TEMARIO DE HISTORIA DEL ARTE ESPAÑOL

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022

JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

1Arte Románico: Pórtico de la Gloria (Santiago de Compostela)

El románico fue el primer estilo internacional de la Edad Media y se desarrolló entre los siglos
XI y XIII. Las peregrinaciones, y en especial el Camino de Santiago, fueron el principal vehículo
para su difusión por la Europa medieval. Lógicamente, es un estilo fuertemente religioso, por
ello su principal legado es la arquitectura y el arte sacro.

Características de la escultura románica:

El hecho de que la inmensa población medieval fuera analfabeta hizo que la Iglesia se
planteara adoctrinar a la gente mediante escultura y pinturas. La decoración de los templos
era considerada “la Biblia de los pobres”, de los que no sabían leer. Por tanto, esta decoración
formaba parte esencial de la propia arquitectura, no eran simples añadidos. Las esculturas,
sobre todo en relieve, llenan las fachadas y las portadas de iglesias y catedrales, así como los
capiteles de las columnas. Al exterior, la vemos en cornisas que suelen tener adornos y
molduras sostenidas por canecillos esculpidos con formas animales o símbolos religiosos. En
cuanto a la pintura tuvo un gran desarrollo en los muros y bóvedas. Vemos que pintura y
escultura estarían, por tanto, supeditadas a la arquitectura.

Desde el punto de vista formal, la característica principal de la escultura románica es su

antinaturalismo. El objetivo de los artistas no es imitar fielmente la naturaleza sino ser
símbolos de los preceptos religiosos. Por tanto, los artistas no tienen problema en alterar las
proporciones de las figuras si sirve para transmitir el mensaje con más claridad (perspectiva
jerárquica). Por otra parte, al estar tan vinculada a la arquitectura, obedece a la llamada ley del
marco, es decir, las figuras suelen adaptar su forma al espacio de portadas, capiteles o
canecillos, lo que hace que algunas veces tengan posturas forzadas o casi imposibles.

En lo que hace a la temática, el gran protagonista del románico es el Apocalipsis de San Juan y,
especialmente el Juicio Final. En las décadas anteriores y posteriores al año 1000 y al 1033
(milenario de la muerte y resurrección de Cristo) se generó un sentimiento de miedo ante lo
que se consideraba cercanía del fin del mundo (milenarismo). A este terror, colaboraba el
clima de guerras, epidemias y hambre que, incluso pasadas estas fechas, prolongó la sensación
de proximidad del Apocalipsis.

El Pántocrator (Representación de Cristo como Todopoderoso), que vuelve para dirigir el Juicio
Final será una de las imágenes principales. Se suele situar en el interior de la mandorla que
separa el espacio celestial del terrenal. Habitualmente se rodea por los Tetramorfos, visión
simbólica de los cuatro evangelistas (El león, San Marcos; El toro, San Lucas; El águila, San
Juan; El hombre alado, San Mateo). También suele acompañarse del alfa y omega (símbolo de
eternidad, principio y fin de todo), y de los signos de su pasión y muerte (corona de espinas,
clavos, martillo, lanza, cruz…). Habitualmente son representados junto a Cristo los veinticuatro
ancianos, testigos en el Juicio y ángeles de la Corte Celestial. El Pantocrátor suele ir
acompañado también de escenas del Juicio Final, con la resurrección de los muertos y el
pesaje de las almas. Los elegidos se colocan, en perfecto orden, a la derecha de Cristo,
mientras los condenados lo hacen a la izquierda, en desorden y atormentados por los
demonios.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Otras imágenes simbólicas de la escultura románica son, en primer lugar la Virgen,

especialmente en los templos dedicados a ella. La forma más frecuente es la como la Virgen en
majestad, hierática, solemne y con el Niño Jesús sobre las rodillas (se recalca así su papel de
madre y trono de Dios). Es una figura que con su maternidad virginal actúa como mediadora
entre Dios y los hombres para conseguir su perdón. Tendrá cada vez más importancia según
vaya acabando el románico y llegando el gótico, donde los intercesores (la Virgen y los Santos),
irán quitando protagonismo al Apocalipsis y al Juicio Final.

Además serán muy habituales escenas bíblicas que recuerden pecados y castigos divinos,
especialmente los grandes pecados de la humanidad, como Adán y Eva o la Crucifixión de
Jesús. Igualmente serán constantes las representaciones del pecado, de sus castigos
infernales o de animales y seres monstruosos que simbolizan los demonios que nos rodean e
intentan llevarnos al mal.

Finalmente, debemos tener en cuenta que muy habitualmente las esculturas y relieves,
aunque hechas en piedra, estarían después policromadas (cubierta con pintura), no obstante
el paso del tiempo impida que muchas veces podamos verlas de esta manera.

Pórtico de la Gloria

Autor: Maestro Mateo y su taller.

Estilo: Románico

Fecha: 1168-1188

Es una de las obras maestras de la escultura medieval. Era la portada románica de la fachada
oeste y principal de la Catedral de Santiago de Compostela en tiempos románicos (hoy está
envuelta por la fachada barroca del Obradoiro). Conocemos a su autor, cosa extraordinaria en
el románico, donde el artista casi nunca se reconoce por no ser más que un artesano. No
obstante, estamos ante una de las obras principales del románico europeo y en la catedral que
daba sentido a todo el Camino por el que se desarrolló el románico, el Camino de Santiago.

En realidad, el trabajo era más complejo que el de hacer una portada. Se trataba de finalizar la
catedral salvando el desnivel de la nave respecto a la plaza. Bajo el pórtico, se construyó una
cripta. El pórtico, daba la bienvenida a los miles de peregrinos, era el final del gran camino, y
trata el tema predilecto de la época: el Apocalipsis según San Juan y el Juicio Final.

El pórtico tiene tres vanos, siendo el central de mayor tamaño y donde se concentra la mayor
parte de la escultura. Tiene un gran tímpano. En el centro de la composición la ocupa el
Pantocrátor (Cristo en Majestad). Son muy visibles las llagas en sus manos. Le rodean los
Tetramorfos (toro, águila, león y ángel). Aparece también un grupo de ángeles que llevan los
símbolos de la pasión de Cristo, como la cruz, los clavos o la lanza. Sobre estos ángeles, se
dispone una multitud de pequeñas figuras que representan a las doce tribus de Israel y la
corte celestial (ángeles, arcángeles, querubines, serafines, tronos, dominados, principados…)

Todo este conjunto del tímpano central está rodeado por una arquivolta con los veinticuatro
ancianos del Apocalipsis, que aparecen aquí representados con instrumentos musicales.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

En las jambas se representan apóstoles y profetas, los primeros al lado derecho, los otros al
izquierdo, a modo de esculturas-columnillas. En el parteluz, justo debajo del Cristo, se
representa al apóstol Santiago, que parece dar la bienvenida a los peregrinos. Bajo él, hay una
representación del árbol de Jessé (Genealogía de Jesús). En el lado del parteluz que da al
interior de la iglesia hay una pequeña figura que tradicionalmente se ha considerado como un
retrato del propio Maestro Mateo.

Los vanos a los laterales no tienen tímpanos, por lo que la decoración se concentra en sus
arcos y capiteles. El arco del vano derecho representa el Juicio Final. La doble arquivolta está
dividida en dos mitades por dos cabezas, la del arcángel San Miguel y la de Cristo. A su
izquierda aparece representado el infierno, con figuras de monstruos (demonios) arrastrando
y torturando las almas de los condenados con castigos específicos y terribles según sus tipos
de pecados. A su derecha, el cielo con los elegidos, figuras de ángeles acompaña a niños que
son símbolos de las almas salvadas.

