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Trecento
Influencias formativas artísticas de la pintura italiana del Trecento

Se mezclan distintas influencias artísticas:

● Propias de Italia

- Arte clásico del Imperio Romano.

Tradición pictórica, arquitectónica y
escultórica de la Antigüedad. Arte ante
todo con sentido estético. Elementos de
la pintura romana: representación
dramática, realista, relacion entre los
personajes, sentido del espacio, serie
compleja de episodios interrelacionados
plásticamente, frescos a gran escala,
pintura sobre tabla (temple y encáustica).

- Arte paleocristiano: estilo de arte que se desarrolla desde la aparición

del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de
los pueblos bárbaros→ en Oriente tiene su continuación, tras la
escisión del Imperio, en el arte bizantino. Antes del Edicto de Milán,
promulgado por Constantino en el año 313, era arte clandestino→ El
cristianismo pasa de ser una religión perseguida a la religión del
Imperio→ surgen los templos cristianos (basílica, baptisterio)→ debían
reflejar la grandiosidad de la nueva fe.
Técnica: pintura al fresco y mosaico. Temas:
Antiguo y nuevo testamento. Utiliza elementos
romanos, cristianizando la iconografía pagana.
Procura claridad y sencillez→ interés en el arte
como medio didáctico→ imágenes con carga
simbólica → voluntad artística orientada hacia
lo espiritual no hacia lo sensible. Arte con
sentido extraestético.
La idea se vuelve más importante que la forma.
Predominio de lo lineal sobre lo pictórico.
Formas planas y colores simbólicos. Figuras estereotipadas y esquemáticas→ falta de interés en el
naturalismo. Solemnidad, jerarquía, simetría en la composición, frontalidad.

- Escuela romana: es una de las más

importantes escuelas italianas de pintura, la
que se desarrolló en Roma entre el Duecento y
el Trecento. Fue probablemente la primera
escuela italiana en desarrollar, a partir de la
superación del modelo bizantino, un lenguaje
figurativo más humano y realista, incluso
antes que las escuelas toscanas. Es probable
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que fueran los romanos, al disponer de un mayor número de pinturas y mosaicos tardoantiguos y
de la Alta Edad Media en los que inspirarse, los primeros en estudiar nuevas formas de
representación de la figura humana y del espacio, y que sin dilación lo hicieran también los
toscanos. Entre los maestros de esta escuela están Pietro Cavallini, Jacopo Torriti y Filippo Rusuti.

- Arte popular propio de la Toscana. Mediados siglo XIII. Representantes: Giunta Pisano, Guido da
Siena, maestro de San Francisco. Imágenes dramáticas, con riqueza en el colorido, y trazos
sinuosos en la figura humana. De notable fuerza emocional pero poco realismo en el tratamiento
del espacio y la figura.

● Foráneas:

- Arte bizantino. Continuación del arte paleocristiano oriental

(religión cristiana + influjo oriental).
Es un arte áulico→ de la corte o relacionado. Cristo es representado
como un rey con hábitos reales, inexpresivo, distante, mayestático,
autoritario; apóstoles, angeles, santos ordenados y solemnes.
Características: linealidad, geometrización, frontalidad, hieratismo
(se anula la expresión), fondo dorado, suntuosidad (el valor
material aporta al valor simbólico, debe deslumbrar e imponerse),
carácter aristocrático (sobrecarga de elementos decorativos),
mosaicos (oro, lapislázuli), modelo de círculos concéntricos para las
cabezas (especialmente para el Pantócrator) → se inscriben en tres círculos concéntricos: en el
primero la cara, en el segundo el cabello y la barba, y en el tercero la aureola. Dedos y nariz
alargada, ojos almendrados. Isocefalia (cabezas a la misma altura). Repetición de rostros.

- Gótico. Se trata de un amplio

período artístico, que surge en el
norte de Francia y se expande por
todo Occidente. Manuscritos
iluminados y vidrieras.
Características: volumen de la
escultura, linealidad, sinuosidad,
repetición de personajes.

Otras influencias:

● Órdenes mendicantes: franciscanos y dominicos.

Las órdenes mendicantes surgen en la Edad Media hacia el siglo XIII buscando dar un giro a la vida
religiosa de la Iglesia católica. Sus miembros hacen voto de pobreza por el que renuncian a todo
tipo de propiedades o bienes, ya sean personales o comunes, poniéndolos a disposición de la
comunidad religiosa a la que pertenecen. Así viven en la pobreza, mantenidos sólo por la caridad;
También profesan los votos de castidad y obediencia. Estilo de vida→ vida contemplativa (oración,
estudio) y vida activa (predicación, evangelización, educación).
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Hay una renovación en el ámbito espiritual→ vuelta a la humanización y giro en la concepción de

la naturaleza→ paisaje y desarrollo del espacio.

Pintura religiosa→ busca acercar a Dios al hombre.

Se enriquecen las temáticas→ se aproximan al espectador (emocional e intelectualmente).
→Santos y patronos→ intermediarios del contacto con Dios→ gran importancia en el 300.
→ Escenas de la vida de “simpatía personal”, lo humano→ aumenta el sentimiento y la
inteligibilidad.

Florencia representa el desarrollo del arte naturalista→ Máximo exponente: Giotto: Humaniza la
representación, vidas de Jesús y María, relaciones humanas en un ambiente cotidiano.

