MINISTERIO DE EDUCACIÓN

“Unidad 2 del curso Infografía Digital”

Coordinación:
Portal Educativo/
Red de Maestros/
Unidad Especializada de Formación Continua (UNEFCO)/

La Paz - Bolivia, Abril 2014

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 INFOGRAFÍA DIGITAL

INFOGRAFÍA DIGITAL
CURSO VIRTUAL
[UNIDAD 2]

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1. Teoría del Color

1.1. ¿Qué es color?

El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma,
profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por
ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto
significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como
infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas
cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas
radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra “COLOR”.

1.2. Propiedades del color

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores:
verde, violeta, anaranjado.

Saturación:(saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color Valor (value) es la claridad

u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y
luminosidad expresan lo mismo.

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Brillo (brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una
superficie.

Luminosidad (lightness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la
reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

1.3. Colores primarios, generalidades

La problemática del Color y su estudio, es muy amplia, pudiendo ser abordada desde el campo de la física,
la percepción fisiológica y psicológica, la significación cultural, el arte, la industria etc. El conocimiento
que tenemos y hemos adquirido sobre Color en la escuela elemental, hace referencia al color pigmento y
proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura que consideraba como colores
primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, el amarillo y el azul. En
realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

El blanco y negro son llamados colores acromáticos, ya que los percibimos como “no colores”.

1.3.1. Color de la luz, síntesis aditiva

Los colores producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.) tienen
como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y componen la luz
blanca, por eso a esta mezcla se le denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces
dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible.

1.3.2. Color de pigmento, síntesis sustractiva

Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a
las superficies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los
colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por

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el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales.

La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el
color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como
síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo
por el cual se le agrega negro pigmento conformandose el espacio de color CMYK.

Los procedimientos de imprenta para imprimir en color, conocidas como tricomía y cuatricomía se
basan en la síntesis sustractiva.

1.4. Círculo cromático

El ojo humano distingue unos 10.000 colores. Se emplean, también sus tres dimensiones físicas:
saturación, brillantez y tono, para poder experimentar la percepción.
1.4.1. Colores primarios y secundarios
El círculo cromático se divide en tres grupos de colores primarios, con los que se pueden obtener los
demás colores.

El primer grupo de primarios segun los artistas diseñadores: amarillo, rojo y azul. Mez-
clando pigmentos de éstos colores se obtienen todos los demás colores.
El segundo grupo de colores primarios: amarillo, verde y rojo. Si se mezclan en
diferentes porcentajes, forman otros colores y si lo hacen en cantidades iguales producen la
luz blanca
El tercer grupo de colores primarios: magenta, amarillo y cyan. Los utilizados para la
impresión.
Definimos como los colores secundarios: verde, violeta y naranja. Los colores secundarios
se obtienen de la mezcla en una misma proporción de los colores primarios.

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1.4.2. Colores terciarios

Consideramos como  colores terciarios:  rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado,
amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo. Los colores terciarios, surgen de la combinación en
una misma proporción de un color primario y otro secundario.

1.4.3. Colores complementarios

Los colores complementarios se forman mezclando un color primario con el secundario opuesto en el
triángulo del color. Son colores opuestos aquellos que se equilibran e intensifican mutuamente.

1.4.4. Gama y combinación

Los colores complementarios son los que proporcionan mayores contrastes en el gráfico de colores.
Para obtener una gama de verdes: Los verdes se obtienen mediante la mezcla de azul y
amarillo. Variando los porcentajes, se obtienen diferentes resultados.

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Crear una gama de azules: Los colores más oscuros se logran mediante una combinación de
púrpura y azul. El color púrpura tiñe con intensidad y su mezcla se debe dosificar bien.

Obtener una gama de rojos anaranjados: Mezclando rojo y amarillo obtendremos diferentes
tonos anaranjados.

Obtención de una gama de ocres y tierras: A partir de un violeta medio, que se crea a partir
de púrpura y azul, es posible conseguir una extensa gama de colores compendidos entre el ocre
amarillo y el sombra tostada, llegando a sienas. Para conseguir esta combinación es preciso añadir
amarillo a los distintos violetas que se han creado con los otros dos primarios.