En el arco de la puerta izquierda se representan escenas del Antiguo Testamento, con los
justos que aguardan la llegada del Salvador en el purgatorio o limbo. En el centro de la primera
arquivolta, envueltos entre hojas, está Dios creador, junto a figuras como Adán, Eva, Abraham,
Moisés…

Respecto a los aspectos formales, todas las figuras, en mayor o menor medida, están tratadas
con relativo realismo, lo que no era frecuente en la época. El movimiento de las figuras, las
actitudes comunicativas, los cabellos y los ropajes reflejan una gran destreza técnica. Además
la piedra estaría policromada buscando darle un mayor efecto de naturalidad. Todo esto nos
habla de la gran maestría del autor y explicaría su fama y su elevado coste.

El Maestro Mateo tomó como modelo la portada de la Iglesia de la Magdelaine de Vézelay, de

la que imita la división en tres cuerpos, el uso del parteluz y la disposición de las figuras. El
Pórtico de la Gloria es, al mismo tiempo, una gran escultura románica y un genial anticipo del
arte gótico que vendrá después. De románico, tiene la majestad y seriedad de los personajes;
del gótico, el tratamiento bastante naturalista de rostros y posturas.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Partes de una portada románica (vocabulario básico):

A: Tímpano

B: Dintel

C: Arquivoltas

D: Parteluz

E: Jambas

F: Puertas

Esquema del Pórtico de la Gloria:

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Detalle de las figuras de la jamba derecha. Apóstoles. Detalle del Parteluz. Santiago.

Detalle del timpano:

Ancianos del apocalipsis, tocando

intrumentos musicales.

Uno de los tretramorfos, San Juan,

con el águila en sus manos.

Cristo en Majestad, mostrando las

llagas.

Ángeles llevando la Cruz de la Pasión.

Tímpano completo y arquivolta: Se aprecia la Perspectiva Jerárquica y la Ley del Marco.

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Arquivoltas del vano derecho, con el Juicio Final: En centro las cabezas de Cristo y San
Miguel, a la izquierda los condenados, a la derecha los salvados:

Detalle de dos condenados en las arquivoltas del vano derecho:

Un condenado intenta comer un pan tan grande que no

entra en su boca, por lo que resulta imposible.

Otro condenado trata de beber cabeza abajo, siendo

imposible también.

Ambos serían castigos al pecado de la gula.

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

2Arte Gótico: Catedral de Burgos

A mediados del siglo XII los cambios socioeconómicos acaecidos durante la Baja Edad Media
producen una evolución cultural en toda Europa. Las reformas dentro de la Iglesia Católica
promovidas por San Bernardo y la Orden del Císter en el siglo XII para frenar los excesos
ornamentales de los templos religiosos hacen que los arquitectos se centren en cuestiones
técnicas y no tanto en la decoración. Paralelamente los cambios económicos llevan al
renacimiento de las ciudades y al surgimiento de una burguesía comercial de mercaderes y
artesanos. Hay un gran avance cultural, surgen las universidades y comienza el Humanismo. Y,
por supuesto, la extensión del románico con sus templos enteramente en piedra crea una
importantísima experiencia en el trabajo con este material que permite arriesgar cada vez más
con la técnica. Todos estos fenómenos conllevarán un cambio de sensibilidad artística, pronto,
este arte gótico nacido en Francia se extenderá en mayor o menor medida por Europa
Occidental, aunque con resistencias en Alemania e Italia. Su gran objetivo se resume en:
Búsqueda de altura y búsqueda de luz.

Características:

Verticalidad, frente a la horizontalidad románica. Los edificios no son grandes, sino altos,
buscan crecer en altura, llegar a proporciones divinas que empequeñezcan al hombre.

Búsqueda de la luz, avances técnicos para poder abrir en sus muros grandes ventanales,
reforzados con tracerías y decorados con magníficas vidrieras.

La estructura del templo sigue más o menos el modelo románico, manteniendo el predominio
de la planta de cruz latina, con diferentes naves y remate en un gran ábside con girola.

Uso del arco apuntado y la bóveda ojival (hecha con cruzamientos de arcos apuntados) para
dar altura al edificio, frente a la bóveda de cañón y al arco de medio punto del románico.

Uso de soportes externos como arbotantes y contrafuertes para distribuir mejor las fuerzas y
los empujes y poder hacer muros menos gruesos en los que abrir grandes ventanales.

Además de las vidrieras, destacan decoraciones exteriores en los pináculos de piedra muy
labrada sobre las torres, las gárgolas con imágenes grotescas en los aleros de la cubierta y
columnas adosadas a los pilares. Incluso los nervios de las bóvedas llegan a ser decorados
haciendo parecer los pilares y sus nervios un árbol ramificado sobre la bóveda. Así los pilares
se cubrirán de columnillas (pilares fasciculados) que se corresponden a los nervios de las
bóvedas. Con ello los capiteles perderán tamaño e importancia decorativa.

Las portadas serán quienes concentran ahora toda la decoración escultórica. Seguirán el
modelo románico, con estructura similar, pero siendo las arquivoltas ojivales.

La pintura al fresco desaparece, por la austeridad decorativa del primer gótico y por el
protagonismo de la propia luz y la vidriera, que hace desaparecer las paredes que pintar.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

La pintura se concentra ahora tras en los altares, en los retablos, que son conjuntos de
pinturas sobre tablas de madera. Lógicamente representarán siempre escenas religiosas.

El Naturalismo en la pintura y en la escultura será el rasgo fundamental. Menos simbólica que

en el románico, la representación del ser humano y el mundo estará más apegada a las formas
naturales de estos.

En cuanto a los temas, ganan muchísimo protagonismo los intercesores (la Virgen y los
Santos), que irán quitando protagonismo al Apocalipsis y al Juicio Final. En esta época
empiezan a perder la idea de inminencia del fin del mundo y a ver a los intercesores como los
que evitan tal inminencia.

Catedral de Burgos

Autor: Varios maestros (maestro Enrique; Juan y Simón de Colonia)

Estilo: Gótico

Fecha: Siglo XIII- siglo XV

La Catedral de Burgos es una de las obras cumbres del gótico español y la primera obra gótica
clásica en España. Este templo sustituyó a la antigua iglesia románica y en él se perciben dos
fases claramente identificables: la de estilo gótico clásico (siglos XIII y XIV) que desarrollan los
primeros maestros y la segunda de estilo gótico flamígero, protagonizada por la familia
Colonia.

Fase inicial: La primera piedra se coloca en 1221. No se conoce la identidad del primer
maestro de la catedral, aunque es de suponer que fuera extranjero, posiblemente francés,
puesto que trae un modo de construir (gótico clásico) que era desconocido en la España de
comienzos del siglo XIII. Hacia 1240 se hace cargo de las obras el segundo maestro, el Maestro
Enrique, que trabajará también en la catedral de León. Éste decide modificar el plano y
transforma radicalmente la cabecera, creando un enorme ábside rodeado de una amplia
girola, a la que abre cinco grandes capillas poligonales. Hacia 1255-1260 ya se estaría
trabajando también en el muro occidental y en sus portadas.