● Nueva literatura: Textos apócrifos. Ej.: “La leyenda dorada” de Jacobo de Voragine,
“Meditaciones de la vida de Cristo” de San Buenaventura (franciscano) → aportan al desarrollo de
la narrativa plástica, sensibilidad lírica, nuevos abordajes literarios → composición más animada,
mayor número de personajes en la narrativa (concepto de muchedumbre). Elementos del género y
del paisaje→ mayor riqueza en el detalle.

Los evangelios apócrifos o extracanónicos son los escritos surgidos en los primeros siglos del
cristianismo en torno a la figura de Jesús de Nazaret que no fueron incluidos ni aceptados por
ninguna de las distintas Biblias usadas por distintos grupos de cristianos. Entre las tradiciones
conservadas únicamente en los apócrifos se cuentan: los nombres de los padres de María,
(Joaquín y Ana), la presencia de un asno y un buey en el pesebre donde María dio a luz, el número
y los nombres de los Reyes Magos (Melchor, Gaspar, Baltasar), la historia de Verónica, entre otros.

● Racionalismo:

Ocupa todo en la vida material y espiritual. Es aplicado en la actividad de comercio y en el arte:

proporción, espacio como unidad coherente (≠ compartimentos estancos) → lectura completa de
la obra→ obra unívoca. Se exigía un arte racional, natural. Composición armónica y racionalista.
Educación en los artistas (matemáticas y geometría).

El racionalismo está relacionado también con el desarrollo del sistema capitalista.

● 1er Sisma católico→ La revolución papal que tuvo lugar entre los años 1303 y 1305 dejó a Italia
sin corte pontifical. Se trasladó la corte papal a Avignon en 1309. Las comunas güelfas de la
Toscana (Florencia y Siena) sobrevivieron al caos con sus fortunas intactas y en el plano intelectual
y el artístico, más aisladas e independientes. Los ejes culturales que unían Roma con estas
ciudades habían desaparecido, la actividad artística en Roma decayó inexorablemente.

La nueva situación política modificó radicalmente el panorama del mecenazgo artístico. La pintura
perdió la tutela papal, y el arte pasó a depender casi por entero de mecenas pertenecientes a la
esfera de las altas finanzas y el comercio.

Los encargos eran de familias ricas, burgueses adinerados, cortesanos, ciudades, gremios, órdenes
religiosas: franciscanos (mayor renovación), dominicos (más tradicional, gustos bizantinos).
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Cambia el formato y técnica: Pintura sobre tabla

(pintura al temple) → preferida por la burguesía. En
las iglesias se reemplaza el mosaico por el fresco→
más barato, íntimo → capilla simple: muros
amplios, techos bajos, a diferencia del estilo gótico
(mística de la luz, predominio del vano sobre el
macizo, vidrieras y rosetón).
Catedral gótica y rosetón
Para finales de la primera década del siglo XIV
había nacido un nuevo arte realista que combinaba
la fuerza religiosa con un interés por el realismo físico y dramático.

Región Toscana→ Florencia y Siena, que eran ciudades estado con gran poder económico, se
disputan el desarrollo del 300.

Florencia→ El mecenazgo artístico se hallaba descentralizado, en manos de los gremios, las

familias y las órdenes religiosas.

Su poder se sustentaba en tres actividades importantes: industria, comercio, banca→ préstamo y

usura (condenada por la Iglesia)

Surgen gremios→ tenían mucho peso político. Los pintores estaban nucleados en el Gremio de San
Lucas (médicos y boticarios).

Siena→ a finales del SXIII y principios del XIV era un centro relativamente estable de poder y
riqueza mercantil. Estaba bajo el gobierno de los Nueve (democracia pequeño burguesa). Usa el
arte como herramienta publicitaria de valores republicanos: ideas de bien común, justicia social,
paz, concordia, poder del gobierno. La mayoría de las obras eran encargos de la comuna→
significado político→ carácter cívico→ demostración de poder (competían las ciudades entre sí).

Búsquedas comunes entre Florencia y Siena:

1) Búsquedas espaciales→ modo imperfecto de la perspectiva espacial: líneas oblicuas,

espacio habitable, espacio cubo. Se pasa de yuxtaposición a superposición.

2) Realismo anatómico. Humanización: cuerpo (volumen,

3) Expresión de los sentimientos de los personajes. peso, anatomía) y alma (expresión,
movimiento, gestos)
4) Vuelta a la antigüedad. Se observa en ciertos elementos iconográficos:

- Figura humana: tipos iconográficos (putti, Vitoria, Hércules, Apolo, Zéus, etc), gestos patéticos,
volumen, tipos faciales, vestimenta, color para cada personaje.
- Arquitectura: frontones, capiteles, esculturas decorativas, frisos.
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Cimabue
Florencia Giotto

Trecento
Duccio
Simone Martini
Siena
Pietro Lorenzetti
Ambrogio Lorenzetti

Escuelas

Narrativa plástica pictórica realista

Cuentan escenas de la vida sagrada; secuencias históricas denominadas “ciclos”, a través de

imágenes. La imagen es contundente→ hay una síntesis en la narrativa. Hay una descripción más
personal, realista. Se muestran escenas de la vida, lo humano. Aumento del sentimiento y de la
inteligibilidad. Se busca acercar a Dios al hombre. Esto también se logra mostrando la vida de
santos y patronos (intermediarios del contacto con Dios). Esto se debe a la influencia de las
órdenes mendicantes.