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1.5. Efectos del color: tamaño

Tamaño: El círculo central parece más pequeño si está rodeado de círculos de mayor tamaño y más
grande si por el contrario lo rodean círculos más pequeños.

1.5.1. Trasparencia, peso y masa

Transparencia: Se visualiza el efecto de transparencia por la aparente mezcla de tonos.

Peso y masa del Color: El color actúa por gravitación y extensión de una superficie cromática. Los
tonos fríos y claros parecen más livianos y menos sustanciales, los cálidos y oscuros parecen más
pesados y densos.

1.6. Escales de colores

El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, colores sin color. Psicológicamente son
colores dado que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Desde el punto
de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el
blanco sería considerado un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluta de la luz. Y en cuanto color sería considerado

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un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros.

Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas

1.6.1. Escalas cromáticas y acromáticas

Cromática: Los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro,
por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad.

Acromática: Será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro. La
escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los
colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro.
Por la comparación con la escala de grises (escala test), se pone de relieve las diferentes posiciones
que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad.

1.6.2. Gamas de Colores

Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular
de un color puro hacia el blanco o el negro, una serie contínua de colores cálidos o fríos y una
sucesión de diversos colores.

- Escalas monocromas: Son aquellas en las que hay un solo color, y se forma con todas las
variaciones de este color, bien añadiendo blanco, negro o la mezcla de ambos(gris).

Dentro de esta escala diferenciamos:

Saturación, cuando al blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación
determinada.
Luminosidad o del negro, cuando al color saturado se la añade sólo negro.

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Valor, cuando al tono saturado se le mezclan al mismo tiempo el blanco y el negro, es decir , el
gris.

- Escalas cromáticas: Estas se distinguen a su vez, en altas, medias y bajas.

Altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco.
Medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color.
Bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro.
Polícroma, a aquellas gamas de variaciones de dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo
de escala sería el arco iris.

1.7. Modelos de color

1.7.1. Modelo RGB

Modelo RGB. Este espacio de color es el formado por los colores primarios luz que ya se describie-
ron con anterioridad. Es el adecuado para representar imágenes que serán mostradas en monitores
de computadora o que serán impresas en impresoras de papel fotográfico.

Las imágenes RGB utilizan tres colores para reproducir en pantalla hasta 16,7 millones de colores.

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RGB es el modo por defecto para las imágenes de Photoshop. Los monitores de ordenador muestran
siempre los colores con el modelo RGB. Esto significa que al trabajar con modos de color diferentes,
como CMYK, Photoshop convierte temporalmente los datos a RGB para su visualización.

El modo RGB asigna un valor de intensidad a cada píxel que oscile entre 0 (negro) y 255 (blanco)
para cada uno de los componentes RGB de una imagen en color. Por ejemplo, un color rojo brillan-
te podría tener un valor R de 246, un valor G de 20 y un valor B de 50. El rojo más brillante que se
puede conseguir es el R: 255, G: 0, B: 0. Cuando los valores de los tres componentes son idénticos,
se obtiene un matiz de gris. Si el valor de todos los componentes es de 255, el resultado será blan-
co puro y será negro puro si todos los componentes tienen un valor 0. Este espacio de color tiene su
representación en el selector de color de Photoshop.

1.7.2. Modelo CYMK

El modelo CMYK se basa en la cualidad de absorber y rechazar luz de los objetos. Si
un objeto es rojo esto significa que el mismo absorbe todas las componentes de la luz
exceptuando la componente roja. Los colores sustractivos (CMY) y los aditivos (RGB) son
colores complementarios. Cada par de colores sustractivos crea un color aditivo y viceversa.

En el modo CMYK de Photoshop, a cada píxel se le asigna un valor de porcentaje para las
tintas de cuatricromía. Los colores más claros (iluminados) tienen un porcentaje pequeño
de tinta, mientras que los más oscuros (sombras) tienen porcentajes mayores. Por ejemplo,
un rojo brillante podría tener 2% de cyan, 93% de magenta, 90% de amarillo y 0% de negro.

En las imágenes CMYK, el blanco puro se genera si los cuatro componentes tienen valores del 0%. Se
utiliza el modo CMYK en la preparación de imágenes que se van a imprimir en cualquier sistema de
impresión de tintas. Aunque CMYK es un modelo de color estándar, puede variar el rango exacto de
los colores representados, dependiendo de la imprenta y las condiciones de impresión.

