Cómo Componer

una Canción
Paso a Paso
Cresciente.net
Teoría Musical & Composición
Francisco Soto Aparicio
Introducción

Este libro digital es un intento de sistematizar la creación Aquel que hace poco tiempo está creando canciones (o bien
de la pieza musical en formato Canción. nunca ha hecho una), y está en busca de un camino claro para
abordar el proceso de componer, y así hacerse una mejor idea
Si bien la composición es un proceso muy personal, intentamos
de lo que implica.
ordenarlo de forma tal que sea sencillo y fácil de replicar a la
hora de abordar la creación propia, para “soltar la mano”. Se parte de la idea de que sabes lo más básico de la teoría
musical. Si hay conceptos que no entiendes, no te preocupes,
En este caso particular, comenzaremos desde los acordes, ¡sigue adelante! de todas maneras podrás sacar algo en limpio.
desde la armonía, Recuerda que es un libro práctico.

¿Por qué?
Además, debes saber que en la web tenemos un libro gratuito
de Teoría Musical Básica aplicada.
Porque, para el principiante, es mas sencillo. La intuición
melódica y el oído interno requerido para emparejar la melodía
Quien ya conoce bastante de teoría pero no la ha aplicado
con el acorde adecuado no está desarrollada aún en quien recién
nunca en una composición real. En este caso, te servirá para
comienza. Mas adelante, te insto a probar el sentido inverso:
tener un ejemplo claro y práctico de cómo comenzar a aplicar
comenzar con la melodía y luego los acordes.
sus conocimientos en una situación creativa real. Te interesará
especialmente el último paso, que va un poco mas allá con
Este libro está escrito para 2 tipos de músico:
conceptos mas avanzados.

2
Introducción

No pretende ser un libro de teoría, si no de aplicación. También tenemos un curso de lecto-escritura musical,
gratuito, en la web.
Para adentrarte en la teoría básica, puedes encontrar en nuestra
web los recursos “Teoría Musical Básica” y “Primeros Pasos en la Verás que todos los ejemplos del libro tienen audios, lo que te
Composición Musical”, que son aproximaciones más teóricas. ayudará a relacionar los contenidos de mejor manera.

Como ayuda para los guitarristas, presento algunos ejemplos Espero que lo disfrutes y no dudes en escribirnos por
en tablatura. cualquier consulta, duda o apreciación.

Siempre invitamos a aprender un poco de lectura en

partitura: no es necesario ser un lector fluido para captar algo
de este sistema.

La teoría se hace muy visible en la partitura y pronto se

convertirá en un gran aliado a la hora de ordenar la música.
Francisco Soto Aparicio,
Personalmente, pienso que recién conocí bien la guitarra, a
nivel de posibilidades armónicas, cuando comencé a abordar la Director de Cresciente
lectura, hace ya varios años.
[email protected]

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Un Par de
Consejos
El libro está hecho para leerse en digital, si bien lo puedes
Aquí te dejamos el primer enlace:
imprimir.
se trata del libro Teoría Musical Básica,
que se complementa muy bien con el
Cada Código QR que aparezca (el dibujo como el que aparece a
presente texto.
la derecha), nos lleva hacia los audios. Si lo has impreso, deberás
escanearlo con alguna app para ello. Si estás en digital, solo
Si pinchas la imágen o la escaneas, te
debes pincharlo - hacer click (si tu lector de PDF lo soporta).
abre el vínculo.

Por otro lado, recomiendo tomarse un tiempo específico

para trabajar sobre el Libro.

En un mes debieses poder leerlo y aplicar el sistema en una

composición propia sin problemas.

Recomiendo como punto inicial, 2 sesiones semanales de

estudio, de unos 30 minutos. Puedes complementarlo con
nuestro Libro de Teoría Musical Básica (en la web cresciente.net)
y así puedes ir complementando.

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Glosario
A continuación un pequeño glosario de los conceptos Por ejemplo, entre Do y Re hay una segunda: Do - Re. Entre Do y
teóricos que aparecerán en el libro. Mi, una tercera: Do - Re - Mi.

Puedes pensarlo como un pequeño repaso de lo que aparecerá Luego, esas terceras y segundas pueden ser mayores o
aplicado en el transcurso del libro. Todo esto lo encuentras más menores (su especie), dependiendo de la distancia. Otros
desarrollado en Teoría Musical Básica. Si no entiendes algun intervalos son justos, disminuidos o aumentados.
concepto, aún así es posible que entiendas la aplicación.
Si no lo tienes claro te convendría investigar, ya que son los
ESCALA: ladrillos primordiales de la teoría. Los acordes, las escalas, las
melodías y la armonía, todos utilizan los intervalos.
Es un grupo o una colección de notas sucesivas, un
conjunto, que recibe un determinado nombre según cual sea ACORDE:
su estructura. Se construye por segundas, es decir, de una
Un acorde es un conjunto de notas (por ahora 3, o sea una
nota a la siguiente (do a re, re a mi, mi a fa etc.). Es como una
tríada), que, a diferencia de la escala, se construye a partir de
escalera, paso a paso, de ahí su nombre. Las mas conocidas
terceras y no de segundas.
son la escala mayor y la escala menor.

Así, tenemos tres notas (tríada): fundamental, tercera y quinta

INTERVALO:
(3ra + 3ra=quinta). Es la unidad básica de la armonía moderna y
Es la medición de la distancia entre dos notas. Su clasificación tradicional, y la forma mas efectiva de acompañar una melodía.
se hace en 2 “partes”: un número y una especie. Los acordes mas conocidos son los mayores y los menores.

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Glosario
Los mayores tienen tercera mayor, y los menores tercera menor. donde se ralentiza, se apura, o cambia. El ritmo es lo que sucede
La quinta es justa, en ambos casos. Hay más tipos de tríada, que encima de ese pulso base: como se divide en gestos concretos.
no utilizaremos en el libro.
TIMBRE:
TONALIDAD:
El color de un instrumento, lo que hace que una misma nota
Cuando tomamos la escala y construimos acordes con suene distinto en un piano que en una guitarra. Depende de
ella, sobre cada una de sus notas, comenzamos a formar lo los armónicos, que son los componentes del sonido. Cada
que llamamos tonalidad: un complejo de notas y acordes que instrumento tiene un distinto balance en estos armónicos, y eso
tienen una relación, una jerarquía, y funciones diferenciadas determina su sonoridad: su timbre.
para cada uno de estos acordes.
MELODÍA Y ARMONÍA:
A veces, al principio, se usa casi como sinónimo de escala. Poco
Armonía es simultaneidad de alturas o notas. Cuando suena
a poco entenderemos más en profundidad qué es la tonalidad,
mas de una nota al mismo tiempo, ya sean 2, 3, 4 o mas notas,
ya que es todo un sistema.
hablamos de armonía. Es decir, cuando hablamos de acordes,
TEMPO O PULSO: estamos hablando de armonía, a grosso modo.

Es el corazón de la música, el latido; lo que va por debajo Es el opuesto complementario de la melodía: una sucesión de
de toda ella y la sostiene. Es lo que llevamos con el pie cuando notas, una tras de otra. La armonía es la verticalidad mientras que
escuchamos música. Es estable, salvo en casos excepcionales la melodía es la horizontalidad: simultaneidad contra sucesión.

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Glosario
Ambas tienen una relación recíproca en la música actual, es un acorde menor, con quinta disminuida. C7 es un acorde de
llevando igual importancia. Do mayor con séptima menor. Etc. Por ahora solo usaremos los
básicos: mayores y menores.
Una melodía sin acompañamiento armónico suena estéril,
débil, plana. Una base armónica sin ningún elemento melódico En nuestro caso, como convenio, utilizamos el cifrado americano
suena vacía y repetitiva, sin vida. para indicar acordes, y el estándar (Do-Re-Mi) para referirnos a
notas sueltas.
La armonía es capaz de darle un aire nuevo a cada nota de la
melodía, de llevarla a otros lugares. Sin duda se complementan. Puede que ya supieses algunas de estas cosas y te haya
ayudado a aclararte, o puede que sean conceptos nuevos para
Hoy, hablar de armonía es prácticamente hablar de acordes.
ti.
Cabe mencionar que una melodía lleva implícito un ritmo que la
Si no lo entiendes todo, ¡no te desanimes! Ya lo entenderás.
caracteriza. Sin el ritmo, deja de ser la misma melodía.
El hacer es la mejor manera de aprender. Confía en ello.
NOTACIÓN AMERICANA / CLAVE AMERICANA:

Se refiere a la manera de expresar cada nota a través de una

letra, propia del sistema norteamericano:

A=La, B=Si, C=Do, D=Re, E=Mi, F=Fa, G=Sol.

Se usa mucho para cifrar acordes: C, sin nada mas, simboliza un

acorde de Do mayor. Cm simboliza un acorde de Do menor. Cm(b5)

7
Paso 1: La
Planificación

Ordenar las ideas y Para iniciar el proceso y volverlo mas sencillo, nos
pondremos algunas definiciones previas.

encontrar el concepto Es decir, pensaremos un par de cosas de antemano, antes de

siquiera tocar el instrumento. Esto nos ayuda a tener un foco
mas claro.

para hacer más fluido Y si bien el ponerse tales limitaciones a priori puede hacer
parecer el proceso como un mero ejercicio, no tiene por qué ser

el proceso anti-artístico.

Es más, a veces puede contribuir a que la idea no se pierda y

que lo esencial de la canción se mantenga intacto: a quien no
le ha pasado, que te pones a componer y en realidad terminas
tocando lo mismo que siempre tocas.

Tener una idea de antemano ayuda a darle énfasis a eso

que queremos expresar. Entonces, ¿Qué definiremos?

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Título, Mensaje
y Ambiente
Lógicamente, definir el título y el mensaje general nos ayudará
En este caso, la canción llevará por nombre “Camino a
a perfilar mejor todos los demás aspectos de la pieza musical,
ya que tenemos un punto de foco sobre el cual apoyarnos.
casa”.

