EREC Y ENID (1136)

Hay un rey rodeado de vasallos, donde hay un sistema feudal perfectamente

establecido. Hay factores primordiales e imprescindibles en los vasallos: el origen
noble del caballero, fidelidad al rey, la idea del honor, hechos de armas, con espada y
caballo, se ha cultivado en las distintas artes… Esto en cuanto a su labor de caballero
de armas. Tiene una dama a la que favorece bajo los códigos del amor cortés.

El amor cortés consiste en trasponer el estado feudal político al amoroso, la fidelidad

hacia su monarca la traspasa al amor hacia una dama a la que sirve, por quien hace
sus hechos de armas, y es que esa dama no es su mujer. No violaba la honorabilidad
del caballero. La mujer es la musa poética del caballero. Estas novelas buscan juntar
hechos de armas con el sentimiento emocional del caballero.

El mundo artúrico se ha creado antes, pero se menciona en esta obra por primera vez.
Arturo aparece primero en la Historia, luego en la literatura y luego en películas, etc.

Arturo en la Historia no se sabe si reamente existió. Se cree que no, que es una
invención literaria. En el Reino Unido se cree que sí existió y que era un oficial romano
que muere hacia el siglo VI, que los celtas lo convierten en un héroe porque era muy
buen guerrero.

El primer documento donde aparece el rey Arturo citado es del siglo IX, aunque ya
había algún documento en galés ya desde el siglo IV donde Arturo venía mencionado.

Arturo en la Literatura surge en una obra de 1136, donde un clérigo galés, Godofredo
de Monmouth, escribió Historia de los reyes de Bretaña y ahí contaba todos los reyes
desde Bruto hasta el sucesor del rey Arturo, pero es una historia, no lo presenta como
literatura. Lo hizo porque había tensiones políticas y ponen a Arturo como rey que unió
a los bretones y a los sajones. Esta historia está escrita en latín porque era un
documento histórico. Años después, otro clérigo tradujo la obra a francés, y finalmente
Chrétien de Troyes escribió Erec y Enid. Tiene cierta intención política. El autor habría
leído la Historia de los reyes de Bretaña y su traducción en francés y habría escrito la
obra Erec y Enid. Se junta la historia de los reyes de Bretaña a la zona donde se
escribe todo esto y surge la magia (Merlín, Escálibur, los druidas, las pociones…).

Así se forma el mundo artúrico, que se disgrega en:

- Fracaso en la búsqueda del grial

 - Infidelidad del mejor caballero artúrico con su mujer, y ahí termina el mundo
artúrico

Chrétien de Troyes funda la novela cortés. Es el primer novelista europeo que escribe
en octosílabos pareados franceses, el equivalente a los endecasílabos castellanos.
Recoge las leyendas del rey Arturo y las adapta a su momento histórico.

Compone narraciones más externas consideradas como los primeros romances

caballerescos (un romance es una narración larga, “roman” en francés).

De Troyes conocía las leyendas celtas, la tradición clásica (tradujo a Ovidio), era
clérigo francés, estaba al servicio de las Cortes francesas, así que se le pagaba por
ser el cronista de la Corte. Hace una mezcla entre la cultura clerical y el elemento
mágico de lo celta para crear la aventura. Los elementos de su obra son el viaje, la
aventura, la fidelidad al rey y a su dama, y la fama. Un caballero andante se mueve
por la fama.

Escribió cinco romances extensos, todos ellos del siglo XII:

1. Erec y Enid
2. Cligés
3. Yvain, el caballero del León
4. Lancelot, el caballero de la carreta
5. Perceval o el cuento del grial

Chrétien de Troyes estableció un modelo de novela medieval donde la ficción era ya

independiente de la Historia. Hay dos elementos básicos en la literatura de caballerías:

- El espíritu de la caballería con aventuras para buscar la fama

- Un tratamiento especial del amor derivado de los códigos corteses

Fueron muy bien acogidas por el público, que no las leía, sino que las escuchaban.
Por eso están en verso.

ANÁLISIS DE LA OBRA

● Escrita originalmente en verso (octosílabos pareados), es un romance artúrico

● Es la más antigua que se conserva
 ● El autor sitúa a sus héroes en un mundo feudal, donde todo el mundo sabe
quién es el vasallo, y hay una serie de reglas que todos cumplen rigurosamente
● Pertenecen al mundo literario del rey Arturo, de origen probablemente celta, y
demuestra su vigencia hasta la Baja Edad Media

TEMAS

Los temas son la conciliación entre los deberes de la caballería y el matrimonio en un

entorno en que no cabe esa posibilidad; el amor; el honor.