1.8. Psicología del color

El color desprende diferentes expresiones del ambiente, que pueden transmitirnos la sensación de
calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc.

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La psicología de los colores fué estudiada por grandes maestros a lo largo de nuestra historia,
como por ejemplo Goethe y Kandinsky.

1.8.1. Color Blanco

Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma o síntesis de todos los colores, y el
símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado con
cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco es siempre positiva y
afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia. El blanco crea una impresión
luminosa de vacio, positivo infinito.

1.8.2. Color negro

Símbolo del error, del mal, el misterio y en ocasiones simbolica algo impuro y maligno. Es la muerte,
es la ausencia del color. También transmite nobleza y elegancia.

1.8.3.Color gris
Es el centro de todo ya que se encuentra entre la transición entre el blanco y el negro, y el producto de
la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad, indecisión y ausencia de energía. Muchas veces también
expresa tristeza, duda y melancolía. El color gris es una fusión de alegrías y penas, del bien y del mal.
Da la impresión de frialdad metálica, pero también sensación de brillantez, lujo y elegancia.

1.8.4. Simbología del color amarillo y rojo

Por ejemplo una invitación de un color brillante debe evocar la imagen del mismo valor, sino y en caso
opuesto conseguiríamos un efecto contraproducente, transmitiendo la sensación de falsificación. Si es
de color oro, la imagen debe combinar en concordancia con el color expuesto, para que se tenga una
visión agradable y equilibradada de la presentación.

El color amarillo:  Es el color mas intelectual y puede ser asociado con una
gran inteligencia o con una gran deficiencia mental; Van Gogh tenia por el
una especial predilección, particularmente en los últimos años de su crisis.

Este primario significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja constituye
los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Es el color

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de la luz, el sol, la acción , el poder y simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo.

Mezclado con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad,
disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas pasiones. Mezclado con blanco puede expresar
cobardía, debilidad o miedo y también riqueza, cuando tiene una leve tendencia verdosa.

Los amarillos también suelen interpretarse como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos.
Están relacionados con la naturaleza. Psicologicamente se asocia con el deseo de liberación.

El color rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida, que vive hacia afuera , tiene un
temperamento vital, ambicioso y material, y se deja llevar por el impulso, mas que por la reflexión.

Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza,
destrucción e impulso, asi mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y de marte, y
también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal.

Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente, habrá que controlar
su extensión e intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente.

Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en su

mezcla con el negro estimula la imaginación y sugiere dolor, dominio y tiranía.

Expresa sensualidad, virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión ardiente y desbordada.
Por su asociación con el sol y el calor es un color propio de las personas que desean experiencias
fuertes.

1.8.5. Lenguaje del naranja y azul

El color naranja: Es un poco mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos,
tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y
pasión. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color utilisimo, pero en grandes áreas
es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. Posee una
fuerza activa, radiante y expresiva, de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética.

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Mezclado con el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro , opresión.

El color azul: Simboliza, la profundidad inmaterial y del frío. La sensación de placidez que provoca
el azul es distintan al de la calma o del reposo terrestres propios del verde. Se lo asocia con los
introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección,
la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso, y
simboliza la sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, verdad eterna e inmortalidad. También
significa descanso.

Mezclado con blanco es pureza, fe, y cielo, y mezclado con negro, desesperación, fanatismo e
intolerancia. No fatiga los ojos en grandes extensiones.

1.8.6. Color violeta

El violeta, es el color de la templanza, la lucidez y la reflexión. Transmite profundidad y experiencia.
Tiene que ver con lo emocional y lo espriritual. Es místico, meláncolico y se podría decir que
también representa la introversión. En su variación al púrpura, es realeza, dignidad, suntuosidad.

Mezclado con negro es deslealtad, desesperación y miseria. Mezclado con blanco: muerte, rigidez
y dolor.

1.8.7. Color verde

Es un color de extremo equilibrio, porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo =
cálido) y del juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro. Se lo asocia con las
personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y simboliza
la primavera y la caridad. Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce
reposo en el ansia y calma, traquilidad, también porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo
el color de los celos, de la degradación moral y de la locura. Significa realidad, esperanza, razón,
lógica y juventud.

Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la

compañía. Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza.

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Sugiere humedad, frescura y vegetación, simboliza la naturaleza y el crecimiento.

La persona que destaca por el uso del color verde, quiere ser respetada y competente.

1.8.8. Color marrón

Es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de
gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que pisamos. Con
esto, hemos podido comprobar algunas reacciones que producen los colores segun A. Moles y L.
Janiszewski.

2. Uso de formas
El uso adecuado de formas, es clave para el éxito en diseño gráfico. La forma, las características
de color, tamaño, puede determinar su estado de ánimo y el mensaje. Formas suaves, curvas y
redondeadas son percibidos de manera diferente que las formas agudas, angulares. El “espacio en
blanco” o espacio negativo a la izquierda entre las formas también tienen un impacto significativo en
un diseño. La experimentación y la alteración de las formas dentro de un diseño de última instancia,
puede conducir al resultado deseado.

Entre las características generales de las formas destacan:

2.1. Formas

Definida por disposición geométrica. Es la determinación, distribución y organización de los elemen-

tos.

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La forma de una zona o contorno va a permitirnos reconocerlas como representaciones de objetos

reales o imaginarios.

2.2. Dirección

Proyección plana o espacial de una forma, continuación imaginaria de la misma aún después de su
finalización física. Puede ser horizontal, vertical o inclinada en diferentes grados.

2.3. Color

Tal vez las más importante y evidente, puede imprimir un fuerte carácter y dinamismo a los elemen-
tos a los que se aplica. Toda forma o zona tendrá en general dos colores diferentes, el de su contor-
no y el de su parte interna, pudiendo aplicarse tanto colores puros como degradados de colores.

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2.4. Textura

Modificación o variación de la superficie de los materiales, sirve para expresar visualmente las
sensaciones obtenidas mediante el sentido del tacto o para representar un material dado. La textu-
ra está relacionada con la composición de una sustancia a través de variaciones diminutas en la
superficie del material, y se consigue en una composición gráfica mediante la repetición de luces y
sombras o de motivos iguales o similares.

2.5. Escala

Tamaño relativo de una zona respecto a las demás y al total de la obra. Los diferentes tamaños de
las diferentes zonas modifican y definen las propiedades de cada una de ellas.

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2.6. Dimensión

Capacidad tridimensional de un elemento o zona. La dimensión sólo existe en el espacio real tridi-
mensional, pero se puede simular en una composición gráfica plana mediante técnicas de perspec-
tiva, sombreado o superposición. También, mediante el uso de fotografías, que introducen espacios
tridimensionales en la composición.

2.7. Movimiento

Propiedad muy importante, que aporta connotaciones de dinamismo y fuerza. En las obras gráficas
puras no existe movimiento real, pero sí se encuentra implícito en ciertos elementos y se puede con-
seguir con ciertas técnicas que engañan al ojo humano (diseño cinético, pintura cinética) o represen-
tando elementos que sí lo tienen en el mundo real.

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3. Combinación de colores

El color es a menudo el factor clave del éxito de un diseño. Existen una infinidad de colores y ma-
tices para elegir. Esto hace que escoger una selección de colores para un proyecto parezca algo
complicado. ¡Es de agradecer cualquier ayuda que nos permita restringir la búsqueda! Ciertamente,
la apreciación de los colores es algo muy subjetivo y, además, algo sometido al vaivén de las mo-
das. De todos modos, existen algunas ideas básicas que deben tenerse claras para poder trabajar
con soltura con los diseños a color.

En la página previa de esta sección tenemos una introducción al mundo del color en el diseño digi-
tal. Aquí veremos algunas ideas esenciales para combinar con acierto los colores.
Existen varias opciones a la hora de plantear un diseño. Raramente funciona una combinación de
varias de ellas en una sola página, de manera que podemos considerarlas mutuamente excluyentes.
Un determinado planteamiento del color se asocia a otras connotaciones y valores del diseño: fres-
cura, seriedad, calidad, espontaneidad, juventud, delicadeza...
De entrada, existen diferentes formas de enfocar el color en un proyecto: un tratamiento monocro-
mo, o  a base de grises tintados; colores matizados o apagados; colores pastel; colores vivos... y
dentro de cada una de estas posibilidades podemos emplear diferentes combinaciones. Unas funcio-
nan, otras no. Intentaremos aquí presentar algunas orientaciones básicas para la selección de colo-
res dentro de un esquema u otro.

