El arte siempre a estado presente desde la primera aparición del hombre en la tierra, esa necesidad de

plasmar todas aquellas actividades para tener un registro es lo que ha ido desencadenado este largo camino a
treves de la historia de como el hombre fue evolucionando y aplicando el arte en cada una de sus
actividades.

El arte sigue en constante cambio y nuevos estilos artístico irán surgiendo con el paso del tiempo, pero todo
esto no había sido posible sin aquellos registros que dejaron nuestros descendientes a lo largo del tiempo.

En la presente investigación se estarán tratando temas relacionados a la Historia del Arte, como esta fue
evolucionando desde el principio del tiempo hasta llegar a las civilizaciones, pasando por distintas épocas y
tomando diferentes aspectos a través de la historia y los distintos estilos Artísticos.

Dibujo a mano alzada de las pirámides de Egipto y la Esfinge de Giza

1.1 Definición de historia del arte

La historia del arte es la ciencia que estudia la evolución del arte a través del tiempo y
del espacio, ya que se pueden plantear diferentes historias del arte dependiendo del
período temporal y el territorio geográfico que se desarrolle. De hecho, la historia del arte
es una disciplina de las ciencias sociales con carácter multidisciplinar que procura
realizar un estudio objetivo del arte a través de la historia, observando características
distintivas, clasificando estilos y estableciendo periodizaciones.
En cuanto al arte, se entiende como tal cualquier producto o actividad realizado por el ser
humano con una finalidad comunicativa a través del que se expresan ideas o emociones. Y
es que, aunque la definición de arte haya cambiado mucho a lo largo del tiempo, en la
actualidad se entiende como arte casi cualquier manifestación de la creatividad humana,
por lo que en el siglo XX el listado de las diferentes artes se amplió hasta nueve
arquitecturas, danza, escultura, música, pintura literatura, cine, fotografía y cómic-,
aunque en la actualidad a este listado se suelen añadir otras expresiones artísticas como el
diseño, la publicidad, la moda o la gastronomía.
Sin embargo, la historia del arte como disciplina académica acotada a su entorno
institucional, universidades, museos, mercado del arte, publicaciones, se suele restringir a
las denominadas artes plásticas o visuales esencialmente a la arquitectura, la pintura y la
escultura, aunque últimamente también se suele añadir la fotografía y el vídeo, mientras
que las otras artes son objeto de estudio de otras disciplinas más específicas. Aún y todo,
la historia del arte mantiene estrechas relaciones con otros conocimientos y disciplinas
como la filosofía a través de la estética, la sociología o la psicología.
(Historia del Arte - Auñamendi Eusko Entziklopedia, s. f.)
1.2 - El arte como expresión general humana

El arte, en general, es un modo de expresión de todas las actividades esenciales; intenta decirnos algo acerca
del universo, del ser humano, del artista mismo.
Podemos decir que es posible entender el arte como la canalización de una o varias emociones.
El arte es todo lo que por naturaleza el hombre crea a partir de sus ideales y le da un sentido, para expresar una visión
sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite
expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
1.3 - La evolución del arte hasta la evolución o aparición de estilos artísticos y escuelas.

Prehistoria
Encontrar el punto inicial de la historia del arte, es una tarea difícil. Cuando creemos haber encontrado la
escultura más antigua del mundo, los estudios continúan y en poco tiempo demuestran lo contrario. Sin
embargo, a pesar de tener pocas posibilidades de establecer una fecha exacta, si podemos definir las
características del arte prehistórico.
El primer eslabón de las etapas de la historia del arte podría haber surgido hace más de 32 mil años, cuando
antiguas tribus dejaban su huella en las piedras, hoy consideradas pinturas rupestres. 
Por otro lado, en paralelo a la pintura prehistórica, en aquella época también diseñaron, con materiales
muy básicos, figuras en madera que, por lo general, representaban a la caza, a los dioses y a la fertilidad.
El Bisonte de Altamira, plasmado en una cueva de España, o el monumento de rocas en Reino Unido
conocido por Stonehenge, son claros ejemplos de manifestaciones artísticas de la prehistoria, que debemos
cuidar hasta la eternidad. 
Arte de la antigüedad
Dentro de las etapas de la historia del arte, la antigüedad tuvo muchas facetas. Fueron momentos donde se
vivieron situaciones que fueron desde expresar sentimientos y vivencias en piedras, hasta diseñar
construcciones monumentales, únicas para la época. 
 Mesopotamia

A pesar de que el término “mesopotámico” se siente un poco más reciente, no es así. Se calcula que inició
hace cinco mil años, en antiguas regiones de Europa y Asia, para llegar hasta nuestros días en el recuerdo
de las etapas de la historia del arte. 
A diferencia del prehistórico, las pinturas en cuevas de este periodo artístico son mucho más sencillas de
entender. Además de complementarse con otros objetos de madera, también se resaltan las expresiones en
homenajes a guerreros.
Una de sus representaciones más históricas que han perdurado hasta hoy en día, es la Puerta de Istar,
ubicada en Irak, y construida en el año 575 a. C. Sin lugar a dudas, un aporte muy importante para este
resumen de la historia del arte. 

