La comedia, como la tragedia, 

tiene su origen como género en la Antigua

Grecia (1200 – 146 a.C.), como una evolución artística de los primitivos cantos de
honor a Dionisos, derivado del ditirambo, una composición griega asociada a la
sátira y al mimo. El esplendor de la comedia griega tuvo lugar con Aristófanes
(444-385 a.C.), cuya herencia fue transmitida a la cultura romana por el
comediógrafo griego Menandro en el siglo IV.

De allí pasaría a la cultura medieval europea, en donde formaría parte importante

de las tradiciones populares, en nada similares al arte religioso y censurado de la
época, siendo más bien grotesco y muy en contacto con el cuerpo. Allí se
engendrarían fenómenos artísticos cómicos posteriores como
la Commedia  dell’Arte o el teatro del Siglo de Oro español (Lope de Vega, Tirso de
Molina, Calderón de la Barca, principalmente).

La comedia sería después un género importante del imaginario artístico

contemporáneo, en especial en el teatro decimonónico y en los principios
del cine, con personajes legendarios como el Charlot de Charles Chaplin o
Cantinflas de Mario Moreno.

Tipos de comedia

Existen clasificaciones diversas de la comedia, dependiendo del tipo de trama y de

personajes que muestra. Algunos ejemplos son:

 Comedia antigua. Se conoce así a la obra de los grandes comediantes de

la antigüedad, como Aristófanes, Cratés o Cratinos, inventores del género.
 Comedia de enredos. También llamada “de situación”, consiste en la
mezcla azarosa y disparatada de dos o más relatos que convergen sin
querer y dan lugar a malentendidos.
 Comedia física. Llamada en inglés slapstick, es la comedia de importante
componente físico o actoral, es decir, en la que los actores sufren
accidentes físicos: caídas, golpes, etc.
 Comedia pastoral o pastoril. Dedicada a la bucólica vida en el campo,
con amores entre pastorcillos o campesinos.
 Comedia satírica. Aquella que ridiculiza determinadas instituciones o
individuos, realzando sus defectos y haciendo mofa del poderoso.
 Comedia de magia. También conocida como comedia de aparato, tiene
presencia de toda suerte de seres y animales mágicos que requieren de
situaciones y efectos especiales (tramoya).
 Comedia musical. Donde los personajes no solo actúan, sino que cantan y
bailan.
Ejemplos de comedia
Algunas de las comedias más reconocidas son:

 Lisístrata, Las nubes  y Las ranas  de Aristófanes.

 El enfermo imaginario de Molière.
 La olla de Plauto.
 El condenado por desconfiado y El burlador de Sevilla de Tirso de Molina.
 La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde.
 El gran dictador de Charles Chaplin.
 El padrecito, El barrendero, Ahí está el detalle de Mario Moreno “Cantinflas”.

Como fenómeno antropológico, responde:

    
1-al instinto del juego, 
   
2-al gusto del hombre por la broma y la risa, 
  
3-a su facultad de percibir aspectos insólitos y ridículos de la realidad física y social. 
    
Como arma social, 
   
1-ofrece al ironista los medios para criticar su entorno, 
   
2- ocultar su oposición a través del ingenio o de una farsa grotesca. 
  
Como género dramático, centra la acción 
   
1-en torno a conflictos 
   
2-peripecias que testimonian la inventiva 
  
3-el optimismo humanos ante la adversidad.

 
COMEDIA ALTA 

   
  
alta o gran comedia utiliza sutilezas de lenguaje, alusiones, juegos de palabras y situaciones "intelectualmente
agudas". La Comedy of Humours, cuyo origen se atribuye a Ben Johnson, autor de Every Man is his Humour, es el
prototipo de la alta comedia encargada de ilustrar los diferentes sentidos de humor de la naturaleza humana.

COMEDIA ANTIGUA
    
La comedia antigua es la de Aristófanes (siglo V antes de Cristo). 
Derivada de los ritos de fertilidad en honor a Dionisos, es a menudo violenta, obscena y grotesca. 
El coro jugaba un rol dramático esencial.

COMEDIA BAJA

    
Distinción según la cualidad de los procedimientos cómicos. 
La comedia baja utiliza procedimientos de la farsa, de lo cómico visual (gag, slapstick humor, palizas), Ejemplo
actual. Mr Bean es el prototipo del slapstick humor

COMEDIA CÓMICA

  
  
Lo cómico no se limita al género de la comedia; es un fenómeno que podemos comprender desde distintos
ángulos o campos. 
   