El elemento narrativo posee un significado histórico trascendental. El ciclo de San Francisco de

Asís (1290-1307), los frescos de la Capilla de Arena (1304-1305) y la Majestad (1308-1311) tienen
mucho en común por cuanto establecieron un nuevo estilo de pintura narrativa que influyó
decisivamente en los conceptos pictóricos europeos durante los dos siglos siguientes. La esencia
de la nueva narrativa radicaba en la combinación de varias características separadas:

- Modo imperfecto de la perspectiva espacial, con un enfoque pragmático, dejando a los edificios y
a los personajes un espacio poco profundo dentro del cual puedan ser situados con cierto
realismo→ telón de fondo.
- Dar peso y redondez a las figuras, especialmente si llevaban grandes mantos con pliegues.
- Dibujo subraya rasgos fundamentales de la acción representada en el cuadro.
- Significado alegórico, simbólico o figurativo de los temas tratados, disposición significativa (Ej.: la
escena de Las Bodas de Caná está colocada arriba de La lamentación→ la transformación del agua
en vino prefiguraba la conversión del pan y el vino en cuerpo y sangre).

Los relatos de Asís, Padua y Siena eran caros. Se supone que en el caso de Asís lo costearon el
papa y los fieles de la Iglesia mediante la compra de indulgencias; en el de Padua un próspero
mercader al que también ayudaron compradores de indulgencias; y en el de Siena, el gobierno
comunal→ El flujo incesante de los ingresos papales y comerciales forma parte fundamental del
marco de la época.

Giotto (1266-1337)

Giotto di Bondone desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando la poesía, escultura,

arquitectura y sobre todo la pintura. Según su principal biógrafo, Giorgio Vasari, era hijo de un
campesino llamado Bondone, y pasó su infancia como pastor de ovejas. Fue discípulo del pintor
florentino Cimabue→ Dante proclamó la supremacía del discípulo sobre el maestro.
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Cada uno de sus viajes marcó el florecimiento de escuelas pictóricas. Gracias a la disposición de
Giotto de ir de ciudad en ciudad, el estilo del maestro toscano se convirtió en el nuevo lenguaje
del arte italiano.

Algunas características de sus pinturas:

 Cuerpo vestido→ voluminosos, pesados, robustez, solidez, monumentales en comparación

con el cuerpo desnudo→ Se ve el cuerpo detrás del paño
→ Interés en los paños. Ropaje→ despoja elementos innecesarios, predomina el
claroscuro, de un solo color, hombre sencillo, común (ideal de Giotto, cercano al
pensamiento de San Francisco).
 Usa luces y sombras ≠linealidad→ claroscuro
 Cuerpo desnudo→ frágil, falta de estudio anatómico, desproporción.
 Ojos almendrados.
 Sentido de la tactilidad en la pintura→ engaña a la visión (trompe l’oeil)
 Color de fondo: azul→ marca profundidad.
 Búsqueda espacial→ muchedumbre (gran cantidad de personajes)
 Fondos trabajados de manera escenográfica→ planos, paisaje como telón de fondo.
 Presta atención a la realidad natural y arquitectónica→ edificios reales descriptos con
precisión. Representación de escenarios auténticos existentes.
 Casa de muñecas
 Cristo generalmente de perfil.
 Sentido de la lectura: de izquierda a derecha.
 Figuras de espalda, pies asentados→ ilusión de espacio.
 Humanidad en los personajes→ se manifiestan sentimientos. Miradas y elementos
naturales enfatizan el momento. Giotto individualiza a los personajes, que toman
características y rasgos propios bien definidos: gestos, movimientos, expresión.

Madonna Ognissanti (1306 – 1310)

María→ Reina de los cielos (trono) → la ilustra como una matrona
romana.
Marca la anatomía: rótulas, senos, pelo→ naturalismo vivo. Modela
la figura a través de luces y sombras. Escorzo en las rodillas→
espacialidad.
Espacio habitable→ se abre hacia el espectador, pintura como
ventana a través de la cual vemos la imagen. Es habitable porque se
percibe la solidez, el peso, fuerzas físicas. Precursor de la perspectiva
lineal→ Lineas diagonales para marcar los espacios. Sitúa al
espectador en un punto específico→ poder emocional.
Niño humanizado. María se conecta con el espectador. Angeles de
rodillas, virgen como matrona→ aspecto más terrenal.
Introduce elementos de la catedral en el trono. Trono de mármol
(inteligibilidad de las cosas)→ trompe l’oeil.
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Ciclo de San Francisco de Asís

Es la primera iglesia dedicada a un santo. Trabajaron Cimabue, Cavallini, Giotto→ se encargó de

los frescos de la planta superior. Temática: la vida de San Francisco de Asís. Serie de 28 episodios
de 3 x 2,5 m. Fuente: La leyenda mayor de San Francisco de San Buenaventura.

Algunos de los frescos: San Francisco entrega el manto a un pobre, San Francisco se despoja de sus
bienes, Sueño de Inocencio III, Inocencio III aprueba los estatutos de San Francisco, Expulsión de los
demonios de Arezzo, Pesebre de Greccio, Milagro del sediento, San Francisco conversa con los
pájaros, Estigmas del santo, Muerte y ascensión de San Francisco.