Egipto 
Hasta la muerte de Cleopatra, en el año 30 a. C, el arte egipcio alcanzó una fama internacional y, una de sus
mayores representaciones, fueron las gigantescas Pirámides de Egipto. Las obras egipcias, que no fueron
solo pirámides, revolucionaron todas las técnicas de construcción establecidas en ese momento y es por eso
que merecen un espacio importante en las etapas de la historia del arte.
Mas allá de la arquitectura, esta cultura también se destacó por su fanatismo con la pintura y la facilidad
para crear esculturas. Se podría decir que sentaron las bases para el posterior desarrollo de la historia del arte
contemporáneo.

Arte clásico
A pesar de que se le pueden encontrar muchas similitudes con las obras de la antigüedad, aquí la evolución
del arte se encuentra marcada por procesos mucho más extensos, vinculados a dos de los más grandes
imperios que existieron en la Tierra.
Grecia
Al hablar del arte griego, a estas alturas de la cronología de la historia del arte, podrás notar que tiene
muchas similitudes con el egipcio, y eso es verdad, ya que compartieron tiempo y espacio, hace poco más
de 2.000 años. 
No caben dudas de que todos los trabajos artísticos griegos son de gran sostén para la cultura. Sin embargo,
su mayor legado en la evolución del arte se encuentra por el lado de la arquitectura.
El Partenón, inaugurado en el año 432 a. C, o el Érechthéion, con fecha de estreno en el 406 a. C, fueron
testigos de cómo desapareció el imperio que los construyó, pero aún siguen en pie para demostrar la
evolución de la arquitectura en las etapas de la historia del arte.

Roma
Una vez más, nos situamos en los últimos siglos antes de Cristo para hablar del arte en el Imperio Romano
que, al igual que el egipcio, griego y helenístico, marcaron un estilo en sus años dorados, y se conservan
hasta nuestros días como fieles testigos del cambio en la historia del arte por los siglos.
En este periodo artístico también se destaca la arquitectura, pero no es lo único. El Coliseo Romano, la
Columna de Trajano y el Anfiteatro Flavio, acompañaron a la capital de Italia en su crecimiento, pero
también dejaron espacio a las esculturas, pinturas y obras musicales. 
Bajo el efecto del encausto, el temple y el fresco, los romanos tomaron el pincel y crearon verdaderas obras
de arte sobre tablas y murales. ¡Todos los antecedentes del arte actual, que perduran en el tiempo!

Arte medieval
Durante nueve siglos, desde el año 500 al 1400, la Edad Media causó un cambio a nivel mundial, sin
retornos. Se modificaron sociedades, ciudades, culturas, formas de investigar, estudiar, trabajar y, claro,
también surgió una de las siguientes etapas de la historia del arte.
Al prestar atención en las construcciones de aquella época, es imposible no detectar que se diseñaron miles
de templos a lo largo y ancho de Europa. Más allá de que los arquitectos se modernizaron, con el paso de los
años, los diseños de aquella época también forman parte de la historia del arte gótico. 
No caben dudas que, en este periodo artístico, representado por una de las principales corrientes artísticas,
todas las culturas vivieron cambios impactantes. En la pintura medieval, por ejemplo, tuvieron lugar hacia el
cierre de la Edad Media, cuando surgió el Proto-Renacimiento. 

Arte de la Edad Moderna

Entre el siglo XV y el XVII, la evolución del arte se vio marcada por un enorme cambio: el comienzo
del arte de la Edad Moderna. Además de notar cambios en el desarrollo artístico de Europa, en ese mismo
período ocurre la llegada de Cristóbal Colón a América, por lo tanto, fue una corriente que se comenzó a
trasladar rumbo a lo que, por ese momento, se lo conocía cómo el "Nuevo Mundo".

Renacimiento
Tal cual lo adelantamos en el párrafo anterior, el periodo entre los siglos XVI y XVII forma una de las
etapas de la historia del arte, gracias a todos los cambios encontrados en la pintura, arquitectura, ciencia,
investigación, educación y muchas disciplinas más. 
Al mirar con detenimiento, notamos que el ser humano de aquella época tiene muchas similitudes con el
actual. Es por eso que, a la hora de construir, desarrolló técnicas especiales que sirvieron de antesala para
las utilizadas en lo que fue la historia del arte contemporáneo. 
Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, son algunos de los nombres más famosos del
Renacimiento, que tuvieron un desempeño fundamental para aportar a la evolución de la historia del arte. 

Manierismo
Es probable que, si no tienes amplios conocimientos en las etapas de la historia del arte, nunca hayas
escuchado hablar del Manierismo, y no te culpamos, porque fue un periodo realmente corto. 
Entre 1527 y 1580, casi al final de la historia del arte del renacimiento, surgió un movimiento que, en
palabras de profesionales, llegó para “romper las reglas”. Aunque no duró mucho tiempo, también podría
ser el antepasado de los diseños actuales, como los grafitis, que ya escribieron muchos capítulos en la
historia del arte callejero.