Segunda fase: En el siglo XV, la construcción cobraría un nuevo impulso con la aportación de
Juan de Colonia y, sobre todo, de su hijo Simón. Ellos traen el gótico flamígero germánico a
Burgos. Con él se embellece la fachada occidental construyéndose las famosas agujas que
rematan las torres. También se levanta el cimborrio, obra de Juan de Colonia, pero al
derrumbarse en el XVI, se reconstruye en estilo plateresco.

Descripción del interior de la Catedral: Tiene tres naves y un transepto muy saliente en
planta, se remata con un gran ábside, rodeado por una girola que se abre a capillas
poligonales. Está abovedado en su totalidad con crucería simple, salvo los tramos junto al
crucero que tienen nervios más complejos en forma de estrella. Como hemos dicho, el
cimborrio sería posterior y en estilo plateresco (estilo gótico final, completamente cubierto de
decoración de inspiración renacentista). A la nave central, sobre las arcadas, se abre un triforio
con bellos arcos trabajados con tracerías. El tercer cuerpo lo forma las ventanas del claristorio
cubiertas de vidrieras. No son tan grandes como llegarían a ser en góticos más avanzados.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Descripción del exterior de la Catedral: Los principales grupos escultóricos se concentran,

como es habitual en el gótico, en las portadas pero en este caso también en la llamada Galería
de los Reyes.

Puerta del Sarmental: Es la más destacable de las portadas del exterior de la. Se abre en el
muro sur del transepto. Si la catedral burgalesa es pionera del gótico en España, la Puerta del
Sarmental, construida entre los años 1235-1240, también se valora como la primera
manifestación escultórica genuinamente gótica. En su tímpano se presenta al Pantocrátor
bendiciendo con su mano derecha, portando el Libro de la Ley en su izquierda, y rodeado por
los Tetramorfos. Esta iconografía es propia del románico, no del gótico, de ahí su carácter
retardatario. La novedad es la presencia de los cuatro evangelistas escribiendo sus libros sobre
pupitres. Con un estilo más naturalista que busca un mayor realismo, cuidado e individualizar
a los personajes. Las arquivoltas muestran ángeles, los veinticuatro ancianos, y las alegorías
de las artes liberales (trivium y quadrivium) puesto que esta puerta se hallaba junto a la
prestigiosa Escuela Catedralicia donde se impartían estas enseñanzas. En las jambas hay dos
grupos de tres estatuas a cada lado, apóstoles a la derecha y profetas a la izquierda.
Finalmente el parteluz aparece una estatua un obispo santo no reconocible.

Puerta de la Coronería, en el muro norte del transepto. Por la inclinación del terreno, esta
calle está más elevada por lo que la puerta se encuentra abierta en alto y se ha de comunicar
con el interior mediante la famosa Escalera Dorada, obra de Diego de Siloé. Esta puerta es una
magnífica obra construida aproximadamente en 1245. En el tímpano se representa la escena
del Juicio Final, donde aparece Cristo Juez mostrando las heridas de manos y costado
flanqueado por la Virgen y San Juan rogando por los hombres, cobrando importancia el papel
de los intercesores. Cuatro ángeles sujetan distintos elementos de Pasión. Bajo el tímpano, en
el dintel, se desarrolla el juicio propiamente dicho. En el centro, San Miguel pesa los pecados y
virtudes de las almas con la balanza junto a varios demonios. A la izquierda avanzan los
salvados y a la derecha los condenados hostigados por otros diablos, condenados a dirigirse al
infierno. Por su parte, en las arquivoltas, aparecen numerosos ángeles y en las más externas
personas saliendo de sus sepulcros para ser juzgados.

Puertas de la fachada occidental: Es probable fueran levantadas entre los años 1260 y 1265.
Lamentablemente, la parte inferior de esta fachada no se ha conservado en su estado
primitivo del siglo XIII, al ser destruida y restaurada durante el siglo XVIII.

Puerta del Claustro: La puerta que comunica el claustro con el transepto es la más tardía de
todas, de finales del siglo XIII. Posee una iconografía excepcional en el tímpano: el Bautismo
de Cristo. Aparece en el centro, inmerso de medio cuerpo en las aguas, y lo recibe de San Juan
Bautista. Encima de la cabeza de Jesús aparece una voluminosa paloma en representación del
Espíritu Santo. En las arquivoltas se colocaron las estatuas de diversos personajes del Antiguo
Testamento que forman parte de la genealogía de Cristo. Desde el punto de vista estilístico, la
escultura de esta puerta manifiesta una gran evolución hacia el naturalismo. Las estatuas se
independizan del marco arquitectónico, adquieren volumen, corporeidad y movimiento.

Galería de los Reyes: En la fachada principal debemos fijarnos en la "Galería de los Reyes"
situada por encima del rosetón. Bajo los arcos agudos de bellas tracerías con cuadrifolios, se
dispusieron las estatuas de ocho reyes coronados y de gran calidad escultórica.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Planta de la Catedral
de Burgos.

Exterior de la Catedral de Burgos. Se aprecian los pináculos y agujas propios del gótico
flamígero. Sobre el rosetón destaca la Galería de los Reyes, bajo los arcos con tracerías:
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Imagen del interior, tomada en brazo sur del transepto. Nos permite ver la nave lateral que
llega hasta la portada occidental. Se aprecian las los arcos apuntados característicos del
gótico y las bóvedas ojivales de crucería. También el magnífico triforio con sus tracerías y, en
el tercer cuerpo los ventanales decorados con vidrieras. En el extremo del transepto, los
ventanales se sustituyen por un gran rosetón.

Detalle de los arbotantes y contrafuertes gracias a quienes se abren grandes ventanales. Se

aprecia en estos las sencillas tracerías y las vidrieras. También se ve decoración exterior con
pináculos.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Detalle del tímpano de la

Portada del Sarmental.
Se aprecia al Pantocrátor
en su centro rodeado por
los tetramorfos, y los
evangelistas escribiendo
en pupitres.

Detalle del tímpano

de la Portada del
Claustro. El tema es
el Bautismo de Cristo
y muestra el avance
en naturalismo con
respecto al gótico
inicial.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

3Arte Islámico: Catedral (mezquita) de Córdoba

La civilización islámica tiene su origen en la religión fundada por el profeta Mahoma (571-632),
que se extendió hasta Occidente y llegó a la Península Ibérica en el siglo VIII y que se mantuvo
hasta el siglo XV estableciendo una base de la cultura de lo que sería más tarde España. Este
territorio musulmán en suelo ibérico recibió el nombre de Al-Ándalus.

El periodo islámico de Al-Ándalus (ss. VIII-XV) pasó por varias fases. Sin duda, el periodo de
mayor esplendor cultural fue el periodo del Emirato de Córdoba (756-929) y, sobre todo, del
Califato de Córdoba (929-1031). Precisamente con Abderramán I (756-788) comienza la
construcción de la Mezquita de Córdoba, uno de las más sobresalientes muestras de arte
islámico.

Características del arte islámico:

Eclecticismo: Toma elementos y técnicas de otras civilizaciones: Romana, y

Bizantina particularmente, también Visigoda y Persa (Sasánida).

Pobreza de materiales: No tienen problema en usar elementos como ladrillo, madera

o yeso en lugar de piedra como los cristianos en esa época. Dignifican los materiales
humildes con un cuidado trabajo.

Protagonismo de la decoración: La decoración inunda todos los espacios (horror vacui)

harán uso especialmente de elementos humildes como yeso, cerámica o azulejo. Y, por
supuesto, elementos lujosos en periodos de riqueza.

