1

Aproximación y comprensión al arte contemporáneo

G6
Samuel Quintero Osorno
Laura María Amaya Vargas

UNIVERSIDAD EAFIT
Arte y Ciudad
Medellín - Colombia
2022
 2

Índice: número de página en el que comienza cada apartado.

Introducción
Inicialmente, este informe de lectura se realiza con el objetivo de brindar de forma concisa

las ideas y conceptos principales acerca del arte contemporáneo, tomando como fuente el

libro “Aproximación y comprensión del arte contemporáneo”, cuyo autor es Víctor Guédez.

Primero, se podrá encontrar un breve acercamiento al tema con ideas básicas, pero

fundamentales que ayudarán en este proceso de entendimiento. Luego, se enfatiza en las

dificultades e impedimentos que se presentan a la hora de aproximarse al arte contemporáneo.

Por último, se empieza a ahondar en las principales características que definen y estructuran al

arte contemporáneo. Para lograr explicar y otorgar un entendimiento del tema, se parte de

realizar un contraste con el arte clásico, el cuál figura como un antecedente.

Se entiende por arte clásico toda representación de la realidad, es decir, de la existencia de

algo o alguien por medio de los paradigmas o, en otras palabras, el molde que impone lo

bello, lo armonioso y lo equilibrado. Se hace un especial énfasis en la palabra

“representación”, pues es uno de los ejes diferenciadores entre ambos estilos. Al representar

algo, se toma como base un referente para ser plasmado en una imagen artística. Es algo muy

explícito que limita al que presencia una obra clásica a simplemente contemplar y admirar lo

que tiene delante de sus ojos sin la necesidad de adoptar una postura interrogativa o

cuestionable.

Por el contrario, el arte contemporáneo se ha enfocado más en desarrollar las perspectivas

sobre la presentación de un mundo diferente. Un panorama o escenario donde predomina lo

ambiguo, que hace alusión a lo metafórico, lo imaginativo, relacionándose con lo simbólico, y

lo indeterminado, que es lo que conocemos como abstracto. Según esto, se puede inferir que

tiende a ser desafiante en términos de lo tradicional, buscando entregar una versión más
 3

subjetiva del ser dejando atrás lo convencional y creando una realidad profunda y fuerte. Todo

esto, con el fin de darle vida a lo reprimido, liberando todo aquello que causan o inspiran las

manifestaciones artísticas desde una postura crítica, capaz de identificar e interiorizar el

verdadero mensaje que transmiten.

Ya habiendo establecido las diferencias entre ambos estilos, se procede a explicar todo el

proceso de relación que se tiene con una obra de arte, desde la motivación y aproximación,

hasta la comprensión y la crítica. Lo primero que ocurre es una sensación de curiosidad frente

a la obra, que procede con una sensación de querer tener un primer contacto. Es esto a lo que

llamamos el abordaje o aproximación. Después, se busca comprender lo que se está viendo.

Se contempla tal cual se presenta el arte para luego formular preguntas acerca del mensaje que

está queriendo transmitir, estableciendo a su vez una relación más estrecha entre el espectador

y la obra. Para dar fin a esta interacción viene la etapa de crítica. Acá el espectador toma una

postura frente a la obra teniendo en cuenta unos criterios de análisis específicos de esta los

cuales son: la esencia, la naturaleza, el paradigma o molde en el que se basa y la sensación o

sentimiento que te genera. Solo después de tener todo esto en cuenta es cuando es

enteramente válido hacer una valoración del arte.

Si bien el arte contemporáneo surge de los cuestionamientos implícitos en las situaciones,

concibe enfrentarlos por medio de sus elementos, los cuales cumplen con los principios de

sensibilización, generando en el hombre el acto de crear y apreciar todo aquello que considera

arraigado a su historia y naturaleza a través de las obras o manifestaciones artísticas. Tal

como lo afirma Luigi Pareyson: «La obra de arte pone de manifiesto en su totalidad la

personalidad y espiritualidad originales del artista, denunciadas antes que, por el tema y el

argumento, por el modo personalísimo y único que ha evidenciado al formularla». Además de

este pensamiento, existen otras posturas que adoptan una definición un tanto diferente, pero,
 4

tendiendo a enfatizar en lo mismo, es decir, en el protagonismo del ser, dando lugar a una

expresión multideterminada (Guédez, 1994).

El arte establece una estrecha relación con el lenguaje, dado que este último no es otra cosa

que la capacidad innata que tenemos los seres humanos para comunicarnos, así, de cierta

forma, el arte se traduce en cumplir este significado como ya lo hemos venido mencionando.