Uso del espacio y de los elementos arquitectónicos en la serie de San Francisco→ Edificios
dibujados desde una perspectiva oblicua. No era un intento de presentar un foco
matemáticamente correcto para el espacio total de la obra (como lo harían Brunelleschi y
Masaccio en el siglo XV) → se trataba de una imitación empírica de los edificios de la pintura
romana. El sistema espacial de la leyenda de San Francisco debe haberse inspirado en la pintura
romana, seguramente en modelos que hoy han desaparecido.

Homenaje de un
hombre sencillo
Aparece un templo
romano dedicado a
Minerva→ cita
clásica.
Destacan los gestos
y expresiones.

San Francisco entrega el manto a un

pobre
Se observan las murallas de la ciudad y
campos circundantes. Lógica líneal de la
composición→ las líneas que fluyen de la
montaña convergen a la cabeza de San
Francisco guiando al espectador al núcleo
de la escena.

San Francisco se despoja de los

bienes materiales
Profundiza la anatomía real→ no se
conforma con las formas físicas bizantinas
tradicionales.
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Expulsión de los
demonios de
Arezzo

Pesebre de Greccio
Cantores con bocas
abiertas→ innovación.
Detalles de la carpintería
de la cruz vista desde
atrás.
El carácter racional prima
en esta obra, por eso el
crucifijo se ve de atrás ≠
carácter emocional→
Cristo siempre
representado de frente.

Milagro del
sediento

San Francisco
conversa con
los pájaros

Estigmas del santo

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Ciclo de la Capilla de Arena (o Scrovegni)

La capilla de la Arena también llamada capilla de los Scrovegni, en Padua, fue erigida por orden de
Enrico Scrovegni, que pretendía así expiar los pecados de su padre, conocido usurero (a quien
Dante situó en el infierno). La capilla tenía finalidad funeraria, y el propio Enrico está enterrado
allí.

La capilla alberga un célebre ciclo de frescos de Giotto. Estos están dispuestos en tres bandas
horizontales superpuestas, dividida cada una en 6 recuadros. El orden narrativo es de izquierda a
derecha y de arriba hacia abajo.

Superior: Historias de San Joaquín, Santa Ana y la Virgen. Ej.: El anuncio a Santa Ana, Nacimiento
de la Virgen, El encuentro en la puerta Aurea, El sueño de Joaquín, Matanza de los inocentes,
Presentación en el templo.
Medio: Vida pública de Cristo. Ej.: Huida a Egipto, Adoración de Reyes Magos, Oración en el
huerto de los olivos, Resurrección de Lázaro, El beso de Judas
Inferior: Escenas de la Pasión. Ej.: Crucifixión, El llanto por el Cristo muerto, Noli me tangere.
Además hay otras pinturas: en el arco triunfal de acceso al ábside se representa la Anunciación de
la Virgen. En la pared opuesta, se representa un grandioso Juicio Final.

En los zócalos, por debajo de las escenas de la vida de Cristo, Giotto pintó 14 alegorías de Vicios y
Virtudes. Los Vicios están en el muro izquierdo, mientras que las Virtudes se encuentran en el
derecho, correspondiéndose con el infierno y la salvación en el Juicio Final. La técnica usada es la
grisalla→ ilusión óptica de formas escultóricas tridimensionales, sólo se pinta en valores (blanco y
negro).

Fuentes: Nuevo Testamento, también tradiciones apócrifas procedentes de La leyenda dorada, de

Jacobo de la Vorágine acerca de la Virgen María y de sus padres, San Joaquín y Santa Ana.

Nacimiento de María Sueño de Joaquin

Elementos de la antigüedad clásica→ frontón Peso corporal, robustez de las figuras. Volumen con
Construcción casa de muñecas. claroscuro.
Iconografía de la antigüedad→ columnas, paños mojados.
Se repite la figura de María.
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Nacimiento de Cristo El beso de Judas

Tensión centrada en el beso→ intercambio de miradas.

Crucifixión Duelo por Cristo muerto

El Cristo crucificado se eleva sobre los dos grupos de Estructurado por grupos de figuras distribuidas en
figuras. Ángeles rodean a su alrededor con una gran diferentes planos. Mujeres de espalda→ espacialidad.
variedad de reacciones de dolor. Con gestos variados, indicando grados individuales de
Angeles→ dramatizan, toman diferentes actitudes. dolor.
Dante Alighieri en “De vulgari eloquentia” habla de
personajes 2 tipos de personaje que resaltan por
contraste: trágicos→ héroes, dominio de sí mismo;
cómicos→ expresiones efusivas.
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El Juicio Final
Visión de Juan Evangelista→
profetiza el fin del mundo y la
segunda venida de Cristo. Los
guardianes del cielo hacen
retroceder el firmamento.
Cristo grande en Majestad en
el centro→ entronizado como
juez supremo en una
mandorla con los colores del
arco iris. Los doce apóstoles
se sientan a su izquierda y a
su derecha. Aquí los dos
niveles se dividen: la hueste
celestial aparece arriba, abajo
la gente se sumerge en la
boca del infierno, o son
guiados por ángeles hacia el
cielo (hombres y mujeres,
representantes de lo secular y
lo sagrado).
El eje central de la
composición está marcado
por dos ángeles que
presentan la cruz de Cristo. En
el registro superior domina la
simetría, en el registro inferior
no está presente.
El noble Enrico Scrovegni
ofrece a las tres Marías la
iglesia que ha donado. Es
acompañado en esto por un
clérigo.
El Príncipe del Infierno, un
monstruo gigante, es
entronizado en un dragón.
Agarra a los condenados y los
come. Los tormentos de la
gente desnuda, que están
siendo administrados por las
criaturas sombrías, se
representan en gran detalle.
Algunos de los castigados
están colgando de sus
genitales, cabellos o lenguas.
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Duccio (aprox. 1260-1318)

