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LICEO VALENTÍN LETELIER MADARIAGA

DEPARTAMENTO DE LENGUAJE
PROFESORA: TAMARA ORTIZ GARRIDO.

RECURSO PEDAGÓGICO N° 11 EXTRA.

Unidad 4: Poder y ambición (Género Dramático)

OA 6: Comprender la relevancia del género dramático, considerando su origen, características, contexto en

que se enmarcan, para realizar investigaciones sobre diversos temas y poder complementar las lecturas y
responder interrogantes relacionadas con el lenguaje y la literatura.

TÉMINO UNIDAD 4 : GÉNERO DRAMÁTICO

GÉNERO DRAMATICO.

El género dramático es aquel que representa algún episodio o conflicto de la vida de los seres humanos por
medio del diálogo de los personajes.
La palabra dramático proviene de “drama”; esta palabra corresponde al nombre genérico de toda creación
literaria en la que un artista llamado dramaturgo concibe y desarrolla un acontecimiento dentro de un espacio
y tiempos determinados. Los hechos se refieren a personas o caracteres que simbolizan en forma concreta y
directa un conflicto humano.
Este género está destinado a ser representado públicamente frente a un auditorio, por lo tanto, abarca todas
las manifestaciones teatrales, a todo lo escrito para el teatro y que es susceptible para una reprfesentación
escénica ante un público.
Una característica esencial es la acción. Lo que sucede en la obra no está descrito ni narrado ni comentado
directamente por el dramaturgo, sino visto por el espectador. La obra está escrita, pero lo principal en ella es
lo que ocurre (debido a esto, existen obras dramáticas sin palabras, o sea mudas, en las cuales se utilizan
gestos y actitudes que expresan el conflicto).
La obra dramática ha sido creada para ser representada o interpretada por actores frente a un público,
pudiendo estar escrita en prosa o en verso o combinando a ambos.

HISTORIA DEL TEATRO

 Hace miles de años, en Mesopotamia y en África, existían poblados y tribus que tenían un gran sentido de
la mímica, los sonidos y el ritmo. Contaban con gran facilidad para imitar a los animales y contar grandes
historias sobre sus cacerías.
 En las noches, alrededor de un fuego, se explicaban increíbles historias que poco a poco fueron
acompañadas de cierta música con tambores, disfraces y canciones. También sucedía algo similar con
celebraciones y ritos religiosos. Se convirtieron en verdaderos espectáculos.

ORIGEN E HISTORIA DEL TEATRO

LAS GRANDES DIONISIADAS O DIONISÍACAS

 El origen del teatro fue en la antigua Grecia donde los griegos asistían a las ceremonias de los dioses y en
ellas pedían que el campo fuera fecundo para lograr buenas cosechas.
 Los griegos hacían grandes fiestas cuando empezaba y cuando terminaba la siega, pidiendo y
agradeciendo a los dioses.
 Como Dionisio era hijo de un dios y una mortal, es la divinidad de la fecundidad, la vendimia, la
vegetación, es el DIOS DEL VINO, y para la celebración mataban un macho cabrío.
 Durante el sacrificio los trasgos (danzantes) bailaban girando sobre este sacrificio, esto se conocía como
DITIRAMBO.
 En las fiestas dionisíacas recorrían la Polis (ciudades) en un carro con la estatua de Dionisios, la gente lo
seguía, cantando, bailando y embriagándose.

 Dionisio según la creencia moría en el invierno y renacía en la primavera.

