UNIVERSIDAD NACIONAL MAYOR DE SAN MARCOS

Universidad del Perú. DECANA DE AMÉRICA

Facultad de Letras y Ciencias Humanas

Monografía:
Caravaggio: Obra tenebrista en Italia del siglo XVII

Autores:
Castillo Niquen, Brenda Luz
Chaiña Flores, Joffre Omar
Cordero Palomino, Aracely Aurora
Córdova Vela, Maria Beatriz
Cornejo Palomino, Ilanit

Docente:
Lic. Nicolas Tolentino Pimentel Torres

Lima, enero 2022

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“La materia desvelada por la presencia omnímoda del sol y la

ocultación que la acecha nos remiten a la fugacidad de ese ‘pasajero de la

luz’ que es el ser humano, vilano errante a la merced del aire”

- Canciller López de Ayala

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Dedicatoria

El presente trabajo de investigación se lo dedicamos a

todas las personas que están enlazadas al arte, y como tal,

reconocen su valor histórico.

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Agradecimiento

A nuestro docente Nicolás Pimentel por darnos las bases para la

construcción de esta monografía y guiarnos en todo el proceso.

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INTRODUCCIÓN

Cuando hablamos del movimiento barroco, en todo el mundo se evidencia lo

revolucionario que fue y como los tenebristas italianos dejaron un legado que perdura hasta la
actualidad: el manejo del claroscuro. Entre ellos no podemos dejar de mencionar a Caravaggio,
pintor italiano, quien tuvo su auge a inicios del siglo XVII.
Al mencionar a este artista, se encuentran trabajos de investigación previos así como
diversas fuentes biográficas, sin embargo, también es importante conocer su técnica y sobre todo
el contexto en el que se desenvuelve para comprender por qué es un maestro del realismo y como
ha influenciado a artistas posteriores igual de resaltantes como Velasquez o Rembrandt.
La obra de Caravaggio, la cual se desarrolla en Italia del siglo XVII, se desarrolla a partir
de la luz, fue el elemento más resaltante en todas sus pinturas, veremos cómo es que retrataba a las
personas del pueblo y la rapidez con la que le gustaba terminar sin siquiera dejar rastro de un
boceto a lápiz debajo de sus obras. Expondremos aquellas en las que más se evidencia su estilo
naturalista y la escasez de colores de su paleta en la que predominan colores ocres y oscuros.
Caravaggio se sirvió del color negro, es decir, la ausencia de luz para dar relieve a los cuerpos.
El objetivo principal de esta investigación es recopilar datos del proceso artístico antes,
durante y después de Caravaggio y de esta manera proporcionar herramientas históricas para el
desarrollo del tema. Esta monografía está dividida en cinco capítulos. Empezamos a bordo con el
capítulo uno, donde se explican los “conceptos básicos”. En el segundo capítulo se profundizará
sobre la temática en el espacio Europeo, especialmente en Italia en el siglo XVI y XVII.
Seguidamente, pasaremos a tratar con precisión el protagonismo de Miguel Ángel Merisi da
Caravaggio en el movimiento tenebrista, adjuntando una breve descripción de dos de sus obras
más conocidas.
En el capítulo cuatro conoceremos el gran legado y las grandes influencias que dejó el arte
de Caravaggio. Y por último explicaremos el caso de restauración y conservación de la pintura
Santa Catalina de Alejandría (hacia 1598-1599).
El presente trabajo de investigación engloba conocimientos acerca del estilo tenebrista
desde una perspectiva histórica y técnica, las cuales esperamos sean de utilidad tanto para artistas
como para historiadores y público en general.

ÍNDICE
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Dedicatoria 3
Agradecimiento 4
INTRODUCCIÓN 5
CONCEPTOS GENERALES 7
1.1 El Barroco 8
1.2 Movimiento realista y naturalista 12
1.3 Técnica del claroscuro. 15
1.4 Definición de tenebrismo 16
CONTEXTO 19
2.1 El renacimiento italiano 20
2.2 El manierismo italiano en el siglo XVI 21
2.3 El barroco italiano en el siglo XVI y XVII 22
2.4 Expresiones artísticas del barroco a comienzos del siglo XVII 23
2.4.1 Artes plásticas en el barroco 23
2.4.2 Arquitectura barroca 24
2.4.3 Lingüística barroca 25
CARAVAGGIO 26
3..1 Michelangelo Merisi da Caravaggio 28
3.2 Obras de Caravaggio 28
3.2.1 La muerte de la Virgen 29
3.2.2 La crucifixión de San Pedro 29
INFLUENCIAS POSTERIORES 31
4.1 Legado de Caravaggio: “Caravaggismo” 32
4.1.1 Caravaggismo en Europa 32
4.1.1.1 Rembrandt (Países Bajos) 32
4.1.1.2 Boulogne (Francia) 32
4.1.1.3 Velázquez (España) 34
4.1.1.4 Roberto Ferri (Italia S. XXI) 36
4.1.2 Caravaggismo en América 38
4.1.2.1 Melchor Pérez de Holguín (Bolivia) 38
RESTAURACIÓN 39
4.2 Caso de restauración: Santa Catalina de Alejandría (hacia 1598-1599) 40
CONCLUSIONES 42
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS 43
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CAPÍTULO 1
CONCEPTOS GENERALES
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1.1 El Barroco

A grandes rasgos, el Barroco en Europa fue un periodo artístico e histórico que se

desarrolló entre los siglos XVII y XVIII, principalmente en Italia; aunque, tiempo después, se
extendería por el resto de países europeos, llegando, incluso, hasta otros continentes, como
América.

A lo anterior, Taranilla acota:

Cronológicamente, el nacimiento y fin del Barroco como etapa de la historia del arte es fluctuante, igual que
sucede en todos los estilos a la hora de indicar límites, puesto que estos dependen de distintos factores, según
los países. En términos generales, el Barroco se extendió durante el siglo XVII y primera mitad del XVIII.
No obstante, los fenómenos que lo determinan (sociales, religiosos, cambio y evolución artística), hacen que
su cronología varíe. Por ejemplo, para muchos autores, en arquitectura, la primera obra que señalaría el
comienzo del período propiamente dicho sería el baldaquino de San Pedro del Vaticano (1624). En pintura,
sería Rubens su iniciador; y en escultura podemos partir de la obra de Bernini. En cuanto a su finalización,
mientras en Francia e Italia a mediados del siglo XVIII se desarrolla ya el estilo Rococó y tiene inicio el
Neoclasicismo, en España se realizan aún obras barrocas en todas las artes. No obstante, la historiografía ha
convenido como final del período Barroco el del reinado de Fernando VI (1759), comenzando a partir de
Carlos III la Ilustración (Taranilla, 2018, p.20).

Teniendo en cuenta ello, entendemos que el Barroco surge en varias partes del mundo en
períodos y contextos sociales distintos; por lo que, tocar el tema implicaría abarcar muchos otros
aspectos formales. Sin embargo, en esta ocasión, nos centraremos en el Barroco europeo.

Antes de continuar, debemos tener claro cuáles eran las características generales del
Barroco europeo. En primer lugar, predomina el sentido emocional sobre el racional, ya que se
pretende impresionar al espectador desde los sentidos más que por el razonamiento.
Seguidamente, está la búsqueda de efectos visuales y decorativos. Y, como aspecto, quizá, más
relevante, la aplicación del naturalismo como recurso estilístico, inspirado en la realidad del autor.
Más adelante, veremos que las características formales pueden variar -ligeramente- de acuerdo a la
disciplina artística.

Asimismo, De la Peña Gómez agrega lo siguiente:

Las características generales del arte barroco son la centralización abierta, el movimiento, que a su vez
genera profundidad, y el ilusionismo. Con la primera, la obra dispone de un foco dominante que se relaciona
con el exterior (2018, p. 95).
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En relación al contexto socio-cultural, De la Peña Gómez manifiesta lo siguiente:

La visión cambiante del universo que aportan la filosofía y la ciencia en el siglo XVII es la misma que ofrece
el arte de la época y que, por tanto, se opone a la estática del Renacimiento. [...] Se trata de una época que
posee una cultura conducida por sus dos grandes sistemas, la Iglesia Católica y las monarquías absolutas, que
pretenden persuadir a través del arte. Lo hacen a través del juego constante entre lo real y lo ilusorio, de
modo que entre ambos polos los límites se desvanecen para provocar en el espectador un impacto emocional
e introducirlo así en un mundo dinámico y abierto donde se le invita a participar para, en última instancia,
asegurar su sumisión (2008, pp. 94-95).

Entendemos, entonces, que las obras barrocas no fueron hechas con temas aleatorios.
Inclusive, conocemos que, en un inicio, este tenía un objetivo y era el de servir como instrumento
didáctico y de persuasión para las masas. Muchos autores trascendentales en el estudio de la
historiografía del arte se han referido a la luz, el color y el movimiento como elementos que
definen una escena pictórica del barroco.

“Los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de
tonalidades del color, que con las líneas nítidas y definidas del dibujo” (Petrou, Arbeláez, 2018, p. 27).

