20 años en hacerla debido a que era muy exigente al buscar a las
personas que servirían de modelos.Tuvo problemas en iniciar la pintura p o r q
u e n o encontraba al m o d e l o p a r a representar a Jesús, quien tenía que
reflejar en su rostro pureza, nobleza y los más bellos sentimientos. Así mismo
debía poseer una extraordinaria belleza varonil. Por fin, encontró a un joven
con esas características, fue el primero que pintó.
Después fue localizando a los 11 apóstoles, a quienes pintó juntos, dejando
pendiente a Judas Iscariote, pues no daba con el modelo adecuado. Este
debía ser una persona de edad madura y mostrar en el rostro las huellas de la
traición y la avaricia. Por lo que el cuadro quedó inconcluso por largo tiempo,
hasta que le hablaron de un terrible criminal que habían apresado.
Fue a verlo y era exactamente el Judas que él quería para terminar su obra,
por lo que solicitó al alcalde le permitiera al reo que posara para él.
El alcalde conociendo la fama del maestro Da Vinci, aceptó gustoso y
llevaron por 2 guardias y encadenado al estudio del pintor. Durante todo el
tiempo el reo no dio muestra de emoción alguna de que había sido elegido
para modelo, mostrándose demasiado callado y distante. Al final, Da Vinci,
satisfecho del resultado, llamó al reo y le mostró la obra, cuando el reo la vio,
n al reo custodiado sumamente impresionado, cayó de rodillas llorando. Da
Vinci, extrañado, le preguntó el porqué de su actitud, a lo que el preso
respondió: ¿Maestro Da Vinci, es que acaso no me recuerda?" Da Vinci
observándolo le contesta: "No, nunca antes lo había visto". Llorando y
pidiendo perdón a Dios el reo le dijo: "Maestro, yo soy aquel joven que hace
19 años usted escogió para representar a Jesús en este mismo cuadro"...

Reflexionamos

¿Cuál es el sentido de elegir un modelo para realizar un retrato?

¿Quién es el protagonista de la lectura motivadora “La ultima cena”?

¿Realiza un retrato y argumenta como puedes implementar en el PDC del

área de Artes Plásticas?

14. El retrato en el arte

Un retrato es una pintura, fotografía, escultura u otra representación artística

de una persona, en la que predomina la cara y su expresión . La intención e
mostrar la semejanza
El retrato artístico siempre busca halagar o exaltar las cualidades de una
persona y por lo general aquellos artistas que se negaron a pintar un retrato
con esa finalidad, como el ilustrador y pintor satírico William Hogarth,
tendieron a ser rechazados. William Hogarth con sus retratos, se burlaba de la
política contemporánea y de la costumbres de la época. , la personalidad e
incluso el estado de ánimo de la persona.
El género del retrato está presente en toda la Historia de Arte. Siempre ha sido
un género muy ligado al encargo, pero también los artistas se han expresado
por este medio sintiéndose atraídos por personas que han encontrado en su
camino.

14.1. Estructura del rostro

Conocer los huesos y los músculos le ayudara a saber que sujeta y mueve la
piel, el pelo y el tejido blando la estructura básica y la superestructura blanda
que transmite el estado de ánimo y las emociones que configuran la
personalidad del individuo. Antón (2005 pág. 196 )
La estructura de la cara está relacionada con la personalidad del modelo.
Esfuércese por dibujar la estructura anatómica de “ese” modelo con “esas”
características somáticas y psicológicas en esas condiciones de luz y con esa
actitud. DIBUJO DE LA ANATOMIA Y ESTUDIO DEL MOVIMIENTO Civrdi (2001
pág. 11)
En el dibujo del retrato debemos ser más observadores del modelo y captar
las características somáticas y psicológicas, para mostrar la similitud del
modelo en el retrato.
La bóveda craneal o cráneo formado por huesos planos y el bloque facial
constituido por huesos estructurados de formas muy complejas que incluye la
mandíbula, el único hueso móvil de la cabeza , Los músculos divididos en dos
grupos músculos masticadores (insertos entre cráneo y mandíbula) y músculos
mímicos o faciales ( con predominio inserción cutánea ) de notable interés
fisonómico y expresivo.
Existen dos músculos principales en la cara que forman un circulo alrededor
de los ojos (orbicular de los parpados) y de a boca (orbicular de los labios) El
frontal cubre el hueso del mismo nombre.
El masetero es el potente músculo del maxilar inferior que al contraerse lo
comprime firmemente contra el superior y el cuerpo humano. Estilos de
retrato artístico
 14.2. Retrato religioso
Es una obra de arte visual que es representativa y tiene un propósito, tema o
conexión religiosa.