Como fenómeno antropológico, responde:
    
1-al instinto del juego, 
   
2-al gusto del hombre por la broma y la risa, 
  
3-a su facultad de percibir aspectos insólitos y ridículos de la realidad física y social. 
    
Como arma social, 
   
1-ofrece al ironista los medios para criticar su entorno, 
   
2- ocultar su oposición a través del ingenio o de una farsa grotesca. 
  
Como género dramático, centra la acción 
   
1-en torno a conflictos 
   
2-peripecias que testimonian la inventiva 
  
3-el optimismo humanos ante la adversidad. 
     
Se pueden distinguir algunas formas de lo cómico, sin la intención de agotarlas: 
 
1-Cómico y risible: 
    
Existe lo cómico en la realidad (risible) y lo cómico en el arte. 
La risa espontánea en situaciones reales es una risa en bruto, de simple rechazo o autodefensa. 
Sólo es verdaderamente cómico lo que es revestido por la inventiva humana y lo que responde a una
intención estética. 
  
2-Cómico significativo y cómico absoluto: 

 Baudelaire    
   
Baudelaire distingue lo cómico significativo de lo cómico absoluto.
 
En el primer tipo nos reímos de algo o de alguien; 
en el segundo nos reímos con alguien: 
La risa comprende todo el cuerpo, las funciones vitales y lo grotesco de la existencia. 
Este tipo de comicidad arrasa con todo y no deja espacio a ningún valor político o moral.
  
3-Risa de aceptación y de exclusión:

      
La necesaria solidaridad entre los que ríen tiene como consecuencia el rechazar como ridícula a la
persona cómica, o bien el invitar a sumarse a los que ríen en un movimiento unánime de fraternidad
humana. 
  
4-Comicidad, ironía, humor: 

  
El humor es el procedimiento favorito de los dramaturgos. 
El humor se nutre de lo cómico y de la ironía pero posee su propia tonalidad. 
Mientras la ironía y la sátira dan a menudo una impresión de frialdad e intelectualidad, el humor es más
caluroso, no vacila en mofarse de sí mismo e ironizar sobre el ironista. 
Busca los aspectos filosóficos ocultos de la existencia y permite mostrar la riqueza y actitud interior del
humorista. 
 
También dentro del teatro y de la dramaturgia se pueden distinguir procedimientos de lo cómico: 
  
1-Comicidad de situación: 
  
La risa provocada por una situación particularmente desacostumbrada y graciosa, o simplemente por el
discurso y el comportamiento de un tipo de personaje. 
   
2-Comicidad de palabras: 
  
A-Juegos de palabras, 
  
B-repeticiones, 
  
C-ambigüedades, 
  
D-invenciones verbales. 
  
3-Comicidad de costumbres (de carácter): 
  
El personaje tiene numerosos defectos cuya acumulación produce el efecto de una caricatura o de una
parodia.

COMEDIA BURGUESA

   
Obra cuya temática y personajes pertenecen a la clase burguesa, que en el siglo XVIII hace su aparición en la
escena teatral y social.
¿La extraña burguesía de Shakespeare en Hamlet?
Shakespeare empezó a escribir Hamlet, y de pronto se encontró con que Ofelia se le había muerto.
«A esta mujer hay que enterrarla», se dijo, sin duda. «¿Dónde la enterraremos? En un cementerio
romántico, que puede ser, mejor que ningún otro, el cementerio de una aldea». 
Allí llevó Shakespeare la acción de uno de los cuadros, sin ocurrírsele contar el entierro como
hubiera hecho cualquier autor de nuestros días. 
  Shakespeare si fue a un cementerio verdadero y se dijo: «aquí tiene que salir un sepulturero. Pero
como un sepulturero solo se va a hacer pesado, lo mejor es que aparezcan dos sepultureros. Estos
sepultureros tienen que hablar de algo mientras cavan la fosa de Ofelia. Al cavar la fosa lo natural
es que encuentren un hueso hagamos que éste sea el más noble: el cráneo». Y de ahí de un hecho
burgués surgió la admirable situación de Hamlet

COMEDIA DE BALLET

     
Comedia que hace intervenir el ballet en el curso de la acción o como intermedio autónomo entre las escenas y los
actos. 
Se tiende a concebir el ballet no como un elemento segundo sino secundario, como intermedio decorativo,
permaneciendo el texto de la comedia como elemento primero. 
  