La obra del barroco está siempre abierta al ilusionismo como recurso indispensable para
persuadir; pero, a través de la realidad se llega a la ilusión, por lo que, hay que confundir al
observador para que no pueda distinguir dónde empieza lo verdadero y dónde termina la ilusión.

Respecto al origen de la palabra Barroco, Gombrich asegura lo siguiente:

El término barroco fue empleado por los comentaristas de una época posterior que combatieron las
tendencias del siglo XVII y desearon ridiculizarlas. Barroco significa, realmente, absurdo o grotesco, y el
término fue empleado por personas que insistieron en que las formas de los edificios clásicos nunca debían
ser aplicadas o combinadas de otra manera que como lo fueron por griegos y romanos. Desdeñar las reglas
estrictas de la arquitectura antigua les parecía a esos críticos una lamentable falta de gusto; de ahí que
denominaron estilo barroco al de los que tal hacían (1950, pp. 387-388).

Con una visión completamente diferente de concebir el arte, inicialmente, era utilizado
como un término peyorativo -por autores académicos- que designaba un tipo de arte que
consideraban caprichoso, grandilocuente y excesivamente recargado, rozando lo grotesco.

La iglesia es el arte principal del tiempo y el arte utilizado como un caballo de batalla de
propaganda religiosa, es una forma de un carácter comúnmente accesible y fácil de entender. El
Barroco ha sido forjado en Italia, principalmente en Roma, donde se ha utilizado el arte como
medio de propaganda para la difusión de la doctrina contrarreformista. Se suma una profunda
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crisis en la primera mitad del siglo XVI, con una gran corrupción de por medio. El Concilio de
Trento -desarrollado entre 1545 y 1563- tuvo lugar para combatir el progreso del protestantismo y
fortalecer la adoración católica en países donde esta prevalece, posando la base del dogma católico
y creando nuevos instrumentos. Esta ideología se refleja en la Compañía de Jesús -recién
establecida-, que tuvo una difusión notable y rápida en todo el mundo, frenando el progreso del
protestantismo y logrando la recuperación de muchos territorios para la fe católica.

Al respecto, Taranilla sostiene:

Con el fin de lograr el máximo esplendor tanto de la Ciudad Eterna como de la cabeza de la Iglesia, es decir,
del Vaticano, papas como Sixto V, Clemente VIII, Paulo V y Urbano VIII, que continuaban en parte la obra
de sus antecesores, trazaron los grandes ejes urbanísticos de Roma y ornaron a base de fuentes monumentales
y obeliscos las avenidas y plazas de la urbe. Se trataba de aplicar los principios y directrices emanados del
Concilio de Trento (1545- 1563) y la Contrarreforma. La Iglesia tenía que demostrar su poder para que los
fieles supiesen que estaban en buenas manos. Al igual que la monarquía absoluta, el papado quería
impresionar al pueblo por medio del efectismo de las grandes realizaciones arquitectónicas (Taranilla, 2018,
p.61).

El período barroco suele asociarse a una época de gran devoción, procesiones, guerras por
religión y, en general, a una cierta oscuridad intelectual. Esta declaración es una generalización
completamente errónea e injusta. Debido a ello, muchas personas han definido, equivocadamente,
al barroco como una época de oscurantismo intelectual. Durante el Barroco en la cultura
occidental, se produjo una gran cantidad de obras plásticas, la mayor parte de estas marcadas por
una época caótica en la que el miedo y la angustia impulsaron a la creación artística. El arte
Barroco tomó un camino diferente al que proponía su antecesor, el Renacimiento. Las áreas
artísticas donde hubo una repercusión dinámica, teatral e instrumental van desde la música hasta la
arquitectura. Influenciada fuertemente por el contexto histórico y cultural de la época, se buscaba
profundizar en el aspecto espiritual y pretendía exteriorizar las pasiones internas.

La pintura fue un eficaz vehículo para la transmisión del pensamiento de la Contrarreforma, al menos en los
países católicos donde se utilizó como un eficaz sistema de comunicación con los fieles. Una de las
direcciones que tomó la pintura barroca fue la de presentar la visión sobrenatural como algo normal y así
familiarizar al creyente con una existencia donde lo espiritual domina y preside a lo material. Igualmente en
el Barroco se subliman los valores políticos, glorificando al poder temporal sobre el que se hace incidir un
aparato de gloria, resonante y triunfal. Pero, al mismo tiempo, tanto en países católicos como protestantes se
difunde una corriente reflexiva sobre la fragilidad de la condición humana, la vanidad de los deleites
terrenales y la inconsistencia del hombre ante la muerte (Valdivieso, 1996, p. 215).
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La pintura barroca se caracteriza, principalmente, por la movilidad de sus figuras, además
del colorido vivo y contrastado, aunque la intensidad de este suele variar de acuerdo al
pensamiento artístico del autor. Durante dicho período, surgen las pinturas de género y el
bodegón, que, en ocasiones, contiene elementos simbólicos que hacen alusión a advertencias
morales. Esto nos demuestra que las obras barrocas no destacan sólo por su calidad artística y los
principios estilísticos que, novedosamente, se utilizó; sino también, por la fuerte carga didáctica y
moral que se pretendía hacer llegar al espectador.

El Barroco en España se desarrolló en una época complicada, cuyos temas principales

seguían siendo los del Renacimiento. A partir de toda aquella situación conflictiva, la visión de la
sociedad cambió a una que implicaba un profundo pesimismo existencial arraigado en la enorme
crisis económica y social de la época. Así, el tema de la brevedad de la vida y la idea de la muerte
se hace consistente en esta literatura.

“Mientras, también el escepticismo ante el valor de realización y un híspido malhumor y tenebrismo,

acompañado de la obscenidad rebajadora y de la tendencia al sarcasmo, generan lo específico de un momento
hispano de lo barroco” (R. de la Flor, 2002, p. 33).

El pensamiento más severo y realista con respecto a su entorno social derivaría en un

profundo escepticismo que podemos ver manifestado en muchas de las obras artísticas y literarias.
La luz que antes se mostraba de manera uniforme en una pintura, ahora oculta parcialmente los
rostros de sus personajes, dándoles ese toque de incertidumbre infinidad que el colectivo tanto
buscaba. A estas alturas, el tenebrismo se hacía palpable.

El lenguaje literario rechaza la sencillez y el equilibrio del Renacimiento en favor de

expresiones originales y espirituales. Destaca una preferencia por imágenes que muestran opuestos
de opuestos, la acumulación de fuentes retóricas, los juegos de palabras o la exageración, llegando
incluso a la distorsión o caricatura de la realidad. La estética barroca busca dinamismo, contraste y
exageración.

Ante lo mencionado recientemente, Taranilla argumenta que:

Su estilo puede considerarse innovador en el diseño de estructuras arquitectónicas basadas en los elementos
decorativos, al modo de Pedro Ribera, superando así la concepción clasicista de los arquitectos del siglo
XVII. En las mismas fechas la corriente constructora se extiende hacia el Mediterráneo en la portada-retablo
de la iglesia parroquial de Vinaroz; llega hasta Cataluña y se manifiesta en la de la iglesia de la Santa
Majestad de Caldas de Montbui. En ambas dominan las columnas salomónicas que flanquean la entrada. El
primer templo es obra de Juan Bautista Viñes, que también realizó la torre hexagonal de Santa Catalina en
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Valencia, y el segundo se adeuda a P. Rupin y P. Sorell, quienes en lugar de pareadas como en la anterior
agruparon de manera triple las columnas de fustes helicoidales. (Taranilla, 2018, p.119)

Desde un punto de vista objetivo, recordemos que en esta época había una enorme crisis
económica y social: epidemias y hambrunas se sucedían las guerras. La nefasta administración de
los gobiernos acabó por rematar una situación terrible que desembocó en la pérdida de población;
sin embargo, en lugar de rebelarse con esta situación, los intelectuales y artistas de la época se
acomodaron a la situación.

1.2 Movimiento realista y naturalista

Recordemos que en la historia del arte -y en muchos otros contextos sociales- han habido
diversos estilos y movimientos artísticos que pretendían desestimar los conceptos formales del
otro. Generalmente, esto ocurre cuando un movimiento o tendencia -que surge posteriormente-
propone ideas que desafían a su antecesor.

Valdivieso asegura lo siguiente:

Desde los inicios del Barroco se constata en Italia la existencia de dos tendencias, la naturalista que trata de
inspirarse fielmente en la naturaleza apartándose del idealismo, y la clasicista que procuró la perfección de
las formas y de los sentimientos, rechazando lo vulgar en beneficio de lo trascendente, buscando la belleza
ideal. Este ideal se intenta plasmar tal y como se había expresado en la época clásica grecorromana y después
en el Renacimiento (1996, p. 216).

Hay un enorme impacto del contexto social en el estilo realista y naturalista que caracteriza
a las obras artísticas del Barroco. En este período de crisis económica, la gente tiene que
enfrentarse radicalmente a la realidad, donde todo se distorsiona y se vuelve violento. Se enfatiza
el contraste entre dos o más elementos -tenebrismo-, en el que cunda el desequilibrio.