Barroco
El arte prehistórico fue muy importante, las etapas de la pintura griega se mantienen muy presentes, y es
imposible olvidar todos los cambios positivos que tuvo la historia del arte renacimiento, pero dentro de las
etapas de la historia del arte, la dedicada a los 150 años del arte Barroco, es de las más importantes. 
Como ocurre casi siempre, las modificaciones en la sociedad de siglos pasados, no solo tiene al arte como
protagonista, pero sí representa una parte muy importante. A este periodo artístico se lo recuerda
cómo dinámico, teatral, efectista.
¿Quieres un ejemplo de la belleza del arte Barroco? Entonces mira una foto y/o conoce la historia del
maravilloso Palacio de Versalles, en Francia. ¡Todo un ejemplo de la evolución de la historia del arte! 
Te habrás dado cuenta que el mundo del arte Barroco es muy variado, sobre todo si tenemos en cuenta las
artes visuales, por lo tanto, la mejor forma de aprender sobre ello es a través de la práctica, que puedes
desarrollar en nuestro curso online de pintura y dibujo de los grandes maestros

 Rococó 

A pesar de que fue un movimiento breve en la cronología de la historia del arte, dado que se extendió entre
1730 y 1760, su paso dejó una huella muy importante, con réplicas presentes en obras mucho más
modernas. 
Los trabajos del Rococó se caracterizaban por tener colores luminosos, suaves y claros, acompañados de un
estilo vinculado a la naturaleza y la mitología. En las etapas de la historia del arte, se expresa,
principalmente, en los techos de templos religiosos. 

Neoclasicismo
El impacto que generó el Neoclasicismo como una de las siguientes etapas de la historia del arte, nos lleva a
pensar que estuvo vigente durante cientos de años, pero para tu sorpresa, abarcó el periodo histórico
desarrollado entre 1750 y 1820. 
Dicen que dar pasos hacia atrás no es una buena idea, pero aquí vemos una excepción. En esta cronología de
la historia del arte, este momento representa una vuelta al arte clásico y, gracias al trabajo de sus
representantes, toda la energía fue puesta en recuperar el arte desarrollado por el Imperio Romano y el
Imperio Griego. 

Arte contemporáneo
En esta nueva etapa de la historia del arte, su versión "contemporánea" nos permite acceder a movimientos
que siguen siendo, en su mayoría, muy populares hasta la actualidad. Existen muchas variantes, pero todo
comienza con el Romanticismo. 

Romanticismo
El periodo artístico del Neoclasicismo fue interesante para recordar viejos tiempos, pero no hubo mucha
innovación, el mundo se estaba preparando para recibir a una de las etapas de la historia del arte más
importantes: el Romanticismo. 
Entre 1790 y 1880, en el planeta Tierra se vivió una explosión cultural y artística, donde se modificó todo.
Tras el paso del Romanticismo, las construcciones se actualizaron y, en la pintura, talentos cómo Théodore
Géricault, también aportaron lo suyo para confeccionar la historia del arte hasta la actualidad.
En el marco de la evolución del arte, a partir de este periodo, se buscó expresar a través de los sentimientos
humanos. 
Realismo
Entre 1840 y 1870, dentro de las etapas de la historia del arte, apareció el Realismo con la misión de
crear obras más directas y subjetivas, que puedan impactar a todas las clases sociales. 
No importa si se lograba con trabajos de arquitectura, pinturas super desarrolladas o esculturas de 20 metros
de altura, este fue uno de los períodos del arte en donde el plan se basó en rechazar lo exótico para mostrar
lo cercano.
Impresionismo 
Al buscar en las etapas de la historia del arte, que tengan menos de 150 años de antigüedad, encontraremos
el Impresionismo y Postimpresionismo, que tuvieron lugar entre 1870 y 1910. ¿Cuáles fueron las diferencias
entre estos movimientos del arte? Casi ninguna, solo que el Postimpresionismo posicionó el impacto visual
como una prioridad sublime. 
Es importante destacar que, en este periodo de la evolución del arte, se crearon muchas pinturas basadas en
paisajes cotidianos. Al menos, según History Channel, en el mundo hay "siete lugares de la vida real de
pinturas famosas que aún se pueden visitar en la actualidad".
El arte, en estos tiempos, tenía la misión de sorprender a las sociedades con colores variados, diseños de
estilo libre y ornamentaciones muy marcadas, en el caso de las construcciones. ¡Un paso muy importante
para la historia universal del arte! 

Vanguardias
Durante los primeros 70 años del siglo XX, surgieron nuevos movimientos que dieron lugar a la siguiente
de las etapas de la historia del arte dentro de la modernidad y, ejemplos de estos, fueron los siguientes:
El cubismo
El dadaísmo
El futurismo
El surrealismo
El fauvismo
Salvador Dalí, Pablo Picasso y hasta Yoko Ono, fueron algunos de los mayores exponentes de este periodo
artístico, que dejó las puertas abiertas para el mundo de la postmodernidad. Es evidente que pintar paisajes
sobre óleo no es algo sencillo, por lo tanto, las obras que ellos realizaron se encuentran entre las más
preciadas del mundo del arte. 

Arte digital 
Luego de avanzar más de 30 mil años por la línea del tiempo de las etapas de la historia del arte,
seguro tienes mucho interés en saber cuál es la que predomina en nuestros días. 

Aunque algunos artistas consideran que el vanguardismo aún no se extinguió y que pertenece a
la historia del arte hasta la actualidad, desde 1970 la Postmodernidad, con todas sus variantes,
se ha ganado el protagonismo. Una de ellas es el arte digital que, gracias al permanente
desarrollo de innovaciones tecnológicas, crece minuto a minuto. 
La historia del arte postmoderno, que aún se sigue escribiendo, permite entender la diversidad
del arte. Como ya no existe una respuesta única, todo vale, y es por eso que las obras
representan sensaciones que van desde el cinismo hasta la superficialidad. ¿En donde lo
podemos comprobar? Sobre el arte expresado en fotos, videos, presentaciones, exposiciones y
muchos ámbitos más.