Duccio di Buoninsegna fue el primer pintor destacado de la escuela sienesa, inspirador de otros
miembros de la misma, como Simone Martini y los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti, entre
otros.

Características:

 Escala jerárquica.
 Suntuosidad→ fondo dorado → espacio celestial (oro), azul (lapislázuli)→ aporta valor
material al valor simbólico.
 Preciosismo, detallismo, minuciosidad.
 Carácter aristocrático.
 Linealidad, sinuosidad.
 Búsqueda espacialidad→ construcción diagonal, semicircular.
 Desarrollo anatómico bajo el ropaje.
 Ilumina paños para marcar volúmenes.
 Gente arrodillada→ terrenal.
 Inteligibilidad de las cosas.
 Registros superpuestos.
 Muchedumbre, personajes superpuestos.
 Imprimación verde.
 Simbolismos religiosos: gestos piadosos, aureola, colores.
 Rebatimiento de plano.
 Brillo en los colores.
 Aberraciones espaciales.
 Composición: llena el plano, no el espacio.

La Maestá (o Majestad)

Es la obra más importante de Duccio, y el retablo de mayor tamaño de su época. Se aspiraba con
ella a glorificar a la Virgen María, patrona de la catedral y de la ciudad de Siena, por cuya
intercesión Siena sobrevivió a la crisis de la batalla de Montaperti entre otros peligros, y a quien la
población se encomendaba. Fue emplazada en el altar mayor (lugar más prominente de la
catedral). Fue un encargo de la comuna, y se realizó una importante ceremonia el día de su
traslado desde el taller hasta la catedral→ importancia central que la oligarquía de la ciudad
atribuía a la Virgen.

Consta de más de 50 tablas unidas. Lectura ascendente. Posee un desarrollo anterior y posterior→
Está hecha de manera que pueda verse de frente por la congregación, desde la nave, y por detrás
por los clérigos, desde una posición más próxima, desde el presbiterio→ Duccio se preocupó para
la parte frontal del tamaño y de la visibilidad y para la parte posterior del detalle.

Retablo central→ gran representación frontal de la Virgen entronizada, con santos y ángeles a
ambos lados y apóstoles arriba. Coronación superior: vida de María. Predelas inferiores: niñez de
Cristo. Retablo en reverso: Vida y Pasión de Cristo.
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Técnica→ pintura al temple→ yema de huevo con aglutinante; imprimación verde; pan de oro.

No existe una fuente literaria clara, aparte de los Evangelios. Se ha sugerido que la elección de las
escenas se fundaba en las iluminaciones de un manuscrito bizantino.

Características de la obra de Duccio: rasgos suaves, delicados del rostro, robustez y realismo en los
niños, escrupulosa ejecución del ropaje, transparente o semitransparente, detalle del manto de la
Virgen, uso eficaz de la estriación dorada.

Se ven influencias francesas y bizantinas. Descuida el problema del realismo espacial integrado.
Influencia de la escultura de Nicola y Giovanni Pisano→ dominio de la anatomía y el ropaje. Ej.: Las
tres Marías ante el sepulcro→ pliegues ricos y cuidados. En Duccio el tratamiento de los pliegues
está mucho más conseguido que el del espacio.

Giotto tiende a unificar el espacio en cada escena, y una y otra vez dispone los edificios de forma
oblicua con respecto al plano. En Duccio se observa un interés por el espacio menos sistemático, la
organización espacial suele pecar de inconsistente→ aberraciones espaciales. Estas no se observan
en los trabajos de Giotto. No obstante, Duccio intenta mostrar un complejo espacio interior a
través de una puerta estrecha. Ej.: Las bodas de Caná, La tentación del templo.
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Natividad Huida a Egipto

El detalle más anecdótico es una escena situada a los pies En la parte izquierda aparece el sueño en que un ángel
de María que muestra a Jesús bañado por dos nodrizas recomienda a José huir a Egipto
(Salomé y Zelomí), proveniente de los evangelios
apócrifos.

Entrada en Jerusalém
Espacio representado con una S (línea ondulante)→ espacio
profundo→ 4 planos espaciales.
Personajes trepando los árboles→ recuedan a Giotto.
Aberrraciones espaciales→ perspectiva invertida, marca distintas
diagonales.
Unidad. Detallismo, riqueza cromática.