 El sacrificio era para que su sangre fortaleciera y fecundara la tierra, de ahí deriva la palabra tragedia.
Cuando los coros cantan y otros contestan, ya tenemos diálogo y es el ditirambo, aquí ya encontramos la
base del teatro, gente que actúa y gente que observa. Antes alguien, leía un relato, solo existía el
personaje, ahora el actor representaba al personaje.
 La danza es la primera manifestación teatral, surge en la prehistoria cuando el hombre se cubría con
pieles de animales e imitaba los movimientos de las fieras que iba a cazar.
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 En el año 534 a.C Tespis creó el teatro y durante los rituales cantaban y se cubrían las caras con
máscaras, eran doce hombres que formaban un coro, y Tespis fue el que incorporó el uso del maquillaje
por los actores.
 Tespis, consiguió tener una popularidad enorme en toda Grecia. Tanto fue así, que hoy en día en su honor,
se emplea el término “carro de Tespis” para denominar a todo el ámbito del teatro.
 Tespis fue el primer actor, Esquilo inventa al segundo actor (deuteragonista), Sófocles el tercer actor
(triagonista), Eurípides algunas veces coloca un cuarto actor. Al principio el coro tenía mucha
importancia, luego la pierde.
 La palabra TRAGEDIA viene de (TRAGO) que significa cuernos de cabro y ODAS significan cantos o
himnos, se llamaron tragedias porque así se disfrazaron los que formaban el coro para cantar y bailar
frente al público.
 Las primeras tragedias consistían en los cantos de esos coros que representaban al pueblo y otras veces
representaban las verdades a consejeros o a las mujeres de alguna ciudad enlazada como troyas, otras
veces representaban las verdades como las furias o suplicantes.
 Presistrato es el primer actor de la tragedia griega la palabra HIPOCRITA que viene de (HIPO) que significa
mascaras que quiere decir lo que representaba detrás de la máscara.
 El público comprendía que tarde o temprano la vida termina con la muerte, así es como había nacido la
tragedia y con ella la catarsis con la que el público se desahogaba.
 El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la orquesta, el lugar para los
espectadores y la escena. Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio circular
donde se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos
callejones. Las gradas tenían forma de semicírculo.
 Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero construyeron gradas en los
lugares donde no existían colinas.
 Más adelante surgieron las primeras representaciones dramáticas, que se realizaban en las plazas
públicas de los pueblos. Dichas obras tenían un único actor acompañado por un coro.
 Durante el transcurso del siglo V a. C., en plena Grecia clásica, aparecieron dos modelos de teatro: la
comedia y la tragedia. Sófocles y Esquilo, dos dramaturgos de la época, incluyeron como novedad un
segundo y tercer actor. Esto supuso un aumento en la complejidad de la ejecución de las obras teatrales,
por lo que fue necesario disponer de mayores escenarios.
 Por este motivo, se comenzaron a construir teatros cada vez más grandes. Actualmente todavía se
conserva en bastante buen estado el teatro de Epidauro, del siglo V a. C. Este recinto tenía una capacidad
de 12.000 personas, todo un logro en aquella época.
 A continuación puedes ver una foto del mismo.

También se conservan las ruinas del teatro de Dionisio, en la capital griega, Atenas, del siglo IV A.C. De esta
edificación, llama la atención que para su construcción se aprovechó la inclinación de la ladera de una
montaña. Las gradas para los espectadores tenían una forma semicircular rodeando a los músicos y el
escenario. Este teatro dispone de una acústica que muy pocos teatros modernos pueden igualar. Justo detrás
de los músicos existía un edificio llamo skené, que era el espacio donde los actores se cambiaban de
vestuario. Delante se erigía un muro con columnas (el proscenio), dónde se colocaban pinturas que evocaban
la acción representadas a modo de decorados.
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EL TEATRO GRIEGO CONTABA CON 4 FORMATOS PRINCIPALES :

1. El drama satírico
2. La tragedia
3. EL mimo
4. La comedia

Los dos primeros formatos se consideraban adecuados para un público adulto. Mientras que las dos últimas
eran consideradas algo más “primitivas” y adecuadas para el público infantil.
Los actores del teatro, que eran todos hombres, vestían con un vestuario al uso pero utilizaban unas
máscaras para poder caracterizarse del personaje en cuestión que tuviera que interpretar.

Cuenta con elementos escénicos, actores, coro, vestuarios, decorados, concursos, teatro. La máscara que
llevaban los actores pasó a tener mucha importancia, con grandes dimensiones y colores, para que se vean
de lejos. Poco a poco la industria de la máscara pasó a tener mucha importancia. Los coturnos daban mayor
altura al personaje para que el actor fuera más imponente. Las ropas eran túnicas largas o cortas, o vestían
como el pueblo, se ponían almohadillas para resaltar los contornos y fueran acordes con la altura y la
máscara. No se le daba importancia al decorado, después también se refinó.
La acústica era perfecta, tanto se oía en la primera fila como en la última. Lo construían al aire libre, en una
ladera para poner las gradas en el declive, se disponían en forma semicircular.
Los géneros teatrales eran, tragedia, comedia, drama satírico. El teatro actual se ha enriquecido con los
elementos modernos como la iluminación y otros recursos, pero sigue teniendo la misma raíz.

DITIRAMBO

ORIGEN: El origen del teatro griego está en el ritual dionisíaco, ya que el ditirambo es el himno del dios
Dionisos, en cuyo honor existió un vasto movimiento religioso, con la característica de ser una religión
catequizadora y violenta, Dionisio exige una absoluta sumisión de sus fieles, y estos, por su parte, buscan
identificarse íntimamente con la divinidad, ser poseídos, a través de actos rituales en los que están presentes
la danza y los sacrificios sangrientos.

EVOLUCIÓN: A fines del siglo VI AC el ditirambo es incorporado a las celebraciones oficiales de la ciudad; se
instauran los concursos de ditirambos y se crean los cargos de maestros de coros, los que se integraban con
50 coreutas. Consisten en actos en los que un recitante improvisa y un coro danza en medio de
exclamaciones rituales. Junto a este, ditirambo lírico, se desarrolló el ditirambo dramático religioso,
consistente en un dialogado entre el recitante y el coro, considerados uno como encarnación de Dionisos y
los otros como el cortejo de sátiros del dios. Usaban disfraces y máscaras, de tal manera que el espectador se
hacía la ilusión de tener frente a sí al propio dios y su cortejo: eran actores.