Por lo que, el arte visual hace referencia a un conjunto de códigos, alfabetos y signos que se

organizan para expresar algo, es decir, es una forma de comunicar o expresar algo de manera

entendible, transmitiendo un mensaje claro y efectivo. Cabe resaltar, que existen obras que

brindan una comunicación directa o explícita describiendo generalmente un aspecto de la

realidad, pero, hay otras que expresan exclusivamente un sentimiento, el cual es más difícil de

percibir en una primera instancia.

Por otro lado, se abarcan conceptos claves o específicos sobre el lenguaje verbal, que, al

igual que el visual, es una fuente de comunicación innata. En este caso, la palabra se ilustra

como unidad básica del lenguaje verbal. Sin embargo, se debe recalcar que la unidad básica

del lenguaje visual es la imagen, la cual es un núcleo elemental de este, es decir, de ella parte

la creación de lo que nuestros ojos pueden observar. Así como en el arte, en el lenguaje

tenemos palabras que comunican un mensaje explicito y claro, mientras que tenemos otras

que pueden expresar de manera más difusa y ambigua un sentimiento en particular. La lengua

posee un léxico y reglas gramaticales como base, ya que el acto de hablar es una

manifestación de esta según el contexto donde se desarrolle; es así como adquieren un sentido

más profundo. Si el hecho de hablar no enriquece en absoluto a la lengua por medio de

innovaciones causadas por necesidades de comunicación cotidiana, el habla,

consecuentemente, termina por morir. Las mismas ideas son aplicadas para el arte visual, que

se asocia con un lenguaje que es capaz de expresar lo inexpresable con las palabras ((Guédez,

1994).
 5

Continuando con el tema, al momento en el que se decide aproximarse al arte

contemporáneo surgen una serie de limitaciones e impedimentos que dificultan dicha

intención. Empezando con las limitaciones, el texto las segmenta de la siguiente manera:

 “El arte es absoluto y relativo” significa que una obra en particular esta terminada por

completo al momento en el que el autor la da por finalizada a su criterio. Sin embargo,

al momento en el que una persona externa la aborda pierde todo su absolutismo y se

convierte en algo dependiente del criterio del que la observa.

 “La relación con el arte es indirecta” nos quiere decir que, al ser el arte contemporáneo

uno que no es ni explícito ni descriptivo, la aproximación con este no es directa. El

espectador nunca llegar a tener una comprensión clara de la obra pues la condiciona

con sus propias ideas e intereses.

 “La obra siempre está inconclusa” tiene relación con la primera limitante. Implica que,

si bien el autor da por terminada la obra a su criterio, esta siempre termina inconclusa

pues el que le termina de dar la definición es el mismo espectador. Lo mismo ocurre

cuando se dice que el arte es “mitad de quien la hace y mitad de quien la aprecia” pues

al final esta es la manera en la que se complementa el significado o el mensaje que

quiere transmitir la obra.

 “Una obra es heterogénea” implica una dificultad debido a que es básicamente el

resultado de una mezcla de distintas ideas, intereses, técnicas y recursos, lo cual hace

que su abordaje sea más complejo de lo que se pueda pensar en primera instancia.

 “En el arte no hay progreso” Lo que nos quiere decir es que no hay indicios de que

hoy en día no se haga arte como se hacía cientos de años atrás. El termino “progreso”

limita su significado a establecer que para que haya progreso, lo anterior debe ser

eliminado por algo mejor. En el caso de arte es imposible definir cuando una obra es
 6

mejor que otra o cuando un estilo es mejor que otro. Como hemos dicho en los

anteriores puntos, al fin y al cabo, el arte obtiene distintas valoraciones de distintos

observadores.

 “El arte es distinto a la ciencia” Para este punto se toman dos ideas para resaltar su

diferencia. La ciencia busca demostrar una hipótesis basada en recolección y medición

de datos para sacar una conclusión; es todo muy medido y secuencial. En cambio, el

objetivo que tiene el arte es mostrar algo, facilitar la interacción de aproximación y

admiración de un espectador hacia una obra visual en particular.

 “El arte es una permanente novedad” es un punto altamente relacionado con el punto

en el que se mencionaba en que no progresaba. Esto se puede ver como un

complemento, pues, como decíamos antes, en el arte no hay progreso, lo que ocurre es

más una evolución en donde si bien va cambiando, nunca se elimina por completo las

técnicas que anteceden a las nuevas.