Ultima cena
No es “casa de
muñecas”→ muestra
sólo el interior.
Rebatimiento del
plano en la mesa.
Apóstoles de los dos
lados de la mesa→
profundidad,
espacios.
Barral que atraviesa
la habitación. Juan
dormido a su lado.
Los apóstoles de la
parte inferior no
llevan el halo en su
cabeza para no
interferir con los
objetos de la mesa.
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Beso de Judas
Oración en el huerto de los olivos Brillo en los colores, simbólicos.. Composición equilibrada de colores.
En el escenario del huerto de Getsemaní se ve a Jesús Arbol central→ más importante.
representado en dos momentos sucesivos en el tiempo→ Composición→ grupo de personajes→ llenar el plano, no el espacio.
Adición, dos escenas superpuestas. La composición se centra en el grupo de Cristo, situado en el centro
Paisaje simbólico (telón de fondo, sirve a fines compositivos, de la imagen, con una acentuada verticalidad conseguida gracias al
no naturalista). juego de lanzas, faroles y árboles.

Cristo ante
Pilatos
Aberración
espacial→
columna.

Camino del calvario

Destaca el color rojo, símbolo de la Pasión, que contrasta con
el azul de María, símbolo de la Gloria. El fondo es de color
dorado

Crucifixión
Es la escena principal del
conjunto, situada en la parte
superior central y es la imagen
más grande del reverso.
Fondo dorado → ámbito sagrado.
Composición casi simétrica.
Ángeles→ exaltan sentimiento
patético.
Duccio se inspiró en el púlpito de
la catedral elaborado por Nicola
Pisano, especialmente por la
distribución de la gente en dos
grupos al pie de la cruz.
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Las tres Marías ante el sepulcro

Las mujeres parecen estar inspiradas en la
figura de la Sibila de Nicola Pisano para la
fachada de la catedral.

Noli me tangere
Cristo lleva una túnica roja, símbolo de la Pasión y, sobre ella,
un manto azul, símbolo de Gloria, ambas con brillantes
pliegues dorados que señalan su desmaterialización→ efecto
“etéreo”.
En la mano izquierda sostiene un báculo con una cruz,
símbolo también de la Pasión.
Arboles→ enfatizan la figura de Cristo. La presencia de
vegetales señala el renacer de la vida.

Tentación en el templo
Arquitectura realista contemporánea al artista y alejada por
tanto del momento histórico narrado. Duccio intenta mostrar
un complejo espacio interior a través de una puerta estrecha.
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Simone Martini (aprox. 1284-1344)

Fue discípulo de Duccio, mucho más joven que este.

Desarrolló una pintura polimatérica→ incrustaciones de metal laminado, piedras, vidrios

(eglomisé) que enaltecían la obra→ “antecesor” del collage. Fue criticado por Alberti: “coloca
objetos al no poder representarlos”, “mal gusto”.

Vector de conexión entre el 300 y el gótico→ que luego deriva en el gótico internacional→ Estilo
cortesano, aristocrático.

Carácter de artista cortesano→ inserto en distintos círculos: pintor de la ciudad de Siena, Corte
pontificia en Avignon. Rey Roberto lo nombra caballero.

Introduce el traje contemporáneo y también, además de elementos populares o civiles, lo lujoso

de las cortes, palacios y ejércitos.

Influencia: bizantina, gótica, florentina.

Guidoriccio da Fogliano
Fresco de grandes dimensiones (9 m de largo) ubicado en el Palazzo Pubblico (sala del concejo). Temática
profana.
Representa la conquista de los castillos de Montemassi y Sassoforte→ El fresco es el emblema de una victoria de
los burgueses (comerciantes modernos) sobre los nobles (señores feudales). Vestidura de los cruzados. Evoca un
mundo caballeresco ya en declive→ encarnación del ideal caballeresco de la Edad Media→ Pero sin embargo NO
puede considerarse una exaltación a la caballería. Guidoriccio da Fogliano era un condottiere→ mercenario a
sueldo→ todo lo contrario a un caballero.
Agudo sentido de la observación: exacta representación de ciudades fortificadas (Montemassi y Sassoforte) y
minucioso campamento→ Pero ubicadas en un paisaje arbitrario.
No se percibe sensación de espacio→ telón de fondo.
Exalta la imagen del personaje→ Representa el gobierno republicano defendiendo los intereses de la ciudad.
El ropaje se percibe casi plano, en contraposición con Giotto.
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La anunciación
Figuras de Ángel Gabriel y la Virgen realzan la línea
gótica. Ropaje del Angel se eleva con forma
serpenteante. Virgen marcada linealmente→ línea
quebrada→ movimiento→ Sensación de rechazo de la
Virgen (asustada), no como normalmente se la suele San Luis de Tolosa coronando al rey de Nápoles
representar con gravedad, aceptación, serenidad. Escala jerárquica. Fondo dorado. Era un cuadro “de
Lirios→ pureza de María. La inscripción dorada de familia”→ Luis (obispo de Toulouse) era hermano de
relieve que comienza en la boca del Ángel contiene Roberto. Predela con escenas del santo recién
palabras iniciales de la Anunciación. canonizado.
Profundidad apenas insinuada. Doble coronación: Los ángeles a San Luis, San Luis al
Inteligibilidad→ Mármol moteado. rey Roberto.
Fondo dorado→ divinidad, espiritual. La alfombra y la predela refuerzan la perspectiva. El
retrato de Roberto de Anjou es individualizado.