MITO

Desde la más remota antigüedad, el ser humano intentó explicar los hechos que no comprendía y, de esa
manera, calmar los miedos que les producían el trueno, el rayo y otros fenómenos naturales; así como
intentar una explicación al origen del hombre y del universo y las relaciones entre el hombre y lo divino.
Cuando el poeta griego Homero escribe La Ilíada y La Odisea (siglo IX a.C.) narra el origen mítico de dioses y
semidioses de su patria. Esos relatos fabulosos, generalmente de carácter sagrado, y transmitidos de padres
a hijos; constituyen los mitos.

Ejemplo de 2 mitos.
EL MITO DE DIONISOS

Nos cuenta el mito que en la ciudad griega de Tebas, vivía la princesa Sémele, hija del rey Cadmo y de la reina
Armonía. Tan grande era su belleza que pronto fue objeto de la atención de Zeus. El dios acudía a visitarla al
palacio de su padre disfrazado de mortal, hasta que un día la joven cedió ante una insinuación de Hera (la
celosa esposa de Zeus) que, disfrazada de la nodriza de la joven doncella, sembró donde había confianza la
duda de si quien la visitaba era realmente Zeus o si era un impostor que se había aprovechado de su
inocencia.
De modo que, en su siguiente encuentro, la joven Sémele rogó al dios que se le mostrara en su olímpica
majestad. Zeus accedió con mucho pesar ante la obstinación de la joven, consciente de que no podría
soportar su divino resplandor, pero como le había dado la palabra de concederle lo que quisiera, tuvo que
acceder a su ruego.
Fue así como la joven princesa pereció consumida por las llamas que desprendía Zeus, el señor del rayo.
Dionisos, que estaba en el seno de la joven, hubiera perecido también si una tupida hiedra fresca y húmeda
con que lo envolvió Gea, diosa de la Tierra, no se hubiese enrollado milagrosamente en las columnas de
palacio, interponiendo su verde pantalla entre el niño dios y las llamas celestes.
Zeus recogió a Dionisos niño, para el que no había llegado el momento de nacer, y lo encerró en su muslo.
Cuando el plazo se cumplió, extrajo a la criatura. Este doble nacimiento le valió a Dionisos el epíteto de
“ditirambo”, que quería decir “el dos veces nacido”.
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Entonces Zeus confió su hijo a Ino, hermana de la princesa muerta, que residía en Orcómeno con su esposo
Atamante. Pero la diosa Hera, la engañada esposa celeste de Zeus, no había desistido de su deseo de
venganza, por lo que trató de enloquecer a los tíos del niño dios. Pero Zeus consiguió salvar por segunda vez
a su hijo transformándolo en cabrito y entregándolo al dios mensajero Hermes para que lo confiara en
custodia a las ninfas de Nisa, una región montañosa mítica que no se corresponde con ninguna región griega
conocida.
Dionisos, el niño dios, pasó su infancia en esta maravillosa región al cuidado de las ninfas. Las musas, las
ménades, los sátiros y los silenos también contribuyeron a la educación de Dionisos. Con una corona de
hiedra sobre sus sienes, el joven dios corría por montes y bosques en compañía de las ninfas, y las montañas
le devolvían los ecos de sus risas y gritos. Mientras tanto, el viejo sileno se ocupaba de la educación del joven
dios.
Cuando fue mayor, descubrió la vid y el arte de obtener el vino. Cuenta el mito que, al principio, bebió sin
moderación, por lo que Hera aprovechó para llevarlo a un estado de locura divina del que sólo se recuperó al
consultar el oráculo dedicado a su padre Zeus en el templo de Dodoma.
Dionisos empezó entonces una serie de largos viajes, que lo llevaron desde Grecia hasta la India y otra vez de
vuelta a Grecia, en su carro tirado por panteras y adornado por hiedra y vid, acompañado por los silenos, las
bacantes y los sátiros, para enseñar a los seres humanos los misterios de su culto y los beneficios del vino.
En su largo recorrido, protagonizó aventuras de gran belleza, como aquella en la que un día, cuando el dios
paseaba por la orilla del mar, fue raptado por unos piratas que se lo llevaron cautivo en su navío. Creían que
se trataba de un príncipe y esperaban obtener un buen rescate por él. En vano se esforzaban por atarlo con
pesadas cadenas; estas se soltaban y caían por sí mismas. Entonces se produjeron unos hechos prodigiosos:
a lo largo del sombrío barco empezó a correr un vino delicioso y perfumado, y una vid trepó por la vela
abrazándola con sus hojas. Mientras se adhería una oscura hiedra en torno al mástil, los remos se
convirtieron en serpientes y resonaron flautas invisibles. Ante tales prodigios, los piratas, aterrados, se
tiraron al mar, quedando transformados en delfines, lo que explicaría de forma simbólica por qué los delfines
son amigos de los hombres y se esfuerzan por salvarlos en los naufragios, puesto que serían aquellos piratas
arrepentidos.
En otros episodios de sus viajes se nos narran las dificultades con las que este dios se encontraba para que
sus ritos y fiestas fueran aceptados por las gentes. Por ejemplo, cuando Dionisos regresó a Grecia después
de su largo periplo, cuando estaba, de hecho, en su ciudad natal, Tebas, el joven dios introdujo sus fiestas, a
las que todo el pueblo se sumó, siendo presa de delirios místicos. Pero el rey Penteo se opuso a ritos tan
ajenos a las costumbres. Intentó encarcelar al dios y a sus sacerdotisas, las bacantes, y fue castigado por
ello, así como su madre Ágave, que tampoco reconocía al dios. Ágave, en pleno delirio místico, desgarró con
sus propias manos a su hijo y rey de Tebas, Penteo, en el monte Citerión.
Tras todas estas luchas para ser reconocido entre los mortales y para implantar su culto entre los humanos,
el dios pudo ascender al Olimpo, terminada ya su misión. Pero antes de ello, descendió al Hades, lugar donde,
según la tradición griega, residían las almas de los muertos, en busca de su madre, Sémele, para llevarla
también junto a él a la compañía de los dioses inmortales.

