República Bolivariana de Venezuela
Universidad Nacional Experimental de la Artes
P.N.F Artes Plásticas
Mención: Fotografía
Cátedra: Dibujo III
La línea y el
punto.
Prof: Lesly Romero.
Realizado por:
Claudimer Chirino
C.I: 24590902
Santa Ana de Coro; mayo de 2022.
El punto, es el elemento gráfico básico y conforma la unidad mínima de la comunicación visual,
puede verse intensificado por medio del color, el tamaño y su posición en el plano.
Es el elemento de expresión plástica más pequeño. Si dibujas un punto en una hoja de papel se
convierte en el centro del campo visual y crea una tensión que atrae intensamente la mirada del
espectador. Las sensaciones que produce pueden ser muy diferentes según la posición en la que
está colocado.
La línea, es el medio gráfico fundamental para representar las formas que nos rodean y las ideas,
creando un lenguaje que no necesita palabras. Es el elemento visual más importante del dibujo.
Las líneas pueden formar distintos grupos dependiendo de: • Por su forma: ◊ Línea rectas:
Expresan robustez, rigidez.
Una línea funciona como una sucesión continua de puntos trazados, como por un trazo o un guion.
Las líneas suelen utilizarse en la composición artística, ya sea que el artista lo use en trazos rectos
sueltos, que no forman una figura o forma en particular.
La información visual de una línea cambia según las características del trazo, su grosor y saturación
dependiendo de la herramienta, la superficie y la presión que se aplique o el tipo de líneas que
predominan en la composición y organización de una obra de arte.
El punto y la línea, casi siempre expresan dinamismo, movimiento y dirección. Crean tensión en el
espacio gráfico en que se encuentra. Crea separación de espacios en el grafismo. La repetición de
líneas próximas genera planos y texturas.
En el renacimiento la concepción de belleza sensible cambia con respecto a la concepción
medieval. En el renacimiento los artistas se buscaron la belleza sensible a través de la anatomía,
las proporciones, cánones, perspectiva, utilización del color, idealización y expresión Elementos
que, normativos le aproximaron a una definición distinta de la obra de arte.
El artista renacentista fue un gran imitador de la realidad y mientras mejor era imitando mejor era
su desempeño como artista, pero hay que aclarar que la belleza en el arte renacentista no radica
únicamente en esta imitación, sino que entra en juego esa belleza añadida por el artista gracias a
su experiencia y a su talento que a perfeccionado a lo largo de toda su vida. El artista de este
periodo logró alcanzar en su interior toda esa belleza natural que contempló y pudo sacarla a la luz
cuando lo deseó para añadir belleza a su obra.
De acuerdo con Pierre Francastel, a diferencia de la Edad Media, el arte del Renacimiento ya no es
un código de conducta, sino un inventario del universo, por lo cual el hombre comenzó a pensar
en función de las leyes físicas del universo. Se aplicaron conocimientos geométricos, matemáticos,
botánicos, anatómicos, filosóficos, etc.
En las artes plásticas, por ejemplo, esto permitió el desarrollo de los siguientes elementos:
Estudio de la luz diáfana (en detrimento de la luz colorida del gótico), lo que dio origen al
claroscuro;
Estudio de la geometría espacial, lo que perfeccionó la perspectiva lineal o en punto de fuga.
El estudio de la naturaleza trajo como consecuencia el perfeccionamiento del naturalismo, es
decir, el principio de imitación de las formas naturales en búsqueda de la verosimilitud.
Como Barroco se entiende el estilo arquitectónico realizado en los siglos XVII y parte del XVIII
(1600 a 1750), caracterizado por la profusión de adornos en contraposición con el estilo sobrio del
Renacimiento clásico. Por extensión se aplica también el término Barroco a las obras de pintura,
escultura, literatura y música realizadas en ese mismo período de tiempo. La escultura y la pintura
del Barroco se caracterizan porque el movimiento de las figuras es excesivo.
El Renacimiento le dio importancia a la línea, el Barroco al color.
El arte Renacentista es estático y aspira al equilibrio, en tanto que el arte Barroco busca el
movimiento y utiliza, especialmente en la pintura, la composición oblicua o en diagonal.
El arte Renacentista había sido equilibrio, medida, sobriedad, racionalismo, lógica, mientras que el
Barroco fue ansia de la novedad, amor por lo infinito, por los contrastes y por la mezcla audaz de
todas las artes.
