(ANTECEDENTES)
Los orígenes del teatro
Los primeros hombres y mujeres empezaron a imitar algunos fenómenos de la naturaleza, como la
lluvia, el rayo, el día, la noche, o cualquier otro que conocían, pero no sabían explicar, imitaban
también acciones que ejecutaban ellos o los miembros de su comunidad, como cazar animales, dar
a luz, etcétera. Dichas representaciones estaban ligadas a algunas creencias religiosas. Así, se
representaban el acto de la caza, pensaban que esta sería un éxito; así homenajeaban a sus dioses,
quienes muchas veces eran personajes de la naturaleza, estos se lo agradecerían posteriormente,
las representaciones se realizaban siempre de un modo similar y eran conocidas por todos los
miembros de la comunidad. A estas ceremonias se les llamó rituales.
Teatro griego
Los griegos de la ciudad de Atenas celebraban rituales en honor a Dionisio, sus fiestas eran
excesivas y apasionadas, en ellas unos 50 hombres dirigidos por un jefe constituían un coro que,
mediante cantos y danzas, alababan a ese Dios y, a menudo, contaban una historia antigua o un
mito. A esta celebración se le nombró ditirambo, tiempo después, el coro se dividió en semicoros,
cada uno de los cuales les respondían al otro y eran guiados por un líder llamado corifeo o jefe, de
modo que estos corifeos comenzaron a dialogar entre sí, un día a tales cantos alguien respondió
con palabras de Dionisio y fue entonces cuando se introdujo la representación del “propio Dios”
más adelante se invoco a otros Dioses o héroes griegos, surgiendo de esta manera los personajes,
habiendo historia, diálogos y personajes estamos muy cerca de lo que es el teatro actualmente,
aparecieron distintas formas teatrales, tres de las cuales marcaron las pautas de lo que sería el
teatro; la tragedia, el drama satírico y la comedia. La tragedia: en ella se mantuvo el coro integrado
por 12 a 15 hombres, el relato se representaba escrito en verso y se estructuraba en escenas o
episodios, los cantos eran seguidos por momentos del dialogo entre personajes importantes y así
sucesivamente, después del ultimo episodio del coro cerraba la historia con un canto final. El
drama satírico y la comedia: El drama satírico se parecía a la tragedia tanto en su estructura formal
como en su temática de carácter mitológico, sin embargo, se atrevía a burlarse de los dioses y sus
mitos. Podría decirse que era una tragedia divertida. La comedia era representada después del
drama satírico. Su argumento se extraía más de la vida cotidiana que del mito. Los grupos que
danzaban se burlaban de los espectadores. Luego aparecieron personajes que entablaban un
diálogo en el cual ridiculizaban las tendencias políticas, religiosas, filosóficas y literarias de la
época. En el teatro griego los actores eran todos hombres, quienes caracterizaban a varios
personajes, usaban como vestuario túnicas de calidades y colores distintos, según sus personajes,
y grandes mascaras para que el publico pudiera verlos desde lejos, dichas mascaras recalcaban las
características de los personajes. Las mascaras morenas representaban personajes masculinos, y
las claras, los femeninos. Además, usaban zapatos con una plataforma muy alta para ganar
tamaño, los cuales llamaban coturnos, el movimiento era estilizado y se daba gran importancia a la
voz, la música acompañaba a las danzas todo el tiempo.