Respecto a ello, De la Revilla y Moreno indica lo siguiente:

La pintura idealista va desapareciendo, y el pintor se complace principalmente en el paisaje, en el retrato, en

la marina, en el bodegón, en el frutero, en la pintura de animales, en el cuadro de costumbres (mal llamado de
género), en los estudios del natural, en suma, en la reproducción de la realidad que le rodea [...]. Carácter
distintivo de la pintura moderna es también la importancia dada al desempeño, el cuidado que se otorga al
claro-oscuro, la perspectiva, y sobre todo al color; el afán constante por conseguir el efecto pictórico, y la
plasticidad y relieve que se da al cuadro, mediante la franqueza y bizarría de la ejecución (2003, p.4).

No podemos confundir los conceptos de realismo y naturalismo. En el campo artístico,

cuando tocamos el tema del realismo, nos referimos a la representación de la realidad social que
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rodea al individuo como tema principal. Sin embargo, tampoco podemos dejar de vincular el
realismo con el naturalismo.

Al respecto, Taranilla sostiene lo siguiente:

En términos generales, las coordenadas estilísticas y formales del movimiento en todos los países son
similares: el Barroco se basa en la imitación y búsqueda al máximo de lo real, profundizando en el
sentimiento del individuo (el pathos) para llegar a la plasmación de las pasiones internas. Será, pues, el
realismo su primera categoría estética (2018, pp. 20-21).

Existen dos estados expresivos que forman parte del arte clásico griego. Por pathos, se
hace referencia al dinamismo emocional, mientras que su opuesto, el ethos, indica la quietud o
estatismo emocional. El realismo puede ser de carácter naturalista, pues éste consiste en la
fidedigna representación y minuciosidad de todos los detalles del objeto en cuestión, haciéndolo lo
más parecido posible a la realidad.

El arte de Caravaggio se inspira directamente en la vida real, lo que le lleva a pintar personajes sencillos y
populares que muestran humildes presencias físicas y primarias reacciones psicológicas. Sus gestos son
espontáneos y naturales, resaltando especialmente las expresiones de las caras y de las manos. Desde muy
pronto Caravaggio empleó en sus pinturas recursos lumínicos revolucionarios, contrastes de luz y sombra
que han dado en llamarse tenebristas o claroscuristas. En estos efectos la luz cae directamente sobre los
personajes resaltando sus gestos y dejando en penumbra el fondo de las escenas (Valdivieso, 1996, pp.
216-217).

El uso de un marcado naturalismo dio a las obras de Caravaggio la cualidad de transmitir

la complejidad de las emociones humanas al espectador. Sus personajes muestran expresiones
severas que pueden ir desde la tristeza, angustia, desagrado, hasta la incertidumbre o el enojo,
causando un impacto psicológico en cualquier persona que se detenga a observar sus cuadros. No
obstante, el naturalismo tampoco implica que se trate solo temas asociados al contexto social del
individuo. Caravaggio ha realizado numerosas obras que incluyen temas religiosos y mitológicos,
y el impacto emocional de sus expresiones exageradas sigue siendo impresionante. La
particularidad de este artista es que, se cree, muchos de sus personajes están inspirados en rostros
reales de personas con las que se cruzó alguna vez. Caravaggio tomó rasgos de personas de su
entorno para añadir mayor realismo a sus personajes.

Gombrich expresa lo siguiente:

Asustarse de la fealdad le parecía a Caravaggio una flaqueza despreciable. Lo que él deseaba era la verdad.
La verdad tal como él la veía. No sentía preferencia por los modelos clásicos ni ningún respeto por la belleza
ideal. Quería romper con los convencionalismos y pensar por sí mismo respecto al arte (1950, p. 392).
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Tales convicciones lo llevaron a ser acusado, en numerosas ocasiones, de naturalista
-teniendo en cuenta que, para la época, estaba mal visto- y de querer horrorizar al público. Se le
criticó, alegando que Caravaggio no tenía respeto por ninguna tradición o ideal de belleza. Su
naturalismo estaba basado en copiar fielmente la naturaleza, independientemente de lo bella o fea
que nos parezca.

Ya desde el inicio, el autor incluye las características que marcarían para siempre su estilo y que dividirían -y
siguen dividiendo– al público: frente al idealismo de los personajes bíblicos de otros artistas, Caravaggio los
representa sirviéndose de modelos de la calle, sin idealizarlos, con sus deformaciones físicas. Los
representará tal cual, ancianos, mugrientos, feos, sucios... El Merisi se centrará en la fuerza psicológica de
esos personajes, resaltando sus rostros con luces a veces imposibles, y envolviendo en las tinieblas los
decorados del fondo. Estas luces y sombras contribuían a resaltar el dramatismo de las composiciones
(Narbona, 2010, p. 46).

Podemos deducir que sea este el motivo de su gran seguimiento. Caravaggio destaca y se
diferencia de sus contemporáneos por su revolucionaria concepción respecto al arte que, por
aquellos tiempos, se admiraba. Casi, nos atreveríamos a afirmar que Caravaggio es un artista
adelantado a su época.

Para complementar la idea anterior, Narbona agrega lo siguiente:

Este acercamiento de lo sagrado a la realidad es quizá uno de los motivos de la actual popularidad del pintor,
quien no se libró de la polémica por usar a mendigos o prostitutas para representar a figuras santas, sin
ocultar sus pies sucios, sus arrugas, sus piernas hinchadas o sus ropas hechas andrajos ( 2010, p. 46).

Caravaggio hizo lo posible para que los personajes sagrados de la Biblia se vieran reales y
tangibles, llegando a modificar su forma de manejar la luz y la sombra, para crear un contraste
rígido sobre los elementos del cuadro.

Con el término realismo se designa un arte inspirado en la realidad que captamos con los sentidos en
contraposición con lo ideal, que sólo existe en nuestra imaginación. La búsqueda consciente de lo real
comienza en la pintura ya en el siglo XV, cuando los pintores italianos y flamencos hacen del cuadro un
espejo del mundo visible, aunque con procedimientos diferentes. [...] A partir de estos referentes, el realismo
de Caravaggio consiste en ser sincero, lo que implica rechazar las convenciones y fijarse en el
acontecimiento inmediato, lo que ocurre aquí y ahora, acercando los hechos directamente al espectador. No le
interesa el pasado clásico, que para otros fue mejor, sino el presente, ni le preocupa la belleza que se extrae
de lo ideal, pues sólo se fija en lo terrenal, con todas sus imperfecciones. Esto explica que dé la misma
importancia al objeto que a la figura humana, como demuestra al desarrollar la pintura religiosa y la
naturaleza muerta (De la Peña Gómez, 2010, pp. 103-104).
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Haciendo énfasis en lo expuesto por la autora, De la Peña Gómez, queda claro que las
intenciones del Barroco se oponen -casi- en su totalidad a la propuesta del Renacimiento e,
incluso, podríamos decir, que del Manierismo.

Luego, la belleza es algo que se reconoce de inmediato, se percibe directamente, se comprende

intuitivamente y reacciona ante ella de forma instantánea. Sin embargo, su contrario, la fealdad aunque
captable de igual forma, por los sentidos, produce en el espectador una sensación de rechazo (Petrou,
Arbeláez, 2018, p. 12).

No es el Barroco una etapa que, simplemente, continúa con el curso de la historia del arte,
sino que propone una visión nueva de concebir el arte que, para aquel entonces, se consideraba,
era de una única forma.

1.3 Técnica del claroscuro.

Proviene de las penumbras y se convirtió en una técnica mundialmente famosa siendo manejada y
perfeccionada por Rembrandt y Caravaggio. En la era Barroca, muchos divulgaban que
Caravaggio inventó “una nueva luz” al sustituir la iluminación homogénea renacentista por una
luz cotidiana, teatral, intensa y con una marcada direccionalidad. Realmente, esta “nueva luz”
anteriormente ya había sido manejada por un grupo de artistas renacentistas, pero no con el mismo
ímpetu de Caravaggio, esta técnica lleva el nombre del claroscuro.

Al respecto, Gonzales, M. explica:

Esta técnica plástica utiliza la luz y la sombra para definir volúmenes y formas, creando una visión
tridimensional. Manejada a partir del Cinquecento (s.XVI) por pintores flamencos e italianos hasta la actualidad
en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. En el
Barroco (s.XVI y XVII) esta técnica llegó a su
apogeo con la corriente artística tenebrista.
Caravaggio, el maestro del claroscuro, un artista
representante inicial de este estilo la usó con
énfasis, viéndose reflejado en sus creaciones,
iluminando el escenario con un único foco de luz
diagonal y dejando el fondo mayormente oscuro;
logrando mostrar en sus cuadros un dinamismo en
la escena. (2015, p.2)

Dibujo con grafito, formas geométricas en tres

dimensiones.

La técnica requiere tanto destrezas manuales como intelectuales, y su elección guarda estrecha
correspondencia con el objetivo que el pintor pretende conseguir. Es una constante en los grandes
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maestros, la interrelación entre nivel artístico y calidad técnica; por lo cual, es normal sentirse
intimidado por la técnica del claroscuro. Sin embargo, todo lo que necesitas son las herramientas
adecuadas, buena iluminación y mucha práctica.

