Moda Art Déco
ART DECO. INFLUENCIAS POSTERIORES.
La sofisticación que imperaba en los diseños del art decó se trasladó a la ropa,
reinventando el concepto de elegancia, y aunque este movimiento tuvo su
mayor esplendor durante los años 20 y 30, su influencia ha sido tan notable en
la moda contemporánea que nunca ha llegado a desaparecer.
Era la época del charlestón y el jazz, y la noche marcaba el estilo de vida, lo
que provocó que las faldas se acortasen, los brillos dominaran y los trajes de
marca masculinos redujesen su tela para hacerse más cómodos.
Muchas de las firmas de lujo actuales siguen buscando inspiración en este
movimiento, especialmente para los vestidos de noche Roberto Cavalli, Gucci o
Armani.
Para conseguir un outfit inspirado en los años 20, los looks de alfombra roja
que han lucido celebrities como Mischa Barton o Paula Echevarría son grandes
ideas, o puedes recurrir a un sencillo vestido negro de cintura caída y añadirle
piezas características de la época, como unos zapatos de pulsera, un collar de
perlas con varias vueltas y uno de los clutches Anya Hindmarch.
A pesar de que la mayor revolución del art decó fue femenina, el armario
masculino también experimentó cambios: el clásico esmoquin se modernizó y
los trajes masculinos se diseñaban con cortes rectos y limpios, con pantalonesk
sueltos que permitían bailar con libertad.
La moda art decó respondió a las necesidades más humanas de evasión y
placer, y creó un mundo de fantasía y hedonismo del que todo el mundo podía
formar parte.
Los grandes almacenes y diseñadores de moda de París también
desempeñaron un papel importante en el auge de Art Déco. Firmas
establecidas como el fabricante de equipaje Louis Vuitton, la firma de platería
Christofle, el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y
Boucheron, quienes comenzaron a diseñar productos con estilos más
modernos que se conservan en la actualidad.
Irene Camany
Ismael Terrer
Personas importantes
Coco Chanel
Elevó el estilo de las clases populares a chic y convirtió a sus clientas -
princesas y duquesas- en secretarias con falsas perlas, vestidos sencillos y
jerseys de lana, prendas y materiales hasta entonces destinados a los
mozos de cuadras, asistentas y clases trabajadoras. Sacó el punto a la
calle, en aquella época solo se usaba en la ropa interior femenina, e impuso el
pantalón, reservado exclusivamente a hombres y obreras de países atrasados.
La propia diseñadora usaba trajes y ropas masculinas –que robaba del armario
de sus amantes- y llevaba cuello y corbata. Se vestía con pantalones
ajustados a la pantorrilla, en una época en la que la policía detenía a las
mujeres que usaban bombachos para andar en bicicleta, por ser considerado
un atuendo indecoroso
Paul Poiret es considerado el primer gran diseñador del siglo y fue el primero
en diseñar de manera art déco. Sus diseños eran artísticos, tenían buen corte y
un espíritu revolucionario. Tuvo todo tipo de inspiración: occidental,
oriental, avant-garde y culturas antiguas. En 1908 diseñó un vestido recto, de
corte imperio, que fue el que liberó a las mujeres del corsé. Sus diseños eran
ácidos, con yuxtaposiciones de motivos, arte folclórico y líneas geométricas.
Además, diseñaba escenografías para los ballets rusos. Su experimentación
con el corte lo alejó de lo complicado del art nouveau y lo llevó a lo lineal del art
Decó.
Lanvin
Lanvin diseñó el Picture Dress. Hizo además la continuación de la crinolina de
guerra: un vestido de corte alto con falda amplia y retenía una forma romántica.
Los vestidos se iban haciendo cada vez más rectos, pero el Picture Dress tenía
una falda amplia pegada a un talle ajustado.
Vionnet
Revolucionó en el corte con simplicidad y drapeados. Se enfocó en la libertad
de movimiento, y cortaba las prendas al bies. Tenía mucha inspiración
geométrica. Hasta 1925 los demás diseñadores adoptaron el corte al bies
de Vionnet, y ella no usaba elementos andróginos como el resto de los
diseñadores.
Valeria Pérez
FECHAS Y EVENTOS
EXPOSICION INTERNACIONAL DE ARTES
DECORATIVAS PARIS
Fue una Exposición Internacional celebrada en París en el año 1925 que tenía
como finalidad mostrar los adelantos industriales y en las artes decorativas.
La premisa primera del certamen era la modernidad. Al certamen era obligado
acudir con creaciones novedosas. En consecuencia, los proyectos debían
alejarse de la tradición, excluyéndose las obras historicistas y las secciones
retrospectivas del pasado. En efecto, el artículo 4 del Reglamento de la
Exposición advertía que sólo serían admitidas las obras de una “inspiración
nueva y de una originalidad real”, y serían “rigurosamente rechazadas las
copias, imitaciones y derivaciones de estilos antiguos o anteriores”
La Exposición de París de 1925 fue visitada durante el tiempo que estuvo
abierta al público por más de 16 millones de personas, convirtiéndose en un
evento clave en para la denominación y la difusión internacional del estilo que a
partir de entonces se denominaría Art decó. Como mostraba la propia
exposición en su uniformidad, el estilo ya hacía tiempo que había madurado y
dado muy importantes frutos en apartados como el diseño gráfico, la
arquitectura, la pintura o la escultura.
En Francia, desde 1912, se había planeado una exposición internacional que
se iniciara en 1915 con el fin de exponer los productos franceses salidos de las
casas de diseño, así como invitar a los países europeos a que mostrasen sus
adelantos en materia de diseño y decoración. Sin embargo, el advenimiento de
los conflictos que desataron la I Guerra Mundial impidieron que esta exposición
se llevara a cabo.
Una vez terminada la guerra, en 1918, se anunció que dicha exposición se
celebraría en 1922, mas los problemas financieros y la reconstrucción
económica hicieron que la exposición no se celebrara hasta 1925.
La Exposición de París de 1925 fue visitada durante el tiempo que estuvo
abierta al público por más de 16 millones de personas, convirtiéndose en un
evento clave en la difusión internacional del estilo Art Déco. Esta afluencia
masiva fue decisiva en la popularización y democratización de uno de los
estilos más exquisitos y elitista de los tiempos modernos, un estilo plural en el
que se sintetizaban las experiencias vanguardistas más inmediatas junto con
otro tipo de componentes de signo más ecléctico, de los cuales se realiza una
lectura más libre y estilizada
Como mostraba la propia exposición en su uniformidad, el estilo ya hacía
tiempo que había madurado y dado muy importantes frutos en apartados como
el diseño gráfico, la arquitectura, la pintura o la escultura. A dicho certamen era
obligado acudir con creaciones modernas y se excluían las obras historicistas y
las secciones retrospectivas del pasado.
Rocío
Roca
Nayra Pérez