14.3. Retrato histórico

Recoge a determinados personajes que ocupan un lugar en la historia exige
del artista conocer la realidad de los hechos, basado su retrato en forma
artístico

14.4. Retratos de famosos

Las celebridades siempre han sido un tema que ha inspirado a muchos
artistas del retrato, desde el Renacimiento hasta nuestros días.

14.5. Retratos de desnudos

Desde el clasicismo, pasando por el Renacimiento hasta el siglo XX, tanto el
desnudo masculino como el femenino han aparecido en retratos, pinturas,
esculturas y grabados

15. Figura humana a través del tiempo

La anatomía humana en el arte prehistórico
El estudio y representación de la forma y de las
proporciones humanas data de tiempos remotos
en la historia del ser humano. Las escrituras
cuneiformes ya se referían a los órganos humanos.
En algunas cuevas se encuentran huellas de manos
como unidad anatómica que demuestra el indicio
de que en algún momento el hombre adquiere
conciencia de "la parte". En el neolítico fue frecuente abreviar la figura
humana, se redujo a un símbolo convencional donde la abstracción
predominaba sobre el realismo.
La anatomía humana en el arte prehistórico
 El estudio y representación de la forma y
de las proporciones humanas data de
tiempos remotos en la historia del ser
humano. Las escrituras cuneiformes ya
se referían alos órganos humanos. En
algunas cuevas se encuentran
huellas de manos como
unidad anatómica
que demuestra el indicio de que en
algún momento el hombre
adquiere conciencia de "la parte". En
el neolítico fue frecuente
abreviar la figura humana, se redujo a
un símbolo convencional donde la abstracción predominaba
sobre el realismo.
Binomio arte-anatomía humana en la Edad Media y el Renacimiento
En la Edad Media, la vuelta a una sociedad teocéntrica merma el interés por
el desnudo y la observación anatómica para la representación artística. Las
figuras humanas se representan vestidas o tapadas. En general, se pierde el
interés por el realismo y se desarrolla un planteamiento narrativo-didáctico y
simbólico más parecido al egipcio que al arte clásico griego. Sin embargo,
como una segunda piel, los vestidos y ropajes son utilizados por artistas para
embellecer las figuras5como una forma de resaltar la anatomía que subyace.
En el seno del Arte Cristiano es, desde otra perspectiva, donde más
claramente podemos observar una evolución en la concepción del cuerpo
humano a través de la representación del dolor, el sufrimiento y la muerte. A
partir de la atención prestada al Calvario, a la purificación a través del dolor
y a la redención tras la penitencia, adquiere importancia la representación
anatómica verídica del cuerpo del Nazareno, con sus cinco llagas bien
diferenciadas. En las representaciones de los mártires, a imagen de su
adorado Redentor, se enfatizará en sus suplicios y en el detalle de los rasgos
anatómicos corporales. A finales del siglo XV y principios del XIV, los
nombrados humanistas médicos dieron un vuelco a la investigación y la
enseñanza de la medicina. Revisaron los textos clásicos bajo prismas
humanistas, corrigieron los errores de traducción de Averroes y Avicena de la
medicina griega y lograron que el humanismo médico y el interés
renacentista generarán un importante avance en el estudio de la anatomía
humana. Como en otros periodos junto al trabajo de los anatomistas italianos
y del resto de europeos, los mejores artistas de la época, a través del
naciente naturalismo del siglo XV, se dedicaron a profundizar en la anatomía
humana.
Siglos XIX y XX
En el siglo XIX las escuelas de Medicina acrecentaron sus colecciones
anatómicas de cera como parte esencial de la dinámica de la docencia y la
investigación médica. Se utilizaron como medio complementario a la
práctica de la disección, la que seguía vigente como nunca en las Casas de
Altos Estudios. Las piezas fueron coleccionadas y conservadas para su uso y
exhibición en Museos Anatómicos, adjuntos a las cátedras de Anatomía o
Cirugía.
Entrado el siglo XIX, se les dio un toque romántico a los libros forrados en piel
humana y se convirtió en una moda elitista de la alta sociedad. Muchos libros
de anatomía aparecerían entonces con esta característica, ya que los
doctores y los estudiantes de medicina que los escribían, se decía que
extraían el “material” de los cuerpos a los cuales aplicaban la disección.
 15.1. La anatomía humana y el arte en la contemporaneidad
La Anatomía Artística de un modo más o menos autónomo, ha cambiado
mucho hasta nuestros días,
sobre todo en el siglo XX.
Aparte de observar el modelo
del natural, desde manuales y
tratados hasta atlas, vídeos,
programas y aplicaciones han
aparecido en la actualidad a la
disposición de aquellos
interesados en un estudio
estético de la anatomía. Si
quisiéramos agrupar de algún
modo estos recursos, podríamos distinguir dos tipos: los que ofrecen
ilustraciones e imágenes bidimensionales estáticas y los quede un modo
dinámico nos permiten obtener distintos puntos de vistas del mismo objeto,
mostrando un aspecto tridimensional (de un modo virtual o no).Para los
artistas, el cuerpo humano siempre ha sido una valiosa fuente de inspiración.
El saber anatómico durante mucho tiempo ayudó a pintores y escultores a
realizar obras exactas y creíbles. Sin embargo, el arte moderno trata en
muchas ocasiones de dar una nueva visión. Desde los primeros vanguardistas,
el tratamiento de la figura humana admite tantas versiones como corrientes
artísticas y estilos aparecen.
La fotografía, desde sus inicios ha fascinado tanto a científicos y médicos
como a artistas. Es una herramienta fascinante para estos, dado que permite
plasmar con precisión procedimientos quirúrgicos, patologías poco
frecuentes, la realización de una disección, así como los más precisos detalles
anatómicos a escala microscópica o macroscópica. En la actualidad, se
habla de Atlas Fotográficos del Cuerpo Humano.
 16. Proporción y canon
Para entender el uso expresivo del canon en distintos periodos artísticos es
necesario conocer al pintor del canon: la observación empírica y el análisis
del cuerpo humano.
La palabra “canon” se deriva del nombre griego cuyo significado es igual a
regla o medida. El canon y el módulo de la figura humana, en la historia del
arte el concepto estético sobre el cuerpo ideal de la mujer y del hombre han
variado a lo largo de la historia.