ARGUMENTO

Un día de pascua en el palacio del Rey Artus se reunieron todos los

miembros de las cortes con muchísimos caballeros para cumplir la orden del rey de
ir en busca de la caza del Ciervo Blanco, pero al señor Galván no le gustó la idea pues
consideraba que sabía que a quien lo cazara tendría derecho a besar a la doncella
más hermosa que considerara de la corte sin importarle a quien ofendiera, el rey
estaba convencido que lo debía hacer y que su orden no la debían rechazar así que se
prepararon y a la mañana siguiente salieron en busca del gran Ciervo Blanco, el rey
salió con la reina y a su doncella, entre los caballeros iba un hombre muy apuesto,
valiente y gentil llamado Erec quien decidió acompañar a la reina Ginebra y a la
doncella en el camino mientras el rey iba en la búsqueda del Ciervo Blanco.
Mientras cabalgaban por el bosque encontraron a un caballero acompañado de
un enano y una doncella, la reina quiso saber quién era esa joven doncella que
llevaban castigada y envió a su doncella que le llevaran a la joven para conocerla, el
enano arremetió sobre ella y no la dejó acercarse y le da un latigazo en la mano y la
deja herida, aquella se devuelve hacia la reina quien se asustó mucho y desesperada
le cuenta a Erec para que vaya y hable con el caballero y le cuente lo sucedido con el
enano pero nuevamente él muy grosero le da un latigazo a Erec que iba sin armas
para defenderse y se siente ofendido y promete vengarse y deja a la reina y a su
doncella en el camino y sale en busca de armas y promete a la reina volver ya
vengado del enano. Cuando la reina llega al encuentro con el Rey Artus se da cuenta
que ya han matado al ciervo y lo llevan al reino, luego de cenar el rey quiere cumplir
con el derecho de besar a la mujer más hermosa que él considera y todos se pelean
con armas para que bese a su dama para darle el honor de la más bella y para
solucionarlo Galván, el sobrino del rey le aconseja que se haga una reunión para
discutir entre todos, a ella llegan los nobles de las cortes y hablan muy
calmados, la reina aprovecha que todos están reunidos y les cuenta lo que sucedió
con el enano y Erec y le aconseja que aún no haga lo del beso hasta que Erec
regrese de su venganza con el enano. En el camino que sigue Erec en busca del
enano encuentra que ingresa a un castillo donde son bien recibidos el caballero, la
doncella y el enano; entra al castillo y encuentra a un valvasor con su esposa e hija
demasiado hermosa quienes le brindan hospedaje y lo atienden con alegría, se notaba
que no eran personas de dinero pero la belleza de aquella joven resaltaba sobre sus
vestiduras; al caer la noche, el valvasor le brinda comida y cama a Erec y hablan sobre
las vestiduras de su hija pero el señor le dice que muchas ofertas ha tenido para su
hija a cambio de vestirla y adornarla con las más bellas pieles pero no se atreve a dar
su mano porque hay ningún caballero que sea digno de ella. En la conversación con el
valvasor Erec le pregunta sobre el caballero y el enano y se da cuenta que son los
nobles de ese país y que irán a una fiesta para luego salir en busca del gavilán pero
que la condición es llevar consigo una doncella hermosa y ella deberá coger al gavilán
para dar por ganada la disputa y nadie se atreverá a quitárselo. Erec al ver que puede
disputar el gavilán y vengar la ofensa del enano le pregunta que le recomiende un
lugar para conseguir armas y el señor le dice que él las tiene entonces Erec le propone
que le brinde armas y dotación y también a su hija de mano para la hazaña porque no
habrá mujer tan hermosa y respetuosa como ella y a cambio recibirá tierras y hará de
su hija la reina de muchas ciudades y valvasor se la entrega, al otro día se marchan
Erec y la hermosa doncella y salen en camino del gavilán, allí se encuentran al enano
y a su caballero con su doncella y se lanzan a disputa por el animal el caballero y Erec
se enfrentan y cuando el caballero se ve acorralado Erec le cuenta de la ofensa del
enano al caballero y él ofrece sus disculpas a cambio que los dejen vivir pero Erec le
dice que debe ir a ver a la reina y ponerse a sus órdenes y decirle que van de parte de
él y así finalmente Erec conquistó al gavilán y se quedó con la doncella. Luego de
haber terminado la batalla bien ganada por Erec todos se sientan a celebrar y
festejar el triunfo habían muchas doncellas y caballeros que celebraban con ellos,
en un espacio dice Erec a valvasor que partirá con su hija hacia su reino y el de su
padre Lac y la hará su mujer y que enviará por él para darle las tierras prometidas dos
castillos uno llamado Roadan y otro llamado Montrevel. Erec ordena que la doncella
se vaya vestida con lo mismo que tiene puesto porque quiere que su señora
reina Ginebra la vista y la adorne, sin embargo, el rey tío de ella, le dice que la
avergonzara si la lleva así y manda a su hija a que le dé vestiduras pero Erec no
acepta entonces al ver la negativa les ofrecen un palafrén gris de los mejores que
pudo existir, cayó la noche y Erec fue a dormir en la casa del valvasor y al día
siguiente todos se levantan temprano para despedirlos, sus padres quedan llorando
mucho pero felices porque serian honrados por su hija. En camino hacia el reino Erec
se siente feliz al ver que su aventura con el Ciervo Blanco ha sido la más hermosa
“No puede dejar de mirarla: cuanto más la mira, más le place; no puede
esperar a besarla. De buen grado se pone cerca de ella, al mirarla se reconforta;
admira mucho su cabeza rubia, sus ojos sonrientes y su frente clara, la nariz, la cara y
la boca, cuya gran dulzura le llega al corazón.” (p.34 final de la aventura del ciervo
blanco.) Llegan a la corte Caradigán y el rey Artus y la reina Ginebra los reciben de
gran agrado, Erec encomienda a la reina que vista a su doncella con las mejores
pieles, ella se la lleva a su habitación y le da sus mejores ropas nuevas , dos doncellas
que acompañaban a la reina la visten y adornan, le colocan una corona de oro y la
maquillan luego salen y encuentran en el gran salón muchos caballeros reunidos en
espera a conocer la mujer más bella que todo el mundo hablaba, ella se sintió
avergonzada al sentirse observada y se sonrojó y así Erec la vio mucho más hermosa
de lo normal. El rey al verla tan hermosa dijo a todos los de la corte que si aceptaban
que ella era la más hermosa se honraría a besarla para cumplir la costumbre del
Ciervo Blanco, nadie se opuso y así lo hizo. Luego del beso del ciervo como
costumbre del país, Erec cumplió la promesa al padre de la doncella y envió a sus
caballeros a llevarle el oro y la plata que le ofreció, así mismo, ordeno que se
organizara todo para su boda, mandó a llamar a todos los condes de las
tierras, todos se sintieron felices y celebraron; luego de haberse conocido el
nombre de la doncella que fue llamada Enid se dio por hecho la boda tuvieron su
noche más placentera y regresaron al castillo del rey Lac, allí Erec no quería
separarse de su mujer y día y noche mantenía en cama con ella, un día luego de
rumores que decían que Erec había dejado de ser un héroe y un caballero
desde que se casó por estar cerca de su esposa, Enid no calla más y decide
comentarle a Erec y él se siente ofendido por eso envía a ensillar sus caballos y salió
con Enid sin acompañantes a enfrentar aventuras para demostrarle a todos que él
seguía siendo un caballero, Enid se lamenta de haberle contado porque él se
vuelve ignorante y soberbio con ella. En el camino Enid va pensativa y triste porque
Erec le prohíbe cruzar palabras con él, sin embargo, muy lejos ve Enid que se acercan
tres hombres con imagen de ladrones y se esconden para atacarlo, ella sin importar la
orden le informa que piensan acorralarlo para hacerle daño porque los hombres van
armados así que Erec se ofende porque ella rompió el silencio y le cruzó palabras pero
también se siente agradecido porque le informó de los ladrones y se preparó para
luchar con ellos y los derrotó, así mismo sucedió con cinco caballeros que iban en
busca de las armas de Erec pero los derrotó y se quedó con sus caballos, luego, se
encontró con un conde que tenía malas intenciones pues amenazo a Enid de casarse
con el osino mataría a Erec, ella acepta pero le pone la condición que espere hasta el
siguiente día y en la noche ella le informa a Erec de lo que había hablado con el conde
y se escapan de ahí pero el conde los alcanza en el camino y pelea con Erec hasta
que queda herido y lo hace desistir de su decisión de casarse con Enid y así se libra
del conde pero aún sigue reprochando la desobediencia de Enid al hablarle. Erec se
encuentra herido por las peleas que ha tenido que llevar en sus aventuras y en el
camino encuentra con Keu que no lo reconoce y lo detiene para ayudarle pero
Erec muy soberbio no lo permite entonces Keu en su preocupación le dice al rey
Artus que hay un caballero que está herido y no se deja ayudar, dice que no quiere
salir del camino entonces, el rey, como estrategia pide que se trasladen de su tienda
más adelante atravesados en el camino para obligarlo a parar, y así sucedió, cuando
Erec se vio detenido, mostró su rostro para que lo reconocieran y se vio obligado a
curarse, allí reposó hasta sentirse mejor y salió nuevamente sin rumbo fijo con
su esposa sin que nadie lo detuviera. Más adelante del camino se encuentran con
una mujer que grita desesperada porque unos gigantes le han robado a su amigo a
quien odiaban, Erec sale en busca de los gigantes y rescata al amigo de la doncella y
queda muy mal herido, aun así decide continuar. Mientras cabalgan Erec se siente
muy débil y se desmaya y Enid piensa que se ha muerto, entonces aparecen unos
caballeros de la corte del conde Limors y la ayuda a llevar el cuerpo hacia el castillo,
Erec sigue inconsciente y el conde aprovecha para obligarla a casarse con ella pues
creen que ha enviudado, Enid no acepta que el conde Limors sea su esposo y
el la golpea; en ese entonces despierta Erec y se disputa con el conde siguiendo
débil pero logran huir de ahí y se encuentran con el conde Guivrete quien había salido
en su búsqueda luego de escuchar que Erec había muerto pero gran sorpresa se
llevó cuando lo encontró vivo pero lo llevo a su castillo y allí lo curó. En su última pelea
Erec se enfrenta a un caballero que confundió que estaba persiguiendo a su mujer, el
caballero salió bien armado y no dudo en golpearlo sin embargo Erec se defendió y
nuevamente gano la batalla, luego de eso Erec fue reconocido como héroe, celebran
varios días y Erec se dirige con su esposa hacia el castillo del rey Maboagraín
para ser coronado rey, se hacen todos los preparativos y asisten a ella el rey Artus
con su esposa y todos los grandes condes, Erec fue coronado rey novel por el obispo
Nantes y luego coronaron a Enid como reina donde su padre Tarsenesida y Licorante
su madre asistieron también y estaban orgullosos de ellos y se fueron a vivir al castillo
como reyes.
ESTRUCTURA