El espacio escénico, si bien al inicio se representaba en las plazas públicas bajo toldos o tiendas,
más adelante se escenificaba en construcciones especialmente edificadas para ello en cada ciudad
importante; algunos de estos teatros aun hoy sobreviven. En la base de los cerros se creó primero
un área circular y plana utilizada para las danzas del coro, llamada orquesta, alrededor de la
orquesta se colocaban gradas de madera para los espectadores, Posteriormente, aprovechando la
falda de los cerros, se construyeron graderías semicirculares alrededor de la orquesta, reforzadas
con piedras. Este espacio fue llamado theatrón . Los toldos o tiendas que se armaban en las plazas
para los actores (o skené) se convirtieron en un cuarto rectangular frente a la orquesta, y delante
Ministerio de Educación y Ciencia de España Teatro greco-romano de Aspendos. Se puede apreciar
algunas variantes de construcción teatral en la cultura romana. Reconstrucción de la escena griega
del teatro de Dionisio en Atenas. de esta se armó un espacio alargado proscenio o ‘lugar frente a la
skené’) desde donde hablaban los actores; este es el origen del escenario. Conforme los actores
ganaban importancia y la del coro disminuía, los escenarios se fueron agrandando y tomando
parte del espacio de la orquesta. Además, se erigieron tres niveles que separaban a los grupos
participantes en la ceremonia: en el más bajo se situaba el coro; en el intermedio, los actores, y en
el más alto, los dioses.
Teatro romano
Los romanos heredaron la tradición de las últimas comedias griegas; y aunque sus primeras
representaciones también estuvieron ligadas a lo religioso, terminaron convirtiéndose
especialmente en un medio de entretenimiento, asimismo, introdujeron el arco dentro de las
construcciones. Con este elemento arquitectónico, los teatros ya no necesitaron las colinas como
apoyo para las graderías y pudieron ser situados en medio de una manzana o cuadra. La reducción
de la importancia del coro hizo que el área destinada a él, la orquesta, fuera reduciéndose cada
vez más, mientras el espacio de la escena fue ampliándose
Edad media (siglos V y XV)
Con la caída del Imperio Romano en el 476 d.C. decae también el teatro clásico grecolatino. La
Edad Media se caracterizó por una influencia muy fuerte de la Iglesia católica en todos los ámbitos
de la sociedad: la censura eliminó el teatro de crítica dura y entretenimiento. El teatro volvió a
vincularse con lo religioso, pero a diferencia de las ceremonias rituales de los primeros siglos, las
ceremonias teatrales medievales tuvieron un objetivo muy claro: adoctrinar o enseñar a los
pobladores, muchos de ellos analfabetos, la historia de la Biblia. Estas pequeñas piezas de teatro
representaban especialmente los episodios de la Navidad (nacimiento de Cristo) y el de la Pasión
(resurrección), son conocidas con el nombre de Misterios. Como derivación de los Misterios, pero
utilizando más elementos simbólicos y un tono más trascendental, aparecen las Moralidades, las
cuales tenían siempre una intención pedagógica; Las representaciones se hicieron cada vez más
largas y con más elementos de espectáculo (decorados, vestuarios). Surgieron personajes
irreverentes que ya no podían ser representados por clérigos, entonces se incorporó a actores del
pueblo. Cada vez se incluyeron más elementos profanos (no religiosos) y cómicos. Fue entonces
que los clérigos decidieron que este drama litúrgico debía abandonar el interior de las iglesias. Al
principio se usaron los pórticos y atrios de estas, pero luego ocuparon las calles, plazas y
cementerios. Al salir a la calle, la forma de representación cambió, se utilizaron espacios escénicos
independientes creados sobre carros de madera o tablados, en cada uno de los cuales se
escenificó una parte de la obra: fue el inicio de los escenarios múltiples. Hacia el siglo XV inició un
movimiento cultural que buscaba recuperar el arte clásico de Grecia y Roma, al que se le llamó
Renacimiento, las obras clásicas se reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho
durante esos años y que tenia gran aceptación, el teatro popular específicamente.
En Italia se edificaron teatros al estilo antiguo, pero sobre espacios rectangulares, se descubre la
perspectiva con la cual se logra crear la ilusión de profundidad en las pinturas de los decorados, en
la comedia del arte los actores improvisaban todo el tiempo sobre la base de estructuras definidas
que incorporaban según la situación originada en el momento. Francia fue el país donde más se
intentó seguir al pie de la letra las líneas clásicas establecidas por los griegos y romanos, el teatro
ingles de los siglos XVI y XVII se estructuraba en actos y escenas, intercalaba el verso con la prosa,
mezclaba la tragedia y la comedia, combinaba diversas tramas a través de grandes márgenes de
tiempo y espacio, unía personajes de distintas clases e incorporaba música, danza y espectáculo en
toda la presentación. En España, como en Inglaterra las obras se escenificaban en corrales de
comedia, que eran espacios al aire libre ambientados para la presentación, los grupos de teatro
estaban consolidados en compañías de actores, donde cada actor tenia un “papel tipo” que
interpretaba siempre.