 Por último, está que “cada expresión artística asume sus propios criterios” que es, en

resumen, lo que se ha expuesto hasta ahora. Se vuelve a hacer hincapié en que cada

espectador es el que construye su postura frente a una obra en particular a la hora de

abordarla, sin embargo, este debe dejar de lado sus propios intereses y se centrarse en

los criterios o normas que le impone la obra que presencia.

Ahora, haciendo énfasis en los impedimentos, el arte contemporáneo se encuentra en

constante enfrentamiento con la sociedad al existir una minoría que no logra dimensionar la

trascendencia de las obras. Es ahí, donde fluyen los prejuicios que rechazan toda

manifestación artística bajo excusas coloquiales como: “Eso lo hago yo” o “Eso no dice nada”

entre otras. El hecho de crear arte o dedicarse a hacerlo implica más allá de poseer un nivel de

creatividad, se trata de cumplir con unas condiciones al desarrollar mejores capacidades para
 7

hacerlo. No cualquiera cuenta con apropio del ser significativo para emprender en este mundo

tan objetivo y subjetivo a la vez. El hecho de no valorar el arte de la manera correcta o

merecedora es una de las principales problemáticas del mundo actual o moderno. También se

debe despojar del significado o la consciencia de lo que se denomina razón para poder crear

arte, ya que este es un obstáculo que no permite abrir paso a las manifestaciones; las cuales

surgen lejanas a la razón.

Adicionalmente, se han descubierto obstáculos un poco más visibles o resaltantes en el

mundo del arte. Dentro de esos, se encuentra un contraste en el que se quiere encontrar sin

buscar, lo cual significa que se requiere un proceso de análisis más profundo de las obras.

Identificar sus características, su potencial, su intimidad, pero para esto es necesario estar en

disposición de exponerse a descubrir y no simplemente crear una definición de algo sin

explorarlo. Por otro lado, los seres humanos nos reconocemos por ser aversos a los cambios.

Es aquí donde encontramos dos riesgos, que mayormente se basan en el miedo y el rechazo.

Así que, en términos del arte, no es otra cosa que el miedo a dejar atrás una cultura o

vivencias y rechazar lo que está surgiendo, implicando variaciones en su historia predecesora.

Un error común que suele cometerse en el momento de contemplar el arte se puede deducir

en el posible conflicto existente entre permitir lo abstracto y refutar las obras figurativas,

situación que puede presentarse en sentido contrario. Sin embargo, en la actualidad se

evidencia un reiterado desafío a lo convencional, o lo que anteriormente se consideraba así.

Otro factor que impide una evaluación adecuada tiene que ver con hechos un tanto

superficiales en donde relucen características técnicas. Finalmente, este es considerado el

obstáculo más grande en el arte contemporáneo, el miedo a la libertad. Aquel que ha existido

en todos los tiempos, pero que básicamente se traduce en inseguridades o en el no

atrevimiento a la exploración de lo desconocido para generar algo nuevo, partiendo de

paradigmas diferentes.
 8

Luego de haber repasado las principales características de lo que se considera arte

contemporáneo, de ver el proceso de interacción entre una obra y su espectador y de ver los

impedimentos y dificultades que se presentan en este proceso de aproximación, empezaremos

a profundizar en el significado que acompaña al arte contemporáneo. Pero, para conseguir

esto, debemos explicarlo a partir de cuatro aspectos que nos lleven a una idea y concepto

general. Los cuales exploraremos a continuación:

La naturaleza del arte contemporáneo

En esta característica, se hace alusión a la ambigüedad como término mejor asociado a la

naturaleza del arte contemporáneo. Así, según Guédez (1994) se entiende por ambigüedad a

una cualidad que consiste en participar de dos naturalezas diferentes, y que, en consecuencia,

producen sensaciones indeterminadas, inciertas, confusas, anfibológicas, contradictorias,

equívocas y paradójicas. De aquí surge el hecho de que, una obra es el vivo esfuerzo de su

creador, al realizarse de manera libre, otorgándole a quien la precie u observe el derecho de

contemplarla y, por tanto, de trascender en su esencia, dejando volar su imaginación haciendo

a un lado toda clase de impedimentos u obstáculos que en algún momento mencionamos.

Enfatizando en que el reconocimiento de todos los lenguajes y sus representaciones son parte

de la construcción de la definición del arte y las manifestaciones u obras de los artistas.

(Guédez, 1994).