Hay una introducción o prólogo que el narrador escribe. Dice que va a contar una
historia que puede ser ejemplar pero que es ficción. Sirve para enseñar a hablar bien.
Hace una separación entre historia y ficción, y para ello:

⮚ Lo ha escrito en lengua romance

⮚ Lo ha escrito en verso para que quede en la memoria, para que los juglares y
trovadores lo pudiesen recitar

Erec es un caballero del rey Arturo. Las características de los caballeros son:

o La fama (fundamental)
o Valor y honor
o Sigue los patrones del amor cortés. Rinde vasallaje a su dama
o Es cristiano

Dos elementos fundamentales en la estructura de estas novelas de caballerías son:

● Búsqueda de la aventura (ley de amor entre batalla y batalla)

● Viaje. Es una historia de viajes, pues el caballero se está moviendo
continuamente

Se puede separar mucho de la verosimilitud (pueden aparecer dragones). Puede ser

más o menos cercana a la realidad (magos, secuestros, batallas y enlaces amorosos).
Lo escuchaba todo el mundo, sobre todo las damas de la Corte, mientras sus maridos
estaban cazando o en la guerra. Es una novela cortesana. Ofrece lo que no ofrece la
vida cotidiana (grandes banquetes, hombres y mujeres muy guapos), hay una
idealización. Muy dedicada al público femenino. Es un género que inunda toda la Edad
Media. Las primeras muestras de estas obras están canonizadas.

PRESENTACIÓN DE PERSONAJES

Un personaje no tiene identidad si no se le pone nombre.

Enid adquiere identidad cuando la casan. Hasta entonces no se sabe nada de ella.

El caballero se tiene que presentar. Dice que es hijo de un rico y poderoso rey. Los
bretones le llaman Erec y pertenece a la Corte del rey Arturo. En el Renacimiento, la
fama y el honor se trasforman en una burguesía que se mueve por el dinero. El padre
entrega a Enid porque la fama de Erec ya había llegado a ese país.
Es una obra canonizada porque lo que nadie se esperaba que fuese a contar era un
problema matrimonial. Lo normal es que una vez tenga a la dama, se lance a la
aventura, y aquí plantea un problema doméstico y hay una identificación de las damas
con los personajes.

Descripción de Enid:

Es la base de la obra, es quien desencadena la acción, mueve la acción, por eso lo

primero que hace el Quijote es buscarse una dama, a quien pinta como quiere. La
acción del caballero se mueve por el vasallaje y por la dama. Enid es una mujer gentil,
bella. Las descripciones se van a comparar con la naturaleza. La leyenda de Tristán es
anterior porque se menciona a Isolda, con quien compara su belleza y dice que Enid
es aún más bella. Idealización absoluta femenina. Ella empieza siendo un personaje
plano (no sabemos ni su nombre) y acaba redondo, pasa de tener una posición
meramente decorativa a ser el centro.