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3.1. Armonías de color

La investigación y las experiencias de los pintores a lo largo de los siglos nos permite disponer de
diversos conjuntos de colores que armonizan especialmente entre sí. La mejor manera de explorar
estos grupos de colores es utilizar la rueda o círculo de color. Una rueda de color básicamente ordena
de forma secuencial la progresión de los colores que forman el espectro de la luz, desde el rojo hasta
el violeta.

El círculo de color tiene que resultarnos familiar, por poco que hayamos abierto alguna vez un pro-
grama de gráficos o hayamos elegido colores en un programa cualquiera. A partir de estos colores
y sus variantes (añadiéndoles blanco o negro para obtener colores pastel y colores apagados, res-
pectivamente), podemos hacer nuestras selecciones de colores para un proyecto. Los motivos por los
que determinados colores ligan bien entre sí son complejos.  Existen diferentes formas de seleccionar
colores de manera que formen un grupo armónico: los colores, de una forma agradable a la vista se
realzan mutuamente.

La selección cromática para un proyecto suele contar con unos pocos colores  dominantes que ar-
monizan entre sí. Una gran cantidad de colores diferentes, aunque sin duda es algo agradable a la
vista, resulta difícil de mantener a lo largo de una serie de páginas o pantallas si se pretende enfo-
car la atención en algo que no sean las manchas de colores.

Existen diferentes tipos de armonías de colores usadas a menudo por los diseñadores y artistas. Vea-
mos algunas de ellas. El ejemplo que proponemos se basa en el círculo cromático básico— es posi-
ble obtener las variantes con diferente luminosidad añadiendo blanco o negro.

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Armonía monocromática. Muy simple de utilizar, sobria y elegante. Se basa en un solo color
y sus diferentes tonos. Es decir, en un círculo cromático, estaríamos en un solo punto y elegiríamos
variantes del mismo valor y saturación, con mayor o menor luminosidad. En el editor de colores de
windows, la barra auxiliar de la derecha representa esas diferentes tonalidades de un color. Un plu-
gin llamado Pantone Wheel. Este plugin gratuito (de la muy recomendada serie Unplugged Effects),
apto para Paint Shop Pro, versión 4 o posterior, o también para Photoshop, crea una rueda seme-
jante a las del sistema Pantone. Lo interesante es que, con un mínimo de manipulación, obtenemos
múltiples variantes de esquemas armónicos listos para usar.

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3.1.1. Armonía de análogos

Los colores análogos ocupan posiciones inmediatamente próximas en la rueda de colores. En razón
de su parecido, armonizan bien entre sí. Este tipo de combinaciones es frecuente en la naturaleza.

3.1.2. Colores complementarios o contraste

Los colores complementarios se encuentran en puntos opuestos del círculo cromático. Estos colores se
refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla
asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para
proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.

3.1.3. De complementarios divididos

En lugar de utilizar un par de complementarios, se utilizan los situados en posiciones inmediatamente
adyacentes. El contraste en este caso no es tan marcado. Puede utilizarse el trío de colores
complementarios, o sólo dos de ellos.

3.1.4. Doble armonía de complementarios

Utiliza un par de asociaciones de colores complementarios.

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3.1.5. Tríadas o armonía de tres colores

Se eligen tres colores equidistantes en el círculo cromático. Versiones más complejas incluyen grupos
de cuatro o de cinco colores, igualmente equidistantes entre sí (situados en los vértices de un cuadrado
o de un pentágono inscrito en el círculo).

3.1.6. Familias de colores. Modelos y paletas

Conviene recordar que se suelen denominar colores fríos a la mitad del círculo centrada en el polo
azul: es decir, desde el violeta hasta el amarillo verdoso. Estos colores dan una sensación de quietud,
frescor, lejanía... Los colores cálidos son la mitad opuesta, y dan sensación de calidez, cercanía,
viveza. Estos colores forman una gran serie de armonía de análogos y es fácil crear diseños sobrios
pero agradables con ellos.