1.4 Definición de tenebrismo

Etimológicamente, el término tenebrismo proviene de la palabra latina tenebrae, que

significa oscuridad o tinieblas. Tal es así que el sólo efecto convierte a la obra en inquietante, la
recarga de tensión dramática -por lo que no nos equivocamos al pensar que es un recurso
decididamente barroco-.
Comencemos con una comprensión más simple del claroscuro: es el fuerte contraste entre
la luz y la sombra, que permite que las figuras creen volumen y atraigan la atención del espectador
hacia los elementos esenciales de la obra. El tenebrismo va al límite y a veces sólo hace foco,
destaca, el punto crucial de la obra, el de mayor tensión, y puede dejar el resto de la obra en la
oscuridad cercana.

Evidentemente, el claroscuro y, posteriormente, el tenebrismo, están reservados para aquellas escenas que
por cruentas o violentas exigen de gran dramatismo, tales como, el martirio de los santos, la crucifixión, los
rasgos propios de la vejez y la miseria, el sufrimiento de los pobres, la deformación, los seres viles como lo
sayones o verdugos, el diablo, los demonios, los bestiarios, todos estos, estarán encerrados en una atmósfera
en donde el violento contraste de luces y sombras se conjugan para dejar entrever a medias, o en su totalidad,
la fisiognomía tosca, cruel y barbada de un verdugo, la deformidad de un monstruo, e incluso, el cuerpo
débil, flagelado y sangrante del Cristo o de sus santos mártires (2018, p. 29).

Respecto a lo recientemente citado, Petrou y Arbeláez sugieren que el uso del tenebrismo
como recurso estilístico no es algo aleatorio, sino que se hace con la intención de transmitir un
cierto impacto emocional, por lo que, los temas a representar también son seleccionados de
manera premeditada. Se trata de temas que, de alguna manera, justifican la presencia del violento
contraste de luces y sombras. La, también denominada, luz de bodega o luz de sótano ha sido
utilizada con gran frecuencia en España, generando un importante impacto en los artistas de dicho
país. Artistas españoles que, más adelante, gozarían de enorme popularidad y serían figuras
trascendentales para el estudio del arte.

[...] el elemento más característico de la pintura barroca es su utilización de la luz. Ésta se convierte en un
elemento fundamental a la hora de difuminar los contornos, definir el ambiente y/o atmósfera del cuadro, y
matizar los colores que rodean a la temática en toda su generalidad. En muchos casos, aunque no
necesariamente en todos, la iluminación procede de un único e intenso punto de luz. Su origen puede estar en
el cuadro o fuera de él. En cualquier caso, se establece una marcada direccionalidad de la luz. También, la
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tercera dimensión, -que es la profundidad (ilusión óptica)-, tan aplicada en la pintura barroca, requiere poner
en juego técnicas específicas que combinan el uso de la luz (Pretou, Arbeláez, 2018, pp. 27-28).

El primer gran maestro del tenebrismo fue Caravaggio, por ello, todos aquellos que
siguieron sus pasos aprovechando este recurso, suelen ser llamados caravaggistas. En el
tenebrismo caravaggista, el foco de donde proviene la luz es indeterminado, es aleatorio, no se
sabe de dónde empieza la luz. Por otro lado, en la pintura holandesa de la Escuela de Utrecht -y de
los importantes artistas que tuvieron gran influencia en ella, como Georges de la Tour- se aclaraba
el origen de la luz y toda la tensión que creaba la imagen, por ejemplo, de la luz de una simple
vela.

El tenebrismo, así como es un estilo pictórico, es también una corriente interesada en ciertos temas y con una
forma particular de trabajarlos. Caravaggio no sólo influenció a gran cantidad de pintores con su
aproximación a la representación pictórica en términos estilísticos. En sus manos, el gran realismo y la alta
figuración conseguida por los pintores renacentistas, así como el uso del claroscuro, se convertiría en una
herramienta mordaz y subversiva que seguiría y seguirá influyendo a artistas por mucho tiempo (González,
2017).

Cuando entramos a reflexionar sobre el tenebrismo, es inevitable traer a la mente la figura

de Caravaggio; sin embargo, no se trata solo de un recurso estilístico aplicable en las artes
plásticas, sino que también podemos referirnos a ella como una influyente corriente intelectual.

Ahora bien, tampoco debemos confundir el tenebrismo con el claroscuro, ya que, aunque
parten de un concepto similar, no podemos asegurar que sean sinónimos. En ambos se pretende
jugar con las luces y sombras como foco principal en las obras; pero, el tenebrismo es, más bien,
una aplicación mucho más radical del claroscuro. Es posible encontrar artistas que hayan utilizado
el claroscurismo en sus obras -incluso, antes que Caravaggio-, como es el caso de los pintores
flamencos durante el Cinquecento, pero el punto más significativo para este estilo sería con el
desarrollo del Barroco y la técnica difundida por el artista. Más adelante, profundizaremos en el
tema con más detalle.

Con Caravaggio se abren las puertas a una nueva forma de ver y representar la imagen, importa ahora mirar
la realidad concreta e inmediata, buscando la inspiración entre los restos de la sociedad, en lo imperfecto de
las cosas, o en la violencia del mundo. Lo cierto es que Caravaggio iba a romper con toda la pintura que se
había realizado durante el siglo XVI mediante el rechazo sistemático de las bellezas ideales, la incorporación
de un realismo dramático único, y el tratamiento novedoso de la luz, y acusados contrastes de luz y sombra
(Petrou, Arbeláez, 2018, p. 30).
 18
Es muy importante reconocer el impacto que tuvo este pintor durante largo tiempo, no solo
en Europa, sino también, en el continente americano. Caravaggio realza las escenas de acción
dramática con la ayuda de una iluminación direccional que resalta los elementos sobre los que
quiere llamar nuestra atención o los deja en la sombra, como hizo él, presentando una imagen
tosca y cercana.

Al respecto, Petrou y Arbeláez aseguran lo siguiente:

“Esta dualidad también se presenta en el hombre, dotándole de una doble condición almática: una radiante y
otra oscura. La vida ascética impuesta a los elegidos, busca precisamente liberar a la primera de la segunda”
(2018, p. 14).

Muchas ideologías de, por aquel entonces, concebían el mundo como la combinación de
dos principios: asumimos que el bien representa la luz y el mal como personificación de las
tinieblas. Se trata de un pensamiento que se seguía desde la Edad Media, pero que se vería
acentuado también en el Barroco europeo.
Los pintores barrocos incorporan y perfeccionan las técnicas aportadas por el Renacimiento, aunque su
especificidad es otra, “crear la ilusión de la profundidad a partir de la luz”. Para ser más precisos, el Barroco
se sirve de la luz, de una luz intensa y con una marcada direccionalidad, para generar volumen a través del
contraste (Petrou, Arbeláez, 2018, p. 28).

Con lo citado en líneas arriba, entendemos que la técnica del claroscuro no era algo
completamente nuevo en el Barroco, pero sí que otorgaba un mayor impacto en los elementos de
la composición.
A diferencia de los pintores renacentistas, que gustaban de espacios amplios para así poder recrear la
profundidad, a los barrocos les basta con pequeñas salas o habitaciones. La luz hace el resto. Durante el
Barroco, se pretende transmitir la sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan
perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica
del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante
diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde
contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena (Petrou, Arbeláez, 2018,
p. 28).
Hasta este punto, nos damos cuenta de que la luz juega un papel sumamente importante en la
realización de la composición barroca. Este nuevo recurso era más que solo un claroscuro. ¿Qué
había más allá de todos esos espacios oscuros que la obra nos presentaba? La brevedad de la vida,
el sentido de infinitud, el triunfo de la muerte sobre las banalidades de la vida se convertían en las
principales cuestiones que azotaban las mentes de aquellos tiempos.
 19