El receptor más habitual de estos romances eran las damas de la Corte porque sus
maridos estaban en la guerra o cazando.

El narrador está en segunda persona, algo que llama mucho la atención, que el
narrador hable al lector. Es una técnica muy moderna.

Cuando se casan, ya se conoce el nombre de Enid. Lo que sorprende en esta novela

son los datos sobre todo lo cotidiano. Hay detalles domésticos, algo que no ocurre
hasta la novela del Quijote. También aparece en el narrador “oiréis”, por lo que nos
damos cuenta de que se acerca al lenguaje oral.

Se han conocido el día de su boda, y cuando se quedan solos (después de que el

obispo y arzobispo se fueran), ahí empieza la parte “verde” necesaria para que sea un
éxito en aquella época, el siglo XII. Que ella no se acobardó y todo lo permitió, en la
noche de bodas, el narrador lo describe todo. Toda la novela va en función de las
damas que van a escuchar el relato.

El narrador maneja muy bien el tiempo (verosimilitud), precisa mucho.

Ahora da mucho estilo directo a Enid, le da voz, postura algo extraña en la literatura
medieval.

“Absteneos de hablarme, si yo no me dirijo antes a vos”, una riña matrimonial. La obra

humaniza al caballero, pus nos dice que se enfada, lo que come, su noche de bodas,
sus peleas con su mujer…
FORMA Y LENGUAJE

Hay un acercamiento al lector a través incluso de la segunda persona.

El entrelazamiento consiste en dejar a personajes en un momento y pasar a hablar de

los otros. La acción es lineal, por lo que, si los personajes no están juntos, debe utilizar
el entrelazamiento.

En cuanto al narrador, usa la primera persona homodiégesis, muchas veces con

focalización interna. Es un narrador muy implicado.

Hay una relación entre el amor cortés y el matrimonio.

La mujer es la amiga (algo raro en la Edad Media), doble dimensión que ocasionará el
conflicto central.

La belleza de Enid es una manifestación de Lacroix, ya que a una belleza hierática se

yuxtapone un estado opuesto donde la belleza de Enid se presenta humanizada a
través del sufrimiento.

TRISTÁN E ISOLDA
Una de las que más influyó en la literatura española de la Baja Edad Media. Después,
también a los románticos (amor trágico).

Desde mediados del siglo XII, corre una leyenda de amor y muerte por Europa, de
orígenes célticos y con resabios clásicos y originales. La historia de este amor fatal
recoge nuevos ecos al encontrarse con la teoría del amor cortés. Tristán e Isolda,
pareja de amantes, forman un mito romántico de la literatura europea por su
antigüedad y resonancia universal. Aquí vemos una violación del amor cortés: la
pócima que toman les hace enamorarse (elemento celta); esto se mete en la novela
para disculparle el adulterio cuando la novela se cristianiza (en las primeras versiones
seguramente no hubo una pócima, sino que se enamoraron por naturaleza). Así se
viola el amor cortés: Tristán no tiene un amor platónico por el que realiza unas
hazañas por una mujer que no le pertenece en matrimonio, sino que el amor que
siente Tristán por Isolda se vuelve algo carnal.

Siempre tiene un final trágico después de su cristianización para advertir a las damas
lectoras qué iba a pasar si cometían una infidelidad

Primeras versiones:

En el siglo XII: de Thomas, 3150 versos (poeta anglonormando), y la versión “común o

de los juglares” de Béroul (poeta normando), de 4500 versos.

En el siglo XIII: la versión de Gottfried de Estrasburgo, en alemán, sobre la versión de

Thomas.

En el siglo XIV, versiones castellanas y catalanas (1900 el francés Bedier, en francés

prosificado).

A partir del siglo XIII se fusiona la leyenda de Tristán e Isolda en el mundo artúrico,
siendo Tristán un caballero de la Mesa Redonda. Es muy importante, asimismo, tener
en cuenta que la leyenda de Tristán es una obra que influyó enormemente en
novelistas del siglo XII, en la obra literaria del siglo XIV en España y en el
Romanticismo. Por añadidura, tiene influencia en Wagner, que compone una ópera de
tres actos con música y libreto y en la creación de películas, como la dirigida por Kevin
Reynolds.

En Tristán: pasión que ruega al orden social y desdeña cualquier compromiso con él.
El amor cortés como fuerza social, constructiva y moralizante queda aquí a un lado.

Se presenta sencillo el momento de dar la pócima que los hechiza. Así se da

verosimilitud y es más fácil de creer que si se hubiese extendido cinco páginas con
pleno detalle.

En todas las novelas la criada se sacrifica para que Isolda no sea descubierta en su
noche de bodas. Se presenta así el rey como poco observador y despistado (ni
siquiera sospecha que es Brangel la mujer que se acuesta en su lecho).
 EL CUENTO
El cuento es la síntesis de una anécdota que le ocurre a unos personajes en un tiempo
y espacio concretos con o sin finalidad moralizante, que provienen hasta el siglo XIX
de una tradición oral. Es un género universal en tiempo y espacio, y está definido en
extensión, pues ésta tiene que ser breve. Se dice que menos de 150 páginas es un
cuento, y más de 150, una novela. El cuento también es llamado novela corta.

En origen no es para público infantil, sino para los adultos. El origen oral tiene cierta
tradición en Europa hasta el siglo XIX, y a partir de ahí, cambia. Los autores de
cuentos dejan de preocuparse por lo que van a contar en pocas páginas, y empiezan a
preocuparse por cómo lo cuentan. Son casi ejercicios literarios, o la anécdota es muy
leve y apenas importa. Destacan los cuentos de Cortázar, Allan Poe, José María
Merino, Valeria Correa, Marina Pérez Agua…

Es un género infinitamente más difícil que la novela. Hay narradores buenísimos en

España, pero se lee muy poco relato.