EL MITO DE MIDAS

Midas, hijo de Gordio y Cibeles, era el rey de Frigia. En todos los mitos en los que aparece, nunca se le
representa como una persona demasiado inteligente.
Tras la muerte de Orfeo, Dioniso dejó Tracia. Su viejo guardián Sileno, bebido como siempre, «ebrio de vino y
años» (Ovidio) se perdió por el camino y fue recogido por los agricultores frigios, que le llevaron ante Midas.
El rey, que ya había sido iniciado en el culto que se le rendía a Dioniso, reconoció de inmediato al anciano y
organizó un banquete con diez platos en su honor. Después le llevó hasta el dios de nuevo y éste, encantado
de tener de nuevo a su viejo maestro a su lado, quiso agradecer el gesto de Midas y le concedió tres deseos.
Midas deseó que todo lo que tocase se convirtiese en oro. El deseo se cumplió y, aunque al principio estaba
encantado con la novedad, muy pronto se vio rodeado de lujo y brillo y hasta lo que intentaba comer se
endurecía al convertirse en metal. Incluso el vino, un don de Dioniso, se convertía en oro líquido al tocar sus
labios.
Al darse cuenta de que así estaba condenado a morir de hambre y sed, Midas le rogó al dios que le liberase de
sus «manos de oro». Así lo hizo Dioniso, que le ordenó lavarse las manos en el río Pactólo, donde siempre se
ha encontrado oro desde entonces.
Midas ya no necesitaba riquezas ilimitadas, pero eso no hizo que adquiriese un poco de cordura. A menudo
pasaba los días al aire libre, convirtiéndose en un devoto seguidor de Pan, dios de la naturaleza que había
conseguido tal virtuosismo con la flauta que llegó un momento en que se atrevió a retar a un concurso nada
menos que a Apolo, para demostrar quién era mejor, tal y como ya había ocurrido con el infortunado sátiro
Marsias Tmolus, el dios de la montaña, sería el juez de la competición. Midas estuvo presente en el concurso
y se mostró incondicionalmente entusiasmado ante la actuación de Pan. Pero a continuación Apolo interpretó
una pieza magistral que convenció a Tmolus para darle el premio. Todos estuvieron de acuerdo con la
decisión menos Midas, que incluso llegó a protestar. Apolo se puso tan furioso ante tanta estupidez y
desconocimiento sobre el talento musical, que convirtió sus orejas en las de un burro.
Midas, cuyo carácter no era divino sino muy humano, estaba, por otro lado, avergonzado de esta
circunstancia y decidió desde entonces cubrirse la cabeza con el tocado tradicional en Frigia. Sólo su bar bero
conocía su deformidad y estaba obligado a guardar el secreto, pero el peso de la promesa era tal que no pudo
resistirlo e hizo un agujero en la tierra en el que susurró que Midas tenía orejas de burro. Después de quitarse
ese peso de encima, tapó el agujero y regresó a casa. En el punto en el que había susurrado brotaron unos
juncos que proclamaban sus palabras cada vez que soplaba el viento y así todo el mundo pudo saber que el
rey tenía orejas de burro.
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I. FORMAS MAYORES DEL GÉNERO DRAMÁTICO Y SUS

CARACTERÍSTICAS.

A. LA TRAGEDIA.

CARACTERISTICAS.

 Las tragedias son obras de teatro que tuvieron, según algunas teorías, un origen religio so. Provienen
de los rituales que se ofrecían en honor del dios Dionisio, llamado Baco en Roma. En ocasión de
celebrarse las fiestas en honor de este dios, un coro y un solista cantaban, como parte del hecho
religioso, ante el público que participaba en la ceremonia.
 Con el transcurrir del tiempo, el solista se convirtió en primer actor o protagonista; luego se agregó un
antagonista, y, por último, un tercer personaje, que permitió hacer más compleja la trama.
 Los principales autores del llamado período clásico de la literatura griega fueron Esquilo (525-456 a.C,)
Sófocles y Eurípides (480-406 a.C.), quienes fijaron los rasgos definitorios del género y dieron vida a
personajes que aún hoy conmueven al público.