A lo largo de la historia las escuelas de arte han ido evolucionando y sufriendo grandes cambios.
Dibujo y las demás disciplinas se implantaron en las grandes escuelas filosóficas, donde el documento mas
antiguo de la enseñanza del dibujo pertenece a una obra de Aristóteles.

Edad Media. El aprendizaje se basaba en el conocimiento y empleo de materiales y técnicas. Las artes
plásticas eran consideradas oficios manuales, y en consecuencia todas las profesiones relacionadas se
aprendían en talleres de trabajo

Academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo. El programa de estudio estaba organizado

alrededor de la enseñanza del dibujo y fue considerado el fundamento de todas las Bellas Artes. La primera
academia de dibujo se fundó en Florencia por Giorgio Vasari (1563).

Metodología de la enseñanza basada en la copia de láminas, dibujo de grandes maestros, bajorrelieves y

estatuas. y estudios teóricos como:
perspectiva, anatomía, teoría de la proporción, dibujo del natural, historia del arte y estética.
 Las academias fueron afianzándose hasta finales del siglo XIX.
Dibujo en la escuela del siglo XIX. El dibujo se incluye en el currículo en la primera mitad del siglo XIX y
se convierte el eje del desarrollo técnico y la fabricación industrial.

 Era figurativo con fundamentación claramente geométrica.

 Se diversifican en: Artístico y técnico.

 Primera mitad del siglo XIX aparecen los primeros manuales.

La primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.

Últimos años del siglo XIX. Se reconoce entonces la manera de expresión de los niños, a través del dibujo, y
se relaciona con los movimientos artísticos de la vanguardia como el Cubismo.
La segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
La educación artística: no aprender a hacer arte, sino que a través del arte aprendan a ser una persona.
Unesco organiza un seminario sobre educación Artística 1951 en Bristol.
Unesco y la oficina internacional de educación aprueban las recomendaciones relativas a la enseñanza de las
artes plásticas en las escuelas de primarias y secundaria.
En 1970 se promovió los principales proyectos sobre educación artística.

Índice

1.4 - Definición de obra de arte

Se refiere a los objetos que han sido producidos por un individuo mediante la aplicación de un conjunto de
ideas, conceptos y técnicas con fines estéticos o artísticos.
Estos objetos pueden ser materiales o inmateriales, como, por ejemplo, obras pictóricas, obras
arquitectónicas, obras de teatro, obras literarias u obras musicales.

El concepto de obra de arte establece una distinción con el de artesanía. Una obra de arte se concibe como
una pieza única e irrepetible, cuyo un fin estrictamente estético y no utilitario.

Cuando una obra de arte particular destaca singularmente en calidad sobre otras piezas del mismo autor y
logra una trascendencia sorprendente, se le refiere como obra maestra.
1.5 - El hombre racional como creador de arte

El hombre creador que recurre al arte como forma de supervivencia no se cuestiona la legitimidad de sus
creaciones, ni si lo que hace es “normal” o “anormal”. Y hace bien, porque cada momento de la historia
impone leyes y normas que son cambiantes. La sociedad es la que se permite “empaquetar” con la etiqueta
de la “anormalidad” a enfermos mentales, delincuentes, médiums, seres extravagantes, artistas, etc. Por un
momento, el momento de la creación, todos ellos habitan el mismo espacio.

Qué fina es la frontera entre la locura y la cordura, la “normalidad” y la “anormalidad”. A veces, incluso, se
diluye y vamos pasando de un lado al otro o, momentáneamente, habitando en la frontera misma.
Ya en 1922 C.G. Jung, psiquiatra suizo discípulo de Freud y fundador de la escuela de psicología analítica,
en un ensayo titulado “Sobre las relaciones de la psicología analítica con la obra de arte poética”, nos
indicaba que la creación se realiza desde un estado psíquico similar al de la neurosis y que trasciende al
sujeto. Tras la creación, la obra pasa a ser supra personal.

Por otra parte, el filósofo rumano Emil Cioran explicaba cada vez que tenía ocasión, que comenzó a escribir
para no volverse loco, a modo de terapia. Una cita del poeta francés y fundador del teatro de la crueldad,
Antonín Artaud describe bien ese estado: “No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido,
modelado, construido, inventado, a no ser para salir del infierno”.
algunos sujetos se mueven a lo largo de la línea de la normalidad-anormalidad, adoptando todas las
posiciones dependiendo del momento vital y en consecuencia variando el medio de inducción creativa
(introspección, bioquímica, drogas, psicosis, etc.). Otros, se sitúan en un lado de la línea, uno concreto según
su forma de ser y estar, y ahí se quedan.

1.6. Origen y adaptación de las formas, transmisión de estas formas a través del tiempo y las civilizaciones.

Desde el principio de los tiempos el hombre siempre ha manifestado sus ideas, sus pensamientos sobre todo
sus sentimientos, el arte prehistórico engloba las manifestaciones gráficas, este es famoso por las pinturas
rupestres que dejaron los primeros habitantes en las paredes de las cuevas.

La escultura y la pintura muestran las representaciones de forma figurativa, generalmente con gran rigidez y
esquematización. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras
dinastías, alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes
representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o
la diorita. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo, con formas tendentes a la geometrización,
dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. También destacan los ushebti,
pequeñas figurillas de tierra cocida o madera, de mayor realismo que la escultura funeraria, representando
escenas cotidianas.
1.7. El arte y la relación directa con el hombre

La historia del hombre, se encuentra considerablemente relacionada con el arte, así como la cultura en la que
se desarrollaba. El arte es una de las características universales de la cultura humana, siendo su reflejo.
Considerando que toda expresión de arte existente es única y exclusiva.