Políptico Orsini

Llanto ante Cristo muerto Crucifixión de Cristo Camino al calvario

Representación de patetismo marcada. Soldado con aire caballeresco,
cortesano.
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Ciclo de San Martín de Tours

Ubicado en la Iglesia de San Francisco, en la capilla de San Martín. Consta de 10 episodios.

San Martín divide el manto. Sueño de San Martín El milagro del muchacho resucitado
Caballeresco→ propio del gótico. Fue Jesús muy aplanado. Elementos Búsqueda espacial en las figuras→
desapareciendo por la aparición de la decorativos quitan el volumen de los escorzos, cabezas inclinadas.
pólvora→ carácter nostálgico. elementos. Elementos decorativos
quitan el volumen. Rebatimiento de la
cama. Tratamiento diagonal y diagonal
inverso.

La muerte de San Martín El funeral del santo

Vestimentas ornamentadas con patrones→ Columnas marcan espacialidad.
aplanan la figura.
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Pietro Lorenzetti

Pintor de vírgenes. Creó dos tipos de

mujer:
- Serena→ tipo un poco pesado, carnal,
apacible, rostro lleno, boca incurvada y
carnosa, ojos triangulares. Ej.: 1,2 y 3.
- Patética→ tipo más demacrado, agudo,
intenso, expresivo, ojos alargados, boca
más fina. Ej.: 4,5 y 6. 1) Virgen de Dofana. 2) Santa Cecilia. 3 y 4) Nacimiento de la
Virgen. 5) Virgen entre San Francisco y San Juan Evangelista. 6)
Virgen del políptico de Arezzo.

En Asís el tipo expresivo domina→ no tan sólo en los rostros sino también en los cuerpos. Ej.: el
cuerpo de Cristo en el Descendimiento; Magdalena en el Entierro.

Virgen entre San Francisco y San Juan Evangelista

Representación de lo interior a través de lo visible.
Contención y angustia en la Virgen por el futuro del niño→
rictus marcado. El niño parece querer calmarla. San
Francisco con estigmas→ paralelismo con la vida de Cristo.
Ropajes bastante despojados. Espacio casi anulado

Virgen de Dofana
Contraste entre la virgen serena y los ángeles
inquietos y picarones.

Nacimiento de la Virgen
Descripción del interior burgués de la época. Interior
medieval→ arquitectura S. XII y XIII. Muy detallada.
Santa Ana→ más pesada, como las figuras de Giotto.
Lineas diagonales en la cama (no convergen en un solo punto)
→ marcan profundidad.
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Crucifixión
Multitud→ aproximadamente 50 personajes
diferenciados.
Cuerpos desnudos con más volumen ≠ a los
cuerpos flacos y débiles de Giotto.

Descenso de la cruz
Búsqueda de la expresión. Cuerpo de Cristo
quebrado, dislocado→ no tiene sensación de
peso. Criticada por el exceso de
expresionismo.

Entrada de Cristo en Jerusalém

Perspectiva invertida. Sensación de recorrer la
ciudad. Más volumen.
Entierro
Exceso de expresionismo→ Magdalena desconsolada→
escorzo.

La última cena
Aparece la cocina→ detalle profano→ tema mundano.
Putti cita clásica. Aparecen primero en la escultura,
luego en la pintura como esculturas, antes de aparecer
personificados.
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Ambrogio Lorenzetti

Hermano menor de Pietro.

Estancias florentinas:

1) Joven y poco formado se sume en el medio florentino en pleno auge y plena formación de
ideas, extrae de él las lecciones que orientaron su carrera→ gran influencia de Giotto.
Sensibilidad a los problemas espaciales y de volumen→ los resuelve a su manera: volúmenes de
gran relieve obtenidos más por el dibujo que por claroscuro; espacio etéreo y legible que en vez de
servirse como Giotto de los huecos y los volúmenes, se construye con profundidades
arquitectónicas y planos sucesivos→ este espacio integra las figuras del primer plano con las del
segundo sin perder claridad; abandona los personajes alargados y elegantes de Siena y los
sustituye por unos robustos y sanguíneos de rostros austeros.
2) Tras su segunda estancia en Florencia restablece un equilibrio entre el estilo sienés y el
florentino. Combina figuras robustas con las finas y graciosas. Aborda nuevos problemas:
ordenamiento de un paisaje y representación ilusionista de una gran ciudad. Su segunda estancia
influye en la propagación de influencia sienesa en los medios pictóricos florentinos.

Es el primer artista que intenta, no ya “significar” una ciudad y un paisaje, sino representarlos→ La
ciudad misma y el paisaje campestre constituyen el verdadero tema. Antes bastaba con un
elemento de arquitectura para indicar que la escena ocurría en la ciudad, o un árbol para indicar el
campo→ la decoración no dominaba sobre el tema (acción o suceso).