 La Tragedia clásica se caracteriza por presentar personajes históricos o mitológicos Reyes, héroes y
semidioses), que sufren una desgracia inmerecida por voluntad de los dioses o el destino. El
desenlace es siempre infortunado, ya que termina con la muerte o el castigo del héroe.

 La Tragedia corresponde a aquellas obras en las cuales el protagonista, notable personaje y heroico,
se enfrenta a un destino fatal, los personajes aparecen guiados por fuertes pasiones que no pueden
dominar. Aquí, el personaje no tiene posibilidad de triunfar, pues el antagonista es una fuerza
sobrehumana que, al final lo vencerá.

 Otra característica de la tragedia corresponde a los sentimientos o emociones que debe despertar en
el receptor, quien, al ver el sufrimiento del protagonista, enfrentado en esta lucha desigual, siente
compasión y temor, lo que lo llevará a una liberación o “CATARSIS”, una purificación del espíritu a
través del dolor. El desenlace es inexorablemente (inflexiblemente) triste y funesto (desastroso).

 En la tragedia griega, los acontecimientos y calamidades ocurridas a los personajes provenían de la

fatalidad ineludible (inevitable). En cambio en la tragedia moderna – poco empleada - la fatalidad no es
la causa de su infortunio, sino el albedrío (voluntad), la irresponsabilidad.

Ejemplo: Edipo Rey de Sófocles, griego, 406 a, de C; madre de la tragedia griega.

La presencia de los dioses y el destino caracterizan a este género, los seres humanos no se deben oponer al
destino ni a los dioses o sucumbirán ante ellos. La tragedia busca provocar temor y compasión.

B. LA COMEDIA.

CARACTERISTICAS.

 Las comedias se representaban bajo los auspicios del estado y eran tema de competición. Obtuvieron
el reconocimiento del Estado después que las tragedias, habiendo sido puestas en escena
previamente por los actores a sus propias expensas. Fueron representadas por primera vez en la
festividad anual de las Dionisias Urbanas en el año 486 a. C. siglo I.
 La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando a lo largo del medievo y de la
Edad Moderna hasta nuestros días. Los griegos y los romanos utilizaron el término para referirse a
obras de teatro con desenlace feliz, y para el medievo ya se presentaban dichas obras con un enfoque
más «ligero», y más tarde como sinónimo de sátira.

 La comedia corresponde a aquellas obras cuyo elemento central es lo cómico. Posee personajes
comunes y corrientes, que encarnan los vicios o defectos de los seres humanos.
 El conflicto que se representa es posible y probable, si bien su contenido se exagera o ridiculiza en un
intento por provocar la risa del receptor.
 El protagonista lucha con el antagonista o antagonistas que hace intentos fallidos por lograr sus
propósitos, que lo llevan a diversas situaciones divertidas en las cuales fracasa o es objeto de burla.
 El desenlace presenta una solución alegre al conflicto, donde todos los problemas se arreglan y todos
quedan felices.
 Generalmente, los autores, a través de la risa, intentan que el receptor reflexione acerca de lo que
sucede en la obra y pueda extraer alguna enseñanza si se ve identificado en alguno de los personajes.
Ejemplo: El Médico a Palos de Moliere, francés, 1626 – 1673.

C. EL DRAMA.

CARACTERISTICAS
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 A diferencia de las formas anteriores, el drama no tiene un carácter definido, sino que en él se
combinan indistintamente aspectos trágicos y cómicos. Esto se debe a que el drama pretende
representar la vida tal cual es, razón por la cual tiende a tratar los asuntos de forma menos rígida que
la tragedia y la comedia.
 El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia
normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra
los acontecimientos vitales de una serie de personajes.
 El conflicto manifiesta la lucha del ser humano con su ambiente, las circunstancias que rodean su vida
y consigo mismo.

 Ejemplo: La Vida es Sueño de Pedro Calderón de la Barca, español, 1600 – 1681.

 Según la tradición, Tespis, el director de un coro del siglo VI a.C., creó el drama al separar en un
ditirambo el papel del personaje principal del resto del coro: él hablaba y el coro respondía. Según
Aristóteles, desde ese hecho sólo había que dar un pequeño paso hacia la evolución del drama como
forma independiente con la incorporación de otros actores y personajes.
 En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo comenzará a representar historias de héroes, en
tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de los dioses.