Las diferentes formas de representación artística corresponden, la mayoría de las veces, a la necesidad o
característica fundamental de expresarse que poseen los seres humanos.
La pintura, la escultura, la música, la danza, el teatro, la ópera, la literatura, la poesía, son consideradas
como muestras de arte; pero actividades cotidianas como el dibujo de un tejido, el diseño de un mueble, la
cerámica, la decoración de un lugar, también son manifestaciones artísticas de menor intensidad, pero
cumplen con el sentido del arte, que es en cierta medida el de satisfacer al autor y a los espectadores. Dicho
de otra forma, posee componentes estéticos que los incluyen en lo artístico y lo hacen agradable.

La naturaleza revela y presenta majestuosos paisajes e infinidades de maravillas, pero sin una
intencionalidad creadora, no busca ser bella, mucho menos dar un sentido estético, sólo sigue un proceso de
cambio y transformación. Los trozos de una roca, sin importar cuán bella sea su composición, son sólo eso,
trozos de una roca; pero sí esos mismos trozos de roca llegarán a manos del hombre y éste los labrará
convirtiéndolos en herramientas o en objetos de adorno, los trozos de roca se convertirían en una expresión
artística.
El sentido creador, creativo, la capacidad de transformar un simple objeto en arte, es propia y universal
entre los humanos; encontrándose expresiones desde el origen de la humanidad, tal como es el caso del
hombre de Neandertal, que recogía pigmentos minerales, como el ocre usándola posiblemente para decorar
su cuerpo, piedras bellamente talladas del período Solutrense, utensilios de uso domésticos o de cacería.
Aunque si bien era un arte figurativo son los inicios artísticos de la humanidad y confirman la relación
existente entre el hombre y el arte.

1.8. Diferencia entre el instinto y la razón

Instinto: Conducta innata y no aprendida que se transmite genéticamente entre los seres vivos de la misma
especie y que les hace responder de una misma forma ante una serie de estímulos. Impulso natural e interior
que provoca una acción o un sentimiento sin que se tenga conciencia de la razón a la que obedece.
Capacidad natural para percibir y valorar con rapidez y facilidad una cosa. Relacionado con cuestiones
psíquicas, pero sobre todo con esferas biológicas, el instinto es el término utilizado para denominar aquellas
pautas o conductas que implican una reacción ante determinadas situaciones de mayor o menor premura.
Estas conductas son muy características del animal y en muchos sentidos son vistas como la predominancia
del carácter salvaje del animal. Sin embargo, también están presentes en el ser humano y, aunque mucho
más neutralizadas que en los animales, estas conductas instintivas son las que permiten en cierto sentido la
evolución y adaptación del ser humano a diversas realidades.

Razón: Es la capacidad del entendimiento que le permite al hombre discurrir, reflexionar o pensar,
diferenciándose por esta aptitud del resto del mundo animal. Puede descubrir realidades y cuestionarlas. En
lógica se exige para realizar un razonamiento válido que éste se ajuste a ciertos principios (identidad, no
contradicción y el de tercero excluido). La razón es la facultad del ser humano de pensar, reflexionar para
llegar a una conclusión o formar juicios de una determinada situación o cosa. La palabra razón proviene del
latín ratio, rationis que significa “cálculo, razón o razonamiento”. No obstante, el término razón puede tener
varios significados todo depende de cómo sea empleada. La razón es el argumento que una persona alega
para probar algo o persuadir a otra persona de sus argumentos. Asimismo, razón es la causa determinante
del proceder de una persona y de un hecho. El razonamiento puede ser deductivo quiere decir que la
conclusión está comprendida en las premisas e inductivo se logra conclusiones generales de algo particular.

1.9. Importancia del razonamiento humano para el establecimiento de la historia

En el mundo del Reino Animal la supremacía gira en torno al uso del justamente Instinto Animal, donde
todas las acciones giran en torno a los estímulos que les da el entorno o el Hábitat Natural que les rodea,
buscando saciar su apetito realizando la función de Alimentación, continuando con el establecimiento de
distintas comunidades o manadas mediante la Relación con otras especies, mientras que por último tenemos
la Reproducción como la forma de garantizar que esta especie perdure y tenga su trascendencia hacia una
nueva etapa.
En el caso de los seres humanos, tenemos la capacidad de Abstraernos del Mundo, y es allí cuando empieza
a entrar en juego el Pensamiento, siendo comúnmente denominado Hacer uso de la Razón, que permite
volcarse a sí mismo realizando el proceso conocido como Reflexión o Introspección, en los que
prácticamente es capaz de detenerse y transportarse a un nuevo mundo haciendo uso de su mente. Es allí que
surge el concepto de Razonamiento, que tiene como punto de partida fundamental la Observación de un
hecho en particular o de un conjunto de sucesos o fenómenos, mediante la cual posteriormente se elaboran
distintas Premisas o Afirmaciones que buscan explicar, predecir o fundamentar porqué eso que ha tomado
nuestra atención está aconteciendo.

Realizado esto incurrimos en un período de Experimentación y Comprobación, en la cual buscamos la

aplicación de una metodología de trabajo en la cual lo que hemos puesto como válido pueda ser Validado o
Refutado, para lo cual se obtiene una Conclusión que es nuevamente objeto de Reflexión e Interpretación,
adecuándose al punto de vista de quien llevó a cabo la experiencia.