Pero ciertos ballets contienen algunos elementos dramáticos dialogados y actuados. 
   
El dramaturgo a veces escoge, 
   
como Moliere en Los enfadosos, vincular el ballet a la intriga:
   
  "Para no romper el hilo de la obra por estas formas de intermedios, hemos creído pertinente coserlos al
asunto lo mejor posible, y hacer una sola cosa del ballet y la comedia"(Prefacio). 
   
La comedia ballet se construye comúnmente en una sucesión de entradas de ballet, pasajes bailados que forman
una serie ininterrumpida de escenas sucesivas, según el principio de la comedia de folla.

COMEDIA DE CARÁCTER

    
Obra cuyos personajes son caracteres, es decir, tipos de hombres definidos por uno o varios rasgos psicológicos y
morales dominantes que simbolizan un aspecto de la naturaleza humana o una condición social (ej.:El avaro, El
misántropo, de Moliere). 
La exageración de estos rasgos provee el material para una crítica del medio social (Juan Ruiz de Alarcón, Los
pechos privilegiados).

COMEDIA DE COSTUMBRES

  
Estudio del comportamiento del hombre en la sociedad, de las diferencias de clase, medio y carácter 
(ej.: Inglaterra, siglos XVII y XVIII, Congreve, Sheridan; también se pueden nombrar Moliere y Lope de Vega).

COMEDIA DE FOLLA

     
Serie de sketches que tratan un mismo tema o un mismo tipo de personaje o acción (ej.: Les Fâcheux, de Moliere,
que presenta una galería de retratos del inoportuno).

COMEDIA DE HUMORES

   
La "comedy of humours" se constituye en la época de Shakespeare y de Ben Johson (Every Man Out of His
Humour, 1599). 
La teoría del humor, que se basa en la concepción médica de los cuatro humores que rigen la conducta humana,
apunta a la creación de personajes-tipo determinados psicológicamente y que actúan en función de un humor,
manteniendo un comportamiento idéntico en todas las situaciones. 
Este género se aproxima a la comedia de caracteres, la cual diversificará los criterios de comportamiento
   
Se extiénden a 
  
1-rasgos sociales, 
  
2-económicos 
  
3-morales.

COMEDIA DE IDEAS

    
Obra donde se debaten humorísticamente sistemas de ideas y filosofías de la vida 
(ej.: B. Shaw, J. Giraudoux, J. P. Sartre).

COMEDIA DE INTRIGA

     
Se opone a la comedia de caracteres. 
Los personajes son esbozados de forma aproximada y los múltiples resurgimientos de la acción dan la ilusión de
un movimiento continuo 
(ej.: Las Trapacerías de Scapin, El Mercader de Venecia).

COMEDIA DE MAGIA

    
Se basa en efectos mágicos, maravillosos y espectaculares, haciendo intervenir a personajes imaginarios dotados
de poderes sobrenaturales 
  
1-hadas,
   
2-demonios,
  
3-elementos naturales, 
  
4-criaturas mitológicas, 
   
5-etc.
   
La comedia de magia toma diversas formas: 
  
1-ópera, 
  
2-ballets, 
  
 3-pantomima 
  
4-obra de intriga fantástica (Sueño de Una Noche de Verano, de Shakespeare), 
   
utiliza todos los medios visuales imaginables 
   
1-vestuarios, 
  
2-iluminación, 
  
4-ballets acuáticos
  
5-accionamientos mecánicos
  
6-efectos pirotécnicos
  
7-efectos electrónicos
  
8-espejos.
  
9-escenografias
     
. Es popular en el barroco, siglo XVII (puestas en escena de Torelli, dramatización de cuentos de magia de
Perrault, creación de Andrómeda y del Vellocino de Oro de Corneille, de Psique de Moliere).

COMEDIA DE SALÓN

   Chejov   
Obra que a menudo muestra a los personajes discutiendo en un salón burgués. 
Lo cómico es únicamente verbal, muy sutil y buscando la palabra correcta. 
La acción se limita a un intercambio de ideas, argumentos o sutilezas formuladas de forma agradable 
(ej.: Tres Hermanas, de Chejov; Maugham; Schnitzler).

COMEDIA DE SITUACIONES

   
Obra que se caracteriza por el ritmo rápido de la acción y el embrollo de la intriga, más que por la profundidad de
los caracteres esbozados. 
Como en la comedia de intriga pasamos sin cesar de una situación a otra. 
   