Las familias de colores incluyen colores que armonizan entre sí, basada en un color primario. Por
tanto, tenemos tres familias principales: la del rojo, la del amarillo y la del azul.

En general se puede hablar de diferentes modelos básicos de selección de colores para un proyec-
to. Cada uno tiene sus connotaciones y es adecuado para unos usos, mientras que sería chocante
en otros. Aunque nada nos impide intentar romper los moldes:

• Colores vivos e intensos— colores tomados directamente de la rueda de color.

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• Colores pastel y colores apagados. Versiones matizadas de los colores, con mayor y menor lumi-
nosidad respectivamente.

• Combinación del negro con otros colores. El negro y el blanco combinan perfectamente con
cualquiera de las familias de colores y los esquemas de colores vivos, pasteles, apagados. De
hecho, el negro, el blanco o los grises acromáticos realzan la percepción de los colores del resto
de la composición. También es un truco interesante crear una imagen a base de tonos matiza-
dos, de tendencia neutra, y añadir unos pocos toques de colores intensos: esto proporciona una
mayor viveza aparente al resto de la imagen.

4. Tipografía
Es el arte y la técnica de crear y componer tipos para comunicar un mensaje. También se ocupa del
estudio y clasificación de las distintas fuentes tipográficas.

4.1. Partes que componen un tipo

4.1.1. Altura de las mayúsculas

Es la altura de las letras de caja alta.

4.1.2. Altura X
Altura de las letras de caja baja, las letras minúsculas, excluyendo los ascendentes
y los descendentes.

4.1.3. Anillo
Es el asta curva cerrada que forman las letras “b, p y o”.

4.1.4. Ascendente
Asta que contiene la letra de caja baja y que sobresale por encima de la altura x,
tales como las letras “b, d y k”.

4.1.5. Asta
Rasgo principal de la letra que la define como su forma o parte mas esencial.

4.1.6. Astas montantes

Son las astas principales o oblicuas de una letra, tales como la “L, B, V o A”.

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4.1.7. Asta ondulada o espina

Es el rasgo princial de la letra “S” en mayúscula o “s” en minúscula.

4.1.8. Asta transversal

Rasgo horizontal de las letras “A, H, f o t”.

4.1.9. Brazo
Parte terminal que se proyecta horizontalmente o hacia arriba y que no se encuen-
tra incluida dentro del caracter, tal como se pronuncia en la letra “E, K y L”.

4.1.10. Cola
Asta oblicua colgante que forman algunas letras, tales como la “ R o K “.

4.1.11. Descendente
Asta de la letra de caja baja que se encuentra por debajo de la línea de base,
como ocurre con la letra “p y g”.

4.1.12. Inclinación
Ángulo de inclinación de un tipo.

4.1.13.Línea base
La línea sobre la que se apoya la altura.

4.1.14. Oreja
Es la terminación o terminal que se le añade a algunas letras tales como “g, o y r”.

4.1.15. Rebaba
Es el espacio que existe entre el caracter y el borde del mismo.

4.1.16.Serif, remate o gracia

Es el trazo o termina de un asta, brazo o cola.

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4.2. Clasificación de las familias tipográficas

Las serif se clasifican en las siguientes clases: Romanas Antiguas, Romanas de Transición, Romanas
Modernas y Egipcias.
Las sans serif se clasifican como: Grotescas, Neogóticas, Geométricas y humanísticas

4.2.1. Romanas Antiguas

Se caracterizan por los siguientes detalles:

- Son letras que tienen serif.

- Su terminación es aguda y de base ancha.
- Los trazos son variables y ascendentes finos y descendientes gruesos.
- La dirección del eje de engrosamiento es oblicua.
- El espaciado de las letras es esencialmente amplio.
- Un peso y color intenso en su apariencia general.

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Este tipo de letra cumple con las características citadas, ya que identifica a dos etapas de su construcción
original. En la Roma antigua las letras eran trazadas con pincel cuadrado y posteriormente grabadas a
cincel sobre la piedra. Las letras romanas antiguas también se denominan Garaldas, en claro homenaje
a dos grandes tipógrafos de la época del Renacimiento: Claude Garamond y Aldus Manutius.