Todo lo anterior al siglo XIX son colecciones de cuentos, muchas de ellas con carácter
moralizante. Conocemos Las mil y una noches mucho antes que en Europa gracias a
la influencia árabe en España y a la Escuela de Traductores de Toledo.

En 1613 se publicaron las Novelas ejemplares de Cervantes, quien introdujo en la

lengua española la idea de “novela” como término y como género literario. Para
Cervantes, la novella italiana era la narración, y cuatro siglos antes conocemos Las Mil
y una noches, pero no se sabía cómo llamarlo.

Cuando Cervantes dice “novela” se refiere a una novela corta pero no sabía ponerle
un nombre. Se sabe lo que es una novela y un cuento, pero no se sabía cómo llamarlo
en español.

Los relatos abarcan la extensión de un mundo de ficción de manera breve, y a partir

del siglo XIX se centran más en el cómo que en el qué.
 LAS MIL Y UNA NOCHES (“Alf layla wa-layla”)

Han influido enormemente en la literatura fantástica occidental, sobre todo en la

anglosajona.

Ninguna versión de la Edad Media es igual, cada una tiene unos cuentos distintos. Es
la colección de cuentos de origen medieval de tradición oral. Llegan a occidente a
través del Mediterráneo y nos enseña la manera de contar una historia.

Bajo una historia de ficción, a través de estos textos sí que podemos saber cómo era
la vida árabe real de aquella época.

Es la oralidad lo que importa en estos cuentos, probablemente milenaria.

Es una colección de cuentos que nos abre las puertas de su mundo lleno de encantos
y alucinaciones, narraciones de aventuras fascinantes que vienen de siglos distintos y
cuya redacción definitiva es posterior al siglo XVI.

Es la colección de cuentos más conocida en occidente, a pesar de que su difusión

ocurrió a partir del siglo XVIII; sus orígenes se remontan a la Edad Media, una de sus
más antiguas versiones es quizá una recopilación persa con relatos de posible origen
índico y cuyo título era Hazar afsanah (“Mil cuentos”), aunque sólo contenía unos 200
relatos.

Árabes, persas, judíos y egipcios que escribieron en un estilo popular, lleno de

expresiones que no pertenecen al árabe clásico, y aún a veces haciendo uso de
dialectos, como en el cuento de Aladino y la lámpara maravillosa.

No tenemos versiones actualizadas hasta el siglo XVIII, por Antoine Galand, con sus
doce volúmenes, que no sólo se ciñeron a un texto único, sino a varios manuscritos
que son piezas de un mismo mosaico. Cuentos fantásticos que han inspirado a
escritores de todos los tiempos. Se tradujeron por primera vez a un idioma occidental
por el francés Galand.

En España se conoce un poco antes por la influencia de la cultura árabe y por la

Escuela de Traductores de Toledo.

Esta colección pinta poéticamente la vida de los hombres del Oriente y la astucia de
las mujeres del harén. Encierra las figuras más inverosímiles de la imaginación y la
fantasía.

Tienen un poder sugestivo, a pesar de que la historia se inicia con un rey, quien en
venganza del daño que le causó su primera esposa, da muerte a las demás una vez
celebrada la noche de bodas, hasta el día en que contrae matrimonio con la hija del
visir de su reino, Schahrazade, quien, para evitar su muerte, relata a su hermana
Doniazada y a su esposo, el rey, los episodios de una historia que se prolonga durante
mil y una noches, y no mil, seguramente debido a las supersticiones que los árabes
tienen con relación a los números enteros, misterio numérico que se conserva hasta
nuestros días.

LAS MIL Y UNA NOCHES

CALILA Y DIMNA

Las colecciones más importantes y conocidas de cuentos orientales traídos a Europa y

de Europa a América son Las mil y una noches y Calila y Dimna.

CALILA Y DIMNA:

Es de carácter completamente oriental. Es una de las más extensas y originales

colecciones de apólogos (serie de narraciones) de origen oriental pero muy conocida y
con mucha influencia en Castilla. Su recopilador, Barzuyeh, médico de Cosroes I, rey
de Persia, dio a conocer la existencia de estos apólogos entre 531 y 570.

De los primeros cuentos se tiene noticia a través del Mediterráneo en el siglo X; los
primeros de origen árabe y persa llegaron a Europa en boca de mercaderes, piratas y
esclavos. Más tarde, éstos mismos, diseminados en disímiles versiones, llegaron a
otros continentes tras la circunnavegación y el descubrimiento. La prueba está en que
un mismo cuento puede encontrarse en distintos países; por ejemplo, "La Cenicienta",
que probablemente honda sus raíces en los albores de la lucha de clases, conoce más
de trescientas variantes, y deducir su verdadero origen, como la de muchos otros
cuentos -entre ellos del germano "Rosa Silvestre" y el francés "La bella durmiente del
bosque", que son variantes de un mismo tema-, sería un cometido casi imposible.

Esta colección de cuentos es de 1251 (o 1261, depende de los manuales), la mandó

traducir Alfonso X el Sabio siendo todavía infante.
El Calila conecta con los manuales sapienciales de educación de príncipes mediante
el motivo oriental de las preguntas y respuestas entre el rey y el filósofo, que da paso a
cuentos ejemplarizantes contados y protagonizados por animales: un buey, un león y
dos chacales llamados Calila y Dimna, que son los que cuentan un mayor número de
cuentos, muchas veces imbricados unos en otros en la llamada “estructura de
muñecas rusas”.

Abundan los monólogos introspectivos y se usa el diálogo con función dramática. Por
lo que respecta a la localización, es muy esquemática y la acción, más bien escasa.
Una estructura muy similar se utiliza en el libro de Don Juan Manuel, El conde Lucanor
(S XIV).

SENDEBAR O LIBRO DE LOS ENGAÑOS Y ENSAÑAMIENTOS

DE LAS MUJERES (1253)

Es un libro de ejemplos de origen hindú. El pretexto narrativo que enmarca los cuentos
se organiza en torno a una historia marco: un noble trata de defenderse de las
acusaciones de la reina, que afirma que ha sido violada por él, siendo sólo una mentira
para vengarse porque el caballero la ha rechazado amorosamente. Para probar su
inocencia frente al rey, el caballero relata una serie de cuentos ejemplificando la
conducta mentirosa y falsa de las mujeres.