Después de todo, la música se trata de expresar. Muchas El mensaje será sobre el volver al equilibrio, al estado de
veces no hay palabras para ello, y justamente es la gracia de paz interior y comodidad con la vida y las personas que nos
esta forma de arte, pero el tener una idea previa generalmente rodean, ese estado de goce y plenitud que depende más
ayuda mucho en el proceso. De hecho, para escribir letras, de la voluntad que de lo exterior.
será un gran apoyo, si se te hace difícil esa parte.
El ambiente general será nostálgico primeramente, y
En especial si te cuesta perfilar tus composiciones, haz el
luego más esperanzador, sin caer en lo meloso. Quiero
experimento y escoge alguna temática o algo que te inspire.
que se note el malestar o la disconformidad de la situación
No tiene por qué ser el título, ni siquiera tiene que ser actual “del personaje”, y que luego vaya transitando hacia
en palabras: puede ser una imagen, una foto, un paisaje, un un estado más armonioso, mientras avanza ese camino.
poema, una frase, un recuerdo de niñez, o una sensación.
Ahora, te toca a ti escribir: ¿qué quieres transmitir con
Es cualquier elemento que se te presente como un apoyo
tu canción? No te calientes demasiado la cabeza, cualquier
a la hora de crear. cosa está bien en un principio: el mismo hacer te dará
experiencia y fluidez, con el tiempo.

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La Forma o Esta vez no nos complicaremos y haremos una estructura
muy simple de 2 secciones, para ahorrarnos energía al

Estructura
respecto: estrofa-estribillo-estrofa-estribillo.

A la estrofa le asignaremos la letra A, y al estribillo B. Así,

nuestra estructura base sería: A - B - A - B

Añadiremos el detalle (variedad) de que la segunda

La forma de una canción define cómo guiaremos el viaje estrofa tendrá una variación respecto a la primera, y que
del oyente, por qué paisajes lo haremos pasar, qué emociones el segundo estribillo se repetirá. Quedaría: A - B - A’ - B - B
transitará, y en qué orden.
Ahora, también sería una buena idea plantear mensajes o
Una canción es un viaje emocional, y cada sección debiese ideas para estas secciones. De esta manera, será más fácil
tener un “por qué” y un efecto sobre este viaje del oyente. luego definir qué elementos técnicos me ayudarán a
Hay que considerar que la música sucede en el tiempo. El expresar esas ideas.
tiempo es su “continente”, su marco, y por ello debemos prestar
especial atención a ello: el oyente va a percibir la música a
Nuestro A será más nostálgico e interno, y nuestro B
través del tiempo, y así va a generar expectativas según lo que
será más brillante, extrovertido y optimista. Si se hace
necesario, añadiremos secciones auxiliares.
ya ha oído.

La forma se tiende a definir por secciones: espacios de

música que tienen algún elemento común que hace que los
Siempre es bueno tener en cuenta que la música debe
sintamos como una sola cosa. Ejemplo típico de secciones son
presentar un buen balance entre unidad y variedad, entre
estrofa y estribillo (verso y coro, para algunos).
cambio y repetición. Este balance es el que permitirá que el
Cuando tenemos formas muy caóticas, o en las que no se viaje del oyente sea lo más fluido posible, que no se aburra por
repite nada de música, el oyente se siente desorientado y sin demasiada repetición ni tampoco se sienta desorientado por
puntos de referencia claros de donde agarrarse. un exceso de material nuevo.

10
Escala y
Tonalidad
Definiremos una escala para trabajar y
desde ahí construir nuestros acordes y
nuestra melodía.

Si bien mas adelante podremos salirnos

de la escala un poco, al principio nos
mantendremos estrictamente dentro
Ejemplo 1, escala de La menor
de ella.

La escala será La menor (Am en notación

americana) y su relativa mayor Do mayor Si no entiendes esta parte, puedes preguntarle a alguien que sepa mas que
(C). tú (o bien a nosotros), pero de todos modos recuerda que no es necesario
que lo captes todo para avanzar. Lo mas importante en este libro es aplicar
Que sean relativas significa que tienen
para internalizar. Puedes revisar también el libro de Teoría Musical Básica,
las mismas notas, pero dependiendo
donde esto se explica en el Capítulo 4.
de cual enfaticemos como centro (La o
Do) conseguiremos un sonido más mayor Recuerda que haciendo click en el Código QR de arriba, o al escanearlo,
(extrovertido, brillante) o más menor puedes ir a la página de los audios.
(opaco, mas introvertido).

11
Campo Armónico

Podemos utilizar las notas de la escala para

construir acordes y formar una Tonalidad,
un Campo Armónico.

Basta con construir los acordes,

superponiendo 3 . Esta escala nos entrega los
ras

siguientes acordes, que llamamos grados de

la tonalidad o campo armónico (de Am en Ejemplo 2, Campo Armónico de Am
este caso) y les asignamos un número romano
para identificarlos:

Como aparecen estos acordes en el diagrama, están en posición fundamental, sin duplicar ninguna nota.
En la guitarra, por ejemplo, es poco usual que los toquemos así: más bien, duplicamos notas y las
disponemos de manera más libre por la propia naturaleza del acorde. Es lo que se llama disposición del
acorde. Puedes pensar que esta es su forma primordial - natural - ideal, y que en la realidad se disponen
como mejor sea según el caso, el instrumento y el contexto musical.

Si quieres saber más en detalle cómo se construyen los acordes, te dejamos un video del canal al respecto.

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Relativa Mayor
Pensémoslo ahora desde Do mayor, la relativa mayor de Am.
Sería bueno que sepas
Las notas de C mayor son: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si (notas naturales - teclas blancas del
teclado: las mismas de La menor pero tomando como centro, eje y tónica a Do)
tocar estos acordes en tu
instrumento, en la posición más
básica (exceptuando el Bm(b5), que
es una tríada disminuida y no lo
usaremos por ahora).

Si no tocas un instrumento
armónico (los que pueden tocar
varias notas simultáneamente,
Ejemplo 3, Escala de Do mayor siendo piano y guitarra los más
usuales), te recomiendo aliarte
Grados de la tonalidad de C (Acordes): con alguien o bien buscar una
aplicación que te permita armar
bases con acordes (Chordbot o
similares).

Inclusive puedes utilizar

Musescore, un programa de
notación musical gratuito,
reproduce los acordes del cifrado.
Ejemplo 4, Campo Armónico de C mayor

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Definiendo los Para que se defina una de las relativas como centro
tonal, hay ciertos lineamientos generales:

• El primer acorde de cada vuelta (4 compases) lleva

Colores gran ventaja para convertirse en Tónica por estar en la

posición más fuerte. Por ejemplo, si tenemos - ||:Am
- F - G - Dm :|| (se repite) - la progresión completa se
sentirá en Am.

• En cambio, si la progresión resuelve en un tiempo

En la sección A, la estrofa, tomaremos como centro tonal Am,
para generar un ambiente introspectivo e interno.
fuerte hacia el Do, podríamos estar en presencia de
una modulación: | Am - F - Dm - G - C ... | - este último
Para la sección B, cambiaremos el centro tonal a su relativa
C se va a sentir como la tónica ahora, por ser el quinto
mayor, que es C mayor. Así se formará un color mas brillante y
tiempo (o el primero de una serie de 4)
hacia afuera, extrovertido.
• El acorde de dominante, el V grado (G para Do mayor),
Como ya indicamos, son relativas y tienen las mismas notas,
es el que tiene mayor empuje cadencial y produce
por ende el proceso de pasar de uno a otro es muy simple y
una resolución fuerte hacia la tónica. Si resolvemos de
fluido.
G a C, es muy probable que se sienta el C como tónica
De hecho, ese paso de Am a C es conocido como modulación, (a menos que pronto neguemos esa modulación
un cambio en el centro tonal. volviendo a Am).

Ahora, hay que tener ciertos resguardos: no basta con tocar • Para Am, su dominante (V grado) es E. Pero, en la
una vez el acorde de C para decir que estamos en Do mayor. escala menor natural, ese E es Em, que es muy suave
Tiene que sentirse que el centro tonal es Do, y para ello todos para ser dominante. Por ello se utiliza en su lugar un
los demás acordes de la progresión van en función de él. E, mayor (o E7 inclusive), y se altera la escala (menor
La clave es que el reposo se sienta en Do, para decir que
armónica). Aún así el Em es muy útil, en especial en
contextos más de rock alternativo, y es más suave.
estamos en Do mayor. Y para La menor, lo mismo, debemos
sentir que el reposo está en dicha nota.

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La
Instrumentación
Con instrumentación nos referimos al grupo que interpretará
la música, pero más en concreto estamos definiendo qué
La instrumentación para esta canción será de banda
de rock típica: batería, bajo, 2 guitarras, voz. Luego
timbres estarán presentes en la canción.
podremos añadir algunos arreglos adicionales, mas no
Así, una canción que incluya solo piano y voz será bastante
primordiales, que sumarán textura y variedad al arreglo.
distante en color que una que incluya batería, bajo, 2 guitarras,
Conviene pensar siempre en que tenemos varios
organo hammond y 3 voces.
instrumentos. Nuestra imaginación juega un rol clave en
Inclusive, puede que ambas tengan un mensaje similar y
esto, ya que componer y arreglar es en buena parte el arte
tengan información armónica similar (escala - tonalidad), pero
de disponer el material musical entre los distintos medios
aún así vamos a oír una música muy distinta.
disponibles (instrumentos).
Hay que tener en cuenta que cada instrumento, además de
Si tenemos 2 guitarras, nos conviene pensar en un
aportar su timbre, tiene distintas posibilidades: una guitarra,
principio que las tenemos, para así imaginarlas.
a pesar de que tiene cierta similitud con el piano, tiene otras
Si queremos hacer una canción para guitarra sola y voz,
posibilidades como el rasgueo, que el piano no puede hacer.
vamos a tratarlo muy distinto!
Una flauta puede tocar pasajes que un fagot no podría, y así.

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Ahora que ya tenemos una idea base bastante armada, dividiremos el proceso siguiente en 4 pasos:
los acordes, la melodía, la letra, y el arreglo.

Ahora, si aún no lo has hecho, desarrolla este Paso 0, de Planificación, para tu canción:

• Define el título, el mensaje y el ambiente que buscas generar.

• Luego la forma, la estructura. Mantenlo simple.

• Por último, según el ambiente que buscas y tu manejo técnico, la tonalidad o tonalidades a utilizar.
Si estás en duda, puedes usar La menor/Do mayor como lo hago yo. Si te manejas con mas soltura
en otras tonalidades, busca la que te acomode vocal e instrumentalmente. Puedes inclusive usar
armonías modales u otros conceptos mas avanzados, si los manejas. No necesitas utilizar armonías
rimbombantes, para nada, con lo básico basta y sobra.

• Define finalmente la instrumentación.

Siéntete libre de utilizar algunas de las directrices que plantee o bien crear las tuyas propias.