Arte volcado hacia el interior: Mucho más destacada la decoración en el interior

quedando el exterior de los edificios casi vacío, desnudo, sin concepto de fachada.

Importancia del agua: Fundamental en su arquitectura la presencia del agua por

motivos religiosos (purificarse), culturales (el bien más preciado para la gente del
desierto) e higiénicos. Junto a ello también la vegetación.

Decoración iconoclasta: La religión islámica evita representar el cuerpo humano. La

decoración se desarrolla con complejas combinaciones de motivos vegetales,
elementos geométricos y caligrafía cúfica con versículos del Corán.

Elementos formales:

Arcos de herradura y arcos polilobulados: Tomado del arte visigodo, el arco de

herradura será fundamental en la arquitectura islámica. Su evolución hacia los
polibulados marcará el desarrollo de esta técnica. Además se incorporan el
entrecruzado de arcos para crear bóvedas y arquerías.

Techos adintelados y poca altura: En esta arquitectura predomina la horizontalidad

sobre la verticalidad, no tiene gran desarrollo en altura, salvo las torres de las
mezquitas (minaretes). Las cubiertas suelen ser adinteladas, lo que obliga a multiplicar
puntos de apoyo en grandes espacios (bosques de columnas o pilares).
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Cúpulas en espacios importantes: Inspiradas en el arte romano y bizantino.

Decoración de inspiración bizantina y sasanida: Especialmente en el uso del mosaico y

los elementos vegetales.

Capiteles inspirados en los órdenes clásicos: Evolucionan desde estos, dado que en
muchas ocasiones reutilizarán capiteles y columnas de la antigua Roma. Especialmente
el capitel corintio.

Decoración abundante: Desarrollada en yeso o cerámica, utiliza motivos geométricos,

vegetales o escritura, que son repetidos simétricamente hasta cubrir todo el espacio.

La Mezquita-Catedral de Córdoba:

Autor: Desconocido

Estilo: Islámico Andalusí (Periodo cordobés) / Gótico plateresco y renacentista

Fecha: 786-siglo XVI

La Mezquita-Catedral de Córdoba se empezó a construir en el 786 y fue creciendo durante

todo el periodo andalusí a partir de una basílica hispanorromana anterior, aprovechando
materiales y recibiendo influencia del arte clásico. Fue la segunda mezquita más grande del
mundo durante la Edad Media, solo superada por la de la Meca. En 1238, tras la reconquista
de la ciudad de Córdoba, fue transformada en Catedral y en 1523 se le agrega una gran nave
de estilo plateresco (estilo gótica final, muy recargada al incorporar elementos renacentistas
en la decoración de los espacios) que alteró completamente el espacio original. Por esta razón,
actualmente es un monumento híbrido, mezcla del arte islámico y del arte occidental
posterior, del siglo XVI principalmente.

Si atendemos solamente a la construcción islámica, fue construida entre el 785 y el 987. A lo

largo de este tiempo fue sufriendo diversas ampliaciones y reformas por los sucesivos emires
y califas de Córdoba. La primera mezquita la construye Abderramán I entre el 785 y el 788
sobre la antigua Iglesia visigoda de San Vicente. La primera ampliación se realiza entre el 832 y
el 848, durante el gobierno de Abderramán II. Ya en la primera mitad del siglo X, Abderramán
III ensancha la sala de oración o haram y añade un minarete. Las intervenciones de Alhakén II
(962-965) dan a la mezquita su aspecto casi definitivo y más monumental al crear un área
especialmente decorada en torno al mihrab (nicho hacia el que se dirige la oración) en la
maqsura (zona junto al mihrab reservada para el califa). Finalmente en 987, con Almanzor se
emprende la última ampliación del haram. Como vemos, estas intervenciones, respetaban
siempre la estructura original y fueron fruto del aumento de población de Córdoba, pero
también respondía al interés de los califas por dejar su huella en el venerado edificio.

En la mezquita se utiliza una novedosa superposición de soportes: columnas en la parte

inferior y pilares encima, con doble arcada (arcos entibados). En la parte inferior se hallan
arcos de herradura, sobre los que se superponen arcos de medio punto. Con esta técnica se
lograba dar más altura a las naves a la vez que permitía transparencia y comunicación entre
ellas. Este sistema se basó en los grandes acueductos romanos y en los arcos de herradura
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

visigodos, pero lograron una combinación única. Muchas de estas columnas, con sus capiteles,
son reutilizadas de la antigua ciudad romana. Las naves son perpendiculares al muro de la
quibla (muro hacia el que se dirige la oración, en medio del que se sitúa el mihrab). Como
hemos explicado, no fue un templo de planificación global, sino el resultado de las sucesivas
ampliaciones. Además presenta dos grandes características de la arquitectura islámica: la
reutilización de elementos y estructuras precedentes, y la tendencia a la horizontalidad.

La inmensa sala de oración o haram se abre con su inmenso bosque de 1.300 columnas. Éstas
tienen capiteles muy desiguales por su diversa procedencia, algunos, como hemos dicho, son
de origen romano y reutilizados. Los fustes son de mármol y la característica arquería entibada
alterna dovelas de color blanco y rojo, resultado de la combinación de ladrillo y piedra. El
mihrab es de mármol, lujosamente decorado en yeso y mosaicos bizantinos coloreados sobre
fondo de oro y bronce, además de cobre y plata. Fueron decorados por expertos artesanos
llegados de Constantinopla. Frente a él se sitúa la lujosa maqsura del califa, cubierta por una
cúpula gallonada (de gajos de naranja), decorada con igual lujo.

En lo que hace a las cubiertas, las naves se cubren con techumbre de madera a dos aguas, de
acuerdo a la costumbre islámica. Al exterior se creó un enorme patio (sahn), el “patio de los
naranjos”, en el que la disposición de los árboles imita la disposición de las columnas
interiores. Además presenta cuatro fuentes dedicadas a las abluciones de los fieles.

La mezquita de Córdoba influyó decisivamente en otras, como la Kairuán (Túnez), y

actualmente sigue siendo de los más importantes y originales monumentos del arte islámico
mundial.

Vista aérea de la Mezquita-Catedral, se aprecia la inserción de la construcción Gótica y la

reforma barroca del Minarete, convertido en torre-campanario.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Haram (sala de oración) con el

bosque de columnas y las
arcadas dobles.

Cúpula de la Maqsura, lugar

reservado al Califa junto al
mihrab.

Mihrab (nicho en el muro de la

quibla, hacia el que se dirige la
oración)
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Fases de construcción de la Mezquita-Catedral de Córdoba-

BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

5Barroco: Las Hilanderas.

El deseo de realismo, la nueva espiritualidad contrarreformista nacida de trento y los difíciles
momentos que se vivieron en el siglo XVII, con guerras de religión y diversas crisis económicas,
alteraron las perspectivas sobre el arte, y propiciaron el éxito de un nuevo estilo. Desde Italia,
nace esta nueva sensibilidad, sin idealismo, más preocupada por lo sensorial y por el
movimiento. Es el arte barroco.

Las innovaciones en el barroco fueron principalmente estéticas. La pintura barroca surgió en

oposición del arte renacentista; la gran diferencia entre ambos es que mientras el artista
renacentista busca equilibrio y calma, el artista barroco resalta la tensión, el punto más
dramático. En el barroco, por lo tanto, hay movimiento, sensualidad, violencia, contraste y
exceso. También nuevos temas, como los paisajes o los bodegones, y nuevas figuras más
cercanas a la realidad social de aquel entonces.