El Barroco fue dramático, exuberante y teatral, como serena y contenida era la época precedente.
El Renacimiento se dirigía a la razón, quería sobre todo convencer. El Barroco apelaba al instinto, a
los sentidos, a la fantasía, es decir, intentaba fascinar.
El arte Barroco se extiende durante un largo período de tiempo que va desde el arte renacentista
hasta el neoclasicismo. Es decir, desde el manierismo al rococó.
La arquitectura barroca se originó realmente en Italia. La disputa renacentista entre razón e
imaginación fue resuelta totalmente a favor de la segunda adoptando métodos que terminaron
con el balance previamente establecido de estructura y espacio. El esfuerzo se dirigió hacia el
efectismo, la superposición ilógica de las normas arquitectónicas y artificios ornamentales, cada
vez más complicados con líneas rotas y curvas amontonadas. El arte barroco se dirige siempre a
los sentidos del espectador, el ilusionismo y el dinamismo de sus formas pretenden impresionar,
convencer, provocar un movimiento interno. Con frecuencia se percibe como algo exaltado,
efectista y hasta ampuloso.
Muchos artistas del impresionismo se dedicaron a explorar ángulos, perspectivas y encuadres
nunca antes vistos en la pintura. Para entonces la fotografía seguía la estética clásica del
Renacimiento, pero es cierto que ya comenzaban a vislumbrarse nuevos enfoques y ángulos.
Seducidos por estas posibilidades, los impresionistas rompieron con los encuadres clásicos,
frontales y simétricos, y optaron por ángulos inesperados en la pintura.
El dibujo perfectamente delineado se vuelve poco práctico para los impresionistas. Muchos de
ellos eliminarán la línea y proyectarán los volúmenes de las formas coloreando directamente, lo
que revela gran maestría.
Otros, como Tolouse-Lautrec o Edgar Degas, seguirán usando la línea, pero ya no será una línea
definida y limpia, sino con un ritmo algo nervioso, con repasos e impresiones súbitas.
Si el objetivo es superponer colores lo más rápido posible para captar el efecto efímero de la luz, lo
mejor será economizar en detalles. Así, los impresionistas preferirán pinceladas directas, muchas
veces con trazos gruesos o con brochazos. También usarán la superposición de puntos para crear
masas con volumen.
El expresionismo fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario que comenzó
como estilo pictórico en Alemania durante la transición del siglo XIX al siglo XX. Luego se expandió
a otras disciplinas y regiones hasta alcanzar su madurez entre 1905 y 1933, dejando por fuera la
interrupción que significó la Primera Guerra Mundial. A diferencia de las llamadas vanguardias
históricas, el expresionismo no fue un movimiento con un estilo unificado. Fue más bien el
resultado de un espíritu crítico frente al nuevo orden occidental.
El expresionismo se caracteriza por una perspectiva desencantada sobre la realidad. Los artistas
miran con descreimiento y desconfianza las promesas progresistas de la modernidad al captar las
contradicciones de fondo.
Rechaza, por lo tanto, la mera representación de las apariencias. Cultiva, así, el dramatismo, la
subjetividad y la expresión de los sentimientos humanos, especialmente la decepción, el terror, la
angustia, la soledad, la miseria humana, el despojo y el descreimiento.
el artista se opone a la composición deliberadamente racional y promueve el valor de la intuición y
la improvisación. Lo abrupto hace presencia.
Características de las artes plásticas
- Preferencia por las formas angulosas;
- Uso de la perspectiva no-natural, es decir, arbitraria (acorde con los objetivos de la
representación);
- La figura se deforma para resaltar el sentimiento;
- Construcción del espacio oblicuo;
- Superposición de escenas;
- Coloración expresiva. Bien colores resplandecientes (vibrantes, bien fundidos o
separados), bien colores patéticos;
- Pasta gruesa, martillada, áspera;
- Técnica violenta que acude a la improvisación.
El puntillismo es una técnica de impresionismo donde sólo se utilizan puntos, hay incluso artistas
que se especializan en esta técnica. Es bastante interesante ya que al jugar con los tonos de la
obra se crean efectos de luz y sombra lo cual le da un toque hermoso.
Es una técnica pictórica que consiste en representar la vibración luminosa mediante la aplicación
de puntos, que al ser vistos desde una cierta distancia componen figuras y paisajes bien definidos.