CAPÍTULO 2
CONTEXTO
 20

2.1 El renacimiento italiano

El renacimiento es un movimiento cultural que surgió en Italia durante el siglo XV el cual trajo
consigo un cambio no solo en lo artístico, sino también en lo científico y en la forma de pensar. En
el renacimiento se rechazó lo medieval por lo grecorromano ya que “pretende recuperar el saber
clásico, en el que busca una nueva escala de valores para el individuo” (Renacimiento en Europa,
2022).
En lo religioso, el hombre pasa a ser el centro del mundo y se deja de lado la idea de que Dios lo es, la razón pasa a
ser la fuente del conocimiento y se busca la verdad a través de la investigación. El renacimiento italiano inició en una
época de cambios culturales, dado que se produjeron, en Italia, diversos movimientos artísticos y de grandes logros;
logrando superar a otros países. Por las siguientes razones es que el renacimiento italiano obtuvo buenos resultados:
Relación estrecha de Italia con las culturas antiguas, aparición de mecenas, entusiasmo despertado por el hallazgo de
esculturas y obras célebres. ¿Quiénes fueron los mecenas? Se denominó “mecenas” a los señores que apoyaron
económicamente al desarrollo del arte en diversos países europeos, imitando a Mecenas (amigo del emperador
Augusto). Los principales mecenas italianos fueron los Médicis de Florencia. Las características más importantes del
renacimiento son el humanismo, antropocentrismo y revaloración de la cultura clásica. Que el arte renacentista sea
humanista no significa que haya dejado de lado por completo a la religión, sino que deja de desempeñar funciones
exclusivas para la iglesia y gracias al mecenazgo aparecen nuevos géneros como retratos, desnudos, paisajes, cuadros
mitológicos. Hay dos etapas dentro del renacimiento: Quattrocento (siglo XV) y el Cinquecento (s. XVI). Por Europa
se difunde a partir del siglo XVI aunque ya se seguía los modelos del renacimiento italiano, pero al salir de Italia el
renacimiento se modifica por tener influencias de distintas regiones, por lo que en cada país el renacimiento será
variado, pero con las características principales mantenidas. Hubo cuatro escuelas distinguidas para la pintura y la
escultura del renacimiento italiano: Fiorentina (mayor representante: Miguel Ángel, se caracteriza por hacer obras de
la concepción), Romana (mayor representante: Rafael Sanzio, lo que lo caracterizó fue su técnica en el dibujo y
modelado), Lombarda (mayor representante: Da Vinci, lo caracterizó lo colorido) y la Veneciana (mayor
representante: P. Veronés, Tiziano y Tintoretto).

Como podemos leer, el renacimiento fue una época en la que el arte fue muy bien apoyado debido
a la existencia de mecenas. Además de haber sido bien apoyado, también se pudo desarrollar y eso
se evidencia en la existencia de diversas escuelas artísticas. Es sabido que el renacimiento inició
mientras hubo cambios desde lo cultural hasta lo científico, también es sabido que hubo grandes
logros, sobre todo en lo artístico. Por eso hay tantas grandes pinturas y obras de arte. A pesar de
haber sido un cambio científico, también fue un cambio en la manera en la que se pensaba, ya que
rechazó lo medieval por lo clásico y también es un cambio en cuanto los valores. Respecto a la
religión, la visión renacentista es antropocentrista, no obstante, no dejan del todo de lado a la
religión ya que aún se toma en cuenta, pero su participación es mínima. Como bien sabemos, las
características más relevantes del renacimiento son el humanismo, el renacimiento, el
 21
antropocentrismo y la revaloración de lo clásico. Gracias a la función mecénica la religión deja de
jugar un papel fundamental en el arte y este rol lo comparte con los mecenas

2.2 El manierismo italiano en el siglo XVI

El Renacimiento comenzó a perder su inspiración a partir de 1550. Es en ese momento en
que surgen los manieristas (a fines del s. XVI) y se nota un cambio a todos los niveles artísticos.
Todas las artes plásticas se sentirán alteradas por igual.
Se reconoce que Luigi Lanzi, en su Storia Pittorica de la Italia, fue quien utilizó por
primera vez el vocablo "manierismo" para designar al estilo dominante en la pintura italiana entre
el saqueo de Roma por las tropas imperiales alemanas en 1527 y el éxito del clasicista, y por esto,
rival de Caravaggio, Annibale Carracci hacia 1600.
Cuando hablamos de Manierismo, debemos entender que fue un estilo esencialmente
italiano y si lo encontráramos fuera de Italia, sería solamente la adopción de este modelo. Fue una
parte del Renacimiento mas no un movimiento por sí mismo, sin Renacimiento no existiría el
Manierismo.
El manierismo dejó a un lado la
proporción de las figuras, de la perspectiva,
del uso de líneas claras y definidas y de las
expresiones dulces de los personajes
renacentistas, alejándose cada vez más de la
belleza clasicista. Es por esto que el
manierismo significa un período de transición
entre el arte renacentista y el arte barroco.
El arte manierista se caracterizó en
general por su virtuosismo, su artificiosidad y
por comenzar un libre diálogo entre el estilo y
el tema. No le dio importancia solo a la forma
sino al fondo, creando debate en su audiencia.

Específicamente en la pintura y
escultura, existen varias características que
posteriormente darán paso al Barroco y con
 22
ello al tenebrismo. Entre ellas se mencionan: La elongación de los cuerpos y distorsión de sus
proporciones, que veremos ejemplificadas en la célebre Virgen del cuello largo de Parmigianino.
Con su ritmo fluido y ondulante, con el alargamiento inhumano de su figura mostrando
rodillas muy abajo de lo estéticamente correcto y sosteniendo a un bebé enorme, se manifiesta
como una obra llena de elegancia y gracia, tanto fantástica como abstracta en sus proporciones,
casi caricaturesca.
El manierismo italiano al ser la corriente entre el Renacimiento y el Barroco, es el
momento en que se deja a un lado lo más característico del Clasicismo (que se acababa de
recuperar en el Renacimiento): proporción, armonía, serenidad, equilibrio. Dando paso a las
características que se verán posteriormente en el Barroco italiano. Cuando entendemos el contexto
del manierismo nos damos cuenta una vez más de que el arte siempre es un reflejo del sentimiento
popular y así vemos cómo el arte había entrado en crisis al igual que la población italiana en ese
entonces.

2.3 El barroco italiano en el siglo XVI y XVII

A propósito de comprender el contexto en el que se encontraba la obra de Caravaggio a
finales del siglo XVI e inicios del siglo XVII, se expondrán las principales características del
barroco en Italia haciendo hincapié en la pintura. Italia a finales del siglo XVI se convirtió
nuevamente en la cuna de nuevos artistas abriéndole paso a la expresión sensible del Barroco,
mientras que el clasicismo y el equilibrio quedan atrás con artistas renacentistas como Tiziano,
Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y los más grandes Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel.
La expresión barroca en este periodo es profundamente naturalista tanto en la pintura como
en la escultura. En el campo de la pintura se da el auge
de las representaciones de la realidad en todas sus
facetas. Toda la gama de fenotipos humanos hasta llegar
a los más vulgares, atraen la atención de los pintores.
Representan a personajes del común que incluso esas
imágenes pueden llegar a ser muy crudas para ese
tiempo.
La pintura barroca y sus pintores italianos en el
afán de alcanzar un espíritu innovador de la época,
encuentran su mejor expresión en el campo de la luz y
del color. La pintura barroca elabora un nuevo concepto
 23
de perspectiva, diferente de la lineal del Renacimiento. Culmina ahora la llamada perspectiva
aérea, que intenta representar la atmósfera y la luz ambiental, difusa, que envuelve a los objetos,
para así producir una impresión muy real de la distancia.

2.4 Expresiones artísticas del barroco a comienzos del siglo XVII

2.4.1 Artes plásticas en el barroco
Las artes plásticas son las técnicas de elaboración de obras de artes en la que se utilizan
materiales que pueden ser transformados por el artista. Esos elementos son considerados recursos
plásticos debido a que sirven de materia prima para expresar la perspectiva del artista.
Las artes plásticas deben ser diferenciadas de las artes visuales en cuanto estas deben ser
percibidas por la vista y el oído, mientras que las artes plásticas no necesitan de la audición. Así,
la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, etc. son consideradas artes plásticas.
Al respecto, Sgarbi menciona: “La proeza ilusoria de Caravaggio y su atrevimiento intelectual
conducen a la pintura a una nueva era de la representación”.
El bodegón es una obra maestra entre el renacimiento y el barroco. La tradición de pintura de Caravaggio se
mezcla con el detallismo de los flamencos, de tal manera que el cuadro es una desembocadura del río
manierista. Por otro lado, fue innovador lo que hizo con la luz que se mezcla con el retrato, haciendo que los
objetos cobren vida propia. Su realismo fue tal, que las frutas parecen realidad. Durante el barroco, la pintura
tuvo un valor didáctico que sirvió para, entre muchas cosas, seguir los ejemplos de la virtud y santidad,
también para resaltar a los gobernantes de la época y a los ricos a través del retrato. Como el cuadro Las
Meninas, pintado por Velázquez. La pintura barroca se caracteriza por lo colorido y vivo que es, también son
características los efectos luminosos. La pintura fue instrumento de lucha de la Iglesia romana contra la
reforma protestante. Durante el barroco la pintura tuvo valor didáctico que sirvió para, entre muchas cosas,
seguir los ejemplos de virtud y santidad, también para resaltar a los gobernantes y ricos de la época a través
del retrato, como en el cuadro Las Meninas, pintado por Velázquez. La pintura barroca se caracteriza por lo
colorido y vivo que es, también son características los efectos luminosos. La pintura fue instrumento de lucha
de la Iglesia romana contra la reforma protestante.