En Resumen, se trata de definir las secciones y las ideas tanto globales como por sección. Tener
esto de antemano nos va a facilitar tomar recursos técnicos específicos para lograr transmitir el
mensaje o la sensación que buscamos.

16
Paso 2: La Base
Armónica y la
Melodía
Como lo planteamos en la introducción, comenzaremos por

Cuando comenzamos, definir los acordes (la armonía) que serán la base sobre la
que descansará el resto de la música.

es buena idea partir

Luego añadiremos una melodía, a partir de los colores que me
sugiere la armonía.

Es el proceso mas sencillo al principio, cuando aún no tenemos

desde los acordes y así una intuición melódica muy desarrollada. Además, tener la
base armónica nos entregará rápidamente una sensación de

ir afianzando el sentido plenitud musical, sonará “lleno” de inmediato. No así con una
melodía sola cuando aún no tiene una base que la sustente.

melódico-armónico
Vamos a ello...

17
La Armonía

Indicábamos en la sección anterior, que la tonalidad de La orden, el lugar y la duración de cada uno, podemos enfatizar
menor tiene los siguientes acordes, su campo armónico: el La o el Do como centro tonal. Ya dimos en la sección anterior
algunos lineamientos al respecto, pero también te invito a
confiar en tu intuición y tu oído.
Am Bm(b5) C Dm Em F G
Es una línea tan delgada, que hay músicas que se podría decir
que están en ambos centros simultáneamente, o cambian
Si juegas con estos 7 acordes (6, si omitimos el Bm(b5), cuyo entre los dos de manera constante.
uso es levemente problemático por ahora y lo evitaremos), te
Ahora, debemos saber que cada uno de estos acordes tiene
mantendrás dentro de la escala. una jerarquía y una importancia dentro de la tonalidad, que
Todas sus notas están dentro de la tonalidad de Am, y si le das va a determinar el grado de tensión y resolución del mismo, y
suficiente foco a dicho acorde, se establecerá como el centro que esta función depende de si lo estamos pensando a partir
tonal y estaremos efectivamente en tonalidad de Am. de Do o de La...

De esta manera, podemos decir que estos 6 - 7 acordes están

pintando el color de la escala, presentando de forma inequívoca
el sabor de la escala menor de La.

Ahora, si enfatizas el acorde de C, estaremos orbitando en Do

mayor. Aunque sean los mismos acordes, dependiendo del

18
Grados y
Funciones
Para cada centro tonal, tenemos Grados Principales (I, IV y V)
grados principales y grados
secundarios. I IV V

Por ahora puedes explorar la Tonalidad de Am

Am Dm Em
sonoridad que te da cada acorde
Tonalidad de C
dentro del contexto. C F G
Lo que si es importante tener en
cuenta es que, dependiendo de
si estamos sintiendo como tónica Grados Secundarios (II, III, VI, VII)
a Am o a C, cada acorde tendrá
un significado y una sonoridad/
II III VI VII
sensación distinta. Tonalidad de Am Bm(b5) C F G
Un buen ejercicio es tocar la Tónica,
Tonalidad de C Dm Em Am Bm(b5)
el I grado, y luego ir explorando cada
uno de los demás grados.

19
Grados y
Funciones
Así, vemos cómo los mismos acordes tienen roles distintos natural, antigua o modal (modo eólico), o sea una escala sin
dependiendo de la tonalidad en la que nos encontremos, dominante, blanda. Es la escala que hemos tratado antes ya.
mayor o menor. Aparte de tener menos implicancias teóricas, nos interesa su
sonido, que puede ser más moderno.
Nos aprovecharemos de esta propiedad en nuestra
canción para utilizar los mismos acordes, y por tanto las
mismas notas, pero generar ambientes distintos en cada
sección gracias a sus relaciones. No profundizaremos ya que es un tema
amplio de abordar: te dejaremos un
Además, cada grado principal funciona como cabecilla de una
familia de acordes o funciones tonales, llamadas Tónica (la
video del canal donde se habla de
estabilidad, el centro, representado por el I), Subdominante
este tema en forma más extensa.

(una tensión moderada que no tiende hacia la tónica, el IV) y

Además, está cubierto con lujo de
Dominante (tensión con punta que empuja hacia la tónica, V).
detalles en nuestro libro Teoría Musical
Cabe mencionar que la tonalidad menor no tiene un Básica, que es gratuito, o su versión extendida, Primeros
dominante de forma natural, por lo que se altera una nota Pasos en la Composición Musical
para formar la familia dominante real (V grado mayor, E en este
caso). No utilizaremos dicha alteración (escala menor armónica)
en este libro, si no que trabajaremos con la escala menor

20
Como usar la corresponde a la disposición de los acordes, y nos permite
utilizar la misma armonía para generar un efecto bastante
distinto, solo variando la disposición (las “formas”).

Armonía • Cuando utilizamos funciones de dominante (como el

V7, tanto en mayor como en menor - caso que no hemos
presentado aún en este libro), obtenemos resoluciones
fuertes y relaciones más duras.

• En caso de utilizar más funciones de subdominante, como

Creo que ya tenemos bastante clara la parte teórica de “qué
el IV, e inclusive evitando el dominante, logramos relaciones
acordes puedo utilizar” para mantenerme dentro del tono. más blandas y resoluciones mucho más suaves.
Ahora, ¿cómo puedo intentar expresar mi idea principal, • El Vm es parte de los acordes más blandos, en tonalidad
utilizando la armonía como herramienta? menor: es la contraparte al V7 que es su versión dura.
Es una gran pregunta, y cabría una charla completa sobre el
• No es necesario comenzar todas las secciones con una
tema. Pero podemos trazar algunos lineamientos base:
función tónica: de hecho, esto puede diferenciar a ambas
• Primero que todo, tenemos que entender que una armonía secciones. El subdominante es excelente opción para un
activa, con cambios rápidos de acordes, nos va a transmitir inicio de sección.
una sensación muy distinta que una armonía estática. A
• Al final de cada sección, se tiende a esperar una cadencia:
esto se le llama ritmo armónico. Entonces, para nuestra
un pasaje armónico-melódico conclusivo, que otorga una
música actual, tal vez un ritmo armónico normal sería lo
sensación fuerte de resolución y descanso. Esto es un poco
adecuado, e inclusive podríamos apostar por un ritmo
relativo en la modernidad, pero es bueno tenerlo en cuenta.
armónico lento, con acordes muy largos, a riesgo de
que se vuelva monótono (en cuyo caso, tendríamos que
• La repetición es un aliado: si cambiamos demasiado (y
demasiado rápido) vamos a desorientar al oyente. Variando
compensar con otros elementos para renovar el interés).
un elemento a la vez que repetimos otro, obtenemos un
• La misma armonía puede presentarse más abierta, con
delicado equilibrio entre unidad y variedad.
intervalos amplios, o más cerrada e introvertida. Esto

21
Definiendo la
Armonía de A Cada barra simboliza un tiempo de negra, es una notación
simplificada muy práctica.

Veamos algunas cosas interesantes de esta armonía:

Ya tenemos claro qué acordes podemos utilizar, y que
• Vemos que tiene un ritmo armónico bastante estable y
debemos enfatizar el Am si queremos “sonar a La menor”. Ahora,
predecible, pero al final tiene un cambio más rápido que
nos queda encontrar una combinación que nos agrade y que
genera más movimiento (Em - G) y con ello una sensación
refleje la sensación que buscamos plasmar. de cierre, de cadencia.
Probablemente, como buscamos un sentir mas introspectivo,
• Además, comenzamos con un IV grado, de función
tenderemos a usar un tempo o pulso mas lento y pausado,
subdominante, lo que inmediatamente le suma interés.
que ayude a generar un clima contemplativo. Más adelante
vamos a profundizar en la rítmica: por ahora nos basta con
• No hay función de dominante real, si no un Vm que es más
suave y varios acordes del área subdominante (Dm, F).
saber el pulso y la onda general.
• La tónica aparece en dos lugares, siempre luego de una
Yo construí la siguiente progresión de acordes para A:
función subdominante.

• La vuelta completa consta de 6 compases, lo que lo vuelve

muy interesante. Si no fuera por el final más cadencial,
sería más complejo: el oído espera los 8 compases.

• Logra expresar bien la sensación de nostalgia, inclusive

tiene algo de simbólico que la tónica llegue siempre en
tiempos débiles.
Ejemplo 5, Armonía de A

22
Definiendo la
Armonía de B
Ahora tenemos que buscar una progresión de acordes y una dirección armónica muy dulce, cercana al mundo del
para la sección B. Esta debe enfatizar el área de C (mayor), o Gospel y el Soul. Es lo que en ciertos ámbitos más tradicionales
sea cambiar de centro tonal (aunque tienen las mismas notas). se llama lo plagal.

Tenemos la gran ventaja de que la sección anterior finaliza en En cuanto al ritmo armónico, me mantengo en movimiento la
un acorde de G, y G es el dominante (V grado) de C. primera mitad, pero solo cambiando entre acordes de la misma
función (I - IIIm, y luego IIm - IV), lo que produce casi una ilusión de
Esto nos facilitará la vida ya que empuja hacia el Do.
armonía o un cambio de color más que un cambio en el nivel
Por lo mismo, comenzaremos la sección B con un acorde de
de tensión.
C, mi nueva tónica. Luego voy a privilegiar las funciones de
Para cerrar la vuelta, aprovecharé de variar el ritmo armónico,
tónica (IIIm-VIm) y subdominante (IIm - IV), con alguna inclusión
un gesto que también va a producir una cadencia.
del dominante.

Cuando utilizamos más el IV que el V obtenemos una sonoridad

En la partitura vemos el resultado:

Ejemplo 6, Armonía de B

23
Reflexiones
Deliberadamente, variamos el ritmo armónico en B respecto
a A. Ya puedes crear tu propia progresión de acordes
para tus secciones, considerando los aspectos que te
Al cambiar mas rápido de acordes, produce un movimiento
que se expande hacia toda la música, ayudando a generar el
planteaste en el Paso 0.
clima que buscamos: inspiracional, emotivo, esperanzador. Recuerda que debes intentar transmitir una emoción y
un carácter con tu música. La elección del pulso y el ritmo
Además gracias a esto renovamos el interés por presentar
armónico también es importante. Si quieres variar este
un contraste, que como mencionamos antes es esencial para
último, ya sabes cómo hacerlo.
llevar a buen puerto este viaje musical.