DISCIPLINA CLERICALIS (1062-1140) – PEDRO ALFONSO

Pedro Alfonso era médico en el siglo XII, médico de Alfonso el Batallador, astrónomo,
matemático, cosmógrafo y apologeta. Fue autor de una pequeña obra de cuentos y
sentencias morales, escrita en latín, que alcanzó una gran influencia sobre la literatura
española y europea posterior. Es un testimonio perfecto de la encrucijada cultural en la
que nace.
La obra tiene treinta y cuatro relatos estructurados en diálogos entre maestros o
padres y discípulos e hijos, cuyo principal objetivo es transmitir la sabiduría práctica de
la vida. Pedro Alfonso echa mano de su vasto conocimiento de fuentes orientales.

Sus fuentes van desde Esopo y las famosas colecciones orientales Barlaam y Josafat
Calila y Dimna, Sendebar y Castigos y documentos de Sancho IV hasta la tradición
folclórica hebrea, junto con proverbios de ascendencia bíblica.

El tratado es una de las colecciones de relatos moralizantes medievales más

importantes. Están diseñados para entretener, instruir y orientar la vida. Incluyen
proverbios, versos, fábulas y anécdotas.

BOCCACCIO – EL DECAMERÓN

La única finalidad de la obra es reírse, y esto es muy contemporáneo, pero Boccaccio

en el prólogo tiene un proemio en el que declaró sus intenciones en los cuentos
(“novellas”). Quiere que las mujeres lean sus cuentos para que se entretengan y
aprendan en el ámbito moral. Esta obra es una celebración de la vida, de la alegría, la
lujuria, la risa… El año 1348 fue el gran año de la peste negra, que diezmó a la
población. En 1350 aproximadamente Boccaccio escribe Decamerón para celebrar la
vida, los vicios… La mayoría de estos cuentos se producen en contextos realistas.

Se trata de una obra enmarcada. Siete mujeres y tres hombres que huyen de la peste
negra hacia las afueras de Florencia, a una finca, en el siglo XIV, y cuentan una serie
de cuentos.

PRIMER CUENTO
El tema tiene mucho que ver con el tono. Los temas son la lujuria de las monjas, la
picardía del jardinero, la lujuria del ser humano, los apetitos carnales del ser humano,
el engaño.

Se habla de la finalidad del cuento, de la creencia de que los campesinos son vastos
de inteligencia y el hecho de que sea mudo le otorga estupidez. Asocian las
enfermedades físicas a la falta de inteligencia (ciegos, mudos, enanos…) en ese
momento, pero casi hasta el siglo XIX.

Todo lo anterior es el marco narrativo (hasta “hubo y todavía hay”).

Utiliza la misma estructura que en el Quijote (“En un lugar de la Mancha… no ha

mucho tiempo…”). Utiliza el estilo directo, algo muy moderno, tanto en las
intervenciones como en los pensamientos de las monjas.

Adjetiva mucho (“fuerte y robusto”).

Los personajes tienen nombre propio desde el principio, menos las monjas. Utiliza un
narrador en segunda persona y a continuación realiza una descripción de Nuto y
Masetto. Los diminutivos indican un tono cariñoso, como el trato a un hortelano
(“hombrecillo”, “hermosísimo”).

Hay un estilo directo (“pon esto aquí”, “pon esto allá”).

Mesetto tiene una focalización interna, como un monólogo, porque piensa de forma
muy directa.

La conversación entre las monjas tras contratar a Mesetto es una confidencia. El

mayordomo no les interesa porque es viejo, pero Mesetto es joven, y las monjas se
van a aprovechar de él porque es tonto. Van a fallar a Dios, pero intentan excusarse
diciendo que, si han hecho una promesa a Dios, ya la cumplirán las otras monjas.

Piensan en llevarle a la cabaña. Mientras una está dentro con él, la otra vigila, y luego
al revés, y el tonto, como es tonto, se acomodará.

Utiliza un término muy moderno y fino: “jugietear”.

De nuevo, hay un trato cariñoso hacia las monjas llamándolas “monjitas”.

La vadesa se lo lleva varios días y las demás monjas se quejan de que el huerto no
está labrado.

Al final, las monjas se han quedado embarazadas de Masette, y se celebra la vida con
humor, produce risa.
SEGUNDO CUENTO

1º- Contextualizar el cuento

“Este cuento pertenece a la colección de cuentos de Boccaccio… (introducirlo

brevemente, 1 o 2 líneas) del prerrenacimiento italiano…”. Situar el cuento: “…
perteneciente a la quinta jornada…”.

2º- Resumen

3º- Tema

La exaltación del amor de la figura masculina, devoción del hombre hacia ella.

4º- Analizar

El cuento está doblemente enmarcado, al igual que todos los cuentos de Boccaccio y
la cuentística medieval. Lo cuenta un personaje femenino y lo va a envolver, se trata
de un relato envuelto. Esa narradora, en primera persona, explica por qué va a contar
ese cuento, y comienza el cuento.

El cuento tiene un carácter oral, se los cuentan unos a otros, por eso la narradora
apela al lector. La localización es exacta, Floencia.

Se nos cuenta que Federico se enamora… (contar el argumento).

El motivo principal es el niño, quien interviene y pide el halcón. Es quien marca el

motor del cuento.

El halcón es un elemento árabe, y en España sólo llega por las influencias árabes

Vuelve a utilizar el diminutivo (“criadita”).

Se utilizaba el lenguaje oral para el pueblo.

Cuando se han comido el halcón, el caballero llora, el autor humaniza al caballero,

algo no atribuible en la época de la literatura medieval.

No hay una descripción física de los personajes.

(Contar final).

5º- Conclusión
El Decamerón es una obra de madurez. Los cuentos breves se escriben cuando los
escritores están muy muy experimentados. No se entiende la obra si no se entiende la
peste negra que invade todas las clases sociales igualándolas socialmente y
derribando vanidades, terrenos e ideales humanos, y diezma a la población por la
mitad.