4.2.2. Romanas moderna

Se caracterizan por los siguientes rasgos:

- Tienen serif.
- La serif es lineal.
- El serif se relaciona angularmente con el bastón de la letra.
- Los trazos son marcadamente variables, mucho más que en el caso de las roma-
nas antiguas.
- La dirección del eje de engrosamiento es horizontal.
- Las cursivas son muy inclinadas, nos hacen referencia a la escritura caligráfica.

El grabado en cobre define esta clase de tipografías. También las romanas moder-
nas son llamadas Didonas, nombre formado a partir de Fermín Didot y Giambattis-
ta Bodoni, relevantes tipógrafos del Siglo XIX. El lenguaje de estas tipografías nos
llevan claramente a los resultados de la Revolución Industrial.

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4.2.3. Egipcia
Se definen por las siguientes características:

- Tienen serif.
- El serif es tan grueso como los bastones, esta es la principal característica que la identifica.
- Puede ser cuadrado (Lubalin Graph, Robotik) o bien redondo (Cooper Black).
- Las relaciones entre serif y bastón pueden ser angulares (Memphis) o bien curvas (Clarendon).
- La dirección del eje de engrosamiento es normalmente horizontal.

Los primeros tipos de la familia Egipcia, entran en juego hacia el año 1820, con el primer tipo
la “clarendon”. El tipo clarendon es de rigurosa actualidad, al igual que el Egyptienne usado en
fotocomposición. Ofrecen cuerpos medianos para ser usados como textos de libros.

4.2.4. Palo seco

Se trata de letras de palo seco y de ojos teóricos, basados en formas y estructuras geométricas, normalmente
monolíneas. Se emplean deliberadamente las mismas curvas y líneas en tantas letras como sea posible, la
diferencia entre las letras es mínima. Las mayúsculas son el retorno de antiguas formas griegas y fenicias.
Destacamos dentro de esta família la: Futura de Paul Renner, 1927, la Eurostile o la Industria.

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4.2.5. Caligráfica

Una familia de gran alcurnia y nobleza, actualmente arruinada. Este tipo caligráfico se encuentra
representada a pluma y pincel. La familia de letra inglesa, como la gótica es una reliquia
de tiempos pasados, cuando el rey Jorge IV de Inglaterra se le ocurrió un día del año 1700,
solicitarle al fundidor francés Firmín Didot una letra manuscrita, imitando la inglesa manuscrita.

Las cursivas inglesas nacen de la escritura común con pluma de acero

derivada del siglo XIX. Destacamos entre ellas: las Snell English o las Kuenstler.

Forman parte también de los tipos de letra manuscritos o caligráficos la del tipo Mistral, verdadero
hallazgo del grabador Excoffon, quien consiguió un alfabeto manuscrito de caja, cuyas letras enlazan
perfectamente.

4.2.6. Fantasia

Las del tipo decorativas no pertenecen a ninguna clasificación exacta. La ornamentación de letras y tipos
alcanzó su máximo esplendor hacia la primera mitad del siglo XIX, precisamente cuando se inició la
litografía industrial. Debido a la fácil talla de la madera, las filigranas y ornamentaciones invadieron al tipo.

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La ornamentación tipográfica existe desde hace muchos siglos, primero con las letras capitales
adornadas, en los tiempos del Uncial, el Carolingio y el Gótico, más tarde con las capitales del
Renacimiento. Otra muestra precedente de ornamentación la del antiguo Caslon.

5. Composición
La composicion se define como una distribución o disposición de todos los elementos
que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada.

En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego
debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto
imágenes, como espacios en blanco, etc. Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos
estos elementos en nuestra composición, para que tengan un equilibrio formal y un peso igualado.

El peso de un elemento se determina no sólo por su tamaño, que es bastante importante, sino por la
posición en que este ocupe respecto del resto de elementos. Por ejemplo, si queremos hacer destacar
un elemento en concreto, lo colocaremos en el centro.

En toda composición, los elementos que se sitúan en la parte derecha, poseen

mayor peso visual, y nos transmiten una sensación de avance. En cambio los que
se encuentran en la parte izquierda, nos proporcionan una sensación de ligereza.

Esto también se observa, si lo aplicamos en la parte superior de un documento, posee mayor ligereza
visual, mientras que los elementos que coloquemos en la parte inferior, nos transmitirán mayor peso visual.