La especificidad del arte contemporáneo

Así como empezamos el informe haciendo una comparativa entre el estilo clásico y

contemporáneo para iniciar el entendimiento del tema, para entender la especificidad de lo

contemporáneo se aborda la misma comparación para hacer énfasis en lo que más importa de

ambos estilos. Como explica Guédez (1994) “hablar de lo académico significa un purismo

estético, un tradicionalismo en la atención de las normas, una rigurosidad en la elegancia de

 9

los recursos técnicos”. Esto es lo que ya habíamos recalcado anteriormente, pues

mencionábamos lo estricto que era con las normas que el mismo paradigma del estilo impone

en sus obras, en este caso con lo estético o bello. Por otro lado, y siendo totalmente lo

opuesto, tenemos a lo contemporáneo que es, en esencia, todo lo contrario, a lo que expone lo

académico o clásico. Lo estético deja de ser lo más importante para dar paso a la intriga; se

dejan de lado las normas clásicas de representación y se da importancia a la presentación de

los sentimientos; se da completa libertad en el uso de los recursos técnicos. En otras palabras,

lo contemporáneo se aleja de lo literal para dar paso a la lo metafórico. (Guédez, 1994).

Los alcances del arte contemporáneo

Desde una perspectiva objetiva, en este punto el arte contemporáneo es explicado por

cuatro pares de categorías subdivididos en:

1. Presencia y ausencia: aquello que se percibe por medio del ahora y lo tangible, pero

que por otras razones puede convertirse en una fuerza irreprimible. Lo ausente le da

suprema plenitud y significancia al presente.

2. Ocultación y revelación: hace referencia al proceso de contemplación de la obra, es

decir, la contemplación activa permite que una obra revele su esencia, mientras que una

mirada consolida su parte oculta.

3. Disimulación y simulación: es una relación ambigua entre lo que es el arte y lo que

simula ser, entre lo que quiere ser y lo que disimula ser. Finalmente termina siendo lo

que simula ser y lo (que) disimula no ser.

4. Visibilidad e invisibilidad: en términos del arte, su visibilidad sugiere lo invisible y su

visibilidad remite a lo invisible. Explicado de una mejor manera, lo tangible contiene

algo que no se puede observar, pero se puede intuir. Así como una obra no representa
 10

su esencia visiblemente, por lo contrario, se encuentra implícita para ser descubierta

por medio de una observación correcta.

Obra arte clásico

Ficha técnica

- Título de la obra: Moisés de Miguel Ángel

- Fecha de creación: 1513 - 1515

- Ubicación: San Pietro in Vincoli, Roma (Italia)

- Material: Mármol blanco

- Tamaño: 2,35 metros

Observar la tabla 1:

Tabla 1: Análisis de la Obra

Esencia La escultura se encuentra de manera sentada, sosteniendo las tables de los

 11

mandamientos, con ello la idea fundamental del artista trata de dejar claro

que Moisés como protector de los mandamientos tiene por ellos una

idolatría; y de ahí puede inferirse que la expresión del rostro de la escultura

denota una concentración, que puede fácilmente derivarse en ira o en un

repudio a todo aquel que trate atacar los mandamientos de Dios. En otras

palabras, representa la imagen bíblica de Moisés.

La búsqueda de la belleza que la obra denota busca de forma expresa

Naturaleza
exponer un concepto de ser un monumento (de ahí que sea para una tumba

papal); y que, con esa idea de ser un monumento, el trabajo que hace

Miguel Ángel trata de encontrar en el tallado una exposición literal de

elementos tales como grandeza, generosidad, gloria y esplendor de la

persona que ocupa la tumba.

El poder que la obra infiere también busca por su naturaleza dejar de

presente que no solo se trata del personaje de Moisés; sino que, con

Moisés en la tumba, este se hace protector de aquel sujeto que en ella

reposa.

Con esto, la manifestación social que deja de presente la obra busca

transformar a los hombres muertos en seres que han de ser cobijados por

los mismos mandamientos que tiene la escultura en su mano.

Paradigma El canon de belleza que reposa sobre la escultura, no busca un

entendimiento de lo humano y de lo físico a través de ideas abstractas; sino

que por el contrario, para la época en la que ésta se crea, busca es estar

dentro de los planteamientos que el Renacimiento ha dejado, y con ello se

muestra que la escultura plantea leves movimientos esculpidos por el

 12

mármol, que a través de la idea renacentista de la belleza, también busca lo

humano a través de la movilidad del cuerpo; y que en comparación a un

canon mucho más estático, Moisés no busca ser estático totalmente, sino

que su movimiento esculpido por el mármol de las manos y de los pies

permite al espectador dar cuenta de la búsqueda de una belleza más humana

propia del renacimiento.