De esta forma, a pesar de que la armonía es muy sencilla,

Intenta que, sólo con los acordes y una noción
básica del ritmo, tu música ya tenga una personalidad
nos las hemos arreglado para que sea efectiva y variada.
propia.
El ritmo armónico en general es bastante variado, lo que le da
carácter propio y personalidad, ¡y lo diferenciará un poco de Si manejas otras tonalidades, puedes usar otras. No es
las mil canciones que usan los mismos acordes! necesario que pase de mayor a menor ni mucho menos,
depende de lo que hayas planteado en tu planificación y
Cabe mencionar que este proceso es un mero ejercicio:
los recursos que manejes.
en el proceso creativo real, al momento de componer, todo
sucede de una manera más fluida, orgánica, y conjunta. Recuerda: mejor un recurso simple bien aplicado que

Aún así, no debes subvalorar el potencial que desata este

uno complejo utilizado a medias.
ejercicio, ya que es separando donde podremos enfocar nuestra
energía a los lugares correctos, detectar nuestros vicios o fallas
(y mejorarlos), así como nuestras fortalezas.

24
Desde la
Armonía hacia
la Melodía
Por esta vez, construiremos la melodía desde la armonía que La separación es por una cuestión de pedagogía y para que
ya hemos definido, para así desarrollar la intuición Melódica y el estudiante pueda disponer tiempo y energía en desarrollar
el sentido de relación que hay entre melodía y armonía. cada proceso, asimilar sus particularidades, e internalizar todo
con más calma.
Si bien es muy natural pensar que la melodía es lo primero
que debiésemos tener (y para algunos es así), la verdad es Es bueno también hacer hincapié en que la melodía, hoy en
que cualquier elemento puede ser el motor generativo de una día, tiene un fuerte componente de dirección armónica.
creación. Ambas se retroalimentan.

Hay música que se basa en la sensación rítmica, más que en Y, por lo mismo, es bueno que el estudiante comience desde
la armonía o la melodía. O, inclusive, en la textura y el ambiente lo armónico para que ya tenga un marco de dirección y de
que se genera. estructura para la pieza o canción.
En un proceso real de Composición, como sabemos, ambas Con el tiempo, se abrirán las puertas de la intuición y el oficio
(melodía y armonía) se darán de forma más o menos simultánea. de armonizar cualquier melodía de manera sencilla.

25
Consideraciones

La melodía es como el alma de una canción. Es lo que Para crear una melodía, cuando ya tenemos una armonía
mas nos queda en la mente luego de oirla, y si es una melodía determinada (como la secuencia de acordes que hicimos en el
contagiosa, se nos quedará pegada. paso anterior), estableceremos 3 comportamientos usuales:

El aspecto melódico nos conecta con nuestra humanidad: 1.- Las notas de la melodía tienden a ser notas que
nadie puede cantar un acorde realmente (con notas pertenecen al acorde sobre el que estamos: ya vimos que
simultáneas), pero todos somos capaces de cantar o tararear cada acorde tiene 3 notas (para el caso de las tríadas, como
una melodía. Tal vez no con una gran voz o afinación, pero todos los acordes que hemos visto hasta ahora - un acorde de
podemos. 7ma tiene 4 notas).

La misma historia de la música occidental se podría decir que Entonces, la melodía tiene 3 posibilidades para cantar
inicia con el Canto Llano, música de carácter sacro en la que sobre ese acorde, y que suene consonante. Si cantamos otra
un coro canta al unísono una misma melodía. Es una música nota, una que no esté dentro del acorde, no necesariamente
monódica, es decir, que no tiene contenido armónico, solo sonará mal, pero por lo general son notas del acorde, y
melódico. conviene aprender a oír esto y sacarle el jugo.

Entonces, la melodía es por mucho anterior a la armonía, 2.- Evitaremos o cuidaremos los grandes saltos: los saltos
a nivel histórico, y la última se desprende de la primera. grandes generan una energía muy intensa. Privilegiaremos el
Pero, una vez que se instaura lo armónico, produce un marco uso de intervalos de 2das, o sea notas contiguas entre sí, que
funcional para lo melódico. nos da una continuidad. Obviamente, lo ideal es tener un buen

26
Consideraciones
en la Melodía
balance entre saltos y movimientos de 2da. Entonces, una nota La, aislada, puede ser tanto la fundamental
de un acorde de Am, como la 3ra mayor de F, o bien la 5ta justa
Cuando utilicemos un salto, conviene estar consciente de ello
de Dm:
y aprovechar esa energía que despliegan. Por lo general
se compensa el salto siguiéndolo con un movimiento en la
dirección contraria.

3.- Podemos rellenar con otras notas de la escala, pero el

esqueleto son las notas del acorde: es decir, podemos usar
notas de paso, rellenar, y nunca sonará fuera de lugar mientras
respetemos la escala, pero siempre debemos descansar en las
notas del acorde para no generar disonancias fuertes.

Así, vamos a disponer primeramente qué notas tiene cada

acorde. Recordemos que un acorde tiene 3 notas (por ahora), y
se construye por 3ras sucesivas.

Estas 3 notas se llaman fundamental, tercera y quinta (dos

terceras seguidas nos dan una quinta). Un acorde mayor tiene Ejemplo 7, Nota La sobre 3 acordes distintos

una tercera mayor y una quinta justa. Un acorde menor tiene

una tercera menor y una quinta justa.

27
¿Qué notas tiene
cada acorde?
Sabemos que los acordes comunes se construyen por 3ras
Bm(b5) = Si - Re - Fa
superpuestas. Un truco sencillo e infalible es contar con los
dedos de la mano para buscar dichas 3ras.
C = Do - Mi - Sol
Por ejemplo: la 3ra de Re es Fa: Re (1), Mi (2), Fa (3).

La 3ra de Fa es La: Fa - Sol - La.

Dm = Re - Fa - La
Y así, sucesivamente, contamos 3, incluyendo la nota desde
Em = Mi - Sol - Si
la que iniciamos.

Cabe mencionar que en la guitarra tendemos a doblar algunas F = Fa - La - Do

de estas notas al hacer un acorde. Por ejemplo un acorde de C
en su posición mas común tiene las notas, de graves a agudas: G = Sol - Si - Re
Do - Mi - Sol - Do - Mi. Es decir, duplica la fundamental y la 3ra.
Veamos ahora, de los acordes del campo armónico que
estamos utilizando, qué notas tiene cada uno:

Am = La - Do - Mi

28
Cantar el
Arpegio
A continuación, cantaremos el
arpegio de cada acorde, es decir, las
notas que lo componen pero de forma
melódica, una a la vez, de manera
secuencial.

Comenzaremos desde la
fundamental de cada acorde.
Este ejercicio es sumamente útil
para desarrollar el oído y la intuición
Ejemplo 8, Ejercicio de Arpegios
melódica, y te recomiendo aplicarlo en
tu propia progresión de acordes.

Este ejercicio nos ayudará a ubicar auditivamente qué nota del acorde
estamos cantando y encontrar las notas mas cómodas dentro de nuestro
registro. Te insto a hacer el mismo proceso con tu creación, tocando el arpegio
primero en tu instrumento y luego cantarlo.

29
Enlazar desde el
Arpegio
En el ejercicio anterior, comenzamos
siempre desde la fundamental del
acorde, e hicimos el patrón 1 - 3 - 5 - 3.

Como ejercicio tiene la ventaja de

practicar un salto y de ubicarnos desde
la fundamental rápidamente. Pero,
musicalmente, es poco práctico (el
salto capta la atención del oyente) y no
muy bonito.

Alteremos un poco la fórmula: Ejemplo 9, Ejercicio de Arpegios enlazados

nos moveremos, desde la nota en la

que quedamos, hacia la nota mas
cercana del acorde siguiente, sea esta ¡Mucho mejor! Si fuese una linea de cellos o violas, e inclusive una segunda
fundamental, tercera o quinta.
guitarra, sonaría bastante bien para acompañar una melodía... Pero, claramente,
Este es más difícil, requiere más no es una melodía ni cantable, ni recordable, ni especialmente bella o expresiva.
expertiz: si no te sale, no te preocupes, Son demasiadas notas, ¡pero es solo un ejercicio!
no es esencial.

30
Esqueleto
Melódico
Ahora, para crear nuestra melodía, comenzaremos por elegir
solo una nota por cada acorde.

Así, poco a poco iremos agregando detalles y embelleciéndola

para darle vida. Por ahora solo plantearemos el esqueleto
sobre el que la construiremos.

¿Qué debemos tener en cuenta?

Que el perfil melódico de las notas que elegimos nos agrade, Ejemplo 10, primer esqueleto melódico
que exprese la sensación que buscamos y nos planteamos al
principio, que haya equilibrio entre fluidez (poco movimiento) y
¿Un poco repetitivo no? Además, a mi personalmente me
contraste (mas movimiento). Es tan aburrida una melodía muy
queda en un registro muy agudo. Por lo general, cuidamos
plana como una demasiado móvil.
de usar los registros extremos en lugares significativos de
Siempre tener en cuenta que es sólo un ejercicio. De a poco la canción, como el estribillo. No es buena idea usarlos tan
vamos soltando la mano, pero estos ejercicios nos permiten temprano en la canción (¡a menos que tengamos una buena
desarrollar la intuición melódica y la ubicación dentro del razón para ello!).
marco de la armonía.
Lo que si me gusta la última nota, Si, que funciona tanto
Hagamos un primer intento, eligiendo una nota por como la quinta de Em, como la tercera de G: es una nota común
compás... entre ambos acordes, y se aprovecha para dar continuidad.

31
Esqueleto
Melódico Cantar la fundamental de un acorde tiende a dar un sonido
vacío, hueco, resolutivo. La tercera es colorida y emotiva. La
quinta en la melodía es mas dura, y a veces inclusive genera
una tensión.
Veamos otra posibilidad:
Dicho esto, depende de muchos factores, principalmente de
qué rol tiene la nota en la escala: el Si del G mayor, al final, es una
3ra desde acorde, pero a la vez es la 2da de la escala - tonalidad
(Am). Lo primero le da un carácter suave y colorido, pero para la
escala es una nota inestable. Entonces, todo se conjuga para
dar lugar al resultado sonoro final.

A nivel de sensaciones, es muy adecuado para lo que

quiero expresar: una nostalgia bastante calma, sin caer en lo
Ejemplo 11, segundo esqueleto melódico
dramático, que sube y vuelve a bajar de forma sosegada.