Los principales tipos de drama son:

 Drama histórico: el que tiene por asunto de su discurso a figuras, episodios o procesos históricos.
 Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto tienen preeminencia sobre la acción.
 Drama litúrgico: gestado durante la Edad Media en España y Francia; su materialización está en los
autos sacramentales.
 Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de “Viernes Santo”, al aire libre.
 Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.
 Drama satírico: En el teatro griego, género bufo (grotesco) en el cual los personajes principales son
sátiros y faunos.
 Drama escolar: actividades teatrales realizadas en las universidades europeas, durante los siglos XVI
y XVII.
 Drama abstracto: El que en su desarrollo no se atiene a la lógica de las acciones humanas
convencionales; así el teatro del absurdo.
D. TRAGICOMEDIA
 Obra que participa de los géneros trágico y cómico.
 El género se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes
aristocracia y pueblo, y por la utilización de distintos lenguajes.

II. FORMAS MENORES DEL GÉNERO DRAMÁTICO Y SUS

CARACTERÍSTICAS.

A. EL ENTREMÉS.

CARACTERÍSTICAS.

 Se conoce como paso o entremés a una pieza dramática jocosa y de un solo acto breve, protagonizada
por personajes de clases populares. Tienen un carácter cómico, satírico o burlesco.
 Se presentaban entre la primera y segunda jornada de una obra mayor (Tragedia, Comedia o Drama).
Posteriormente será llamado sainete.

B. SAINETE.

CARACTERÍSTICAS.
 La palabra sainete se utiliza para identificar a las piezas breves, tienen contenido jocoso y que se
desarrollan en un solo acto, se reflejan en él costumbres populares, el habla vulgar o se ridiculiza
defectos de la sociedad.
 En la antigüedad, estas obras se llevaban a cabo durante un corte intermedio o tras el término de una
función.
 Un sainete sustituyó al entremés en los siglos XVIII, XIX y XX.

C. LA FARSA

CARACTERÍSTICAS
 La farsa teatral nace en la época medieval, cuando la gente que seguía estrictamente las leyes dadas
por la religión se aburrieron de los dos principales géneros teatrales que en ese momento existían: el
de los misterios y el de las moralidades. La farsa nace del género de los misterios que antes hablaba
de Dios y de los misterios de la Biblia. La farsa en su momento fue conocida como el género teatral
que era para familias pobres y humildes, pero ahora ha sido adaptada para todos los públicos.
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 Una farsa es un tipo de obra teatral cuya estructura y trama están basadas en situaciones en que los
personajes se comportan de manera extravagante y extraña, aunque por lo general mantienen una
cuota de credibilidad. La palabra se deriva del vocablo latino farcire ("rellenar"), por la costumbre de
emplear las farsas como breves interludios cómicos en los dramas serios.
 Se caracteriza por mostrar hechos exagerando la realidad. Con la intención de que el público capte
una realidad evidentemente. Muchas veces criticando situaciones de tipo social. Los temas y
personajes pueden ser fantásticos, pero deben resultar creíbles y verosímiles. Aunque la farsa es
predominantemente un estilo cómico, se han escrito farsas en todos los registros teatrales.
 A la Farsa se le asocia comúnmente a lo cómico grotesco y bufonesco, a una risa grosera y a un estilo
poco refinado. La Farsa ha sido un género tradicionalmente menospreciado y a la vez admirado, pero
siempre muy popular. Es una situación de la realidad por otra esquemática. Es una visión absurda de
la realidad. Hace reír con una risa franca y popular.
 Utiliza un material imaginativo y universal. La misma critica o se burla de las costumbres y defectos de
la sociedad. Es un género muy popular que gusta mucho al público y hace reír con mucha facilidad. La
risa liberadora triunfa sobra la inhibición y la angustia trágica bajo la licencia poética. A través de la
farsa el espectador se venga de las limitaciones de la realidad y de la razón. Tiene final feliz o final
abierto, nunca final catastrófico.

Ejemplos

 El pastel y la torta, anónimo francés.

 El macho y el guanajo de José Soler Puig, una versión libre de El pastel y la torta.
 El Oso, Petición de manos, Trágico a la fuerza, y todos los juguetes cómicos de Antón Chejov.
 Chismes de Carnaval de José Ramón Brene.
 Todo el Teatro del absurdo es farsa.

LA ZARZUELA.

CARACTERÍSTICAS.

 La zarzuela es un tipo de teatro musical en el que la palabra hablada se alterna con música,
fundamentalmente con fragmentos cantados que también pueden ser instrumentales.
 Por su origen y desarrollo es un género estrictamente español aunque su aspecto sea similar a otros
europeos como el singspiel alemán o la opéra-comique francesa, en los que también se alterna lo
hablado y lo cantado.
 No existe un único modelo de zarzuela. A lo largo del tiempo se han desarrollado numerosas variantes
que afectan a la estructura y al contenido, encontrándose obras en uno o varios actos, sobre tipos de
argumentos diversos o compuestos sobre muy distinto formas musicales de acuerdo con las modas
de cada época.
D. AUTO SACRAMENTAL

CARACTERÍSTICAS.