Caravaggio creará para el arte el tenebrismo, estilo basado en un fuerte contraste entre la luz
y la oscuridad, sin apenas gradación. Incorpora igualmente temas sórdidos y desagradables y
aspectos de la realidad hasta ese momento obviados o idealizados por la pintura.

Las características fundamentales de la pintura barroca serían predominio del color sobre el
dibujo, profundidad continua, sin ruptura en planos, preponderancia de la luz, subordinando
las formas a la propia luz, asimetría, sensualidad y movimiento.

En España triunfa un barroco que privilegia el realismo, incluso en sus aspectos más terribles o
antiestéticos, de hecho la técnica tenebrista tendrá mucho seguimiento entre los artistas
españoles. En los que hace a los temas, en España habrá preferencia por la temática religiosa,
pero también encontraremos muchos otros como los clásicos retratos o los nuevos
bodegones, paisajes o escenas cotidianas y reales.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599- 1660):

Uno de los más grandes pintores del arte universal. Aprendió en Sevilla junto al pintor
Pacheco. En esa época empieza a experimentar con el tenebrismo y retrata escenas de la vida
popular como en Vieja friendo huevos. En 1623 es nombrado pintor de cámara del rey bajo la
protección del Conde-Duque de Olivares y de Felipe IV. Explora temas mitológicos y le influye
profundamente la visita de Rubens en 1628.

Por consejo de Rubens visita Italia y abandona progresivamente el tenebrismo a la vez que
gana en profundidad, dinamismo y dominio de la luz. A su regreso a la Corte emprende sus
grandes retratos, que son austeros y con una gran penetración psicológica. Sus retratos de los
bufones reales, representados con respeto a su dignidad humana y con penetración
psicológica, le permitieron hallazgos técnicos que no hubiera podido experimentar en el
retrato nobiliario. En 1649 emprende su segundo viaje a Italia y retrata al papa Inocencio X. En
sus escasos paisajes (Los jardines de la Villa Médicis) se adelanta 200 años a la técnica de
captación de la luz de los impresionistas.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

A la vuelta de su segundo viaje en 1651 pintará sus obras mayores: La Venus del espejo, Las
Meninas y Las Hilanderas. Su manejo de la perspectiva y la luz se han considerado
insuperables, pues llega a establecer un absoluto dominio sobre la perspectiva aérea, con la
sensación de que la luz circula dentro de la tela.

Las Hilanderas (o La fábula de Aracne)

Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Estilo: Barroco

Fecha: 1657

Estamos ante una obra del momento de mayor plenitud y madurez del artista. La composición
es compleja y se realiza en varios planos superpuestos. En un primer plano observamos a
cinco hilanderas, preparadas para una jornada de trabajo en la Real Fábrica de Tapices. En el
fondo apreciamos a otras tres mujeres contemplando el trabajo final, un tapiz, que representa
el mito de Atenea y Aracne. A la izquierda dos de ellas conversan a la par que manejan la
rueca, la cual crea una sensación de movimiento al no poder apreciar los radios debido a su
gran velocidad, algo que se debe al uso magistral de Velázquez de la perspectiva aérea, que
distorsiona contornos y los difumina, logrando captar el espacio entorno a las figuras.

A la derecha se aprecian otras tres hilanderas en diferentes posturas encargadas de hacer

ovillos y cardar la lana, lo cual nos indica que hay una actitud de realismo en esta escena
cotidiana, como si fuera una foto que capta un instante y crea sensación de movimiento, a la
vez que introduce elementos anecdóticos como la iluminación del brazo de una de las
hilanderas que parece que nos obliga a mirar en un primer momento a su persona para acto
seguido ir a la parte opuesta del lienzo, indicando la línea compositiva del lienzo.

En el fondo, en una estancia más elevada e iluminada a la anterior aparecen las tres mujeres,
vestidas más noblemente, y que observan el tapiz ya finalizado que cuelga de la pared y que
nos cuenta “el mito de Aracne”. Esta fábula cuenta en una de sus vertientes que Aracne era
una de las mejores tejedoras de Grecia pero muy orgullosa de su maestría se comparaba a la
diosa Atenea, inventora de la rueca. Tal es así que osó retar a la diosa y, ésta, aceptó. Atenea
ganó el reto y Aracne se sintió tan humillada que intentó quitarse la vida, pero la olímpica se
apiadó de ella, aunque como castigo a su vanidad la convirtió en araña para que tejiera de por
vida. Otra vertiente dice que es la propia Atenea la que pierde el reto contra Aracne y que
enfadada la convirtió en araña. Se aprecia dentro del tapiz a la diosa vestida con su armadura
de guerra, mientras que en la tejedora, vestida con túnica y manto, se encuentra a punto de
recibir su castigo divino. Este juego del cuadro dentro del cuadro, ya apareció en otras obras
del autor, como Cristo en casa de Marta y María, donde una escena cotidiana enmascara un
tema más profundo, en este caso mitológico, en aquel, religioso.

Respecto a la composición debemos resaltar su color con corta paleta y la magistral pincelada,
con la que crea el volumen de cuerpos y objetos. Los aplica de una manera poco común en su
época: muy diluidos y con pinceladas finas y largas. Igualmente su insuperable manejo de la
perspectiva y la luz, se aprecia su absoluto dominio de la perspectiva aérea, dando totalmente
la sensación de que el espacio está lleno de aire y que la luz circula dentro de la tela.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Nota a la interpretación: Durante mucho tiempo se consideró la obra como un cuadro de

género, que sólo mostraba una día de trabajo en el taller de la real fábrica de tapices de Santa
Isabel en Madrid. Hoy se admite que el cuadro trata un tema mitológico: La fábula de Atenea y
Aracne, no por el tapiz del fondo, sino también por la escena del primer término. Así, se opina
que Velázquez retrataría a Aracne como la joven a la derecha, vuelta de espaldas, trabajando
afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la diosa Atenea fingiría ser una anciana manejando
la rueca. Sería una representación de la diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido,
Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente.

Toda la obra narraría una historia a través de sus planos, como si fuesen páginas de un libro.
Consigue que nuestra vista se fije primero en la hilandera iluminada de la derecha, después
pasamos de manera natural a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en
la penumbra hasta la escena del fondo. Allí, una de las mujeres se vuelve hacia el espectador
como si se sorprendiese de nuestra intromisión en la escena. Ya en el fondo, el tapiz con la
escena mitológica nos da la pista de cómo interpretar la obra. Colocar el mensaje en un
segundo plano era un juego típico del Barroco.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

6Goya: Los fusilamientos del 3 de mayo

Francisco de Goya y Lucientes. 1746-1828:

A medio camino entre el neoclasicismo y el romanticismo, Goya es un artista de fortísima

personalidad que inaugura el arte contemporáneo. Nacido en Zaragoza allí empezaría su
carrera artística y en 1770 viajaría a Italia con el fin de ampliar sus estudios.

En 1775, ya establecido en Madrid, trabajó como diseñador de tapices para la Real Fábrica de
Santa Bárbara. Estos diseños, conservados en el Museo Nacional del Prado, representan
escenas cotidianas y temas idílicos. En 1789 fue nombrado por el rey Carlos IV pintor de
cámara, donde realizaría numerosos retratos para la familia real. La familia de Carlos IV,
pintada en 1800, es sin duda el más destacado.