La composición de la obra; y su posterior contemplación, deja de presente

igualmente que Miguel Ángel en el trabajo deba que a través del mármol se

genere una idea de magnificencia y grandeza, la cual, como se dijo

anteriormente, no solo ha de recaer sobre el mismo Moisés sino en la

tumba que lo acompaña.

Resultado Miguel Ángel responde a un resultado el cual comprende un mensaje de

caracterizar a Moisés en su grado humano (sin que éste deje de plasmar una

belleza por estar esculpido); y que, con ello, no solo se explique una

subjetividad de las expresiones, sino que a través del cuerpo plasmado en la

escultura se logre identificar como Miguel Ángel crea al prohombre a

través del mármol.

Exigencia Se reduce la respuesta a que por más añadidos subjetivos que tenga la obra,

con la sola apreciación visual que hace el espectador, éste entienda que

Moisés, por su posición, movimiento, y tamaño, responda de manera eficaz

a las exigencias Renacentistas de entender la figura humana en su mayor

belleza posible; y que entonces se cumpla con la exigencia Renacentista de

no solo plasmar la imagen, sino de darle la suficiente belleza a la misma

 13

para determinar la importancia de que esa obra del cuerpo humano tenga

que tomar lugar en un punto completamente específico como lo es la tumba

papal.

Obra arte contemporáneo

Ficha técnica

- Título de la obra: El hombre que camina de Alberto Giacometti

- Fecha de creación: 1960-1961

- Ubicación: Museo de Arte de Carnegie, Pittsburg

- Técnica: escultura (183 x 25.5 x 95 cm.)

Observar la tabla 2: (Giacometti)

Tabla 2: Análisis de la Obra

Esencia La esencia de la obra presenta a un hombre que camina, el cual se puede

ver en sus brazos una cierta tranquilidad en su paso; y con la cual

 14

Giacometti trata de presentar al hombre común, al hombre que por “su

propia fuerza vital” se dirige a algún lado de este mundo. De esta forma,

esta obra, en comparación a la esencia de Moisés busca presentar el lado

humano sin necesidad de perfeccionar la idea de belleza, sino que a través

de la tranquilidad al caminar muestra el lado más humano del hombre

común.

El simbolismo de la obra busca dejar claro que no ha de necesitarse mayor

Naturaleza
belleza para mostrar la belleza del hombre mismo; sino que, por el

contrario, el planteamiento que deja la obra permite pensar acerca de las

necesidades humanas más básicas y las necesidades de esta. Giacometti,

sin confundir al espectador, deja de manera explícita la idea de un hombre

que puede ser cualquiera; y que, con ello, la confusión se puede generar al

momento en que un espectador confíe (de manera errónea) que solo por

caminar una persona no se hace hombre, algo que Giacometti puede

desmentir totalmente, porque se demuestra que su obra busca en lo simple

aquello que en realidad es importante.

Paradigma La novedad de la obra es la simplicidad misma para retratar lo bello, si bien

para la fecha de la obra (1961) las técnicas usadas en la obra ya existían,

Giacometti si implantó una manera de esculpir el cuerpo a través de

apretujar, comprimir, o estrechar una masa para hacerlo lo suficientemente

delgado como para que se sostenga a sí mismo sin derribarse; y ello

realmente puede ser el mayor aporte que denota la obra de Giacometti en su

técnica.

Resultado El sentimiento que denota es igual de simple (pero importante) a la

 15

simplicidad de la escultura de Giacometti, y ello puede ser el porqué del

caminar. Giacometti por más que deje a un hombre caminar; y por más que

sea su creador, nunca puede darle a ningún hombre la razón de hacerlo,

será cada espectador quien camine con un propósito, con un objetivo, o con

un destino que nace de cada uno de los hombres.

Exigencia El problema ha de ser que ya la obra no solo trata de buscar una

contemplación de lo estético, de lo explicito, sino que por el contrario para

su entendimiento se necesita una valoración emocional acerca del porqué

tratado en el apartado anterior; y es ahí en donde Giacometti permite al

espectador generar una contemplación de lo (que) él esculpe, pero con la

responsabilidad de cada espectador de darle un sentido a su propio caminar.