Sus mecanismos favoritos son: 
  
1-la sorpresa, 
   
2-el quidproquo o equivocación
  
3-el golpe de efecto 
    
(ej.: Comedia de las Equivocaciones, de Shakespeare, La Verdad Sospechosa de Juan Ruiz de Alarcón).

COMEDIA DEL ARTE Commedia dell´Arte:

    
Se llamó primeramente 
  
1-commedia all improviso, 
  
2-commedia a saggeto, 
  
3-commedia di zanni, 
  
4-o en Francia y otros países mas conocido como , Comedia Italiana. 
  
Es solamente en el siglo XVIII cuando esta forma teatral, que existe desde mediados del siglo XVI, toma el
nombre de Commedi dell´Arte. 
   
Consiste a la vez en el arte, la competencia, la técnica y el aspecto profesional de los actores. 
La Commedia dell´Arte se caracteriza por una creación colectiva de actores que elaboran un espectáculo,
improvisando gestual y verbalmente a partir de un boceto no escrito de antemano por un autor y siempre muy
breve (indicaciones de entradas y salidas y sobre las grandes articulaciones de la fábula). 
  
Los artistas se inspiran en un asunto dramático, tomado de la comedia (antigua o moderna) o inventando. 
El esquema rector del actor (el guión) se obtiene tomando en cuenta el lazzi (indicaciones sobre la interpretación
de escenas cómicas) característico de su rol, y la reacción del público. 
  
Los actores agrupados en compañías homogéneas, recorrían Europa actuando en salas arrendadas, en plazas
públicas o para un príncipe que los contrataba. 
Mantenían una gran tradición familiar y gremial. 
Representaban una docena de tipos fijos, los cuales se dividían a su vez en dos "partes". 
  
La parte seria, 
  
comprende las dos parejas de enamorados. 
   
La parte ridícula consiste en 
   
1-ancianos cómicos (Pantalone y Dattore), 
   
2-el Capitano (producto del miles gloriousus de Plauto), 
   
3-los criados o Zani: 
   
se distribuyen en 
  
1- el primer Zani 
  
(criado astuto y espiritual que conduce la intriga) 
   
2- el segundo Zani 
   
(personaje ingenuo e inculto). 
   
éstos de nombres muy diversos 
   
a-Arlecchino, 
  
b-Scaramucia. 
   
c-Pulcinella, 
  
d-Mezzottino, 
   
 e-Scapini, 
  
f-Coviello, 
  
g-Truffaldino
   
En la parte ridícula siempre llevaban máscaras grotescas y estás máscaras (Maschere) servían para designar al
actor por medio del nombre de su personaje. 
En este teatro de actor (y de actriz, lo cual era una novedad para la época), el énfasis se ponía en la destreza
corporal, en el arte de reemplazar largos discursos por algunos signos gestuales y de organizar la representación
en función del grupo.

COMEDIA HEROICA

 
    
La comedia heroica, género intermedio entre la tragedia y la comedia, confronta personajes de alto rango y tiene
un desenlace feliz, puesto que "no vemos nacer ningún peligro que nos pueda conducir a sentir piedad o temor" y
porque todos los actores son reyes o grandes de España (Corneille). Originaria de España (Lope de Vega), pasa a
Francia con Rotrou y Corneille y a Inglaterra con Dryden (La conquista de Granada, 1669). 
    
La tragedia se hace heroica cuando lo sagrado y lo trágico ceden su lugar a la psicología y a un compromiso
burgués. 
De este modo, Le Cid de Corneille se esfuerza por conciliar la psicología, el individualismo y la razón de Estado. 
   
Lo heroico, en la comedia o en la tragedia, se manifiesta por un tono y un estilo muy elevados, por acciones
nobles, por una serie de conflictos violentos (guerras, raptos, usurpaciones), por lugares y personajes exóticos,
por un asunto ilustre y héroes admirables. 
   
Lo heroico-cómico es una parodia de tono heroico, una descripción en términos prosaicos de acciones nobles y
serias. 
Se aproxima mucho al burlesco o grotesco.

COMEDIA MODERNA

   
Con Meandro (siglo IV antes de Cristo) aparece la comedia nueva: 
ésta describe la vida doméstica, recurre a situaciones y caracteres estereotipados. 
Es la precursora de la comedia de caracteres y de costumbres.