El teatro en la modernidad
El siglo XVIII es el siglo de la ilustración, el teatro adquiere entonces la función de moralizar y de
ilustrar conocimientos, como reacción a la fuerte presencia de la ilustración emerge una enorme
necesidad de libertad, la corriente que expresa ese espíritu de ruptura de las reglas es nombrada
“romanticismo” este adoptó formas populares de la época, derivo un subgénero, el “melodrama”
dicho genero sentó las bases de una forma muy conocida hoy en día: las novelas de televisión. El
compromiso con la realidad del momento hace que se necesite reflejar en el escenario de la
manera más verídica o creíble posible lo que se observa, esta preocupación bautiza a una nueva
corriente con el nombre de Realismo, con este se dejan de usar decorados pintados para
introducir en el escenario muebles y accesorios reales y se busca también un tipo de actuación
más cotidiana y natural, la rigurosidad exigida por este nuevo tipo de teatro y la multiplicación de
los aspectos técnicos involucrados llevaron a la aparición del directos de teatro.
Se llamó vanguardismo a la tendencia renovadora surgida durante el siglo XX en reacción a lo
tradicional; algunos quisieron rescatar el camino de la “poesía” hablando de la necesidad de
reflejar la necesidad externa sino también la interna, la de la imaginación en el escenario
(simbolismo) utilizaba símbolos visuales, trabajaba con el ritmo lento y personajes que podían
significar valores o conceptos. Otros intentaron explorar el mundo inconsciente y del sueño,
intentando plasmar en la obra de teatro las diversas asociaciones aparentemente ilógicas que
establece un ser humano cuando duerme, introducían personajes u objetos que podían ser reales,
pero hacían cosas o se relacionaban de una manera no obligatoriamente comprensible de modo
racional, esta corriente fue denominada surrealismo.
Otra vanguardia fue nombrada expresionismo y exploró las distintas maneras de hacer visible las
emociones mas profundas del ser humano, mediante el cuerpo, movimientos, formas y colores
contrastados. En Latinoamérica el origen del teatro está muy relacionado con los rituales
religiosos, durante la época colonial la mayoría del teatro hecho en Latinoamérica tenia el fin de
adoctrinar a los indígenas en la religión católica, para esto se celebran innumerables autos
sacramentos en los que participaban los mismos indígenas introduciendo elementos artísticos
propios, en general el teatro latinoamericano se ha ido desarrollando siempre ligado tanto a
costumbres de su tiempo como a las influencias extranjeras del teatro occidental
(SITUACIÓN ACTUAL)
Abarca los siglos XIX y XX, este se alineo con los movimientos artísticos modernos (vanguardistas)
orientándose hacia el simbolismo y la abstracción.
Durante el siglo XIX el teatro romántico se destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la
selección de temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular,
gracias a esto surgio un nuevo subgénero, llamado melodrama, el cual fue bastante recurrido,
dentro de sus mayores exponentes podemos encontrar a Victor Hugo, Antonio Garcia Gutierrez y
José Echegaray.
Durante este periodo el naturalismo jugó un papel importante, debido a que marcó distintas
pautas para visualizar e interpretar las obras teatrales tal y como también lo hizo el simbolismo; La
descripción detallada de la realidad, percibidos en la temática, el lenguaje y los elementos de
parafernalia, son claros en las obras naturalistas, se actuaba como en la vida eal, como si no se
estuviera en un teatro, como si no se representara nada, aquí por primera vez se elumino solo el
escenario dejando el publico a oscuras, se destacan autores de la talla de Eugene Scribe, Victorien
Sardou, August Strindberg y Anton Chejov.