En 1792, como consecuencia de una enfermedad, Goya quedó casi sordo. En esa década inició
una serie de pequeños cuadros llamados de fantasía e invención. Igualmente, en 1799 ejecutó
la primera de sus grandes series de grabados, Los Caprichos. Entre 1808 y 1814 se sitúa la
segunda serie de grabados titulada Los desastres de la guerra, y se fechan dos célebres
cuadros de historia, El dos de mayo en Madrid y Los fusilamientos del 3 de mayo. En 1820,
tras su sufrir una recaída de su enfermedad, realiza la famosa serie de Las pinturas negras que
decoraban distintos espacios de su nueva casa, conocida como la Quinta del Sordo. La gama
cromática en negros, blancos y castaños es quien da nombre a un brillante conjunto ejecutado
con gran libertad artística. Finalmente, en 1824 se trasladaría a Burdeos, donde su estilo sufrió
una transformación y se adelantaría una vez más a su tiempo.

Goya participó enormemente de las ideas y sucesos de su tiempo, como un artista intelectual
moderno, en concreto de la Ilustración y de la Guerra de la Independencia. De hecho, el
estallido de la Guerra de la Independencia en mayo de 1808 supuso un grave conflicto interno
para Goya, ya que su ideología liberal le acercaba a los afrancesados (españoles que estaban a
favor de la monarquía de José Bonaparte, pues la veían como la mejor manera de modernizar
el país con reformas liberales), mientras que su patriotismo le atraía hacia los que estaban
luchando contra los franceses.

En su pintura se muestra la crítica a la sociedad de su tiempo y a una nobleza que considera

inútil y ociosa. Su atrevimiento formal y pictórico a partir de su enfermedad lo convierte en un
precursor del impresionismo, del surrealismo y del expresionismo casi 150 años antes de la
aparición de estos movimientos artísticos. El surrealismo puede rastrearse en sus Caprichos,
grabados extraños con imágenes aparentemente absurdas u oníricas que encierran una crítica
social. El expresionismo puede vislumbrarse en sus Pinturas Negras y en los lienzos de su
penúltima etapa, con figuras sórdidas y deformadas y paisajes alejados del realismo clasicista
para transmitir ideas y sentimientos. Finalmente, los experimentos con la luz de su última
etapa, como se ve en “La lechera de Burdeos” ya anuncian el futuro movimiento impresionista.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Los fusilamientos del 3 de Mayo

Obra: Los fusilamientos del 3 de mayo

Autor: Francisco de Goya

Fecha: 1814

Historia y finalidad. Encargo:

El acontecimiento plasmado en el cuadro ocurrió en 1808. Napoleón había invadido España y

la familia real se encontraba en Bayona bajo su custodia. El 2 de mayo de 1808, una parte del
pueblo de Madrid intentó evitar la salida del infante Don Francisco de Paula, el menor de los
hijos de Carlos IV y María Luisa, que iba a ser conducido hacia Francia para reunirle con sus
padres. La situación se descontroló y las tropas francesas, dirigidas por Murat, cargaron contra
los madrileños, hasta sofocar lo que se conoce como el levantamiento del 2 de mayo.

Al día siguiente, una Comisión Militar, sin escuchar a los detenidos, se dedicó a declarar sus
sentencias de muerte. En grupos, los condenados fueron enviados a distintos lugares de
Madrid para su inmediata ejecución: el paseo del Prado, la Puerta del Sol, la Puerta de Alcalá,
el portillo de Recoletos y la montaña del Príncipe Pío, y fueron fusilados a las cuatro de la
madrugada del 3 de mayo.

Sin embargo estos acontecimientos, el alzamiento de Madrid, y la muerte de tantos patriotas a

manos de los franceses, determinarían el estallido de la Guerra de Independencia contra
Napoleón.

Esta obra forma una serie con el cuadro el Dos de mayo (La carga de los mamelucos), y fueron
encargo del gobierno liberal para exponer con motivo del retorno de Fernando VII el deseado.
Sin embargo estuvieron muchas décadas sin exhibirse por considerarlos como obras muy
inferiores a sus retratos. Fue décadas después, con la aparición del Romanticismo y del
Impresionismo, cuando estas pinturas cobraron fama mundial, al ser considerada antecedente
directo de tales estilos

Análisis de la obra:

La obra fue pintada años después de los acontecimientos, que posiblemente presenció
personalmente, o de los que, en cualquier caso se informó profundamente. Con este hecho
pretende llamar la atención realizando un cuadro con un sentido casi de cronista fotográfico.
El lugar del fusilamiento, la montaña de Príncipe Pío, está perfectamente recreado por el
pintor, con la exactitud de una vista de la ciudad de Madrid al fondo.

Por esa razón, puede decirse que esta es la primera obra de una nueva generación pictórica,
no tiene ningún precedente en las pinturas de guerra y es reconocida como una de las
primeras obras de lo que se conoce como arte contemporáneo.

La obra trata de reflejar el suceso con toda su violencia y su crueldad para manifestar así el
rechazo hacia la barbarie y la irracionalidad humana. La ejecución es totalmente violenta, con
rápidas y gruesas pinceladas, así como grandes manchas, como si la propia violencia de la
acción hubiera invadido al pintor.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

El protagonista absoluto es el pueblo, no están representados de forma personal, es el pueblo

anónimo como héroe colectivo. Éste es un concepto claramente romántico de entender la
guerra y los logros nacionales, que se atribuyen al pueblo y su voluntad, y no a sus dirigentes.

El grupo de hombres de la izquierda presenta espontaneidad y desorganización; se enfrentan

horrorizados a su muerte. Por su parte los soldados, perfectamente alineados, muestran una
imagen de organización y eficiencia. Pero, sin embargo Goya no ha pinta la cara de ninguno;
los franceses sin rostro no son nadie, son tan sólo la guerra, la muerte, la barbarie, la
crueldad…

En cuanto al color, domina absolutamente sobre el dibujo, predominan las grandes manchas
de color. Goya utiliza sobre todo tonos oscuros: negros, grises, marrones y algún toque verde.
Sin embargo, busca crear fuertes contrastes con la oscuridad predominante al llamar nuestra
atención con el blanco de la camisa del hombre, la luz del farol y el rojo de la sangre.

Igualmente, Goya utiliza el juego de luces y sombras para destacar el dramatismo de la

situación. La única luz artificial proviene del farol situado entre los que van a ser fusilados, y a
los que ilumina, y el pelotón de fusilamiento, al que oscurece, es decir que hace de eje
divisorio entre los héroes y los villanos.

Las víctimas forman tres grupos definidos, los que espera ser fusilados y que ven con horror su
futuro, los que están siendo fusilados y los muertos. Los grupos se ven de derecha a izquierda,
lo que introduce un elemento de transcurso del tiempo en la composición. De hecho, Goya
acentúa esta sensación temporal un cuerpo que yace con los brazos extendidos, igual que los
tiene el personaje vestido de blanco que está siendo fusilado. Todo este conjunto representa
los más variados sentimientos del ser humano: La tensión, el valor, el miedo, la resignación, la
desesperación… en contraste con la dramática quietud de los cadáveres.

Por otro lado, este personaje que llama tanto la atención, presenta los brazos extendidos en
una posición que nos recuerda a un crucificado. De hecho en sus manos se pueden apreciar
estigmas en las palmas, las marcas de la crucifixión. Con este detalle Goya pretende hacer ver
que el asesinato de indefensos es una realidad que se repite una y otra vez, no es una
circunstancia propia de esta guerra, sino de todas las formas de crueldad. Intencionadamente,
Goya le ha vestido de blanco, proclamando con ello esta inocencia, y convirtiéndole en
símbolo de todos los muertos durante la invasión francesa.