Figura humana de 8 cabezas.

PRIMERA CABEZA, va entre los cuadrados 0-1, que corresponde desde la
frente a la barbilla.
SEGUNDA CABEZA, entre el 1 y 2 que va de la barbilla a las tetillas.
En esta misma cabeza proporcional se halla a la tercera parte del cuello
(línea cortada) y los hombros.
TERCERA CABEZA de 2 a 3, corresponde las tetillas al ombligo o cicatriz
umbilical en el hombre y en la mujer los pezones de los senos.
CUARTA CABEZA del 3 al ,4 donde se ubica la región del pubis.
cubierta muscular
el muslo.
QUINTA CABEZA
del 4 al 5 del pubis
a la mitad del
fémur o su
SEXTA CABEZA del
N°5 al 6, hasta la
rodilla o rótula.
SEPTIMA CABEZA
Numero 6 y7 de la
rodilla la canilla o pierna.
Octava Cabeza del 7 al 8 desde la mitad de la canilla hasta la planta del pie.

17. Figura humana en movimiento

Los movimientos humanos el salto, carrera, el
andar , nadar, etc. se puede dibujar
aprovechando los conocimientos adquiridos
sobre las proporciones en la figura de frente ,
espalda y perfil .En este caso también se
puede articular el muñeco articulado, al cual
se le da movimientos con solo dibujar la línea
central o eje que conforma la columna
vertebral y luego realizar las ocho divisiones
en la misma.
Una vez dibujados los movimientos
esquemáticos podemos ver las proporciones.

18. Artistas destacados bolivianos

María Esther Ballivián grande exponente del arte en América Latina con
diversos temas y estilos a lo largo de su vida, desde un acercamiento al
indigenismo hasta una aproximación al desnudo femenino, fue originaria de
La Paz
Cecilio Guzmán de Rojas fue originario de Potosí pintor indigenista boliviano
de la primera mitad del siglo forjador de la pintura boliviana. Desde la
Academia de Bellas Artes impuso el
indigenismo, entre sus obras más destacadas
son: “El Beso del Ídolo”, “El triunfo de la
naturaleza” aportando la técnica cuagulatoria

Arturo Borda un pintor boliviano que se

destacó como retratista originario de La Paz
Una de sus obras “El Yatiri” con los rasgos
indígenas pinturas de su propia realidad,
Rosmery Mamani Ventura pintora boliviana
sus obras se caracterizan por el alto nivel de
realismo.