Se sabe que la diferencia entre las artes plásticas y las visuales está en que en las artes visuales se
necesita de la audición para poder percibir, mientras que en las visuales solo la vista y a veces el
tacto. La pintura ilusoria de Caravaggio hace que esta tenga una nueva representación. No solo
fue innovador el uso del realismo tenebroso, en El Bodegón, sino que deja impactado a quien lo
observa porque la fruta parece salirse del cesto y hace un muy buen uso de la luz.
Además de servir como ejemplo de virtud, la pintura barroca también fue ejemplo de santidad. En
el grandioso cuadro Las Meninas se resalta la divinidad de los gobernantes y de la alcurnia que los
rodea.
 24

2.4.2 Arquitectura barroca

El Barroco heredó las formas y elementos constructivos del periodo renacentista, pero
modificó profundamente sus proporciones y las integró en conjuntos arquitectónicos dotados de
una personalidad totalmente diferente y original. En ese sentido la arquitectura se convirtió en un
marco idóneo que acogió la plástica pictórica y escultórica, y la integró en un todo unitario, el
espacio arquitectónico se convirtió en theatrum sacrum en el que junto a la pintura y escultura se
integraron gloriosamente.

Báez, H., precisa las principales características de la arquitectura barroca:

Uno de los rasgos más característicos de la arquitectura barroca es el gusto por lo curvilíneo; las
formas se hacen onduladas, los muros y los entablamentos se alabean y dinamizan, los frontones se parten y
resuelven en curvas y contracurvas hasta la completa desaparición de las normas y proporciones clásicas.
Dinamismo que contribuye a la configuración de un nuevo concepto del espacio, que es otro de los rasgos
característicos del Barroco: la interdependencia
de las unidades del edificio en un todo
coherente, dotado de unidad interior y exterior.
La luz es un elemento importantísimo
en la arquitectura barroca, al realzar la movilidad
de los edificios y multiplicar los ángulos de
perspectiva y el dinamismo de las formas; La
decoración se multiplica y se complica, los más
utilizados son aquellos que reproducen
elementos de la naturaleza. Asimismo, se
caracteriza por el empleo de grandes columnas y
pilastras que encuadran los elementos
arquitectónicos de las fachadas. Se tiende a
hacer desaparecer las superficies lisas, que se
enmascaran con nichos o elementos decorativos
profusos, como las columnas en espiral o
salomónicas y el estípite o soporte integrado por
la superposición de elementos cúbicos y
troncopiramidales. (2011, p.37).

Borromini (1ra. mitad del S. XVII). Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane de Roma

En ese sentido, es preciso comentar que el estilo barroco y en especial su arquitectura tiene
una especial muestra de expresividad artística y arquitectónica, la cual, incluso a nivel conceptual
se aplica a diferentes aspectos del quehacer o actividades humanas, describiendo hechos o
 25
situaciones como la sobre posición o aglomeramiento de elementos, aspectos o detalles, que
superpone algún otro elemento del cual se está hablando o escribiendo.

2.4.3 Lingüística barroca

Además de describir lenguas, los gramáticos de este período también construyeron teorías
acerca del lenguaje y de su funcionamiento. Empieza a desarrollarse así una corriente, conocida en
la bibliografía como gramática especulativa, que con el tiempo cobraría notable trascendencia
historiográfica. No en vano, Chomsky encontró en ella parte de sus ancestros históricos, tal y
como trata de exponer en su célebre Lingüística cartesiana.
Esa línea probablemente arranque de España, y más en concreto de una figura tan
emblemática como El Brocense.

Arnauld y Lancelot, los editores de la gramática, fueron filósofos interesados precisamente en ese campo. Por
lo demás, buscando hacerla lo más universal posible, manejaron un número ciertamente notable de lenguas,
lo que los aproxima de nuevo a procedimientos empleados siglos después por la lingüística general (García,
2017).

Al respecto, Robins expresa lo siguiente:

Las primeras gramáticas nativas del español y el italiano que se conocen aparecieron en el siglo XV; las
primeras gramáticas nativas del francés, a principios del XVI. En el mismo período se publicaron gramáticas
del polaco y del eslavo antiguo eclesiástico. La primera gramática impresa del inglés apareció en 1586. Las
condiciones en las que se redactaron y estudiaron estas gramáticas fueron muy diferentes de las que
prevalecieron en épocas anteriores. El surgimiento de los estados nacionales y de la clase media comerciante
dentro de ellos, el sentimiento patriótico y el fortalecimiento de los gobiernos centrales contribuyeron al
reconocimiento de una única variante de una lengua territorial como oficial (2000, p. 149).

Se discutieron las causas del cambio lingüístico y los autores hicieron referencia a los
factores de las mezclas y los contactos lingüísticos y de los cambios graduales independientes que
tienen lugar en la transmisión de una lengua hablada de una generación a otra.
 26

CAPÍTULO 3
CARAVAGGIO
 27
3..1 Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació en 1571 en Italia. Su padre trabajaba con el

marqués de Caravaggio. Cuando tenía 6 años, su familia murió a causa de la peste. A los 11 años
entró como aprendiz con el pintor Simone Peterzano en Milán, y años después fue a Roma. Se
mantuvo económicamente trabajando como asistente de otros pintores, su carácter voluble le
impedía mantener un trabajo estable. En 1595 empezó a vender sus obras a través de un
intermediario. El cardenal Francesco del Monte
acogió al artista en su casa, donde le dio un techo,
comida y una pensión. Se le conocía como un artista
que terminaba sus trabajos rápidamente. En 1597
ganó la comisión para decorar los retablos de la
Capilla de San Luigi dei Francesi, en Roma, El
primero de estos cuadros causó enojo entre los
sacerdotes que tuvieron que modificarlo. Su éxito
creció, así como su alocada vida. Era un hombre
violento, con cambios bruscos de humor, alcohólico y
aficionado al juego. Esta forma de vida lo llevó a
matar a Ranunccio Romo y para evitar la cárcel se
dio a la fuga. Pese a estos acontecimientos siguió
trabajando. En su huida, la falta de sueño le causó un
colapso atacando a un caballero de la Orden de
Malta, fue encarcelado pero escapó nuevamente. Regresó a Roma, lo apresaron y luego de su
liberación fue a Porto Ercole, en la Toscana, muriendo días después en el año 1610.

3.2 Obras de Caravaggio

Alrededor de 1600, Caravaggio sufre un profundo cambio en la forma de componer sus
cuadros religiosos, llevándolos al ambiente más natural posible y expresando así intersecciones
poco comunes para aquella época: entre espíritus o dioses y humanos.
Después de haber tenido como maestro a Peterzano, se pensaba que iba a pintar cuadros
renacentistas y que iba a predominar la belleza, pero actualmente se sabe que, si bien en sus
inicios comenzó pintando de esta manera, luego hubo indicios de que no siguió los pasos de su
mentor. Por ejemplo, en sus obras más famosas, no hay rastro de un boceto previo o líneas en lápiz
como guía para sus pinturas.
 28
3.2.1 La muerte de la Virgen
En su Muerte de la Virgen, retrató a su amiga embarazada Lena, ahogada en el río Tíber.
La escena pintada fue en contra del decoro de esa
época, pues, contrariamente a lo inculcado, se
muestra que María estaba descalza y con las piernas
parcialmente descubiertas. Surgen problemas de
perspectiva y espaciales, esto da gracias a la luz, un
aspecto escultórico. Una joven del pueblo aparece
en primer plano llorando, con evidentes signos de
tristeza, tapándose el rostro con las manos, creando
empatía con el espectador.

Caravaggio esta vez, en su afán de acercar

las obras con la realidad del pueblo, usa como
modelos gente del pueblo que no tiene ningún cargo
importante ni dinero que ostentar. Esto debe haber
sido impactante para su época e incluso ahora hay
personas religiosas que no ven esto con buenos ojos
ya que la Virgen María representa castidad y
pureza, mientras que el artista retrata su amiga quien era prostituta. (Graham-Dixon, 2010)
Esto es muy bien aclamado por muchos porque así fue como se representó la cumbre del
naturalismo y dio pase a que se desarrollaran otros artistas.

3.2.2 La crucifixión de San Pedro

En el otoño de 1600 Caravaggio había recibido un encargo importante, esta vez sobre los
temas de La conversión de San Pablo y La crucifixión de San Pedro, para una capilla de Tiberio
Cerasi en la Iglesia de Santa María del Popolo. Pero hubo un precedente notable para el acuerdo.
En la década de 1540, en la Capilla Paulina, junto a la Capilla Sixtina, Miguel Ángel había pintado
su último par de frescos monumentales, una conversión de San Pablo y una crucifixión de San
Pedro para el Papa Pablo III. Son imágenes sombrías, parte del largo retiro de Miguel Ángel de la
belleza ideal.
 29
Al encargar a Caravaggio que repitiera la misma posición de temas en su propia capilla,
Cerasi lo estaba poniendo implícitamente en competencia con el artista renacentista más celebrado
de todos. (Graham-Dixon, 2010)
 30

CAPÍTULO 4
INFLUENCIAS POSTERIORES
 31
4.1 Legado de Caravaggio: “Caravaggismo”
Es innegable el gran legado que dejó la técnica pictórica de Caravaggio utilizada en sus
creaciones, ya que posteriormente daría inicio a una corriente pictórica, abarcando más allá del
continente europeo. (González, 2017)
En el siguiente subcapítulo, se hará presencia a algunos de los muchos artistas caravaggistas
Europeos y Americanos.