Es importante mencionar que este proceso, a la hora real

¡Mucho mas interesante!
de componer, debe ser mas intuitivo y fluido. La melodía
Si bien la nota La del principio me serviría para los primeros 5
probablemente se presente por sí misma.
compases, sería demasiado plano.
Lo importante ahora es entrenar al oído a que aprenda
Elijo subir una tercera, hasta el Do como 3ra de Am, y luego
a reconocer y asentarse sobre un acorde. Luego, cuando
volver a bajar a La, esta vez como 3ra de F. Si considero qué
nuestra inspiración esté fluyendo, vamos a estar mejor ubicados
notas estoy cantando respecto a cada acorde, serían: 5ta, 3ra, 3ra,
auditivamente y vamos a poder resolver de mejor manera los
fundamental, 5ta, 5ta, 3ra.
problemas que aparezcan.

32
Embelleciendo el
Esqueleto
Algunos elementos que podemos introducir o variar para darle 2.- Notas de paso u otras notas de la escala que no son
vida a nuestra melodía: parte del acorde: como bien dijimos, el esqueleto melódico
tiende a estar basado en las notas del acorde. Sin embargo,
1.- Aprovechar las otras notas de cada acorde, el arpegio,
podemos pasar por cualquier nota de la escala (y mas adelante,
para generar una linea melódica mas móvil: hay muchas
bajo ciertos criterios, por cualquier nota, sea o no de la escala)
melodías que se basan en los arpegios de los acordes.
mientras la frase descanse en una nota que si sea del
Como ejemplo, oír, “Soy pan, soy paz, soy más”, de Piero: la
acorde.
melodía inicial (“soy agua, playa,...”) consta de los arpegios de
Por ejemplo, si tenemos un Fa y luego un La, podemos pasar
cada acorde en forma descendente.
por la nota Sol para unir ambas. O, si tenemos 2 veces la nota Mi,
Podríamos usar 2 notas del acorde por compás, por ejemplo,
podemos ir a Fa y volver a Mi, para que no se vuelva tan estático
para darle mayor movimiento a la melodía.
y plano (bordadura o nota de vuelta, se llama esto).
O bien introducir al final de cada compás una nota mas corta,
También podemos hacer toda una escala para conectar notas
también perteneciente al acorde, para redondear la frase y
mas lejanas. Lo importante es que el centro esté en las
darle una curva mas característica.
notas del acorde, que son las estables.
Es importante experimentar, oír y aprender a sistematizarlo,
Hay casos, si bien específicos, donde la melodía acentúa notas
para que se vuelva intuitivo.

33
Embelleciendo
El Esqueleto
que no son del acorde explícitamente, si no una sexta o una Ahora, ¿Qué me sirve a mi, en estos momentos?
séptima. En el fondo es una manera de ampliar la armonía.
Ten en cuenta que no todo lo que funciona en música es
Esta situación se justifica mejor auditivamente si la melodía universal. Por ejemplo, no me veo introduciendo un ritmo
es repetitiva o “pedal”: que repite un mismo motivo mientras la demasiado prominente, ya que me alejaría de la sensación de
armonía cambia. reposo y nostalgia tranquila que quiero reflejar.

3.- Rítmica característica: ya hablamos antes que la rítmica Tampoco siento como adecuado introducir demasiados saltos
es parte fundamental de una melodía. Si bien está fuertemente en forma de arpegio, ya que despliegan mayor energía. Si me
influenciada por la letra (las palabras le darán obligadamente servirán algunos en concreto, si logro introducirlos de forma
un ritmo al contorno melódico, como veremos en el siguiente suave.
apartado), podemos determinar un elemento rítmico que sea El recurso más adecuado, en este caso, es el de las notas de
característico y diferenciador.
paso: me ayudarán a conectar y dar variedad sin un movimiento
Pensar en cualquier melodía buena y sacarle el ritmo: se demasiado pronunciado (los movimientos de 2da son de lo más
pierde toda su identidad. La rítmica incluye los silencios. suave).

Sería perfectamente posible tomar el esqueleto y variar el Así obtendré variedad tanto en la rítmica como en las alturas,
ritmo, para darle un carácter desde ahí. sin alejarme tanto del esqueleto, y manteniendo la fluidez.

34
Melodía
Dinamizada
Veamos cómo queda nuestra melodía si introducimos algunos Como se puede oír, toma mucha mas vida y carácter, ya
de los elementos planteados... parece una canción.

¿Qué utilizamos?

En el compás 1 una nota de paso para conectar el La y el Do, un

Si. Luego, en el compás 2, la misma nota de paso se utiliza para
volver a La.

En el compás 3, agregamos otra nota del arpegio de F. En el

compás 4, también agregamos otra nota del arpegio, esta vez
de Am. El ritmo los diferencia para evitar que sea muy plano.
Además, ambos general un movimiento muy lindo, en el que
se siente el descenso indirecto del Fa al Mi.

En el compás 5, comenzamos con la nota Do y luego hacemos

un pequeño floreo que le da contraste y carácter a la frase. Son
todas notas de la escala, y la nota Do aparece continuamente.
En el fondo, se usan las notas por sobre y por debajo del Do para
hacer el floreo (Re y Si). Es similar a una bordadura.

Ejemplo 12, melodía dinamizada En el compás 6 mantuvimos la nota Si (y su conducción,

35
Melodía
Dinamizada
¿QUÉ ES UN MOTIVO?

Un motivo es un elemento musical pequeño y recurrente,

que le da forma a la pieza completa o bien a alguna frase o
desde el Do). Para generar un impulso extra a la frase, añadimos
sección. Por lo general se reutilizan y desarrollan.
la nota Sol al final del compás, con valor de negra. Esta nota
en realidad pertenece a la frase siguiente, es decir, empujará
Se podría decir que son como el minimo común múltiplo
hacia el La del principio (sobre Dm). Es lo que se llama un alzar
de una pieza. Toda la música responde a ellos y así se
o anacrusa: a grandes rasgos, una frase que comienza antes del
obtiene unidad y homogeneidad.
tiempo 1, con una nota que le brinda impulso.
Gracias al uso de motivos (que pueden ser melódicos,
Es interesante notar que el ritmo de una blanca con punto
rítmicos o armónicos) es que podemos memorizar y
(que equivale a 3 tiempos de negra) seguido por una negra se
relacionar la música.
usa 3 veces en nuestra melodía.

Se convierte por tanto en un motivo. Motivos famosos serían el de la 5ta Sinfonía de Beethoven
(rítmico melódico: pa pa pa paaam), el motivo melódico
Otro elemento repetitivo es el ascenso inicial por segundas (de
de Autumn Leaves (que se replica a distintos intervalos), o
una nota a la siguiente), que puede ser pensado motívicamente
el motivo melódico de Enjoy the Silence de Depeche Mode
para seguir desarrollándolo en otras secciones.
(que le da unidad a la estrofa y al estribillo, apareciendo en
ambos).

36
Esqueleto para
La Sección B
Ahora, realizaremos un proceso análogo, si bien mas rápido,
para la sección B.

Como es un estribillo, nos convendrá buscar una melodía

recordable, un “gancho”, algo que quede en la mente del
oyente (aprovechando que el estribillo repite la letra).

Podemos ver la estrofa como la narración de una historia, mas

lineal, y el estribillo como la reafirmación de la esencia misma
de la historia, mas circular.

Ambos se retroalimentan y son interesantes gracias al otro.

El ideal es que tengan elementos en común que nos hagan
relacionarlos y no que parezcan dos canciones aparte, pero que
tengan la suficiente variedad como para mantener la atención
y el interés.

Veamos el esqueleto de la Melodía de la sección B: Ejemplo 13, Esqueleto para B

37
La Sección B

Mi esqueleto plantea un registro mas agudo, lo que inducirá

una sensación de clímax o mayor intensidad.

Intentamos mantener las notas comunes entre los distintos

acordes para que la melodía sea recordable y no demasiado
móvil, con continuidad.

Todas estas decisiones deben pasar por el caso particular y lo

que la música nos pida, pero es bueno tenerlas en cuenta.

Busco cierta intensidad y potencia, lo que será apoyado por

las notas largas y por los inicios de frase en tiempo fuerte del
compás. Mis adornos vendrán a dinamizar un poco la melodía,
pero no producirán un cambio estructural ya que así ya me
gusta lo que genera.

Probablemente añada algunos ritmos más interesantes, para

que no quede tan plano.

Adornemos un poco este esqueleto:

Ejemplo 14, melodía de B, dinamizada

38
La Sección B

No es demasiado lo que hicimos, pero le entrega bastante: como fundamental sobre C, como 5ta de F.

• En el compás 1, aprovechamos el motivo rítmico que • En el compás 4, dejamos silencio casi todo el compás,
planteamos antes (blanca con punto + negra), lo que ayuda para rematar con otro alzar o anacrusa, que nos lleva a la
a conectar ambas secciones. El Re salta al Fa generando repetición del estribillo.
mayor intensidad que si me movía desde Mi a Fa.
• Al volver a la estrofa, después de la repetición, podríamos
• En el compás 2, agregamos una nota de paso un poco cambiar la nota Re por Si o bien por Sol, para caer en el La
polémica... Sobre F sonará un Mi, y es su séptima, lo que con que inicia la sección A, o bien omitir la anacrusa. Va a
conformaría un acorde de Fmaj7. No nos preocuparemos depender bastante de la letra, por lo que lo definiremos
demasiado ya que no suena tan disonante: se llega por luego.
movimiento de 2da y el acorde dura poco. Podríamos
¡Ya tenemos nuestras melodías armadas!
perfectamente usar un Fmaj7, eso si, en caso de que lo
manejemos.

• En el compás 3, adelantamos la nota Do (que según el

esqueleto venía después), usando el Mi solo como una nota
de apoyo, para generar más movimiento. Do funciona tanto

39
 Solo nos falta la letra, corregir la melodía según ella, y definir el arreglo.

El conjunto entre armonía (acordes), melodía y letra, es la base de una música, su esencia.

El arreglo es el cómo lo presentamos. Una misma canción puede tener muchos arreglos distintos.

Para crear tus melodías, te recomiendo, al principio, seguir un procedimiento similar: exponer las notas de
tus acordes e ir eligiendo las que te entreguen la sensación que buscas, el perfil melódico que se adecue a tu
mensaje.

Es importante ser majadero en que, mas que un método para componer, es un ejercicio. Es poco artístico, pero
sirve mucho para desarrollar el oficio y la intuición melódica: aprender a sentir las notas contra los acordes.