El simbolismo de destacó por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico, buscando la esencia
humana a través de la intuición y la meditación, se ven una clara preferencia por los temas míticos
y las leyendas, que sean más específicamente esotéricos y teosóficos, los autores destacados son
Auguste Villiers de I’Isle-Adam, Paul Claudel, entre otros.
Durante el siglo XX se diversifican los estilos, que van en evolución junto a las corrientes artísticas
de vanguardia, se hace énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual
del teatro y no sólo el literario, existe una mayor profundización psicológica que modifica el gesto,
la acción y el movimiento, se dejan de lado las tres unidades clásicas e inicia el teatro
experimental, que apunta netamente hacia el espectáculo y las manifestaciones de culturas
antiguas, el director teatral recobra el protagonismo y algunas veces es artífice de distintos puntos
de viste en la puesta en escena. Surgen movimientos como el realismo poético, el teatro de la
crueldad, el teatro épico, el teatro del absurdo el cual se encuentra ligado al existencialismo y
los Angry young man (jóvenes iracundos) de simbología inconformista y anti burgués, dentro de
estos movimientos encontramos a Luigi Pindarello, Tennessee Williams, Arthut Miller, John
Boynton Priestley, Federico García Lorca, Antonio Buero Vallejo, entre otros.
MOVIMIENTOS DENTRO DEL TEATRO CONTEMPORÁNEO
Teatro épico:
Este tipo de teatro busca llegar un distanciamiento en lugar de una identificación emocional, este
distanciamiento permite la racionalización y la reflexión, quien desarrolla este teatro es el pote
dramaturgo y director alemán Bertolt Brecht, y la mayoría de temas a tratar son de corte social,
Brecht incorpora diferentes recursos como la música, el verso en los parlamentos, el
desdoblamiento del actor (un mismo actor representando diferentes personajes), personajes
genérico (los personajes no tienen nombre propio, por esto se le llama como él, ella, uno o dos) y
la incorporación del público, todo esto con el fin de lograr el distanciamiento de una manera
adecuada.
Teatro de la crueldad:
Se incorporan elementos surrealistas y la danza oriental para crear de forma violenta y ritualista el
teatro, quien desarrolla y fundamenta este movimiento es Antonin Artaud, un escritor, actor y
director francés, quien se opone a las formas realistas y sostiene que el teatro y sus obras deben
impactar al público sin importar si es necesaria la violencia verbal o física.
Teatro del absurdo:
Los temas están relacionados son lo absurdo de existir, la enajenación e impotencia humana, el
miedo a la muerte y la incapacidad del leguaje como un medio efectivo de la comunicación, el
padre de este teatro es Eugène Ionesco, que rechaza el teatro de rasgos realistas y psicológicos, se
puede manifestar como absurdo de situación y absurdo de leguaje, en el primero no se ajusta a
las reacciones esperada y en el segundo las respuestas no corresponden a las preguntas.
Realismo poético:
Es el tipo de teatro que es realista en el planteamiento de conflictos, pero utiliza un lenguaje
poético, su principal característica es el simbolismo en el nombre de personajes o uso de colores,
y además añade elementos irreales, dos ejemplos claros de este movimiento son Tennessee
Williams y Federico García Lorca.
JEAN PAUL SARTRE
Fue un filósofo, escritor, novelista, dramaturgo, activista político, biógrafo y crítico literario
francés, exponente del existencialismo y del marxismo humanista. En 1945 funda la revista Les
Temps Modernes y se convierte en uno de los importantes teóricos de la izquierda, para
la segunda época atribuyó al marxismo, en donde su pensamiento dio a conocer la crítica de la
razón dialéctica, Sartre expresa que definitivamente para él los humanos estamos "condenados a
ser libres", imagina la presencia humana como presencia consciente. Es decir, el hombre como ser
consiente distingue un ser de una cosa. La humanidad se vendría convirtiendo en alfo extraño, un
fenómeno subjetivo debido a el sentido de conciencia del mundo y de sí mismo por ellos lo
subjetivo. El humano para a ser el único que no sólo es tal como él se imagina, sino por el
contrario tal como él se quiere, y como se idealiza después de la existencia, como se quiere
después de este impulso hacia la vida; entonces este no sería más que su obra misma, lo que él
quiso hacer de sí mismo, tomando esto como base o principio delo que trata el existencialismo.