4.1.1 Caravaggismo en Europa

4.1.1.1 Rembrandt (Países Bajos)
Harmenszoonvan Rjin Rembrandt es un artista holandés barroco más resaltante, pintor,
dibujante y grabador considerado uno de los más grandes pintores de la historia del arte
occidental. Nació el 15 de julio de 1606; hijo de padres de condición humilde. De adolescente
siguió su vocación artística en una academia de
donde vivía, en Leyden, siendo su maestro por
3 años el artista Swanenburgh. Luego fue a
Ámsterdam siendo discípulo de Pieter Lastman
y Jan Pynas. En 1626 volvió a Leyden, hasta
1631. En 1632 se instaló en Ámsterdam y se
casó con Saskya van Uylenburgh, siendo la
época de su mejor producción.En sus últimos
años vivió en la pobreza total perdiendo todas
las obras de arte que tenía para saldar sus
deudas. Murió el 4 de octubre de 1669, a los 63
años, en un pobre barrio de Ámsterdam, y aún
hoy no se han localizado sus restos mortales.
Rembrandt. Autorretrato con los ojos muy abiertos
(1630).

4.1.1.2 Boulogne (Francia)

La primera generación de artistas jóvenes se formaron, bien dentro del naturalismo
caravaggista, o liderados por Annibale Carracci (1550-1609) en una corriente que se conocía
como clasicista, la cual gozaba de mayor categoría académica -según los intelectuales de la época-
que el naturalismo de Caravaggio. Al regresar a su país de origen, algunos jóvenes artistas se
inclinaron, por un lado, hacia el naturalismo -que se desarrolló, mayormente, en las provincias-; y,
por el otro, hacia el clasicismo -típico entre los círculos cortesanos-.
 32
Entre los caravaggistas franceses encontramos figuras destacadas dentro de la historia del
arte, como el pintor francés, Valentin de Boulogne (1591-1632). Fue discípulo de Simón Vouet, y
trabajó en Roma, primero bajo la influencia de Nicolás Poussin, y después, de Caravaggio, con
quien se ha llegado a confundir en la autoría de obras.
Valdivieso expresa lo siguiente:

El más interesante de los caravaggistas franceses fue Valentin de Boulogne (1592-1634), artista de vida corta
y desconocida. Desde 1616, vivió en Roma, donde fue discípulo de Manfredi, al tiempo que fue protegido
por el cardenal Barberini; su desarreglada conducta comprometió su salud y precipitó su fallecimiento en
edad temprana (1996, p.226).

Adoptó la técnica del claroscuro de su maestro, incidiendo más en la geometría, que es

más ordenada, interesándose con precisión por los efectos táctiles e incidiendo en la belleza de sus
modelos. Se convirtió en el más importante de los caravaggistas franceses y, sin duda, en el más
dotado por su calidad y sensibilidad artística. Realizó toda su carrera en Italia, lugar en el que
también murió.
Respecto a los temas que Boulogne solía realizar, Valdivieso indica lo siguiente:

Se especializó este artista en la realización de pinturas de asunto popular como Los jugadores de cartas
(Gemäldegalerie, Dresde) o el Concierto doméstico, en los que capta gestos y actitudes que emanan de la
vida cotidiana. Realizó también pinturas de asunto religioso como El martirio de San Lorenzo (Prado) (1996,
pp. 226-227).

El Barroco francés se aleja deliberadamente del Barroco de otros países, como España o
los Países Bajos. Lo más aproximado es el Barroco italiano en su vertiente clasicista, aquélla
cultivada por los Carracci o Lucas Jordán. Los precedentes más inmediatos del Barroco francés
están en el Manierismo de sus cortes refinadas, especialmente en la que se agrupó alrededor del
palacio de Fontainebleau. Esto determina dos características básicas del estilo: su origen
cortesano, ligado al gusto palaciego, especialmente acentuado durante el reinado del Rey Sol, Luis
XIV; y su raíz clásica, que nunca se abandonó durante el Manierismo y que constantemente remite
a dos modelos italianos: Rafael y Miguel Ángel.
 33
4.1.1.3 Velázquez (España)
Diego Velázquez fue el pintor más importante del barroco español con influencia de
Caravaggio. Logró un estilo que dejó huella en la historia de la pintura.
Diego Velázquez nació en Sevilla en 1599, donde transcurrió su formación artística y allí
recibió clases de importantes maestros. En 1618 se casó con Juana Pacheco, hija de su
maestro, y tuvo dos hijas: Francisca e Ignacia. Durante su etapa sevillana, desarrolló los
bodegones, también escenas de tabernas, cocina y cuadros religiosos. Velázquez hace uso de
un naturalismo tenebrista de gran reconocimiento. “Este naturalismo de Velázquez, dialogaba
con los grandes maestros Caravaggio y Ribera, representantes de esta tendencia de la pintura
que alcanzaban niveles nunca antes explorados” (Imaginario, 2020). Velázquez ganaba en
técnica y ampliaba sus temas y géneros pictóricos los cuales ejecutaba con igual maestría:
bodegones, cuadros de historia, escenas religiosas y escenas mitológicas. Su ascenso era
innegable. En su última etapa, Velázquez obtuvo el nombramiento como caballero de la Orden
de Santiago. En este período pinta su más famosa obra: Las Meninas. Y aquí revela su interés
por dignificar la pintura de las artes liberales. Para hablar del estilo de Velázquez es necesario
tener en cuenta su evolución en el tiempo, sin embargo; como características generales se
pueden mencionar estas tres: profundidad espacial, perspectiva aérea y trabajo directo en el
lienzo (sin bocetos).

Etapas de Velázquez:

a) Primera etapa: Naturalismo tenebrista, iluminación de alto contraste, manipulación de la

luz para crear efectos, realismo en las escenas.

b) Segunda etapa: En esta etapa, Velázquez modificó su paleta de colores y fue separándose
del naturalismo tenebrista, sin embargo; puede apreciarse la influencia del arte italiano
(Caravaggio), “Velázquez dejaba atrás la coloración por capas, como era propio de sus
colegas españoles. Esto le permitió crear un estilo original que sentó un precedente en la
historia de la pintura española” (Imaginario, 2020). Velázquez demostró gran trascendencia
en cada una de sus obras, incluso así, unas sobresalen más que otras, por ejemplo: Las
Meninas, El Aguador de Sevilla, Retrato del Infante don Carlos, Retrato Ecuestre del Rey
Felipe IV y Retrato del Papa Inocencio X. Las Meninas fue pintado en el año 1656, retrata a
Margarita, la hija del rey Felipe IV. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid,
España. Este cuadro forma parte del estilo barroco, en él se contrasta a la familia real con la
vida cotidiana de todos y representa un ambiente familiar de la realeza, cuyo centro es su hija
 34
Margarita, rodeada de la corte. “Las Meninas” significa “la niña” en portugués, mientras que
en España se usaba la palabra para referirse a las cuidadoras de niños de la realeza. El cuadro
se caracteriza por ser
innovador al tener un
peculiar uso de la
perspectiva, la sombra,
distribución de planos,
personas y contraste con la
luz. En él hay 11 personas
contando a aquellas que
están en un retrato y un juego
de luces y sombras “con los
mejores aspectos logrados”
(Imaginario, 2017). Hay
diversas hipótesis que tratan
de explicar el cuadro Las
Meninas, entre ellas resaltan
dos: a) La sucesión del trono
y b) Alegoría del triunfo de
la pintura.

Si queremos entender a Velázquez, debemos tomar en cuenta su evolución por el tiempo, no

obstante, hay tres características que resaltan en todas sus obras: profundidad espacial, perspectiva
aérea y trabajo sin bocetos. Como bien sabemos, en el barroco español hubo muchos pintores que
resaltaron por sus diversas técnicas, pero entre todos ellos, quien realmente resaltó, fue Diego
Velázquez al pintar con las técnicas de Caravaggio. Su pintura dejó gran paso por la historia
artística. Las Meninas es un gran (no solo por su belleza, sino por su tamaño) cuadro pintado por
Velázquez en el cual se retrata a la hija de los reyes junto a su corte. En total hay 11 personas en el
cuadro y Velázquez juega muy bien con la tonalidad de la luz.
 35
4.1.1.4 Roberto Ferri (Italia S. XXI)

Artista y pintor contemporáneo, nacido en Tarento - Italia del 1978, explora con su pincel
una cara oculta de nuestro mundo y sus problemas, de esta manera su pintura tiene una mayor
conexión con la sociedad actual y tiene un mensaje más cercano de cara al espectador.