“El artista no es nada sin el don, pero el don no es nada sin

trabajo.”

(Émile Zola)
 Unidad temática 4: Paisajismo – Perspectiva en el Dibujo

La importancia del paisaje conocida como arte paisajista los elementos del
paisaje natural son: Montañas, valles, árboles, ríos y bosques, la pintura de
paisaje es la lectura del contexto.
La vista del paisaje puede ser imaginario o copia de la realidad, en china las
pinturas de paisajes fueron representaciones imaginarias.

Los artistas profesionales de la corte pintaban de la realidad y que incluían a

menudo palacios y ciudades.
A través de la historia hubo escenas pictóricas dela naturaleza como
montañas, valles, árboles, ríos y bosques.

Desde el punto de vista del artista, la representación del paisaje exige el

desarrollo de varias destrezas, como la representación del espacio, la
perspectiva, tanto lineal como atmosférica, el conocimiento del dibujo, el
color y la composición.
En la edad media Giotto fue un primer artista, dio otro enfoque al paisajismo
al cambar el fondo dorado de sus imágenes por escenarios reales, se aprecia
en la obra Virgen del Canciller Rolin.
En el Renacimiento se destaca Alberto Durero con la técnica de la acuarela
plasma un arte realista.
 19. Lectura motivadora

El Paisaje Como Tema Principal

Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde
todos los intereses de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el
contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada
con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida
que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la
representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que
los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición
de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la
figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo
había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior
cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la
danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.
Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas
cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más
anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban
directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice
que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas
veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.
Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo
hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas.
Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices
innumerables.
Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos
directamente sobre la superficie del lienzo.
Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había
regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece
el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional
porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet
con su Pífano. La naturaleza tomada como modelo; se interpreta
gráficamente el panorama conformado por diversos elementos natrales y
culturales.

Rodríguez 2003 PROINSA pág.21

20. La importancia del paisaje

La pintura de paisaje, también conocida como arte paisajista, es la
representación en el arte de paisajes: paisajes naturales como montañas,
valles, árboles, ríos y bosques, especialmente donde el sujeto principal es una
vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En
otras obras, los fondos de paisaje para las figuras todavía pueden formar una
parte importante del trabajo. El cielo casi siempre está incluido en la vista, y el
clima a menudo es un elemento de la composición. Los paisajes detallados
como un tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas, y
se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros
temas.
La pintura de paisaje ofrece una lectura del contexto en el que fueron
realizadas, tendiendo planteamientos estéticos, económicos, políticos,
pensamiento científico, relación con la naturaleza y apropiaciones del
territorio.
Las vistas del paisaje en el arte pueden ser completamente imaginarias o
copiadas de la realidad con diversos grados de precisión. Si el objetivo
principal de una imagen es representar un lugar real y específico,
especialmente los edificios prominentes, se denomina vista topográfica. Tales
puntos de vista, extremadamente comunes como los grabados en
Occidente, a menudo se consideran como paisajes inferiores a las bellas
artes, aunque la distinción no siempre es significativa; prejuicios similares
existían en el arte chino, donde la pintura literaria por lo general representaba
visiones imaginarias, mientras que los artistas profesionales de la corte
pintaban puntos de vista reales, que a menudo incluían palacios y ciudades.

21. Paisaje a través de la historia

Paisaje es el nombre del dibujo de lugares que el estudio de la historia del
arte da al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales
como montañas, valles, árboles, ríos y bosques.
El paisaje es la representación gráfica de la geografía y la cultura de un país
desde el punto de vista de un observador.
Desde el punto de vista del artista, la representación del paisaje exige el
desarrollo de varias destrezas, como la representación del espacio, la
perspectiva, tanto lineal como atmosférica, el conocimiento del dibujo, el
color y la composición.

21.1. Paisaje como género artístico

la historia del paisaje como un arte, Las escenas de caza, especiales las
situadas en la vista cerrada de los cañaverales del delta del Nilo desde el
antiguo Egipto, pueden dar un fuerte sentido del lugar, pero el énfasis está en
las formas de plantas individuales y las figuras humanas y animales en lugar
del paisaje general. Los frescos de la Tumba de Nebamun, ahora en el Museo
Británico (hacia 1350 a. C), son un ejemplo famoso.

21.1.1. Paisaje en Egipto

en Egipto igualmente se observaron representaciones de paisajes realizados
en las tumbas de los nobles y en el imperio nuevo se observaban paisaje
pintados haciendo representaciones de caza o ceremonias.