La idea es que, ya familiarizado con los mecanismos y la práctica del hacer música, todo esto esté tan
internalizado que no sea necesario pasar por una serie de pasos y procesos: la melodía nacerá sola, junto con su
armonía y su rítmica, inclusive con su letra. La base de todo es desarrollar el oficio.

40
Paso 3: La Letra

Algunas nociones para El tema de escribir una letra siempre es un paso complicado
para el músico. A algunos se les hace fácil y natural, y a otros se
les hace muy difícil.

encontrar ese camino Si bien no ahondaré en temas sobre métricas clásicas o rima,
expondré el proceso que yo sigo, para crear la letra de esta

poético canción.

41
Por Donde
Comenzar
Lo primero que haré es retomar las temáticas que dispusimos Tiene lógica, pensando en las armonías y melodías que hemos
en el Paso 1. Citando: construido: es coherente.

En este caso, la canción llevará por nombre “Camino a El primer ejercicio que haremos, será escribir una lista de
Casa”. palabras clave para cada sección.

El mensaje será sobre el volver al equilibrio, al estado de

paz interior y comodidad con la vida y las personas que nos
rodean. El ambiente general será nostálgico y esperanzador,
sin caer en lo meloso.

Tambien dijimos que la sección A será mas introspectiva

y melancólica, mientras que la sección B sería brillante y
esperanzadora.

Coordinemos ambas cosas: haremos que la sección A esté

ligada a la idea de desequilibrio o hastío, a la falta de centro, y al
mismo tiempo a la búsqueda de visión o luz.

La sección B, por el contrario, la ligaremos al encuentro de esa

luz, a lo esperanzador, al sol, al equilibrio, el sustento.

42
Lista de Con esta lista, ya estamos conceptualizando en palabras
las ideas que era un tanto vagas o estaban muy en el aire.

Palabras Clave
La idea es hacer una lista más larga, en cualquier caso.

Estrofa (A) Estribillo (B)

- Nostalgia - Centro/equilibrio

- Perdido - Luz/claridad

- Buscar la luz - Expansión

- Cueva - Jaula - Crecimiento

- Ave - Divinidad

- Sin voz - Hogar/casa

- Confusión - Volver

- Lejanía - Sol

- Luna - Plenitud

- Añoranza - Voz plena

- Tristeza

43
Imagen Poética

Puede ser muy útil plantear la idea de una manera más También es buena idea leer un poco de poesía que sea de
poética, con una imagen clara. tu agrado, para inspirarte y buscar algún referente de figuras
poéticas que te gusten.
Por ejemplo, en este caso, yo podría decidir contar una historia,
de un personaje X, y simplemente narrar. Inclusive, es bueno estudiar algunas figuras literarias comunes:

Otra opción sería hablar en general, desde las sensaciones. - Comparación: tu voz como un huracán...

Una opción muy válida y que yo tomé en algún momento - Humanización: una lluvia tierna
para esta idea (en otra versión del libro) es hablar en primera
- Hipérbole (exageración): muero de dolor
persona. Entonces era “yo” el que hablaba.
- Anáfora (repetición): el sol me cobija, el sol me alimenta (...)
Ahora, una técnica muy práctica, es plantear una imagen
- Oxímoron (contradicción): un fuego frío
menos directa del tema o mensaje, como una gran metáfora.

Para nuestro caso en concreto, yo trataré la temática del

- Sinestesia (sensaciones cruzadas): tu ensordecedora mirada
desequilibrio y ese alejamiento del centro, de casa, como un Si investigas, encontrarás muchos más, y te puede ayudar a
ave que ha perdido su voz y su brillo, que añora volver a alimentar la imaginación.
sentir con esa intensidad y esa luz, pero no puede llegar.

Esto me permitirá hablar desde otro lugar y alcanzar otros

medios expresivos.

44
Definiendo
Generalidades
Ya teniendo estas palabras clave, se nos hará mucho mas me dan como para usar tantas palabras, salvo ese pequeño
sencillo el proceso posterior. floreo con que finaliza la frase.

Estas palabras clave no tienen por qué aparecer textuales, Para el estribillo (B), usaré pocas palabras. Así se vuelve más
si no mas bien dar un marco general sobre la sensación o cantable o recordable.
sentimiento. También nos servirán todos su sinónimos y
Además, es probable que en esas notas largas aproveche la
relacionados.
potencia de una vocal, lo que le dará potencia a la interpretación.
En general, durante todo el proceso, recomiendo entrenar la
Mi lenguaje musical en concreto tiende a usar notas largas, lo
imaginación al desarrollar imágenes cada vez más claras de
que me lleva a letras mas bien reducidas.
lo que queremos y luego comenzar a traerlo a tierra, ya sea
Veamos qué sale esta vez ;-)
música o texto, ¡el creador trabaja desde la imaginación!

En gran parte el oficio es aprender a traer esa imaginación a

tierra, a convertirlo en algo tangible e interpretable.

Yo imagino una sección A que, debido a su naturaleza de

estrofa, llevará texto distinto en cada vez que aparece dentro
de la estructura. Hasta ahora, las notas de la melodía de A no

45
Melodía, Ritmo
y Texto
Si bien no necesito usar rima, en un sentido clásico, si Personalmente, lo hago de forma un tanto intuitiva, voy
tendré que poner ojo en la cantidad de sílabas. probando según el mensaje que quiero transmitir y luego
definiendo o variando o el texto o la melodía (mientras ninguno
Estas determinarán el ritmo, considerando que por lo general
de los dos pierda su esencia, claro).
cada sílaba es una nota (que puede ser una altura repetida,
como veremos). Cada compositor va desarrollando y mutando en su lenguaje,
viendo lo que le funciona, lo que le gusta, lo que necesita
Entonces, lo que en nuestra melodía era una blanca, podría
renovar con el tiempo para no volverse monótono y lo que
perfectamente convertirse en una figura rítmica mas dividida,
debe quedar como su esencia. Es tan importante reinventarse
al cantar (a modo de ejemplo) la palabra “imaginación” sobre
e innovar como no dejar el centro.
una misma nota (altura):
Mi proceso para crear una letra se basa en la improvisación, la
repetición, la prueba y el error.

Primero debo tener a mano la melodía, pero también la letra

retroalimenta a la melodía y a veces da paso a nuevas melodías
o pequeñas variaciones.

Ejemplo 15, Misma melodía - mismo texto - distinto ritmo

46
Texto en A

Antes que nada, pensemos que, si mantenemos el ritmo

textual, tendría que usar una sílaba por nota. Pero, como
vimos en el ejemplo anterior, podemos variar el ritmo para
usar palabras completas dentro de una nota larga.

Volvamos a nuestra melodía para A:

Los dos primeros compases me transmiten una sensación

de antiguedad, casi de canto llano (gregoriano). El compás 3
Nosotros elegiremos cambiar la sílaba en cada nota, para
y 4 nos invita a usar 2 sílabas por compás (si bien podríamos
introducir más texto, ya que el resto de la melodía no nos lo
usar mas). Esto acentuaría la sensación de cierre de la primera
permite de manera tan explícita. El compás 6, como buen
frase. Podemos dividir esta música en dos frases: antecedente,
cierre, terminará con una sola sílaba, que cierre la palabra, para,
hasta el compás 4, y consecuente, que serían los dos últimos
en el alzar de la nota Sol, comenzar el texto de la repetición de
compases. Es como decir pregunta y respuesta.
la estrofa.
El compás 5 nos pide introducir un texto más largo ya que
¡Creemos ahora la letra, utilizando todo lo que hemos definido
tiene varias notas. Igualmente podriamos usar una sola sílaba
de antemano!
(o mas bien la vocal de la sílaba, que es lo que prolongamos),
para todas las corcheas, lo que se llama melisma: un grupo
Repito, una vez mas: el proceso creativo real se da de
forma mas fluida y simultánea.
notas sucesivas que se cantan sobre una sola sílaba.

47
Texto en A

“ Un ave que la sinalefa: cuando tenemos 2 sílabas contiguas, donde la

primera termina en vocal y la otra comienza en vocal (o en h),
perdió su canto
se agrupan como una sola sílaba. Por ejemplo, en la frase “El
en una cueva de cristal. tiempo que en”, hay sinalefa entre “que-en”. Así, esa frase tiene
El tiempo que en 4 sílabas y no 5. Ambas sílabas van a compartir la misma nota.

su barca, se aleja, Veremos ahora como queda la melodía junto a nuestra

letra en la partitura. Lógicamente, todo esto se puede hacer
nostalgia de un sol al que volver ”
de forma intuitiva, sin necesidad de ponerlo en partitura, y de
hecho al escribir la letra fui cantando todo el rato para verificar
¡No está mal! No es la letra del año, pero es totalmente que funcione como un todo.
funcional. Yo sigo algunas directrices a la hora de escribir:

Si bien uso rima y métrica libres, al leerlo tiene un sentido y

una continuidad. Si contase las sílabas, veo que tiene cierta En esta fase es muy importante explorar con la melodía
regularidad. Además, hay frases melódicas (como la del final) e ir probando frases (proceso que no es posible ilustrar
en las que no nos sirve cualquier texto: hay que buscar uno que mediante este libro), para encontrar lo que buscamos. Es
calce. una búsqueda, dale tiempo. Si en el camino cambias la
melodía, está bien.
Debemos mencionar una figura que se da usualmente,

48
Texto en A

Anotaciones importantes:

- Incluímos el alzar en la primera vuelta de la estrofa, ya que

me permitía comenzar con “Ave”. Iniciar una letra con “Un” es
un poco raro, ¿no?

- Dejamos algunos silencios, ya que no era necesario ni sonaba

bien alargar algunas palabras, como “Que”. Además, así damos
más espacio y queda menos lánguido.

- En la última frase también añadimos un alzar para caer sobre

el tiempo fuerte en el acento: nos-tal-gia.

Antes de hacer la letra para la segunda estrofa, seguiré con

el estribillo. Tomamos en cuenta que, en esta melodía de
la estrofa, no incluí el último alzar (la nota Sol), ya que esta
pertenecerá al texto del estribillo.

Puedes observar también algunas de las figuras que hemos

mencionado: el tiempo, claramente, no es una persona ni tiene
Ejemplo 16, melodía de A con letra una barca.

49
Texto en B

“Sentir el viento ¡Vamos por muy buen camino!

y la claridad En este caso no se nos presentaron mayores complicaciones.