 Son representaciones breves de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter

moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias; el más antiguo
es el denominado Auto de los Reyes Magos.
 La palabra auto quería decir acto. Por lo tanto un auto es una pieza en un acto.
 Sacramental porque estaban dedicados al sacramento por excelencia: la Eucaristía, y originalmente se
representaban sólo el día de corpus.
 Entonces: Auto sacramental es una pieza teatral alegórica religiosa en un acto de tema eucarístico que
se representaba el día del corpus entre los siglos XVI y XVIII.

III. ELEMENTOS DE LA PUESTA EN ESCENA.

A. LENGUAJE VERBAL

En el caso del género dramático, la dimensión de lo verbal se relaciona con el intercambio oral que se da
entre los personajes de la obra teatral. Por ello, se vincula con la historia que se quiere contar y con la trama
que se escenifica.

 LENGUAJE PARAVERBAL.

En este caso, nos referimos a aspectos no lingüísticos del comportamiento verbal durante la interacción
comunicativa. Si lo piensas, cuando dos personas dialogan su intención no está determinada sólo por el
mensaje, sino que también por la forma en la que se pronuncian las palabras, atendiendo a dos temas. Por un
lado, a las cualidades de la voz, aquí debes pensar en el control del volumen, del ritmo y del énfasis que se
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puede entregar a las palabras. Por otro lado, están los caracterizadores vocales que son las manifestaciones
que acompañan a la enunciación verbal, como la risa, el llanto, el bostezo, el ronquido, entre otros.

La presencia del lenguaje paraverbal en el ámbito de lo teatral en importante, porque el auditorio debe
escuchar claramente las frases y para eso, el personaje debe adecuar su voz de manera apropiada,
especialmente el volumen.

B. LENGUAJE NO VERBAL

El lenguaje no verbal es el que a pesar de acompañar a la emisión oral, puede realizarse de manera
independiente a este. En este caso existen dos tipos de lenguaje no verbal que inciden en el lenguaje teatral.

1. LENGUAJE KINÉSICO.

 Corresponde a la expresión corporal de la comunicación, la que puede darse mediante tres maneras:

Gestos: Se refiere principalmente a los movimientos corporales realizados con las manos, brazos y cabeza.
Por ello, encontramos a modo de ejemplo las expresiones de la cara (sonrisa, pena, asombro, etc.), alzar o
bajar manos y brazos, entre otros. Los gestos son fundamentales en el lenguaje teatral en tanto expresan
cómo el personaje debe manifestar las diferentes emociones o cómo debe reaccionar en relación a los
diversos acontecimientos que van sucediendo en la historia. Por ejemplo, en Romeo y Julieta, la enamorada
de la historia al no poder concretar su amor con Romeo, expresa facialmente su agobio.

Postura corporal: En este caso, el énfasis está en el movimiento del cuerpo y en las posiciones que éste toma
según lo que se esté diciendo. Por ejemplo, si un personaje está pidiendo a otro un favor muy difícil de
cumplir, es probable que se arrodille o si se encuentra sentado y se acerca alguien de mayor jerarquía,
debería levantarse.

La mirada: Si bien forma parte de la expresión facial, se estudia de manera separada por la importancia que
tiene en la percepción del mundo psicológico del personaje. Esto puede explicarse a través del refrán “una
imagen vale más que mil palabras”, en tanto los ojos pueden ser muy expresivos, situación que también
podemos advertir en el género dramático en la interacción entre los personajes.

RESUMIENDO: El lenguaje kinésico estudia el significado expresivo, apelativo o comunicativo de los

movimientos corporales y de los gestos aprendidos, no orales, de percepción visual, auditiva o táctil. Por
tanto en el lenguaje kinésico se utilizan los gestos, la postura, la sonrisa, la mirada y los movimientos
corporales para comunicarse, los cuales sustituyen o complementan al lenguaje oral, es decir a las palabras.

El lenguaje kinésico es una parte de la comunicación no verbal.

Ejemplos de lenguaje kinésico

Un suspiro (gesto de adaptación, se utiliza para contener los estados de ánimo).
Levantar el pulgar (gesto emblemático, se utiliza en señal de OK).
Mover la cabeza de arriba hacia abajo (se utiliza para afirmar).
Mover la cabeza de un lado a otro (se hace para expresar una negación).
Llevarse el dedo índice a los labios (se utiliza para pedir silencio).
Guiñar el ojo (se utiliza como señal de complicidad).
Utilizar los dedos índice y corazón de las dos manos (para expresar que lo que decimos va entre comillas)
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Golpecitos al reloj (para indicar que una persona llegó tarde)

Agitar la mano (se utiliza para saludar) etc.

2. LENGUAJE PROXÉMICO

Corresponde al uso del espacio en la comunicación. En este sentido, forman parte de ella las distancias entre
los interlocutores y la disposición que se realiza del espacio. Por ejemplo, tú no mantienes la misma distancia
cuando hablas con un amigo o cuando lo haces con un profesor, esto debido a que son contextos de
interacción diferentes. Lo mismo sucede en el género dramático, en tanto las distancias entre los personajes
y su movimiento en el espacio, dependen del tipo de relación que exista entre ellos.