Entre las víctimas aparece un religioso, vestido de negro, que evidencia el deseo de Goya de
representar los hechos con rigor, ya que fue allí el único lugar de Madrid en que se ejecutó ese
día a un sacerdote, don Francisco Gallego y Dávila.

Goya da profundidad a la composición a través de dos líneas diagonales, la de la montaña del

Príncipe Pío tras las víctimas y la de los soldados. Pero, a su vez, crea líneas ondulantes de
brazos y sables junto a horizontales de los fusiles para dotar a la escena de un intenso
dramatismo.

Finalmente, Goya compone esta escena de modo que el espectador se vea obligado a
contemplar la escena desde la posición de los soldados, de manera que capte la angustia y el
miedo de quienes van a ser asesinados.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

7Modernismo: La Sagrada Familia

A finales del siglo XIX se dan dos circunstancias antagónicas que revolucionarán la
arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX. Por un lado, las dos revoluciones
industriales habían desarrollado una tecnología de una potencia sin precedente en la historia.
Sin embargo, las clases dominantes de la época abrazan una estética conservadora conocida
como “historicismo”. Se recuperan estilos históricos inspirados por las ideas del nacionalismo
y el romanticismo y se rompe de nuevo con los moldes de los estilos clásicos de Grecia y
Roma. El estilo más imitado fue el gótico, que fue reivindicado en esta época.

Igualmente, a finales del XIX, existe por otros sectores un cansancio ante el eclecticismo
historicista y su repetición de estilos, por lo que buscan un deseo de innovar. Una burguesía
más proclive a los cambios, más progresista, unas innovaciones científicas y tecnológicas en
ingeniería y construcción muy avanzadas (nuevos materiales, como el hormigón, maquinaria
industrial, avances en matemáticas y física) y, paradójicamente, la rebelión contra esa
industrialización que vino del movimiento británico “Arts & Crafts” de Morris, que pretendía
recuperar la artesanía y el arte popular autóctono, permiten el surgimiento del Modernismo.

En Europa tuvo varias denominaciones: en Francia y Bélgica será Art Noveau, en Austria
Sezession, en Alemania Jugendstil, en Italia Liberty y en España Modernismo. Los artistas son
tan originales que cuesta encontrar un elemento común a todos ellos. Todos querían romper
con los moldes históricos, imitar las formas orgánicas, curvas, imperfectas de la naturaleza,
aplicar los avances tecnológicos en la construcción, diseñar y construir de forma coherente, es
decir, integrando las formas de los objetos presentes en sus edificaciones con la estética
general de sus construcciones. Sus propuestas fueron a veces mal interpretadas como una
muestra de decoración sorprendente, pero frívola y extravagante.

Antonio Gaudí (1852-1926):

Gaudí es un caso particular dentro de la familia del modernismo europeo. Bien acogido por
una parte de la burguesía de Barcelona, sus innovaciones técnicas y propuestas a veces
desbordan los límites del modernismo europeo. De hecho, tuvo poco conocimiento directo de
lo que se realizaba en otros países dentro de esta línea estética.

Gaudí nació en 1852 y estudió arquitectura en Barcelona. Comenzó cultivando un estilo

neomudéjar y luego un cierto estilo neogótico. Siempre mantuvo un gran afecto por el gótico,
pero su inspiración fundamental era imitar formas naturales, imitar las líneas curvas e
irregulares del mundo natural, pero aplicando la mecánica constructiva del gótico y las últimas
innovaciones tecnológicas. Sus formas atrevidas, irregulares y curvilíneas supusieron una
ruptura con la arquitectura anterior y crearon formas aún hoy sorprendentes.

Obras fundamentales suyas son el Parque Güell, la Casa Batlló y la catedral La Sagrada
Familia.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

La Sagrada Familia.

Autor: Antonio Gaudí

Estilo: Modernismo

Fecha: 1882- aún en construcción.

Inspirada en el gótico, al igual que las catedrales de este periodo, su construcción se prolonga
hasta el día de hoy, ya que se comenzó en 1882 y su construcción aún sigue. Fue un neogótico
completamente novedoso y absolutamente original. Su proyecto es gigantesco e integra las
últimas innovaciones técnicas de la época (cemento, piedra, hierro y mosaicos de cerámica).
Su proyecto definitivo es desconocido, pues en la Guerra Civil se perdieron planos y maquetas.

El proyecto consistía en una iglesia de cinco naves y forma de cruz latina, tres fachadas con
cuatro torres cada una y una torre central mayor sobre el cimborrio. Las torres son huecas, lo
que les permite producir sonido, pero originalmente iban a albergar unas campanas diseñadas
por el propio Gaudí.

El interior es igualmente formidable. Las columnas se inclinan, estética y funcionalmente, para

recoger los empujes de las bóvedas. Las columnas se ramifican en la parte superior en forma
de nervios para distribuir mejor el soporte de los empujes. El aspecto es orgánico, naturalista,
al igual que el resto del edificio.

Por su ambición, su intuición técnica y su genial integración de escultura, arquitectura e

ingeniería, es una de las obras cumbre del modernismo y de Antoni Gaudí.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

8Cubismo: El Guernica.
Las últimas décadas del siglo XIX vienen unidas al concepto de vanguardia, como todo un
conjunto de movimientos artísticos, o “ismos”, que surgen a finales del siglo XIX y a lo largo
del XX, y que suelen superponerse en el tiempo. Algunos terminaron por agotarse, mientras
que otras tienen tal trascendencia que aún en nuestros días tienen seguidores.

Fueron una reacción a un orden previo, a una realidad establecida. (Debe precisarse que el
concepto ruptura no se refiere a una quiebra total o un desprecio del arte del pasado. Muchos
vanguardistas se inspiraron en la historia del arte universal.) A mediados del siglo XIX, el
academicismo era el modelo por el cual una producción era valorada como obra de arte, y
basaba sus criterios en los postulados clásicos de armonía, simetría y proporción. En gran
medida, la temática se limitaba a temas como mitológicos y religiosos, o a tipos como el
retrato, el paisaje… También los materiales se limitaban a los más tradicionales,
preferentemente el óleo.

Con todo ello romperán las vanguardias, buscando dar autonomía al arte y, con ello, reclaman
para el artista la voluntad de crear el objeto artístico, de usar libremente materiales, elegir
temática, crear sus características formales o compositivas, perspectiva, el color…

Suelen dividirse las vanguardias en dos oleadas, una que abarca de 1847 a 1945, y una
segunda que se desarrolla en la segunda mitad del siglo XX. La Primera Oleada incluiría los
Movimientos Impresionistas (Impresionismo, puntillismo y Postimpresionismo) a fines del
XIX; El Fauvismo, El Expresionismo, El Cubismo y el Futurismo a principios del XX; Y el
Constructivismo, Dadaísmo, Neoplasticismo y Surrealismo en el periodo interbélico. La
Segunda oleada vendría en la segunda mitad del XX con las tendencias informalistas y
abstractas, las tendencias racionalistas y las tendencias de la nueva representación.

El Cubismo:

El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como maestro del movimiento al
español Pablo Picasso, tuvo como seguidores al español Juan Gris y los franceses Georges
Braque y Fernand Léger. El movimiento se inicia con el cuadro Las señoritas de Aviñón
(Demoiselles d'Avignon) de Pablo Picasso.

Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente

la influencia de las esculturas africanas y la obra de Georges Seurat y Paul Cézanne. De todo
esto tomaron la tendencia a representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales y a
estructurar geométricamente sus cuadros.

Además entendemos que el cubismo no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía.
Esta, al representar la realidad de manera más exacta que la pintura, forzó a los artistas a
buscarle un sentido diferente a la representación. También podemos relacionar el cubismo
con el interés por la cuarta dimensión o el tiempo, desde el planteamiento de espacio-tiempo
en la teoría de la relatividad.

Así, en los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Las formas de la naturaleza
se trazan en figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies, de manera que se crea
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

una perspectiva múltiple: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano y
al mismo tiempo (por ejemplo, en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; o
una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal). Ya no existe un punto de vista
único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces se acaba
representando el objeto por un solo aspecto (por ejemplo los violines se insinúan solo por la
presencia de su cola.)

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos. Además se eliminan los colores
sugerentes, típicos de vanguardias anteriores como el impresionismo. En lugar de ello, se
utilizan originalmente tonos pictóricos apagados, como grises, verdes y marrones. Es habitual
también que llegaran a romper con la técnica pictórica tradicional e incorporen a la tela todo
tipo de objetos hasta formar collages.

El cubismo es de difícil comprensión, fue el primer movimiento artístico que necesitó de un

discurso escrito. En adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron
acompañados de textos críticos o postulados que los explicaban.

El Guernica

Autor: Pablo Ruiz Picasso

Estilo: Cubismo

Fecha: 1937

La obra gira en torno a los horrores de la guerra. En plena Guerra Civil Española, el gobierno
de la República encarga a Picasso una obra con la que visibilizar en el extranjero la guerra. En
esa época, el artista se ve conmocionado por las noticias del bombardeo de la ciudad vasca de
Guernica. La noticia fue titular en todos los periódicos que destacaban la brutalidad de la
acción, ejercida sobre una pequeña ciudad sin interés militar, desarmada y tan sólo ocupada
por población civil. Había sido una acción de la Legión Cóndor, la aviación nazi con la que Hitler
ensayaba el concepto de guerra total (bombardear la retaguardia enemiga, acabando con
suministros, comunicaciones y desmoralizando a la población). Sobre este motivo, comienza a
construir el enorme lienzo.

La composición se divide en tres sectores. El central se ordena en una forma triangular en

torno al caballo, incluyendo en su zona baja la estatua y la mujer que avanza. A ambos
laterales de este grupo central se crean dos triángulos rectángulos que se compensan en sus
figuras. Hay por tanto un fuerte estudio de la escena, buscando una organización clara que
permita una mejor comprensión de la escena, pensada para su exposición ante un público no
demasiado entendido, pues el fin era dar a conocer el terrible conflicto y que los diferentes
países apoyaran al bando republicano.

El espacio, como en toda obra cubista, se convierte en un plano bidimensional, sin fondo, que
presenta todas las imágenes en el mismo plano. El color y la luz funcionan de una forma
conjunta. Picasso lo crea como una imagen en blanco y negro que, en su limitación cromática,
pudiera transmitir todo el clima de dolor y tragedia. Sobre este fondo, los gestos dramáticos
de los personajes quedan en suspenso, como gritos aterradores dentro de un silencio general
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

al que colabora la ausencia de color, aunque no de tonos, pues el gris, en diferentes

gradaciones, da cohesión a los bruscos contrastes del blanco y el negro. En cuanto a la luz,
antinaturalista como es típico del cubismo, ilumina la escena sin obedecer a ningún tipo de
foco o ley natural. Por lo tanto, sirve para crear efectos que acentúan ciertos dibujos (mano
que lleva el candil cruzada por distintas sombras, sombra proyectada por la mano de la
estatua) o la tragedia (ventana muy iluminada en la izquierda, demasiado pequeña para poder
salir del incendio). Pero en general, los personajes fundamentales aparecen fuertemente
iluminados, sin sombras, lo cual acentúa su bidimensionalidad. Además ayuda a resaltar el
dramatismo y la conexión entre los diferentes personajes al estar todos iluminados y todos
juntos en este sufrimiento.

En cuanto a los personajes representados, son todos ellos víctimas, sin la aparición de ningún
soldado. Su interpretación ha sido muy cuestionada, negándose reiterativamente el pintor a
darles un significado concreto. En la izquierda aparecen un toro, un pájaro sobre la mesa, una
mujer con su hijo muerto en los brazos y una estatua mutilada. El centro lo ocupa un caballo
herido que pisotea el brazo de la estatua que sostiene una espada rota y una flor. Sobre ellos
aparece un ojo-sol con una bombilla como pupila. En la zona derecha se encuentran tres
mujeres, una que avanza hacia la luz, otra que lleva un candil y, en el extremo, otra con los
brazos en alto, gritando en medio de las llamas.
BACHILLERATO ESPAÑOL 2022 JAVIER FERNÁNDEZ DE LA VEGA MEDINA

Nota a la interpretación: El análisis de los personajes

Las Mujeres: Las mujeres son efectivas para mostrar el sufrimiento y el dolor antes, durante y
después de una guerra por su cualidad emocional. Las dos mujeres que claman al cielo por
justicia están una en cada extremo del cuadro enmarcando el sufrimiento. La mujer de la
izquierda clama por la muerte de su hijo y la mujer de la derecha clama por el fuego que la
consume. La primera representaría el dolor psíquico y la segunda el dolor físico.

Las otras dos mujeres del cuadro crean movimiento desde la derecha hacia el centro del
cuadro. La mujer más pequeña parece absorta con la luz que emana la bombilla en el centro.
La otra mujer, parece más un espectro, se asoma por una ventana llevando una vela en
dirección a la figura central del caballo.

El Caballo: Herido con una lanza, el caballo sufre contorsiones cubistas de cabeza, lengua y
cuello. Se acentúa su sufrimiento con el cuchillo que tiene por lengua en su boca abierta.

El Toro: El toro al lado izquierdo del cuadro está sorprendentemente impasible. Es el único que
mira al público y se comunica con él en una forma que los otros personajes no consiguen.

El Pájaro: Sutilmente representado entre los dos animales fuertes del cuadro: el toro y el
caballo. Pero eso no le impide graznar a los cielos de la misma manera que hacen las mujeres
que se enmarcan a cada lado del cuadro.

La Bombilla: La bombilla, con rayos tan poderosos como un sol, ilumina la gran destrucción
humana, el sacrificio de inocentes. La bombilla interior representado como un sol exterior,
juega con la ambigüedad y dualidad de no saber si es noche o día, interior o exterior. Nos
transporta a un mundo fuera de este mundo. La bombilla también es una representación de un
ojo. El ojo que todo lo ve. Y que ve esta catástrofe. Es por lo tanto, un ojo castrado por la
sociedad al no ver la realidad obscena de destrucción, dolor y muerte.

El Hombre: El hombre es representado por una sola figura, en el suelo, con los brazos abiertos
extendidos en forma de cruz y fragmentado. Ubicado a lo largo del suelo de la parte izquierda,
vemos su brazo amputado, ya separado del cuerpo, aun empuñando una espada rota junto a
una única y minúscula flor ubicada en el centro inferior del cuadro representando la esperanza
sin sentido. Las rayas en el brazo simbolizan la flagelación. Esto, junto con sus brazos abiertos
en forma de cruz que simboliza la crucifixión, nos entrega un mensaje complejo sobre el
sufrimiento y el sacrificio del hombre.