Algunos cambios de ritmo sencillos, nada más.
volver al centro
Nuevamente se hace presente la sinalefa, en el 3er compás.
y respirar”
Solo nos faltaría la letra de la segunda estrofa y podemos pasar
al último paso: ensamblar todo y definir el arreglo.

En cuanto a la interpretación, notar cuan libre es: incorpora

algunos pequeños glissandos para caer desde el Mi al Re, así
como entre centro e Y, hace un silencio para tomar aire y así
abordar mejor la frase que viene. Se podría haber escrito un
silencio.

Ejemplo 17, melodía de B con letra

50
Texto en A’
Para la segunda estrofa, voy a desarrollar más la idea de la
primera, pero le buscaré otros ángulos. Repetiré lo del ave, que
me gusta y le da unidad:

“ En donde está el brillo antiguo

silencio que grita por vivir

El ave muere poco a poco

Pero canta desde otra orilla... ”

En este caso hay varias cosas interesantes: modifiqué el ritmo

en varios lugares, e inclusive en el compás 9 “me comí” una
nota porque quedaba mejor y le daba variedad.

Los alzares de corchea ya son norma, y apoyan la acentuación

natural del texto. También modifiqué el ritmo en el compás
10, para que quedara más acorde al 11. Además me salté una
sinalefa al inicio, la hice separada (donde - está).

Para la última frase, apliqué un pequeño melisma: la “a” de

orilla comienza en un Do y termina en un Si. Por otro lado, nos
tomamos varias libertades rítmicas, cantando negras como
corcheas a veces, etc. Son modificaciones leves, en todo
caso, que mantienen el carácter. Ejemplo 18, melodía de A’ con letra

51
Cerrando...

Probablemente, al repetir el estribillo final, necesitaremos

una variación para no aburrir. Pero eso lo podemos ver luego, Ahora ya tienes herramientas para seguir con tu letra,
dependiendo de que se construya la forma final. ¡éxito!

No definiremos todo tan formalmente para no ser tan Recuerda que es un proceso de exploración y
científicos - rígidos. retroalimentación entre los elementos. Tu melodía, que
hiciste a priori tal vez, se va a alimentar también de la
Recuerda que la partitura es para poder ilustrar nada
melodía, y viceversa. Tienes que probar, dejarlo descansar,
más, en música popular a veces no es tan ventajoso el escribir
revisar, y pulir.
todo, ya que su rigidez puede confundirnos si no consideramos
la libertad en el fraseo, los adornos espontáneos (en especial en Con paciencia, vendrá el resultado que buscas.
la voz), y demás libertades que este lenguaje pide.

Imagínate un tango cantado: escribirlo en partitura como si

esta fuese la música, sería limitarlo tremendamente - si bien
sirve como referencia, no alcanza a expresar ni la mitad de su
riqueza.

52
Paso 4: El
Arreglo
La envoltura final de la En esta etapa veremos los detalles finales que harán que se
mantenga el flujo y el interés dentro de la canción, definiendo
algunas transiciones, gestos de puntuación, secciones

canción, el acabado. auxiliares, y más.

53
Cómo Pensar el
Arreglo
Ya nos queda el último paso, el arreglo. orquesta de cuerdas de esta canción que estamos haciendo, o
bien para big band - ambos medios bastante complejos por la
En palabras sencillas, el arreglo es todo lo que hacemos
cantidad de instrumentos), esta vez hemos seleccionado un
con la música - armonía, melodía y ritmo - para llevarla
grupo instrumental relativamente sencillo de arreglar.
a su versión definitiva: instrumentación, estructura,
introducciones, interludios y finales (secciones auxiliares Nos ocupares principalmente en añadir los detalles que
en general), el “cómo se tocan los acordes” (los voicings o harán que el oyente tenga un viaje musical mas fluido, llevadero
disposiciones), doblajes, segundas voces, gestos rítmicos y completo.
específicos, cortes o quiebres, etc.
Es darle el mejor envoltorio posible a nuestra canción. Aunque,
De cierta manera, se puede decir que es todo lo que no sea el a veces, ¡el arreglo termina tomando mas protagonismo que la
complejo “armonía/melodía” que constituye la esencia de una canción en si!
música. Tal vez este es el fondo, y el arreglo es la forma en
que se presenta ese fondo.

Muchas veces el compositor de una canción se limita a

estos dos elementos (armonía y melodía), y otra persona es la
encargada de producir el arreglo: el arreglista o arreglador.

Si bien hacer buen un arreglo puede tener bastante

complejidad (por ejemplo, podríamos hacer un arreglo para

54
Definiendo
Nuestro Arreglo
¿En qué nos enfocaremos esta vez? • Crear una linea de bajo mas interesante, sin tapar la linea
principal.
• Darle una rítmica característica a ambas secciones, que
le de identidad. Por ahora es muy genérico, necesitamos • Añadir elementos de variación que diferencien a ambas
algo con más personalidad rítmica. estrofas. Pueden ser en la melodía o en el acompañamiento
- sección rítmica (o ambos).
• Conducir mejor, desde la sección rítmica (que incluye
batería, bajo y guitarras en este caso), las transiciones de • Definir dinámicas (fuerte/despacio - forte/piano) para cada
una sección hacia la siguiente. Que se sienta que va a pasar momento, asi como crescendos y diminuendos si la música
algo, dar señales al oyente de que viene un cambio. lo pide.

• Crear cortes/quiebres si la música lo requiere. • Quitar y añadir instrumentos en distintas secciones. El

silencio a veces es lo más efectivo a nivel de orquestación:
• Añadir una introducción que me sirva para dar a conocer
es usual que, si hay un saxo, por ejemplo, no toque toda la
la rítmica y la armonía, así como un final que tal vez repita
canción. Así, cuando está sonando, su timbre se aprovecha
la última frase (coda). Estas secciones auxiliares ayudan a
completamente y suena fresco. Si estuviese todo el rato
darle dirección y sentido a la forma.
tocando, ese timbre se agota (en especial en instrumentos
• Generar una textura distinta entre ambas secciones, con un timbre más llamativo).
que las diferencie claramente. Así mismo, utilizar registros
distintos en el acompañamiento armónico, es decir,
disponer los acordes de otras formas (voicings).

55
Rítmica
Característica A
PATRÓN 1
Lo primero que haremos será definir una rítmica que le de
personalidad a cada sección. Hasta ahora, es muy genérica.
PATRÓN 2
Nuestra música está en 4/4, o sea que cada compás tiene 4
negras: la cifra de compás más usual en nuestra música.

Comenzaremos por la batería. Mantendremos “el groove” PATRÓN 3

general que hemos llevado hasta ahora, y el acento de la
caja (tarola). El hihat (o charles) lo mantendremos plano, en
corcheas. Un buen baterista sabrá introducir subdivisiones
Ejemplo 19, Rítmica característica de A
y darle interés, sin perder lo esencial.

Es en el bombo donde usualmente involucraremos un ritmo

el desarrollo rítmico. No es una indicación rígida si no más
más característico, y nuestro principal punto de interés en este
bien una suerte de guía de los acentos prominentes que
caso. Y, cuando cambiamos el bombo, cambia el bajo.
buscamos.
Muestro a continuación tres ejemplos de rítmicas distintas,
donde cada una es un desarrollo de la anterior (poner atención
En el audio suena primero dos veces cada patrón, y luego
en el bombo al oír el audio).
se queda en el 3ero, que es el que hemos escogido.
Recordemos que no es algo rígido, si no una base o rejilla
En la partitura, solo presento la notación rítmica a modo
sobre la que construimos la organización rítmica de la sección.
de clave, es decir, un ritmo base sobre el que va a orbitar

56
Rítmica
Característica B
Ahora nos toca elegir una rítmica para la sección B. La ¡Genial! Ya tenemos los dos patrones rítmicos predominantes
haremos en base al patrón que hemos elegido para A, ya que para cada sección.
no puede ser algo tan distante (sería demasiada variedad),
Sobre ellos nos moveremos: variando, llendo y viniendo,
pero tampoco es la idea que sea igual a A (demasiada unidad -
usándolos de distintas maneras, pero siempre orbitando en
produce monotonía).
ellos.
Tomaremos en cuenta que queremos algo más terrestre,
Como dijimos, el bajo y el bombo tienen un rol primordial para
anclado en los tiempos fuertes, sólido y muy claro. Que no
mantener el patrón. Generalmente la caja de la batería lleva un
interfiera con los cambios más rápidos de acordes que se
contratiempo típico de Rock y Pop.
presentan en esta sección.
La guitarra, pese a que no tiene el mismo peso que estos dos
Nuestro desarrollo rítmico para B es el siguiente:
elementos (bajo y bombo), también será primordial para definir
esta rítmica. En B es bastante claro que la guitarra lleva el ritmo
PATRÓN ORIGINAL DE A
propuesto. A veces va a incluir más divisiones entremedio, de
forma orgánica, pero los acentos se mantienen.

Probablemente tanto la batería como el bajo, añadirán lo que

PATRÓN DERIVADO PARA B
en inglés llaman “fill” o relleno: son incisos, generalmente al
final de algunas frases o secciones, que ayudan a redondear,
puntuar y a delimitar. Es por ejemplo, lo que hace el baterista al
Ejemplo 20, Rítmica característica de B

57
Redondeando

incluir un pequeño juego de toms cada 4 vueltas, o el bajista al

usar una pequeña escala antes de volver a comenzar la vuelta.
Lo dejaremos a libertad del intérprete.

Bien podríamos escribirlos, o definirlos y transmitirselo al

músico, pero sería probablemente un gasto de energía
inecesario, a menos que tengamos muy claro lo que queremos.

Hay una frase muy esclarecedora al respecto: el baterista sabe

tocar batería mejor que nosotros, probablemente, y sabrá
mejor qué poner en cada momento. Basta con indicarle “aquí
quedaría bien un fill o un juego de toms, o un redoble, etc.”.

Mención especial lleva la relación bombo-bajo. Nunca deben

chocar. Por eso es bueno definir claramente un patrón rítmico,
del que ambos estén conscientes. No es necesario que lleven
siempre lo mismo, pero sí que no choquen o no se contradigan
en sus acentuaciones.

58
Transición de A
aB
Siguiendo en el ritmo, veremos de qué forma este puede
apoyar el paso de una sección a otra (de A a B en este caso).