La miseria humana se hizo clara y patente y los esqueletos de millones de apestados

insepultos presentaron a la sociedad desnuda.

La Laura de Petrarca murió en la peste. Con esto se cortaba el proceso de idealización

de la mujer. La sociedad quedaba propicia a ser contemplada con ojos realistas y a ser
caricaturizada.

En el Decamerón, en diez días narran cien cuentos, y cada jornada va presidida por
aquel elegido rey o reina del día. Cada día uno es el rey. Cambian los cuentos según
quien sea el rey. Hablan de engaño, de hipocresía… Hacen una literatura de evasión.

Lo excepcional es que, siendo temas muy humanos y personajes vulgares, lo hace

con una prosa de altísimo nivel.

Resumen:

● Estos diez jóvenes florentinos, elegantes, cultos y espirituales, alejados de la

ciudad apestada, llena de muerte y miseria, se ríen del mundo de la
sensualidad, la bribonería, el engaño, la malicia, la hipocresía y la estupidez,
pasioncillas de gente baja e ignorante, de vividores y de pícaros.
● Lo grotesco y lo vil de esta sociedad aparece ante nuestros ojos como una
abigarrada comedia a la que Boccaccio ha querido dar una apariencia de
verdad concreta envolviendo su auténtica verdad humana.
● De ahí que a todos los personajes se les den nombres y apellidos precisos, se
puntualice su patria y su profesión, se les señalen notas marginales concretas
y se les haga viajar por ciudades determinadas y por lo común próximas y de
todos conocidas.
● El excepcional ritmo narrativo de esta obra reposa sobre un arte trabajado y
sabio en el que la prosa alcanza unos valores buscados y operantes.
● Es una obra alegre y para provocar la risa. No hay una actitud moral.
Boccaccio no censura a sus personajes. Busca lo cómico y lo ridículo en la
ignorancia y en la maldad, y lo hace con completa conciencia artística.
 LA DIVINA COMEDIA – DANTE

Durante todo el Renacimiento, el centro va a ser Italia. Hay una relectura de autores
grecolatinos. Se va a desarrollar en la lírica sobre todo y en la prosa. Lo llaman
comedia porque empieza trágico y termina bien.

Introducción al Renacimiento:

Un factor que confluye en el Renacimiento es el auge de los studia humanitatis, que

estudian Gramática, Retórica, Poética, Historia y Filosofía moral por medio de los
autores grecolatinos, sobre todo latinos.

Para un estudiante de esa época, los ejemplos se buscaban en Cicerón, porque era el
modelo clásico de hacer un discurso.

El fenómeno humanista sitúa al hombre y sus obras en el centro de sus intereses, y

así la literatura y la erudición en general pasan a un primer plano. Puede decirse que
el Humanismo y Renacimiento son movimientos culturales difícilmente separables.

Dante hace su camino hacia el paraíso desde el infierno con Virgilio, quien se
convierte en el guía de ese viaje representando la razón.

Introducción a Dante:

Dante (1265 (Florencia) – 1321 (Ravena)), siendo aún muy joven se enamoró de
Beatriz Portinari, cuya muerte en 1290 lo marcaría profundamente. Dante hace un
homenaje a Beatriz en la Divina Comedia.
Iniciada hacia 1307 y concluida antes de 1319, es un poema en el que relata un viaje
imaginario suyo a los tres reinos de ultratumba a sus 35 años (la mitad del camino de
su vida). El poeta Virgilio acompaña a Dante en su viaje por el Infierno y el Purgatorio;
Beatriz lo guía por el paraíso hasta contemplar la Trinidad.

El viaje se imagina realizando en una semana, que empezaba la noche el jueves

santo, 7 de abril, y se acababa el jueves después de Pascua, 14 de abril del año 1300,
en el cual, por primera vez, se celebró el santo jubileo, que resistió gran solemnidad y
atrajo gran concurso de romanos.

Virgilio representa la parte racional y Beatriz la parte de la fe.

Es un viaje alegórico (pero para que los contemporáneos lo entiendan, precisa las
fechas) a través de la representación de males y vicios.

Dante lo llamó Comedia porque dice que la materia al principio es horrible y fétida, el
infierno, pero que el final es próspero, agradable y deseable, el paraíso. Está en un
lenguaje vulgar (dialecto toscano, y en tercetos), en el que hablan hasta las mujeres,
quienes no entienden ya el latín, sólo el latín de las liturgias. El lenguaje de la calle las
mujeres ya no lo entienden porque apenas tiene uso.

Fue calificado incidentalmente por Boccaccio de “divino”, y a partir de la edición

veneciana de 1355 se denominó al poema Divina Comedia. También se llama
comedia porque los protagonistas son personajes vulgares.

Documental del infierno de Dante:

Una de las características del infierno es que uno mismo lo elige.

En la Italia medieval, Dante escribió un poema épico conocido como Infierno, y que ha
servido para definir el infierno de la cultura occidental. El propio dante es el personaje
principal del libro; se ha extraviado y sufre una crisis de desesperación profunda.

El infierno es la obra más importante jamás escrita sobre nosotros en nuestra jerga
llamamos depresión, la cual Dante considera pecado, su propio pecado, y trata de
sobreponerse a este estado mediante la contemplación de los tormentos que otros se
infringen a sí mismos.

El poema arranca en el bosque oscuro del error, un lugar que simboliza el pecado la
corrupción del alma de Dante. El espíritu de Virgilio le ayudará a abandonar los
bosques y a emprender el camino de la salvación. Para Dante, Virgilio es un poeta
modelo, representa la grandeza de todo el arte clásico, y Dante representa el alma en
tránsito del ser humano.

Juntos descenderán los 9 círculos del infierno, los cuales nos presentan un infierno
perfectamente estructurado. En cada círculo se sitúa un tipo específico de pecador.
Cuanto más desciende Dante, peores son los pecados y los castigos. Ha creado una
geografía física que le permita castigar a los pecadores como se merecen, sino
también moral.