Alegoría del buen gobierno

Palacio público de Siena.
Exaltar valores cívicos, republicanos, bien social, etc. Temática profana (secular) y alegórica.
Escala jerárquica. El hombre entronizado en el lado derecho de la banda media representa la ciudad de Siena y encarna
el Buen Gobierno. → A ambos lados las virtudes están representadas por seis figuras femeninas señoriales coronadas:
Paz, Fortaleza y Prudencia a la izquierda, Magnanimidad, Templanza y Justicia a la derecha. En la extrema izquierda del
fresco la figura de la Justicia se repite mientras equilibra la balanza sostenidas por la Sabiduría. De la balanza surgen dos
cuerdas que se unen en la Concordia, y continua entre la fila de los ciudadanos de Siena hasta llegar a la ciudad.
La Paz está relajada sobre un almohadón: si la justicia y las demás virtudes hacen su trabajo, no tiene nada que hacer.
Abajo está su armadura.
 Securitas cita clásica: iamgen de una victoria romana con cuerpo alado.
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Efectos del buen gobierno en la ciudad y en el campo

Ciudad de Siena en paz, cada personaje en su actividad: maestro enseñando, obreros construyendo, gente vendiendo
cosas, etc.
Gran grupo de mujeres con trajes elaborados bailando→ simbólico→ alegoría sobre la paz y la prosperidad.
Paisaje campestre→ vista “vuelo de pájaro”, actividades de la gente en armonía.
Securitas sosteniendo un cartel escrito.

Alegoría del mal gobierno y sus efectos

Temática profana y alegórica. Tiranía rodeada de
vicios. La justicia está tirada en el suelo sin poder
hacer nada.
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Virgen de la leche
Expresividad→ gesto
maternal. Niño con
picardía.

Virgen de Vico d’Abate

Primitivista. El primer
trabajo de Lorenzetti (1319).
Muestra todos los
componentes de su arte: el
arte bizantino, la plasticidad
de un relieve duecento
sienés y el dinamismo de
Giovanni Pisano.

Anunciación
Espacialidad.
Monumentalidad de
la figura. Peso y
volumen. Expresión.

Presentación en el templo
Interior basilical (casa de muñecas)→ énfasis
en la arquitectura.
Jesús representado con actitudes de un niño
real→ chupándose el dedo.
Lineas diagonales→ Ilusión de espacio.

Ciudad junto al mar y

Castillo a orillas del lago
No aparecen hombres→
antecedentes de la temática
de paisaje.
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Comparaciones

Crucifijo

Crucifijo de Arezzo –
Cimabue
Decoración gótica, paño
abultado, lineal, cabeza
inclinada.

Crucifijo de Santa María

Novella – Giotto
Paños con transparencia (cuerpo
desnudo), cabeza mucho más
inclinada, pies clavados, con el
peso del cuerpo, curvatura en los
brazos (agonía dolorosa). Se
mantienen presentes María y San
Juan.

Según Dante Aligieri→ Sobre Giotto y Cimabue: Discípulo supera al maestro.

Virgen

S XIII influye el movimiento franciscano→ imagen más terrenal, cambio de actitud→ más amable,
concepto fuerte de madre.

Virgen de Kahn
Arte bizantino S. XIII

Duccio – Madonna
Rucellai
Se proyecta el arte
bizantino: dorado en el
fondo y aureolas, registros
superpuestos; pero
manifiesta un cambio: trono
con construcción diagonal→
marca espacialidad
MBW 2017

● Cimabue – Maestá, 1270

Relación de superposición en los
ángeles. Trono que intenta
construir la tridimensionalidad,
de madera (se representa el
material). Ilumina los paños→
volúmenes. Desarrollo
anatómico de la virgen bajo el
ropaje.

● Cimabue - Virgen de la Santa

Trinidad (1290)
Fondo dorado→ espacio divino,
celestial, láminas de oro.
Se incorporan más personajes en
los distintos niveles. Semicircular→
intenta dar espacio para los
profetas.
María→ definida linealmente.
Tiene dedos largos, boca pequeña,
nariz larga→ simbolismo del
cuerpo→ representación idealista.
La figura se ve plana, a pesar de
tener algo de modelado en el
cuello.
No hay un punto donde se sitúe al
espectador→ múltiples puntos de
vista.
Ángeles→ amontonados, cara
idealizada→ parecidos entre sí.

● Giotto – Madonna Ognissanti (1306 – 1310)

Giotto fue el primero en pintar a la Virgen María sólidamente
instalada en su trono, con un aspecto que recuerda más el de una
matrona romana que al de la madre de Jesús (influencia del
mundo antiguo).
Angeles de rodillas, virgen como matrona→ aspecto más
terrenal.
Introduce elementos de la catedral en el trono. Trono de mármol
(inteligibilidad de las cosas)→ trompe l’oeil.
Marca la anatomía: rótulas, senos, pelo→ naturalismo vivo. Niño
humanizado. María se conecta con el espectador. Concepto de
claroscuro en los ropajes. Angel arrodillado de perfil→ devoto de
María. Lineas diagonales para marcar los espacios.
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● Virgen con niño – Bernardo Daddi

● Virgen del pajarito – Simone Niño→ juega con María, lleva elementos
Martini simbólicos que hablan de su futuro,
narrativa temporal hacia el futuro.
Virgen representada muy cerca del suelo o

Escultura

Claus Sluter - Felipe el Calvo con su santo patrón

(1385-93)
Se ve paralelamente al estilo gótico, la formación de un
nuevo tratamiento, sobrio y serenamente clásico. Santo
patrón→ perfil quebrado y ropajes agitados. Duque de
Borgoña→ silueta contenida en un triángulo bien definido,
ausencia de detalle, simplicidad→ recuerda a Giotto.