COMEDIA MORALIZANTE

   
La comedia moralizante es la que popularmente se dice " Deja un Mensaje" , el objetivo de esos mensajes son 
"corregir las costumbres, atacar el ridículo y describir el vicio" (Detouches).
  Esta comedia desemboca en el drama burgués (Diderot, Sedaine, Beaumarchais) y en el melodrama (siglo XIX).
En la actualidad las comedias moralizantes no son bien recibidas por el espectador  que mas que ser moralizado,
quiere ser entretenido por el espectáculo 

COMEDIA NEGRA

   
El humor negro podría definirse como el irrefrenable impulso humano de satirizar la desgracia ajena. 
No es apto para todos los públicos, no contenta a todos los paladares, pero nadie es ajeno al encanto de lo ácido y
lo extremo. El cinismo elevado a la categoría de las bellas artes.
La comedia negra se apoya en lo más siniestro de nuestra humanidad para hacernos sonreír ante la adversidad.
Su tono inquietante y subversivo corroe los valores establecidos con altas dosis de ironía y mala leche. 
Sus escenarios favoritos: 
1-la muerte, 
2- enfermedad, 
3-el sexo, 
4-los tabúes vistos a través de la mirada irreverente del sarcasmo.
La vida es un enorme escenario del humor negro. Ante una realidad sórdida y gris, nuestras pequeñas vidas serían
mucho más mediocres si no pudiésemos reírnos de vez en cuando del absurdo que nos rodea. Esa es nuestra
pequeña venganza, la sonrisa amarga.
Género próximo al tragicómico. 
De comedia, la obra sólo tiene el nombre. 
La visión es pesimista y desilusionada, incluso sin el recurso a una solución trágica. 
Los valores son negados y la obra sólo termina "bien" por un giro irónico 
(ej.: El Mercader de Venecia, Medida por Medida, las Obras Negras de Anouilh, La Visita de la Vieja Dama de
Dürrenmatt).

COMEDIA PASTORAL

  
Comedia Pastoral. Puede considerarse como una versión moderna de la égloga clásica. En el siglo XVIII español
fue un género teatral atractivo para los neoclásicos por lo que significaba de recuperación de los modelos clásicos,
pero rechazado por algunos por su discurso literario escasamente realista y verosímil. 
Luzán mostró sus recelos frente a esta especie dramática a la que, tras constatar su origen italiano, la define en
su Poética (1737) de la siguiente manera: "fábulas campestres donde se introducen sólo pastores y pastorcillas,
imitando alguna acción entera, en estilo natural y afectuoso, con el fin de deleitar con la pintura de los objetos
más amenos del campo y de los afectos más tiernos de los pastores.
Obra que alaba la vida de los pastores tomados como prototipos de una existencia inocente, utópica y nostálgica
de los buenos tiempos pasados. 
Surge particularmente en los siglos XVI y XVII (ej.: Las Pastorales de Racan, 1625, La Dorotea de Lope de Vega).

COMEDIA SATÍRICA

   
La sátira es un subgénero lírico que expresa indignación hacia alguien o algo, con propósito moralizador, lúdico o
meramente burlesco.
Se escribe en prosa o verso o alternando ambas formas (sátira menipea).
Estrictamente la sátira es un género literario, pero también la encontramos en las artes gráficas y escénicas. 
En la sátira los vicios individuales o colectivos, las locuras, los abusos o las deficiencias se ponen de manifiesto por
medio de la ridiculización, la farsa, la ironía y otros métodos; ideados todos ellos para lograr una mejora de la
sociedad.
Aunque en principio la sátira está pensada para la diversión, su propósito principal no es el humor en sí mismo,
sino un ataque a una realidad que desaprueba el autor, usando para este cometido el arma de la inteligencia.
Es muy común, casi definiendo su esencia, que la sátira esté fuertemente impregnada de ironía y sarcasmo;
además la parodia, la burla, la exageración, las comparaciones, las yuxtaposiciones, la analogía y las dobleces son
usados de manera frecuente en el discurso y la escritura satírica. 
Lo esencial, sin embargo, es que "en la sátira la ironía sea militante". 
La ironía militante a menudo declara abiertamente que acepta las situaciones que son blanco del ataque de la
sátira
  
Obra que enfatiza y critica una práctica social o política o un vicio humano 
(ej.: Tartufo, El Avaro).

COMEDIA SENTIMENTAL

  Nivelle de la Chaussee 
   
La comedia sentimental busca enternecer al público por todos los medios y educarlo moralmente 
  
a través de
   
1- lo patético, 
  
2-la ternura 
   
3- el elogio de la virtud. 
    