De este modo, podemos definir al Razonamiento como la aplicación de la inteligencia y los conocimientos
que hemos adquirido para poder partir de Dos o Más Premisas, realizar un confronte entre las mismas y
mediante el uso de una Experimentación y Deducción, llegar a la elaboración de una Afirmación o
Predicción sobre un hecho en particular o sobre sucesos generales.

1.10. La ética y estética (similitudes y diferencias)

Ética: La moralidad se refiere a las normas y valores sociales que guían a las personas y su interacción con
el prójimo, las comunidades, y su entorno. En todos estos tipos de interacción hay valores importantes en
juego; reglas y normas para proteger estos valores; deberes implícitos en las funciones y posiciones sociales
que pueden fomentar estos valores y promover estas reglas; y virtudes humanas o capacidad que nos
permiten actuar en consecuencia. Estos factores morales están normalmente relacionados con prácticas
religiosas y estructuras de poder social. La ética es un análisis sistemático y crítico de la moralidad, de los
factores morales que guían la conducta humana en una determinada práctica o sociedad. Como la pesca
representa una interacción entre personas y el ecosistema acuático, la ética de la pesca se refiere a los
valores, reglas, deberes y virtudes pertinentes al bienestar de las personas y el ecosistema, proporcionando
un análisis normativo crítico de las cuestiones morales en juego en ese sector de las actividades humanas.

Estética: La estética es la disciplina que se encarga de estudiar y analizar el fenómeno artístico. Lo bello, lo
sublime, la sensibilidad, la percepción son los elementos característicos de esta disciplina. Es una rama de la
filosofía que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del ser humano interpreta los estímulos
sensoriales que recibe del mundo circundante.

La estética, además, determina los valores estéticos. ¿Qué son los valores estéticos? Son aquellos
parámetros existentes a través de los cuales se determina la grandeza y la calidad de una obra de arte. El
valor estético varía según el contexto histórico, social y cultural de un espacio geográfico. A través de la
historia de la humanidad han variado según la época y hasta los intereses económicos. La estética es la
doctrina filosófica del arte. Ya desde la antigüedad, el carácter de las doctrinas estéticas fue determinado
como hasta ahora por las posiciones que en la lucha entre el materialismo y el idealismo ocupan los teóricos
del arte. Concibiendo lo bello como una forma particular del ser, la estética antigua no ha podido explicar
por qué lo bello es apreciado por diversos hombres de diversa manera, de acuerdo con las condiciones de la
época, de las diferencias de clases sociales, del nivel de cultura.

1.11. El arte individual y el arte en las civilizaciones

Arte individual: El arte es un compromiso, en primer lugar, individual, en el que el creador, con sus
conocimientos y técnica desarrolla su creación. Pero, por otra parte, también posee un compromiso con su
verdad, con su búsqueda de la verdad, aunque se defina anti-verdad, antisistema o bien un creador que no le
interesan los estereotipos. Al fin y al cabo, siempre estamos hablando de la verdad de cada uno. Y buscar la
verdad en el arte es ser consigo mismo, es establecer el camino de la comprensión y el conocimiento. Un
sendero que se basa en la honestidad, en ir más allá de los límites que impone el mercado, que atiende, a
veces, no sólo a la calidad y originalidad, sino también a las condiciones idóneas de mercado y de una cierta
especulación, que no por esto significa que sea adecuada.

La realidad del arte contemporáneo se fundamenta en la dinámica de la creación individual de los creadores
y artistas plásticos, asimismo en el mercado, también en el interés económico de inversores concentrados en
proyectar y consolidar la obra de determinados artistas. El arte en las civilizaciones: La casa, la tumba, el
templo o el palacio son considerados las más grandes representaciones de arte dejadas por las civilizaciones
antiguas, son contenidos arquitectónicos expresados en formas muy diversas por las distintas civilizaciones,
sometidas a los condicionantes físicos y la disponibilidad local de materiales; pero no obstante, las
soluciones formales encontradas fueron muy a menudo sorprendentemente similares (pirámides egipcias,
chinas, mesoamericanas), y los elementos arquitectónicos elegidos de entre un surtido no ilimitado
(cubiertas, muros, vanos, columnas, pilares, dinteles, arcos, bóvedas). Siempre, y en todo caso, con rasgos
de validez prácticamente universal: la obligación de que el edificio permita satisfacer necesidades materiales
e imaginadas de personas e instituciones (agentes sociales y políticos que son sujetos históricos), además de
ser vehículo de una creación. Sólo desde ese punto de vista puede entenderse que la movilización necesaria
para levantar las Pirámides de Guiza era en sí misma justificativa de su existencia como proyecto ideológico
de una sociedad entera. Idénticas funciones tenía el arte en las culturas prehistóricas simultáneas a las
primeras civilizaciones del Próximo Oriente Antiguo, con las que de hecho mantenían relación, en toda la
Cuenca del Mediterráneo e incluso la Europa central: objetos como el disco celeste de Nebra, recuperado
por románticos procedimientos y estudiado por la arqueología, eran en la época (II milenio a. C.) útiles
tecnológicos, valiosos por su función real y por su función simbólica, no por cuestiones relativas a la
estética, a pesar de que son indudablemente bellos. Lo mismo podría decirse de los monumentos megalíticos
como Stonehenge, un verdadero observatorio astronómico que al tiempo servía de calendario solar-lunar, o
el mecanismo de Anticitera, un enigmático objeto de bronce con engranajes fechado en el siglo I a. C. Otros
son de muy discutida función, como las preincaicas líneas de Nazca. En la civilización romana, la función
utilitaria y la durabilidad de acueductos y puentes sin duda prevalecía sobre cualquier consideración estética,
aunque también sirvieran de vehículo para expresarlas.