Nacimiento del lenguaje proxémico como tal

Este concepto fue propuesto por Edward Hall (1914 – 2009, fue un respetado antropólogo estadounidense e
investigador intercultural) en el año 1963. Él estudió que el tipo de lenguaje proxémico varía dependiendo de
la cultura a la que pertenezca una persona. Por ejemplo, en culturas de origen latino la distancia de
comodidad es más próxima entre las personas que en otras culturas, por ejemplo las culturas europeas.

De allí se extrae que una persona de origen latino mantenga una conversación con cierta cercanía con otra
persona europea y que aquella se sienta en absoluta comodidad por dicha distancia mientras que ésta se
sienta un tanto invadida.

Ser consciente de estas diferencias puede facilitar la comunicación verbal.

Tipos de lenguaje Proxémico

Existen 4 tipos de lenguajes o divisiones de lenguaje proxémico. Cada uno de estos espacios responde a un
tipo desde cercanía/ distancia que propone el hablante en la interacción con otra persona.

Analicemos en cuanto a distancia cada uno de ellos, comenzando desde el espacio más cercano hasta el más
lejano:

 Espacio corporal. En este espacio sólo se deja ingresar a personas con muchísima confianza. Por
ejemplo, amigos íntimos, parejas, hijos, padres, etc. En este espacio el tono de voz que se utiliza es
cercano, íntimo y bajo.

 Espacio de interacción. Este espacio está determinado porque las personas que ingresan en él están
compartiendo un mismo sector, espacio o ámbito. Por ejemplo asistir a una clase o visitar al médico.
Este espacio, a diferencia del siguiente debe existir cierta regla o control para poder acceder a él.

 Espacio habitual. Este espacio es un poco más amplio que el anterior. Aquí no existe necesariamente
acceso mediante un papel o formalidad. Por ejemplo compartir el transporte público, asistir a una
discoteca o pub pueden ser ejemplos de este espacio.

 Espacio público. Son espacios sociales amplios. Aquí no existe ningún tipo de nexo entre las
personas. Ejemplo de este espacio pueden ser los aeropuertos o la vía pública. En estos casos el tono
de voz que se utiliza debe ser elevado.

Es importante mencionar que esta distancia del lenguaje proxémico no está determinada de forma inamovible
ni presenta una especie de valla física entre dos personas. No obstante es importante recordar que esta
distancia puede variar no solamente según sea la procedencia de los hablantes (culturas) sino que también
estará determinada por el tipo de vínculo (afectivo o distante) entre ambas partes.

Por ejemplo, no es la misma distancia física que se puede mantener con una persona que recién se conoce
(que seguramente estará en el espacio público o habitual) que con un amigo de muchos años.

Distancias

Además Hall identificó que de lo antes dicho se puede desprender cuatro distancias que cada persona utiliza
para relacionarse con otras en este lenguaje proxémico.

 Distancia íntima. En esta distancia las personas tienen, generalmente mucha confianza, conocimiento
y afecto entre ellas. Esta zona tienen un alcance de hasta 45 cm. Aquí la comunicación no estará dada
tanto por el lenguaje verbal sino más bien por las miradas, los sónicos y el tacto.
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 Distancia personal. Este espacio se halla entre los 60 cm y los 120 cm de la persona. Esta distancia se
puede observar con claridad en reuniones de trabajo, fiestas entre amigos, etc. La distancia se calcula
también al extender el brazo y poder tocar a la persona con la que se está hablando o interactuando.
Aquí las miradas son claves pero también lo es el tono de la conversación y las temáticas en particular
(las cuales pueden ser de confianza).

 Distancia social. Este espacio se encuentra entre los 120 cm y los 360 cm. En esta distancia las
personas no mantienen una relación afectuosa. Esta es la distancia que divide o separa a las personas
extrañas de las personas conocidas.

 Distancia pública. La distancia debe ser superior a los 360 cm de la persona. Aquí las personas no
mantienen ni siquiera diálogos. Aunque puede dirigirse esporádicamente hacia alguien, siempre será
en un tono alto (dada la distancia) y con ciertas distancia en la elección de las palabras.

Ejemplos de lenguaje proxémico

Distancia mínima:

1. Dos personas abrazándose

2. Dos personas besándose
3. Una madre e hija caminando juntas tomadas de la mano

Distancia personal:

4. Compañeros de trabajo que comparten un mismo escritorio

5. Reunión entre un empleado y su jefe
6. Sesiones de confesión entre un cura y el creyente en el confesionario
7. Compartir una cena o almuerzo familiar

Distancia social:

8. Reuniones laborales
9. Entrevistas de trabajo
10. Salidas a un pub o disco
11. Asistir a un recital
12. Compartir un medio de transporte público: avión, bus, micro, etc.

Distancia pública:

13. Encontrarse en un aeroparque

14. Visitar un parque o plaza pública
15. Compartir una conferencia