Surge a comienzos del siglo XVIII con Detouches, Nivelle de la Chaussee, Delisle e incluso Marivaux (La Madre
Confidente). 
    
La comedia lacrimógena o comedia sentimental rompía alguno de los principios básicos de la teoría neoclasicista
pero el prestigio de los modelos franceses fue haciendo que se aceptase incluso por los más rígidos neoclásicos. Ya
Luzán había traducido «El prejuicio contra la moda» de Chausée. 
La implantación de la comedia sentimental en España fue obra, sobre todo, de los comediógrafos «populares»,
entre los que destacaron Comella y Zavala y Zamora.
Ya es comúnmente aceptado por la crítica que este género dramático tuvo su origen en Inglaterra a finales del
siglo XVII, aunque fueron los dramaturgos franceses de la primera mitad del Seiscientos quienes acabaron de
conferirle sus definitivas señas de identidad.
  
Las historias sentimentales importadas, comedia Larmoyante o drama serio, al igual que las fábulas procedentes
de las novelas, adoptaron entre nosotros dos modalidades teatrales, 
   
1-la tragedia urbana, que, a pesar de su difícil encaje en las poéticas neoclásicas acabó aceptándose
por su valor educativo, 
2-el drama sentimental, que se ajustó a los usos escénicos de los ingenios populares.
 
LA VIDA ES UNA COMEDIA
  
Frase escuchada en todo el mundo y en distintos idiomas , el teatro que es la representación de la realidad , toma
esa frase literalmente, la desmenuza y la sirve a todo tipo de espectador para que la disfrute, basadas en
realidades o fantasías donde a pesar que una fantasía pueda ser algo irreal , la profundidad del mensaje siempre
terminan en algo de la vida real.  