1.12. La acción del arte sobre la historia

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la distinción medieval entre
artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes
menores o aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi cualquier
manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el siglo XX hasta el número de nueve:
la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía, entendida de forma amplia como
literatura con intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa, la cinematografía,
la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes visuales se añadieron los de diseño y
artes gráficas. Además de antiquísimas formas de expresión artística como la moda y la gastronomía,
actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la
televisión y los videojuegos. La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un
examen objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo periodizaciones y
observando sus características distintivas e influencias. El estudio de la historia del Arte se desarrolló
inicialmente en el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de la civilización
occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística,
intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones
artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no sólo de los de la historia
del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el legado artístico
producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el siglo XX han proliferado las instituciones,
fundaciones, museos y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las
obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de comunicación ha
sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
1.13. La mecánica de la obra de arte

A lo largo de la historia las técnica o mecanismo pictóricas dejaron plasmado un registro y una constancia a
lo largo de la Historia del Arte. Cabe destacar que la técnica en una obra de parte tiene múltiples
modalidades dentro de unos apartados que serán definidos.

En la Prehistoria se utilizaba el carbón vegetal, pigmentos a base de hierro -rojo- y manganeso -negro-, y
también, esporádicamente, sangre y caseína, todos ellos mezclados con grasa animal que cumplía la
función de aglutinante.

El temple, el fresco y la encáustica son tres técnicas que se iniciaron en el mundo antiguo grecorromano y
egipcio. La técnica del temple tiene múltiples formulaciones y fue utilizada como procedimiento de pintura
mural. En Egipto se aglutinaban los pigmentos con agua y goma, colas y huevo, aplicándolos en zonas
concretas, sin mezclar los colores.

El fresco es la modalidad técnica más frecuente en la pintura mural. Se realiza sobre revoque de cal húmeda
que sirve de soporte para los diversos pigmentos disueltos en agua. Los colores utilizados son
preferentemente de origen mineral: blanco de San Juan (carbonato cálcico) y cal muerta (hidróxido de
calcio) para el blanco; ocres naturales y tostados para el amarillo y el rojo; tierras para el rojo y el verde;
lapislázuli para el azul; sombra de hueso natural y tostada para los marrones; y negro de marfil, de hueso o
de carbón de vid para el negro.

La encaústica es una preparación a base de colores diluidos en cera fundida, que cumple la función de
aglutinante y cuya aplicación se realiza en caliente. Su invención se atribuye a Polignoto y en las fachadas
de los templos dóricos ya hay testimonios de esta clase de pintura, que comúnmente se aplicaba en pequeñas
tablas de madera debidamente preparadas.

La pintura mural, a la que se aplicaban las técnicas anteriormente comentadas, tiene en el esgrafiado una
de sus formas eminentemente decorativas. SU proceso es sencillo. Se da color tiñendo el mortero de la
última capa de un fresco aplicada en húmedo. Sobre ella se añaden, también sobre húmedo, dos encalados
fuertes. Sobre el último encalado se dibujan los contornos de la composición, a la manera de la sinopia del
fresco, y se rebaja con una incisión con inclinación hacia fuera, de modo que se consigue un efecto dicromo.
Se aplica comúnmente a las fachadas y su cronología se remonta al mundo renacentista. Fue empleado
mayoritariamente en el siglo XVIII y en nuestro siglo, como sistema decorativo en arquitectura de clara
connotación clasicista.

El óleo es la técnica pictórica más conocida y empleada sobre tela o tabla. Consiste en una mezcla de
pigmentos coloreados con aceite, generalmente de linaza o de nuez. Carece de base el atribuir a Van Eyck su
invención, ya que era conocida desde la Antigüedad y Cennini en el siglo XIV ya hacía mención de esta
técnica. Fueron, sin embargo, los flamencos del siglo XV los primeros que de manera sistemática lo
utilizaron. Sus ventajas son múltiples, destacando el color brillante y la posibilidad de rectificaciones por
superposición de pinceladas, lo que da una mayor libertad de ejecución al pintor.

La pintura llamada de caballete ha incorporado nuevas maneras. De entre ellas destacaremos tres:
la matérica, el collage y la cinética. La primera consiste en el empleo de tierras y materiales minerales que,
unidos al soporte por medios adherentes, cumplen la función sígnica de la pincelada clásica. Tàpies es uno
de los ejemplos más sobresalientes y universales.

El collage consiste en la adición de diversos materiales -fotografías, periódicos, objetos...- que conforman la

composición. Generalmente preexiste una base de óleo o acrílico. El cinetismo busca el movimiento de la
composición e introduce elementos añadidos y artilugios técnicos, aunque a veces utiliza los trucos
perspectivos y los engaños ópticos.