21.1.2. Paisaje en Grecia

Los primeros «paisajes puros» sin figuras humanas son frescos de la Grecia
Minoica de alrededor de 1500 a.C.

21.1.3. Paisaje en Roma

Los más antiguos paisajes romanos sobreviven, desde el siglo I a. C. en
adelante, especialmente frescos de paisajes decorando habitaciones que se
han conservado en los sitios arqueológicos de Pompeya, Herculano y en otros
lugares, y mosaicos.

21.1.4. Paisaje en China

Los paisajes se puede apreciar es de las pinturas chinas realizadas con tinta,
del Shan Shui las cuales expresaban lindos paisajes, («agua de montaña») o
paisaje «puro», en el cual el único signo de la vida humana suele ser un sabio,
o un atisbo de su choza, utiliza sofisticados fondos de paisaje para representar
sujetos, y el arte paisajista de este período conserva un estatus clásico y muy
imitado dentro de la tradición china. Tanto la tradición romana como la
china generalmente muestran grandes panoramas de paisajes imaginarios,
respaldados por una variedad de montañas espectaculares: en China a
menudo con cascadas y en Roma, que a menudo incluyen mar, lagos o ríos.
Estos fueron utilizados con frecuencia, como en el ejemplo ilustrado, para
cerrar la brecha entre una escena en primer plano con figuras y una vista
panorámica distante, un problema persistente para los artistas del paisaje. El
estilo chino generalmente mostraba solo una vista lejana, o usaba tierra
muerta o niebla.
Un gran contraste entre la pintura paisajista en el oeste y el este de Asia ha
sido que mientras en Occidente hasta el siglo XIX ocupó una posición baja en
la jerarquía de géneros aceptados, en Asia Oriental la pintura china clásica
de tinta de agua de montaña era tradicionalmente la más prestigiosa forma
de arte visual. Las teorías estéticas en ambas regiones otorgaron el estatus
más alto a las obras que se considera que requieren la mayor imaginación
del artista. En Occidente esto era pintura de historia, pero en Asia Oriental era
el paisaje imaginario, donde los famosos practicantes eran, al menos en
teoría, literatos aficionados, incluidos varios emperadores de China y Japón.
A menudo eran también poetas cuyas líneas e imágenes se ilustraban entre
la dificultad.
 21.1.5. Edad media
Asimismo, durante la edad media y el renacimiento se observaron paisajes
dentro de lugares religiosos, Giotto fue el primer artista que dio otro enfoque
al paisajismo al cambiar el fondo dorado de sus imágenes por escenarios
reales.
Además, a medida que fue transcurriendo los años se notaron ciertos
cambios importantes tales como la introducción de una nueva técnica, la
pintura al óleo, esto se pudo notar en la obra Virgen del Canciller Rolin en el
que se observa el paisaje con jardín, rio y en el fondo la ciudad nativa de
Ambrogio Lorenzetti.

21.1.6. Renacimiento
Durante la época del renacimiento, se pudo ver las obras del Alberto Durero
la cual plasmo un arte realista a través de la técnica de la acuarela. Flandes
fue la primera representación del paisaje de Joachim Patinir, expresión
artística independiente que supero a los paisajes religiosos por paisajes de la
naturaleza.
Albrecht Altdorfer y Lucas Cranach se lucieron plasmando paisajes
panorámicos con extensiones de terrenos viéndolas desde una perspectiva
general.
Analizando su evolución como género pictórico, el paisaje de cada época
refleja el pensamiento del hombre y el mundo en el que vive, es decir, la
evolución de su mirada y cómo la expresa el artista en su obra.

21.1.7. Época contemporánea

Por su parte en el Siglo XVIII Canaletto se especializo en el sub-genero de las
vedute, es decir diversas perspectivas urbanas con un estilo de paisajes
ingleses.
En cambio en la época contemporánea se realizaron cuadros personalizados
vistos desde la perspectiva de cada autor, Cézanne se dedicó a la pintura
moderna, montañas, al igual que Gustav Klimt.El inicio de la nueva era
 21.1.8. Siglo XX y la nuevas tendencias
A partir del siglo XX podemos decir que el paisaje se convierte en un género
abierto, impregnado por los diferentes movimientos pictóricos del siglo XX,
que darán lugar a muchos tipos de paisaje. Lo más importante es que la
expresión plástica deja de estar ligada necesariamente a lo espacial,
pudiendo ser predominante un aspecto sobre los demás como la ensoñación
en el surrealismo.
En Bolivia se destaca el artista Arturo Borda pintor autodidacta. Gran retratista
y paisajista su obra se adscribe al simbolismo de principios del siglo XX. Borda
tenía un profundo interés en los temas sociales, por lo que hizo de las
comunidades indígenas las protagonistas de una gran parte de sus obras
artísticas.
Los pintores bolivianos, marcados por la diversidad cultural y los hermosos
paisajes de su país han destacado por su singular visión y estilo. Desde el
simbolismo de Arturo Borda hasta el extenso imaginario de Roberto Mamani
Mamani, con técnicas y enfoques diversos, han dado vida a una tradición
´pictórica con un lenguaje decididamente único.