Actualmente no existe una composición perfecta. Cada composición dependerá de su resultado final,
para todo ello, es necesario conocer todos los aspectos y formas para obtener un resultado con un
cierto equilibrio.

5.1. Escalas
En el diseño gráfico, las propiedades de los elementos visuales son relativas, dependen del resto de
elementos presentes en la composición. En este caso, la escala hace referencia a la relación entre los
tamaños y otras características de las piezas que forman el diseño con sus vecinas.

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“Otras características” hace referencia al aspecto global de un elemento: por elemplo, si se usan co-
lores más vivos, oscuros o contrastados, la “presencia” o sensación visual de tamaño resulta mayor
que la de otros elementos más pálidos, claros o difuminados.

La proporción relativa entre elementos debe ser equilibrada, usando una escala correcta. En una
composición gráfica la escala se usa tanto para distribuir el espacio como para equilibrar las pro-
porciones de los elementos.

5.2. Sección Áurea

La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de
una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al
segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes
desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.

De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo
dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción
o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como
símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama
número de oro = 1,618.

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A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición.
Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre
ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como
todo es la más perfecta relación de proporción.

Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste
en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó
una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo, conocida como la sec-
ción áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados mas largos y los más cortos de un
rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común, que es el número. Definido de otra
forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar
las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en “rectángulo áureo”. Se llega a la proporción a:b
= c:a.

Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos
principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio
entre estos elementos y el resto del diseño.

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5.3. El equilibrio en una composición

Cada forma o figura representanda sobre un papel se comporta como un peso, un peso visual, por-
que ejerce una fuerza óptica.

Los elementos de nuestra composición gráfica pueden ser imaginados como los pesos de una balan-
za. Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los distintos elementos que la forman
se compensan entre sí.

Este criterio se aplica principalmente al diseño global, es decir, a la disposición de los elementos
sobre la superfície de trabajo. Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se
provoca un desequilibrio intencionado para conseguir unos resultados específicos en un diseño.

Definimos el equilibrio como una apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composi-
ción no se van a desprender.

5.4. Equilibrio simétrico

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En una composición se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Todos los
pesos deberán estar compensados para obtener el equilibrio ideal.

Como medición del peso de las formas y líneas que utilizamos en una composición, se observa la
importancia que tienen los objetos dentro del diseño o creación que queremos representar, inten-
tando equilibrar los elementos de mayor importancia con los de menor importancia, y los de mayor
peso con los de menor.

Clasificamos el equilibrio en dos tipos: simétrico y asimétrico

El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe
igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto
en importancia y peso.

Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen
simetría axial bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simé-
tricamente respecto al eje. Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de
armonía.
La creación de un diseño simétrico nos transmite una sensación de orden.

5.5. Equilibrio asimétrico

Un equilibrio es asimétrico cuando al dividir una composición en dos partes iguales, no existen las
mismas dimensiones en tamaño, color, peso etc, pero existe un equilibrio entre dos elementos.

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En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto es variado.

La asimetría nos transmite agitación, tensión, dinamismo, alegría y vitalidad; en este tipo de equili-
brio una masa grande cerca del centro se equilibra por otra pequeña alejada del aquel.

5.6. Contraste de tono

El contraste actúa a través de la atracción o excitación del público observador, mediante la combi-
nacion diferentes intensidades o niveles de contraste, en el color, el tamaño, la textura, etc. Pueden
proporcionar mayor significado a una composición.

El contraste de tono se basa en la utilización de tonos muy contrastados, la combinación de claro-

oscuro, el mayor peso lo tendrá el elmento con mayor oscuridad. Para que este perdiera protago-
nismo en el diseño, tendríamos que disminuir la intesidad del tono y redimensionarlo, después, para
que no perdiese equilibrio en la composición. Este tipo de contraste es uno de los más utilizados en
composiciones gráficas.

5.7. Contraste de colores

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El tono es una de las dimensiones del color más importantes. El contraste más efectivo se obtiene
combinando los diferentes tonos. El contraste creado entre dos colores será mayor cuanto más ale-
jados se encuentren del círculo cromático. Los colores opuestos contrastan mucho más, mientras que
los análogos apenas lo hacen, perdiendo importancia visual ambos.

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