Este fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891),
pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que,
mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.
A pesar de que el puntillismo es considerado como la corriente continuadora del impresionismo,
se aleja de este la concepción de las formas y los volúmenes, y es que, en el puntillismo, las formas
son concebidas dentro de una geometría de masas puras siendo sus cuadros perfectos ejemplos
de orden y claridad.
Gracias a ellos, el puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la
aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo
con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas.
Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también de la imagen
de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos serán unas
leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la pintura.
A pesar de que el puntillismo es considerado como la corriente continuadora del impresionismo,
se aleja de este la concepción de las formas y los volúmenes, y es que, en el puntillismo, las formas
son concebidas dentro de una geometría de masas puras siendo sus cuadros perfectos ejemplos
de orden y claridad.
Gracias a ellos, el puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la
aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo
con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas.
A pesar de su aparente simplicidad como técnica la realidad es que requiere de bastante destreza
pues, la ubicación y el color de cada uno de los puntos es determinante para la creación de las
texturas. Cada conjunto de puntos debe estar ubicado de forma estratégica para dar forma,
volumen e iluminación, por otra parte, la ubicación, el tamaño y distancia entre los puntos serán
factor clave para conseguir profundidad.
Nueva figuración, A despecho del clima de intransigencia, también es cierto que en el marco de las
vanguardias apareció una tendencia figurativa que, igualmente informada en el arte moderno, se
presentaba como una solución intermedia y conciliadora entre realismo y abstracción, con lo cual
se demostraba que en arte no es más importante lo que se quiere decir que la forma como se
dice. Esta tendencia de que hablamos arriba se conocería por entonces como nueva figuración y se
inició hacia 1956, justamente en el momento de mayor auge del abstraccionismo geométrico.
Eso sí, es una figuración distinta, no del todo divorciada de lo abstracto, más bien se enriquece con
sus aportaciones.
Por supuesto no hay dos nuevos figurativos iguales, pero podemos decir que la mayoría de ellos le
dan el protagonismo a la figura humana, y juegan con el expresionismo en colores, gestos,
atmósferas o temas.
Op-Art, Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para
engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones óticas o trampantojos.
No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello
consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos.
Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por
comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador (¡a no ser que el espectador
se emocione con eso, que de todo hay…!). Busca más bien una actitud activa por parte del
observador, o más bien sólo de su ojo.
El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la
década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se
convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva
en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.
El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de la sociedad de consumo, cuyo
impulso definitivo tuvo lugar tras la segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva
invasora de los hogares.
Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y descontextualizarlos. Por
ejemplo, sacar de su contexto un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y transformarlos
en una obra o una nueva obra.
implementaron técnicas absolutamente inusuales en el campo de las bellas artes, como la
serigrafía, el cómic con sus viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la
producción masiva, además de collages y fotografías.
Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y espectáculos interactivos, lo que
asestaba un golpe contra el coleccionismo y la mercantilización del arte.
El arte cinético, conocido también como cinetismo, es una corriente artística surgida en París a
mediados del siglo XX, que integra el movimiento físico-espacial como elemento compositivo.
Los tipos de arte cinético se clasifican según el tipo de movimiento, y por ello, agrupan por igual
expresiones tridimensionales y bidimensionales. A saber:
- Obras de movimiento real, dinamizadas por diversos tipos de mecanismos.
- Obras de movimiento virtual, que generan la percepción óptica del movimiento.
El arte cinético heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del constructivismo, la celebración
tecnológica. La fusión de estos dos aspectos permitió hacer del movimiento algo más que un
principio: una realidad perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta
corriente.
Siguiendo a los impresionistas, los cinéticos también se abocaron al estudio de los mecanismos de
percepción óptica, pero dieron un paso adelante al estudiar la agresión retiniana y la ambigüedad
perceptiva de las formas abstractas. Así, incluyeron el estudio de los ritmos visuales, la
superposición de formas geométricas ambiguas y la percepción lumínica dinámica.
El cinetismo crea secuencias repetidas (de líneas, formas simples o colores) que, en su conjunto,
crean la percepción de un ritmo visual. Cuando estos ritmos se ven alterados por un objeto, o
cuando son sometidos al movimiento (del objeto o del espectador), se crea una percepción visual
producto de la agresión retiniana. Por ello, el cinetismo es considerado una evolución matemática
de la abstracción.