Existen varios recursos, muchos que se aplican de forma Ejemplo 21 - Quiebre

intuitiva, para preparar un cambio de sección. Lo más usual
Me gusta, y lo aprovecharé para ambos cambios, con una
sería introducir un pequeño juego de toms en la batería, ligera variación para evitar la monotonía. Así, acentúo mas
apoyado por el bajo, de forma libre. aún la identidad rítmica de la pieza, ya que al aparecer dicho
Si bien nos gusta y es efectivo, quiero añadir un poco mas quiebre por segunda vez, estoy alimentando la expectativa
de tensión a ese cambio. Aprovecharemos que la melodía de forma positiva. La música es un juego de expectativas:
lleva una negra como alzar (“EL sol...”) y haré que todos los algunas se cumplen, otras se rompen.
instrumentos apoyen ese alzar de negra para caer con todo
Es bueno mencionar que un quiebre o “break”, en contextos
en el tiempo fuerte siguiente.
más jazzísticos, se trata de un espacio de música donde toda
El juego de toms y bajo estará, pero caerá en esa misma negra la sección rítmica queda en silencio, y un instrumento queda
(el alzar): la idea es que quede ese aire entre esta última negra haciendo una pequeña improvisación. Para nosotros, el
y el inicio de la siguiente sección. concepto de quiebre será mas amplio: cualquier elemento

A grandes rasgos, este elemento de puntuación, que

rítmico que genere puntuación, para pasar de sección.
llamaremos quiebre, podemos escribirlo como ves en el Para volver desde B a A, sólo haremos un pequeño fill de
ejemplo 21. Es una de tantas posibilidades. batería simple y libre.

59
Introducción y Puedes oír en el ejemplo 22
y 23 la introducción y el final
que hemos planteado.

Final
Ahora añadiremos una pequeña introducción. Esta misma sección la utilizaremos para separar un poco
el estribillo de la segunda estrofa, por lo que será tanto
Antes de comenzar con la estrofa 1, usaremos la misma armonía
introducción como interludio. Le llamaremos sección C.
y rítmica de A, pero sin la parte vocal. Es decir, introduciremos
la sonoridad y ambiente de la estrofa. También, para marcar el final y preparar al oyente, para
darle a entender que estamos finalizando y cerrar la canción
Podemos usar otra melodía, o bien usar la misma melodía
convincentemente, involucraremos algunos gestos de
vocal pero llevarla a otro instrumento (una guitarra, un violín,
finalización.
una flauta, etc), y adornarla según las posibilidades del
instrumento (o derechamente variarla). También podríamos La última vez el estribillo va a durar el doble que antes
dejar la base sin melodía, o bien con algun elemento más (añadiendo también alguna variación a esa repetición, para no
etéreo, tipo efecto. aburrir). Al finalizar la segunda vuelta de estribillo, repetiremos

Lo importante es que algún elemento se disponga en el primer

el penúltimo compás (los acordes C y F) dos veces, con una
plano mientras se introduce el ambiente. Todo depende de lo
dinámica mucho más suave (intensidad).
que la música nos pide, a veces es mejor dejar espacio vacío Este recurso, bastante utilizado, es un excelente gesto de
o entrar directamente sin introducción. Otras veces, la música cierre. También se podría hacer lo mismo, pero con los dos
pide una introducción que sea totalmente ajena al material primeros compases de la estrofa. En este caso, queremos
posterior. En nuestro caso, usaremos una melodía derivada dejar como final el mensaje del estribillo. No alcanza a ser una
de la melodía vocal de A, en la guitarra. sección independiente, si no más bien una coda (cola).

60
Textura
Hablemos ahora de textura... Si bien puede ser un concepto bastante escueto, sin un ritmo continuo si no más bien
amplio, lo trataremos de una forma simple: hablaremos sostenido en el tiempo (notas largas, en resumen). El bajo y la
principalmente de texturas mas densas y de texturas mas batería sostendrán la rítmica, como lo vienen haciendo. La voz
vacías. Así es más sencillo de comprender y de aprovechar. llevará una manera de cantar mas bien delicada, suave.

Podríamos definir la textura como la forma en que se exponen En la sección B, la voz llevará más energía que antes, y
los materiales musicales en su conjunto, y el ambiente o tipo de añadiremos otras guitarras que completen el registro que falta
movimiento que generan, siempre pensando en el conjunto. Es llenar: los agudos. Además, estas guitarras llevarán una rítmica
el tejido de la música, que se forma entre acompañamiento y marcada de notas continuas contrastando con lo anterior.
melodía.
En A’, la repetición de A, la guitarra si llevará el rimo de forma
Realizaremos el mismo ejercicio de definir con palabras lo que marcada, inclusive con un riff o bien un arpegio. Esto le sumará
queremos transmitir, en cuanto a textura esta vez. No es un tensión. Una segunda guitarra añadirá un colchón, muy por
ejercicio técnico, si no casi simbólico. detrás, que también sumará tensión y misterio. La reverb y el
delay (efectos) serán nuestros aliados aquí.
C (intro): Vacío, misterioso, lunar.
En B, al aparecer por segunda vez, suena una textura similar a
A: Vacío, suave, nostálgico
la primera. Ahora como dura el doble (recordemos que se repite
B: Enérgico, lleno, pleno, solar. al final), en su segunda vuelta voy a introducir un pequeño
A’: Dudoso, mas tenso que antes. elemento en segundo plano que renueve el interés.
Con esto ya tengo un mapa bastante definido de mi arreglo
y el cómo voy a disponer los elementos.
¿Cómo logramos transmitir esa textura?
Hasta ahora no hemos hablado del bajo: haremos una linea
Para la sección A, usaré un acompañamiento de guitarra

61
Arreglo de Bajo

ligeramente mas móvil, con algunos detalles.

Puedes oír en el ejemplo 24 esta línea
Es un tema amplio, pero el bajo por lo general se mueve
de bajo.
entre la fundamental y las otras notas del acorde (3ra y 5ta, y 7ma
cuando hay), añadiendo algunas notas de paso ya sea de la
escala (diatónicas) o ajenas a la escala (cromáticas).

En este lenguaje musical concreto (rock - pop), se privilegia la

fundamental del acorde y se tiende a contestar con pequeñas
melodías al final de cada frase, generalmente dentro de la
escala.

Nosotros le daremos ese énfasis y ocuparemos algunas otras

notas del acorde durante los tiempos más débiles del compás.
También añadiremos algunas melodías cortas, a modo de
respuestas, en lugares estratégicos donde el bajo brillará.

62
Arreglo de
Guitarra
Ahora, definamos un par de arreglos de guitarra para ambas sobre tiempos largos, y la otra usando acordes mas llenos
secciones: y con un sonido mas limpio, ¡hay infinidad de opciones al
arreglar una canción con dos guitarras!
• Primero, le añadiré un efecto de “tremolo” a la guitarra
rítmica durante la sección A, lo que le dará mas interés • En la repetición final de B, incluiré un pequeño solito de
tímbrico. En la segunda estrofa, una guitarra tocará los guitarra, que utiliza justamente notas que corresponden a
arpegios de los mismos acordes, también en un registro la armonía.
mas agudo, pero esta vez con un efecto de delay, que le
dará profundidad e interés. Probablemente el delay lo use
también para el estribillo, para darle profundidad.
Puedes oír en el ejemplo 25 y 26 el
• En B, el arreglo que hice fué añadir otra guitarra, tocando
arreglo de guitarra para ambas secciones.
los mismos acordes pero en un registro más agudo, esta
vez con un poco de overdrive, que le dará potencia, y una
rítmica insistente.

• No uso demasiada ganancia para no saturar los acordes.

Si fuese un acorde de menos notas, funcionaría bien con
mas ganancia, pero no es el caso. Y es otra opción: una
guitarra haciendo sólo acordes de quinta (power chord),

63
Resultado Final

Te invitamos a oír el ejemplo 27: la ¿Que te parece?

canción completa con todo su arreglo.
Seguro que he hecho canciones mejores que esta.

No es la intención hacer una gran obra de arte, si no más

bien ilustrar el proceso y cómo podemos realizar todo
Ya estamos listos para una primera versión completa de la de forma práctica.
canción. Se pueden hacer muchos arreglos más, pero esta es
Esto, unido a la inspiración, es lo que crea una buena obra
una buena base sobre la qué podemos trabajar.
de arte: el influjo de algo más alto, unido al despliegue
Tomemos en cuenta que los conceptos que hemos utilizado
técnico que nos permite traer eso a tierra. Imagina lo que
hasta ahora son más bien básicos, y que aún así pueden llevar
se puede hacer con una mejor idea, o utilizando recursos
a muy buenos resultados. más avanzados (en este caso nos limitamos a propósito).
El oficio es la clave, dominar los recursos técnicos (tanto
Ahora busca tú, ¿Qué es lo que mas le va a sumar a tu
básicos como avanzados) de forma tal que sean naturales,
canción? ¿qué le falta? ¿Interés? ¿Acción? ¿Dirección? ¿Le
y los podamos aprovechar al máximo.
sobra algo? ¿Es demasiada información? ¿Cómo podemos
Debemos tener control sobre lo que hacemos, en todo
lograr que el mensaje se transmita de mejor forma?
momento. Entenderlo y oírlo.

64
Palabras Finales

Espero que el desarrollo de este libro haya sido de utilidad que sabemos con el que está recién empezando en el camino,
para ti. El crear música original de calidad es una bella misión. seamos guías con lo que sabemos, sea mucho o sea poco.

Desarrollar las herramientas para hacer de ello algo placentero Si resuenas con nuestra manera, te invitamos a darle una
y fluido depende de nosotros y de las posibilidades a las que vuelta a nuestros cursos online: todos ellos están orientados
podamos acceder. Por ello es que presento este libro, para a la composición de música moderna, con un enfoque
ayudarte a obtener un marco claro sobre el que organizarte pedagógico, claro y aplicado, y con un soporte inigualable de
mejor. fondo.

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mezquindad en el acumular conocimientos sin darles
formativa es el Círculo de Creadores,
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una aplicación real, que termina derivando en soberbia,
entrega el paso a paso completo para
egocentrismo y el cerrarse.
convertirte en un mejor compositor.
Es muy importante dedicarse con voluntad: darse tiempos
Está en tus manos tomar las riendas de tu
realistas pero constantes, dedicarle energía al proceso de
formación
aprendizaje, ser organizado.
¡Suerte y mucha fuerza en tu camino!
Amemos el hacer música, incorporemos la teoría y llevemosla
a la práctica, que se convierta en algo natural, compartamos lo
Francisco Soto Aparicio - Cresciente.net

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