El dibujo constituye generalmente la fase previa de la realización artística. Se constituye así en proyecto,

esbozo, boceto, modelo, cartón, de una obra pictórica. Sin embargo, a partir del siglo XVIII adquiere un
carácter individualizado que lo potencia y lo convierte en elemento artístico en sí mismo. Este valor
individual está potenciado en el Lejano Oriente -China y Japón-, donde la palabra hua designa a la pintura,
el dibujo y la escritura como elementos plásticos valorados a un mismo nivel.

Las composiciones sobre el papel tienen distintas denominaciones según la técnica empleada. Las más
comunes son el dibujo al lápiz, carbón, sanguina -ya comentadas anteriormente- y el pastel, cera,
acuarela, gouache y miniatura.

El pastel es una técnica que se ejecuta en seco. El pigmento utilizado es molido con un aglutinante a base de
color y conformado luego en barritas cilíndricas. Su máxima virtud es que consigue unas cualidades
aterciopeladas, aunque su mayor peligro es su fragilidad a las vibraciones, los roces, la acción del sol y la
humedad. Se difundió en el siglo XVIII, sobre todo en Francia, aunque más recientemente hay que citar a
Degas y Picasso.

La acuarela utiliza únicamente colores transparentes y ligeros, aglutinados con goma arábiga o del Senegal,
consiguiendo los efectos de la luz por el blanco o tono de fondo y sin intervención alguna del pigmento
blanco.
La diferencia del gouache con la acuarela consiste en la utilización de colores opacos y de algo pastosos
y blanco llenando toda la superficie del soporte. El origen de la acuarela encontrar en las páginas iluminadas
del mundo medieval, desarrollándose a partir de Durero y alcanzando en los siglos XVIII y XIX francés e
inglés su máximo apogeo.

1.14. Elementos propios e internos para ser considerado arte

Los elementos del arte son el grupo de componentes de una obra de arte utilizados usualmente en su

enseñanza y análisis, en combinación con los principios del arte. Serían los componentes o partes básicas
para crear una obra de arte.1
Las listas de los elementos del arte varían, su función de diferentes autores, pero en general incluyen las
siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.
Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no siendo necesario que
aparezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos.
Espacio: El espacio es el área proporcionada por un motivo particular. Puede tener dos dimensiones (alto y ancho) o tres si
se agrega la profundidad.
La creación de una perspectiva visual, que da la ilusión de profundidad es otro elemento de arte utilizado para crear
un espacio. En las técnicas pictóricas clásicas hay un esfuerzo por recrear un espacio tridimensional. El uso correcto del
espacio es un arte en sí mismo.
Color: El color es la parte más expresiva de la obra, y puede verse gracias a la luz que refleja la obra
Forma bidimensional: La Forma (Figura forma]] bidimensional es una zona que define objetos en el
espacio compuesto de largo y ancho. Puede ser geométrica (como cuadrados o círculos) u orgánica (como
formas naturales o libres). Al visualizar una obra de arte, lo primero que observamos son representaciones
con una forma determinada, ya sean figurativas o abstractas.
Una forma crea automáticamente otra forma alrededor de ella. Las formas en la decoración y diseño de los
interiores de una casa pueden usarse para agregar practicidad y estilo, como, por ejemplo, en el diseño de
una puerta. La forma en el diseño de interiores depende de la función del objeto como una puerta de armario
de la cocina. Las formas naturales que forman patrones en madera o piedra, pueden ayudar a aumentar el
atractivo visual en el diseño de interiores.
Forma tridimensional: La forma tridimensional es un objeto con volumen de altura, ancho y
profundidad. Estos objetos incluyen cubos, esferas y cilindros. La forma tridimensional se utiliza a menudo
cuando se hace referencia a obras de arte físicas, como esculturas.
Textura: La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de textura: la óptica
(visual) y la textura que se puede tocar (táctil). Las texturas pueden ser ásperas o suaves, blandas o duras. Las texturas no
siempre se sienten como se ven, por ejemplo, si representamos un cardo lleno de espinas en un cuadro, en realidad si
pasáramos la mano por las espinas de la pintura, la textura sería suave.
Valor: El valor, luminosidad o simplemente luz, describe cual claro es un color. Los artistas utilizan el
valor del color para crear diferentes estados de ánimo. Los colores oscuros en una composición sugieren una
falta de luz, como en el caso de la noche o una escena interior. Los colores oscuros a menudo pueden
transmitir una sensación de misterio o presagio. Los colores claros suelen describir una fuente de luz,
implícita, alegría como en las velas de un cuadro de Georges de La Tour o explícita como en un cuadro
de Caravaggio, o una luz reflejada. El valor está directamente relacionado con el contraste.
La fotografía en blanco y negro depende por completo del valor para definir a los sujetos de la composición.
Línea: La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse como la marca
(con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier forma en el camino o también el
camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio.
Las líneas pueden ser rectas o curvas, finas o gruesas, horizontales, verticales y diagonales.
Por oposición al color, la línea puede definir el contorno de las formas. En pintura, cuando la línea, el
dibujo, predomina sobre lo pictórico, se habla de "arte lineal", como es el caso, por ejemplo, de Durero.
Figura: Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. La Figura
puede emplearse en múltiples contextos y con significados diferentes. Una figura es, entre otras cosas, la
apariencia o el aspecto externo de un cuerpo u objeto, a través de la cual se puede distinguir frente a otros.
En un sentido similar. Se conoce como figura a toda estatua, escultura u obra de arte que reproduce las
formas características de animales u hombres, y al dibujo que refleja a cuerpos humanos.
1.15. Elementos no propios o externo para ser considerado arte