21.2. Tipología del paisaje

Existe otra tipología importante, la cual pretende hacer una diferenciación en
cuanto al tema a tratar:
 Fluviales, este trata de expresar la estructura o composición de los ríos,
lagos, otros.
 Marinos, muestra la composición de los mares, océanos, playas, es
decir, todo lo referente a la vida marina.
 Naturales, estos representan lo más bello de la naturaleza, su estado
original, sus bosques, selvas, desiertos, es decir cualquier tipo de
naturaleza siempre en su estado natural, sin la presencia del ser
humano.
 Costumbristas, son aquellos que simbolizan costumbres y tradiciones de
 lugares específicos como por ejemplo los paisajes típicos de pueblos
boliviano que están representados en la pintura popular. Influye la
materialización a través de un dibujo de una tradición o un lugar en
específico, por ejemplo aquellos que hacen relación a un pueblo en
específico o cultura popular.
 Paisajes duros, es un tipo de paisaje más de la ciudad, ya que plasma
representaciones tales como una industria, calle o zonas ya pobladas.
 Onírico, es un tipo de paisaje abstracto o tridimensional, aquellos que
buscan expresar una visión psicoanalítica.
 Urbanos, como su nombre lo indica, este tipo de paisaje hace muestra
de las ciudades y sus entornos, como calles pavimentadas y grandes
complejos d negocios o industrias.
 Etéreo, es un tipo de paisaje que muestra la superficie desde arriba,
desde el aire, muchos artistas han plasmado su arte de esta forma, se
pueden mencionar a Nancy Graves o Yvone Jacquette.
 De selva y bosque.
 Aéreo: aquel cuya vista está representada como visto desde arriba,
como si la toma fuera desde un avión.
 Paisajes estelares o paisajes nublados son representaciones de nubes,
formaciones climáticas y condiciones atmosféricas.
 Los paisajes lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra.
 13. Paisaje de ensueño, en composiciones similares a paisajes
(generalmente surrealistas o abstractos) que buscan expresar la visión
psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.

22. Perspectiva
La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y
la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de
objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.
Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo
tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos
ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.
Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son:
controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos
representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están
pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más
cerca y más altos cuando están más lejos. La perspectiva, entonces, es un
sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana
de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la
naturaleza que permite figurar el efecto volumétrico de los objetos,
colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.
El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y
al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de
la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La
sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una
técnica de composición muy importante.

La perspectiva también es la estructura sobre la cual se apoya la forma de

visión del hombre moderno, a partir del Renacimiento, que es cuando se
instaura definitivamente en la plástica.

22.1. Elementos principales de la perspectiva

Hay artistas que en la pintura y en el dibujo logran hacer este efecto de
lejanía de los objetos. Para ello, utilizan diferentes tipos de líneas:

Líneas paralelas, van una al lado de la otra y, aunque sigan en un plano,

nunca se encontrarán.
Líneas oblicuas, son líneas que parten de puntos distintos una al lado de la
otra, pero que en su recorrido se encontrarán en algún punto.
Líneas convergentes, partes de dos partes distintas para luego encontrarse en
un punto.
Líneas divergentes, parten de un mismo punto a distintas direcciones
Con la unión de estos tipos de líneas podrás lograr efectos interesantes ya
que la perspectiva consiste en representar las cosas como se ven.
Como sabrás, las líneas son un conjunto de puntos unidos, si vemos una línea
con una lupa se vería así:
El punto es un elemento importante dentro de la perspectiva porque las
líneas pueden partir de un punto a otro.

“La inspiración existe, pero nos tiene que encontrar trabajando”

(Pablo Picasso)
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La Paz: CIPCA Y UNICEF

Texto PROFOCOM UF 4 ,9,10 y 12

Martínez E. Teoría del paisaje