Para Sartre el humano antepone de la esencia que, por ejemplo: si un artesano quiere realizar una
obra, primero «la» piensa, la construye en su cabeza: esa prefiguración será la esencia de lo que se
construirá, que luego tendrá existencia.
Los hombres, no son la consecuencia de un boceto, y tampoco llevamos con nosotros algo que
nos indique hacia dónde mirar, si tenderemos al bien o tenderemos sencillamente al mal, siendo
así afirmaremos que la esencia es lo que haremos nosotros que nos indicara lo que somos
y quiénes somos, lo que nos distinguirá, seres ser libres en situación, ser es ser-para, ser
como "proyecto"
EL EXISTENCIALISMO SARTRIANO
Sobresalen algunas ideas tales como:
Conciencia pre-reflexiva y conciencia reflexiva:
La conciencia pre-reflexiva, esta empieza cuando el hombre nota algo específico y tener conciencia
de ello, y la conciencia reflexiva la notamos cuando el hombre se da cuenta que se está
percatando de algo.
El ser-en-sí:
Principalmente Sartre rechaza en absoluto el dualismo entre apariencia y realidad y sustenta que
la cosa es la totalidad de sus apariencias, si quitamos lo que en la cosa es debido a la conciencia,
que le confiere la esencia que la constituye en tal cosa y no en tal otra, en la cosa sólo queda el
ser-en-sí.
El ser-para-sí
Si toda conciencia es conciencia del ser tal como aparecer, la conciencia es distinta del ser (no ser
o nada) y surge de una negación del ser-en-sí, por tanto, el para sí, separado del ser, es
radicalmente libre, el hombre es el no-ya-hecho, el que se hace a sí mismo.
El ser-para-otro
Sartre defiende que mi yo revela la indubitable presencia del otro en la relación en que el otro
se me da no como objeto sino como un sujeto (ser-para-otro).
Ateísmo y valores
Para el filósofo, la existencia de Dios es imposible, ya que el propio concepto de Dios es
contradictorio, pues sería el en-sí-para-sí logrado. Por tanto, si Dios no existe, no ha creado al
hombre según una idea que fije su esencia, por lo que el hombre se encuentra con su radical
libertad, este ateísmo tiene una consecuencia ética: Sartre afirma que los valores dependen
enteramente del hombre y son creación suya.
SARTRE Y EL TEATRO
El teatro requiere distancia:
Cuando él piensa en el teatro, lo concibe como un mundo cerrado sobre sí mismo el cual es
inaccesible, el espectador se encuentra absolutamente afuera y su rol se reduce exclusivamente a
contemplar, es decir que el espectador no existe sino como visión pura y el placer que este
experimenta se deriva del hecho de que su deseo de distancia se ve plenamente satisfecho.
Un teatro de situaciones:
Para Sartre, el sustento central de la pieza, es la situación, propone reemplazar el teatro de
caracteres por un teatro de situaciones, cuyo objetivo sea explorar aquellas situaciones que son
más comunes a la experiencia humana, pero cuando Sartre habla de situaciones, no se refiere a
cualquier tipo de circunstancia cotidiana, sino aquellas en las cuales la libertad se revela en su más
alto grado, y la labor del autor de teatro consiste en escoger precisamente aquellas situaciones
límite que mejor expresan sus propias preocupaciones y presentarlas al público.
La acción dramática es inexorable:
De acuerdo con Sartre, la acción dramática es lo que se expone o dramatiza a un grupo de
personas que está queriendo algo o trata de conseguirlo, para construirla es muy importante
definir exactamente en qué posición puede estar cada personaje, en función de las causas y
contradicciones anteriores que las han producido y cómo se vinculan con la acción principal, hay
que dirigirse hacia un objetivo final y la acción no puede existir sin radicalizarse: si se detiene,
desaparece, como conclusión jamás debe desviarse.