     Bibliografía
Diccionario del teatro Varios
Diccionario del teatro Teatralizarte
Investigaciones de consultas varias de historia del teatro Por Carlos Canavese
INTRODUCCIÓN El Grotesco Criollo nace en Argentina como consecuencia de un caos social
donde nadie sabe ya quién es, de dónde vino o a dónde irá a parar. Buenos Aires es invadido por
las olas inmigratorias del interior, y sobre todo, del exterior del país. Es en los conventillos donde
ésta gente sin tierras y de distintas procedencias intentará convivir. En medio de la
incomunicación, las desilusiones y el desarraigo, derivando del sainete, tomando características
del grotesco italiano, habiendo visto la zarzuela, el vaudevil y las revistas, nace como netamente
argentino el Grotesco Criollo. Intentaremos contarles más detalladamente su nacimiento,
procedencia y desarrollo en nuestra tierra, así como la aplicación de sus características en dos
brillantes obras, emblemas de éste género: Mateo y Stéfano. UNA INTRODUCCIÓN AL GROTESCO
CRIOLLO La palabra grotesco: El término grotesco tuvo origen en las grotta de Italia, más
específicamente en los subterráneos de la Domus Aurea de Nerón, donde se encontraron dibujos
que fueron considerados grotteschi, expresión artística obtenida con formas bizarras y
contrahechas. El término tiene valor con relación a una forma asumida como normal, clásica, y
de la cual la forma grotesca se alejaría como deforme, anormal: así también lo grotesco ha
podido entrar en la categoría del arte como manifestación del espíritu en su indefinida libertad
de expresión, pero no tiene nada de genérico sino que es una categoría de percepción, una
categoría de la concepción del mundo y de su configuración. Grotesco es el mundo titubeante
entre realidad e irrealidad, que provoca nuestra risa como también nuestro estremecimiento,
pues lo aparentemente razonable se nos revela como carente de sentido, mientras se van
distanciando, por la inseguridad de la existencia, los objetos que nos eran familiares. Lo grotesco
y su relación con lo cómico: Es interesante destacar la relación que desde sus orígenes ha
establecido lo grotesco con lo cómico, hasta el punto que se lo clasifica a menudo entre otras de
sus formas: la sátira, la ironía, la burla, etc. Sin embargo existe una diferencia: lo cómico anula la
grandeza y la dignidad de la realidad, pero sin ponerla en duda, provoca en el espectador un
sentimiento de superioridad ante lo presentado o de complicidad con quien está haciendo la
broma. El grotesco, por la presencia simultánea de lo cómico y lo trágico, impide al receptor
situarse en cualquiera de los terrenos seguros de la tragedia y la comedia y llorar o reír sin trabas,
por el contrario, la risa sería ahogada por la angustia o el dolor y sonreirá mientras llora. El
grotesco destruye las categorías de orientación en el mundo: las órdenes de la naturaleza, la
categoría del objeto, el concepto de personalidad, el orden histórico, la coherencia lingüística, las
leyes físicas, las leyes estéticas (lo bello – lo feo; lo cómico – lo trágico) para fundirlas y
confundirlas en formas que se fusionan. El contexto social del grotesco criollo: Nos encontramos
en un clima de desolación, desarraigo e incomunicación en Argentina, donde los conventillos
están poblados por inmigrantes de distintas procedencias que han venido a hacerse la América y
al instalarse han visto su sueño roto. También el gaucho arrimado a la ciudad puebla estos
recintos populares. La melancolía del tango y del criollo de la Pampa húmeda, junto a la
desilución de no haber cumplido los sueños y la soledad provocada por las imposibilidad de la
comunicación y las diferencias étnicas y generacionales confluyen en éstas tierras haciendo una
caractéristica propia de la Argentina lo grotesco. Griselda Gambaro escribió: “El grotesco es una
condición del carácter argentino y por lo tanto sigue proporcionando materia”. EL GROTESCO
CRIOLLO Grotesco criollo: Desde la década del ´30 hasta la actualidad el grotesco se mantiene en
la dramaturgia nacional. Armando Discépolo fue el que más consolidó éste género en obras
como Mateo (1923) o Stéfano (1928) y desde entonces distintas generaciones de actores
supieron extraer de él lo esencial de sus cualidades dramáticas adaptándolas a los tiempos
históricos. Inclusive algunas de las piezas producidas por la vanguardia de los años ´70 presentan
elementos ligados al grotesco. Armando Discépolo se encargó de buscar en lo más profundo de
la conciencia de los inmigrantes hasta definir dolorosamente cuál era su situación personal en un
país al que habían llegado para hacerse l´América y en el que sólo encontraron sinsabores y
fracasos. Si bien ya en 1906 Carlos Mauricio Pacheco había empezado a observar esa realidad
(esto aparece claramente manifesto en el personaje don Pietro de Los disfrazados), fue Discépolo
quien decidió ingresar en las habitaciones de los conventillos, dejando atrás las fiestas en el
patio, comunes en el sainete. Luis Ordaz sostiene que los personajes del grotesco “presentan una
imagen risible, pero hurgando en ellos, se descubren las entrañas en carne viva por motivos
diversos, en los que siempre se observa una desubicación, que a la postre, resulta grotesca. No se
trata ya de la alternancia de la risa y el llanto, estamos ante la fución de máscara y rostro de un
personaje que es capaz de reír y llorar al mismo tiempo”. Y luego agrega: “José María Moner
Sáenz indica que el grotesco aparece cuando el individuo quiebra la unidad de carácter y queda
en evidencia el dualismo de vivir y verse vivir” Esa misma relación desarrolla Luigi Pirandello en
su obra y por esas coincidencias del destino, el autor de Seis personajes en busca de autor visitó
Buenos Aires en dos oportunidades: 1923 y 1927, lo que hizo que muchos investigadores