Según Fages S.:

Roberto Ferri, actualmente conocido como El Caravaggio moderno, por la fuerte influencia
del tenebrismo y claroscuro en sus obras, propone una creaciones con un discurso crudo,
provocador y cargado de un erotismo dramático que atrapa a cualquier espectador. Un
pintor contemporáneo que representa en sus pinturas un contraste entre lo antiguo y lo
moderno, entre el academicismo y lo trasgresor. Utilizando el claroscuro hace que sus
personajes transiten(sic) entre la luz y la sombra logrando retratar la anatomía de los
cuerpos de una manera fenomenal. Ferri explora el desnudo con elementos oníricos que
abordan los sueños, lo profano, la espiritualidad y la mitología. (2016, p.23)

Ferri, 36 años, junto a uno de los retratos del papa Francisco que ha pintado por encargo del Vaticano.
 36

Ferri ,desde el 2010, va realizando trabajos para la

iglesia católica, incluso al retratar a Cristo atlético
y sensual desató varias polémicas en la comunidad
cristiana. Su carrera tomó mayor notoriedad al
haber sido encargado de retratar al Papa
Francisco. Hoy en día las obras de Ferri ocupan
un lugar en el Vaticano. (2016, p.25)
Profundamente inspirado en el estilo de
Caravaggio, logró un perfecto equilibrio entre
luces, colores y sombras que nos muestra cada
detalle del papa Fransisco.
En definitiva, Ferri tiene la osadía de actualizar el
barroco con su herencia en una exposición que
atrapará al espectador con escenas de inquietante
pasión, belleza y sensibilidad.

Papa Fransisco (Óleo sobre tela 200 x 110 cm) – Roberto Ferri

Cabrera, L hace mención sobre la obra de

Ferri:
Uno de los más recientes trabajos de Ferri
homenajea el aniversario de la muerte de Dante,
concretamente 700 años después. Gran erudito y
creador de obras maestras como es la divina
Comedia, Dante Aliguieri tenía una musa
particular: Beatriz Portinari, a las que amaba
profundamente y fue su fuente de inspiración
principal en obras como las Vita Nouva, o
también la guía del poeta en la última parte del
viaje de su Divina Comedia, en el Paraíso, donde
Virgilio ya no podía acompañarle. No sabemos si
fue una mujer real o solo la había visto en un par
 37
de ocasiones. Puede que ni siquiera haya llegado a hablar con ella.
Ferri, influenciado en su técnica pictórica por artistas como Caravaggio o Velazquez, nos muestra una escena cargada
de anhelo y deseo. Ese beso que jamás existió, el amor idealizado. Beatriz, completamente desnuda y apoyada
representa pureza y bondad. Una alegoría del amor puro, la personificación del sentimiento encarnado en su cuerpo.
Dante también aparece desnudo, aunque en la cabeza lleva su icónica caperuza roja y la corona de laurel. Es el
atuendo que asociamos siempre con él, la gran cantidad de representantes de artistas de todas las épocas lo han pintado
o esculpido con ello. (2021, pp. 14, 15)
Resulta que es una escena apasionada que nos hace pensar en la fuerza de un amor tan
fantasioso y conocido en la literatura como es el de Dante y Beatriz. Un amor más fuerte que la
vida y la muerte. Un amor inmortal.

4.1.2 Caravaggismo en América

4.1.2.1 Melchor Pérez de Holguín (Bolivia)

En América Latina. Melchor, pintor

Boliviano cochabambino, activo entre
1685 y 1742, se caracterizó en un primer
momento por el tenebrismo de sus obras,
aclarándose su paleta a posteriori, cuando
produjo lienzos como los destinados a la
iglesia de la Merced de Sucre y la Huída a
Egipto -también conocida como La
Lavandera-, perteneciente al Museo
Nacional de Arte de La Paz. (Viñuales,
R., 2008, p. 4)

Virgen Lavandera - Pérez de Holguín, Melchor

 38

CAPÍTULO 5
RESTAURACIÓN
 39
4.2 Caso de restauración: Santa Catalina de Alejandría (hacia 1598-1599)

La práctica desarrollada para proyectos de restauración del patrimonio cultural mueble se

realiza en laboratorios especializados, en el caso en particular fue en el Laboratorio de
Monumentos del Centro Nacional de Conservación y Restauración. En el cual se pudo estudiar,
diagnosticar e intervenir cuatro obras, entregadas al Laboratorio por Instituciones pertenecientes a
la Dirección de Bibliotecas Archivos y Museos, y por proyecto privado. La primera obra fue un
Niño Dios del siglo XIX, procedente del Museo regional de Rancagua, la segunda y más
destacada fue una Santa Catalina de Alejandría de época medieval, de origen europeo,
perteneciente al Museo de Artes decorativas, la tercera fue una Virgen de la Merced, del final del
siglo XVIII, procedente de una Capilla en El Molle, Parroquia de Algarrobito (IV Región) y la
última fue una parte de una escultura Japonesa del Museo de Artes decorativas, representando a un
Buda, del cual se trató únicamente el halo que presentaba el mayor daño.

Barber, C., comenta el proceso de intervención desarrollado:

La metodología aplicada para el diagnóstico y la intervención de estas obras fue acorde a las
prácticas del Laboratorio de Monumentos, integrando la opinión de todos los profesionales relacionados con
la obra: Conservadoras del laboratorio, Conservador o Director del Museo mandante, fotógrafos, biólogos y
químicos del CNCR, en un proceso transdisciplinario. El punto común de las obras tratadas es su función de
soporte de culto en algún momento de su vida. Hoy en día, el Niño, Santa Catalina y el Buda son objetos de
Museo y ya no cumplen con esta función inicial sino que son testimonio material de ciertas culturas marcadas
en el tiempo y en el espacio. La restauración de Santa Catalina de Alejandría ha estado centrada
fundamentalmente en la compleja eliminación de capas sucesivas de barnices acumuladas con el paso del
tiempo. Su limpieza ha devuelto la unidad estética y la intensidad del claroscuro original. Asimismo, se ha
recuperado el movimiento de los volúmenes, la sutileza de las carnaciones y la delicadeza de las texturas. La
restauración de Santa Catalina de Alejandría ha estado centrada fundamentalmente en la compleja
eliminación de capas sucesivas de barnices acumuladas con el paso del tiempo. Su limpieza ha devuelto la
unidad estética y la intensidad del claroscuro original. Asimismo, se ha recuperado el movimiento de los
volúmenes, la sutileza de las carnaciones y la delicadeza de las texturas.La fotografía obtenida con
iluminación rasante ofrece una imagen de la superficie del lienzo en la que se hacen evidentes los relieves y
diferentes texturas. De esta forma es posible percibir, de una manera más precisa, las incisiones realizadas
sobre la imprimación y que responden a la ubicación de los volúmenes de la composición. Este procedimiento
es característico de la técnica de Caravaggio. En las micromuestras destaca un estrato de color rojo intenso
correspondiente a la primera versión del vestido que el pintor decidió cambiar por un color pardo más
apagado. (2012, p.31).
 40

Análisis organoléptico del lienzo “Santa Catalina de Alejandría” (hacia 1598-1599)

La metodología aplicada a la intervención de bienes del patrimonio cultural necesita y debe

ser enfocada desde una óptica multi y transdisciplinaria, por cuanto esta visión holísticas respecto
a las intervenciones, sean de restauración o conservación, ayudará a proponer una propuesta de
intervención más adecuada y que no menoscabe la integridad estructural ni formal del bien
mismo. Por ese motivo, si bien el restaurador será llamado a dirigir el proceso de intervención a
ejecutar, serán parte importante del equipo, los demás profesionales complementarios como
biólogos, químicos, arquitectos, artistas, escultores, etc.
 41
CONCLUSIONES

En síntesis, en el presente trabajo de investigación se ha recopilado un conjunto de

información referida al artista Caravaggio, en él se refleja el contexto histórico que dio lugar a su
obra, junto a sus maestros y los artistas anteriores a él. Esto ayudó a reconocer la diferencia que
marcó en su época, el contraste que tuvo con el periodo del Renacimiento y la revolución que
causó en la iglesia en el siglo XVII, se ha hecho un análisis de las obras más figurativas de
Caravaggio en las cuales podemos encontrar diversos recursos del arte, como la técnica del
claroscuro.
Asimismo, es importante destacar que para entender la obra de Caravaggio nos fue
importante también conocer del barroco y todo lo que comprende, en el arte, arquitectura, música,
u otras expresiones, mostrando el dinamismo, expresado por lo curvilíneo en la arquitectura,
dónde las formas se hacen onduladas, los muros y los entablamentos se alabean y dinamizan, los
frontones se parten y resuelven en curvas y contracurvas hasta la completa desaparición de las
normas clásicas.
En esta monografía se ha hecho énfasis en dos pinturas de Caravaggio: La muerte de la
Virgen y La crucifixión de San Pedro, en las que se ha demostrado cómo el artista dejó de lado el
aspecto divino de los personajes bíblicos como se había estado haciendo en los periodos como el
Gótico, el Renacentista e incluso el Manierismo, esto lo hizo con el fin de generar familiaridad y
llamar la atención de la colectividad social, no obstante, no solo nos hemos quedado con la
exquicidad de aquellas obras de arte, ya que también hemos tocado el gran legado que dejó
Caravaggio.
Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un genio, un artista revolucionario; pero,
lamentablemente, también una persona que parecía estar perturbada mentalmente, llevando una
vida atormentada y caótica. Pese a todo lo que tuvo que pasar en su vida, sus aportes a la pintura
se verían influenciados en todo el arte posterior. Sus obras fueron igual de rebeldes que él: mismas
luces y sombras.
 42
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