Relación entre las definiciones de arte contemporáneo

En términos de explicación, profundidad y claridad sobre lo que significa en esencia el arte

contemporáneo, encontramos que posee un panorama sin fin de perspectivas para darle una

definición. No se considera una que sea exacta o precisa, existe un criterio para cada quien

que lo interpreta, lo trabaja o lo vive propiamente. Por lo que se infiere que, algo que se

observa relativamente cada día, pero queda rezagado a la imaginación de las personas, se

relaciona estrechamente con las vivencias y complejidades de una sociedad, transmitiéndolas

fervorosamente en las obras como una manera de expresión y desahogo. Es así como Guasch

(2014) lo pone como objeto principal en su definición:

El arte contemporáneo esconde, bajo apariencias simples, complejas ideas que no solo afectan a
lo artístico, sino a fenómenos socioculturales, sin eludir los políticos o, mejor los geopolíticos.
Por otro lado, y debido a la naturaleza “textual” del mismo, no es extraño que resulte
 16

encriptado, codificado, y realmente hay que descifrarlo para evitar que la gente tenga una idea
superficial del arte contemporáneo. El arte que nos rodea no es aquello que antes sabíamos que
era arte, no tiene que ver con los conceptos modernos de lo que era arte, no es algo formal, no es
algo que despierte o suscite únicamente belleza ni buen gusto; sino que es todo un proyecto
conceptual al que debemos penetrar, perpetrados por un extensa base de información cultural.
Hay que poseer todo un universo de lecturas, hay que conocer una serie de claves para descubrir
el significado del arte contemporáneo, que en la mayoría de los casos se entiende a partir del
significado, no a través de las formas (Gausch, 2014).(Guash)

Con esto, podemos realizar un tipo de similitud general con lo que el libro trabajado ha

mencionado acerca del arte contemporáneo. Empezando por el hecho de brindarnos la idea de

que el arte contemporáneo es fruto de las reacciones implícitas en las situaciones o vivencias,

es decir, el cuestionamiento constante sobre lo que sucede, otorgando prioridad al presente.

Por lo que se hace una alusión a la necesidad de desarrollar un conocimiento profundo sobre

el mensaje que puede transmitir o reflejar una obra. Buscando exaltar específicamente sus

características enfrentando la complejidad de la imagen, donde claramente se retrata la

ambigüedad, aquella que provoca una sensación atractiva para la gente poco conocedora del

arte. Por otro lado, lo anterior puede justificarse bajo la pretensión de lo incierto y lo poco

convencional, lo cual es el punto de partida de este arte, traduciéndose en un desafío a romper

con los ligamentos del pasado construyendo una nueva manera de ver el mundo sin tanta

idolatría y con un proceso de análisis de la realidad más enfatizado al desarrollo de la

consciencia; conllevando una evolución en todos lo ámbitos que desencadenan la cultura.

Conclusiones

Es muy complejo especificar una definición universal del arte contemporáneo, pues como

se mencionó en los límites del estilo, el arte contemporáneo es un conjunto heterogéneo de

ideas, intereses, técnicas y recursos que hacen que cada abordaje sea un mundo distinto. Tal y

como lo menciona Guédez (1994) “es sumamente complejo ponerle contornos a unos

significados tan brumosos y huidizos, porque ello sería contrario a todo lo que previamente
 17

hemos planteado” refiriéndose a que tratar de encasillar al arte contemporáneo en unos límites

es sumamente complejo debido a la naturaleza de sus características. Lo que podemos hacer

es tener claridad en las principales características del estilo: su esencia (presentar un

sentimiento), su naturaleza (metafórica), su paradigma (novedad, desafío), el resultado del

abordaje (duda) y la exigencia de la aproximación (problematización). Todo esto para tener

un abordaje efectivo que permita formar una postura lo suficientemente válida hacia la obra

contemporánea en particular.

Bibliografía
Ángel, M. (s.f.). Moisés (Mosè).
Giacometti, A. (s.f.). HOMME QUI MARCHE.
Guédez, V. (1994). Aproximación y comprensión del arte contemporáneo. Venezuela:
Fundación Polar.

Evaluación.

Valor de cada punto:

1. Informe de lectura: 2,5

2. Comparación de dos obras: 2,0

3. Concepto sobre arte contemporáneo NC-Arte: 0,5

Valoración:

1. Informe de lectura: 2,0

2. Comparación de dos obras: 2,0

3. Concepto sobre arte contemporáneo NC-Arte: 0,5

Calificación: 4,5
18