hablaran de una influencia directa de Pirandello sobre Discépolo. Discépolo lo negó diciendo:
“Escribo así de puro Tano que soy”. El crítico Edmundo Guibourg defendió la verdad de Discépolo
explicando que los personajes que describía Pirandello son los mismos que emigraron a la
Argentina y que nuestro autor plasma en sus obras, he allí el motivo de coincidencia, si se quiere,
entre los dos grandes autores de éste género. El motor de la acción en el grotesco criollo es la
búsqueda de la comunicaión por parte del sujeto al no encontrar eco en su núcleo familiar; se
deprime y esto hace caer el texto en lo patético. El sujeto intenta pasar pruebas que no puede
superar y los núcleos de acción se basan en lo físico y lo físico-verbal. Desenlace entre lo trágico y
lo cómico. Temas: El tema básico es la ausencia de dinero y como consecuencia: los fracasos, el
desamor, la disolución familiar, la corrupción, el delito, la miseria, la humillación. Construcción
dramática: El grotesco está constituído de un modo similar al de la tragedia griega. Cuando
comienza la intriga estamos a un paso del desenlace, y esto es posible porque la acción ha
comenzado mucho tiempo atrás y sólo asistimos a la agonía final del héroe. Generalmente un
hecho exterior al personaje, sirve como resorte (se llama así a toda fuerza o acción que hace
cambiar la situación que vive el personaje), que hace saltar la intriga hacia el desenlace. Los
personajes: Son inmigrantes, en su mayoría italianos, sus nombres titulan las obras señalando
claramente en quién se encarna el conflicto. A veces señala el oficio del protagonista o el
instrumento de trabajo vinculando así, estrechamente, personaje – trabajo. La apariencia de los
personajes es generalmente grotesca, están caracterizados como fantoches, un poco bestia, un
poco muñecos, un poco hombres. La peripecia grotesca es reforzada por el movimiento. La
posición erguida y el desplazamiento orientado son reemplazados por andares bamboleantes,
movimientos torpes, porrazos. El personaje se completa con el lenguaje, que reproduce con
maestría el habla italocriolla (cocoliche), mezclada con términos vulgares y lunfardo. Este
lenguaje refuerza las diferencias entre padres e hijos. Los padres sufren la nostalgia de la patria
abandonada, los hijos tratan de adaptarse rápidamente para no ser reconocidos como
inmigrantes. El espacio: Las historias se ubican en las piezas de conventillo, los suburbios de
Buenos Aires y en la noche. La escenografía: La escenografía es realista, denota la situación
económica y las actividades de la familia; los cuartos están repletos de ojetos y muebles; las
paredes cubiertas de manchas u ornamentos viejos y estropeados. El abigarramiento y la
profusión de ojetos que pueblan las habitaciones evidencian el agobio que padece el personaje;
la oscuridad la asemeja a una cueva, correlato escenográfico de la imposibilidad de salida para el
protagonista. El tiempo: El tiempo de la representación es de una hora u hora y media; tal vez su
procedencia del teatro por secciones haya dado tal concisión al grotesco. La mayoría de las obras
se desarrollan en uno o dos actos. El tiempo de la ficción puede ser de unos pocos días o un mes.
El tiempo está en estrecha relación con la construcción dramática. Objetivo: Crítica a la sociedad
y poberza del inmigrante. Características del grotesco • La búsqueda de comunicación por parte
del sujeto y la contención familiar no obtenida, que lleva al protagonista a la depresión y a lo
patético. • Animalización de los personajes. • Máscara social. • Profundización psicológica. • El
tema básico es la ausencia de dinero y como consecuencia los fracasos, el desamor, la disolución
familiar, la corrupción, la humillación. • Los personajes son inmigrantes, en su mayoría italianos.
• El lenguaje reproduce el habla ítalo-criolla, mezclada con términos vulgares y el lunfardo. Esto
ocurre en determinadas obras, que son muchas, pero no necesariamente en todas. Hay grotesco
cuando hay insultos o expresiones despectivas, sin que sean con acento extranjero, como
recursos del relato. Un ejemplo de esto son varios monólogos cómicos, muchos de ellos
interpretados por sus propios autores (Florencio Parravicini, Antonio Gasalla, E. Pinti, etc.) • Las
historias se ubican en las piezas de conventillo, los suburbios de Buenos Aires y en la noche. • La
escenografía es realista, denota la situación económica y las actividades de la familia. El
abigarramiento y la profusión de objetos que pueblan las habitaciones evidencian el agobio que
padece el personaje; la oscuridad la asemeja a una cueva, correlato escenográfico de la
imposibilidad de salida para el protagonista. • La mayoría de las obras se desarrollan en uno o
dos actos. • El objetivo es la crítica a la sociedad. • Un espejo de costumbres. Diferencias entre
sainete y grotesco: Sainete criollo: Forma cómica breve (con uno o dos actos) que relata
costumbres populares en forma realista y con absoluto desenfado; en triángulos amorosos.
Grotesco: Es una forma trágico-cómica breve, que sostiene la idea de que el hombre posee una
máscara social que no le permite vivir en sociedad Sainete: -Cómico. -Patio de conventillo. -Tipos
caricaturescos. -Conflicto alrededor de enredos amorosos. -Modismos españoles. Prosa, versos. -
Lunfardo – cocoliche. -El baile y la milonga. -Entre sentimental y jocoso. -Crítica al contexto
social. -Costumbrista. -Entretener, divertir, identificar, conmover. Grotesco: -Cómico + trágico. -
Habitación de un conventillo. -Profundización psicológica. -Conflicto en torno a la máscara social
que da a la incomunicación. -Animalización. -Antihéroe: marioneta, payasos, bestia. -Necesidad
de comunicarse. -Crítica a la sociedad y pobreza del inmigrante.

Daniel Cinelli