El infierno trata de las dificultades y esfuerzos que entraña vivir una vida humana, que
podría ser un viaje o una búsqueda, y para Dante, el infierno es esa búsqueda vital.

Dante fue un político prestigioso, miembro de un grupo de 6 magistrados que

gobernaban Florencia, pero poco después, una sedición frustró su carrera política.
Durante su ausencia, fue acusado de corrupción y condenado a morir quemado en la
hoguera. Su ausencia se convertiría en un exilio. No podría haber escrito ese poema
sin la experiencia de su exilio. Fue lo que le hizo pensar de manera más amplia y
asumir la verdadera naturaleza del exilio en un sentido muy amplio, pues de eso trata
el poeam en esencia.

Antes de comenzar su búsqueda, Dante y Virgilio deberán atravesar las puertas del
Infierno. Cuando llegaron a las puertas del infierno, había un letrero que ponía “Dejad
los que aquí entráis toda esperanza”. La esperanza era fundamental en la Edad
Media.

En esta trilogía, Dante trata de mostrar que nuestro destino en la vida ultraterrena está
siempre determinado por las opciones tomadas en vida.

Cuando los condenados llegan al Infierno, deben comparecer ante el Juez Minos para
recibir su castigo. El Infierno toma nota del grado de corrupción que ha alcanzado en
vida cada persona y trata de recrearlo en clave eterna.

El primer lugar que visitan Dante y Virgilio es el círculo primero, el Limbo. Todas las
almas sin bautizar, incluido el propio Virgilio viven allí. Su único castigo es una
eternidad privada de la contemplación de Dios. Tal y como Dante lo describe, se trata
de un lugar poblado por personas de verdad, aflicciones de verdad y torturas de
verdad. Para Dante, la Biblia era la fuente más fiable para conocer el más allá. Dotó al
infierno de forma, tamaño y estructura.
Dante escribió su Infierno con un propósito concreto: persuadir a la gente para que
viviese una vida mejor, ser conscientes de los vicios y cambiar lo necesario para no ir
al infierno e ir al paraíso.

Cada uno de los círculos infernales está dedicado a vicios y crímenes que podría
cometer cualquiera. Dante escribió el infierno desde la fe católica, pero su visión va
más allá de la doctrina de la Iglesia. Loa pecadores mantienen erguido un espejo para
que Dante sepa en qué puede convertirse si no le da la espalda al mal; se trata de un
viaje de introspección, que comienza en el oscuro bosque del error y culmina con la
comprensión de la naturaleza del mal al final del viaje cuando alcanza el fondo del
infierno.

El viaje continúa y Dante y Virgilio llegan al círculo quinto, donde Dante deja de ser un
simple observador asustado. En el círculo de los iracundos y displicentes están los que
pecaron de ira, los vengativos condenados a pelear y discutir en las orillas de la
laguna Estigia. Los displicentes se esconden hundidos en el fango cubierto de aguas
turbias.

Cuando Dante y Virgilio cruzan la laguna Estigia, un enemigo político de Dante lo

reconoce: Filippo Argenti, que se irrita al ver a Dante vivo en el infierno. La irritación de
Dante supera la suya y arremete contra él (Dante estaría aprovechando para vengarse
de una persona que probablemente le hizo daño).

La escena de la laguna Estigia marca el inicio de la transformación de Dante. Ha

aprendido a no compadecerse de los condenados, pero todavía quiere vengar su
exilio. Su peregrinación no ha terminado. Para liberarse de su sed de venganza, Dante
debe conocer las consecuencias de los pecados de malicia. En las profundidades del
Infierno se encuentra con los condenados por actos violentos.

Dante escribió el infierno pensando en un público lo más amplio posible, quería que
todo el mundo supiese que todas las decisiones que tomamos y nuestros actos tienen
consecuencias. Para hacer ver que no todos los pecados son iguales, Dante separa el
infierno superior del inferior por medio de un muro distinguiendo los pecados de
debilidad de los de malicia. Hay pecados que tienen que ver con la debilidad humana,
aquellas ocasiones en que nos dejamos llevar y caemos en el tipo de errores que no
nos ayudan a madurar, pero no hacemos daño a propósito. Y hay otros pecados en
que sí existe una verdadera malicia.

Dante y Virgilio atraviesan la laguna Estigia para llegar a la ciudad amurallada de Dite,
en el infierno inferior. Aunque Dante no había cometido la mayor parte de los pecados
que aparecen en su poema, sí trata de encontrar un reflejo de sí mismo en los
pecadores de infierno. Solo así, puede tener la esperanza de eludir el destino eterno
que le espera.

Para recuperar la conciencia desde la desesperación, Dante se apoya mucho en su

guía, Virgilio, que le pone cara a cara con su lado más oscuro: sus pecados y sus
prejuicios erróneos. Dante quiere hacer ver que el pecad es una opción, pero que su
precio es la muerte del alma. Antes de encontrar el camino del bien, Dante tiene que
enfrentarse a la maldad en estado puro: Satán.

Descienden al noveno círculo, el abismo helado de Satán. Lo que hay ahí es una
profunda carencia de calor o de afecto, un ligar de muerte absoluta, un ligar helado, la
negación de todo. Es el lugar más frío porque es el más alejado de Dios. Satán no sólo
aparece como un ángel caído, sino que Dante se lo imagina como una figura de 3
cabezas sobrecogida por la tristeza y el dolor, cubierta por un velo de lágrimas. Sus
alas baten helando todo lo que tocan sin parar. Se trata de una inversión de la
Trinidad. Si Dios es poder, sabiduría y amor, Satán es impotencia, ignorancia y odio. Y
de la misma manera que vemos esa Trinidad invertida con 3 cabezas, podemos ver 3
pecadores: los traidores más emblemáticos del imperio romano, Bruto y Casio; y el
principal y más inmediato traidor contra Dios, Judas.

Dante vuelve a usar el tema de la traición y el orgullo para demostrar que Dios no
fuerza a las personas a pecar ni tampoco el demonio, sino que las personas deciden
pecar y que todo pecado es un acto de orgullo.

ESTRUCTURA:

Una obra escrita en tercetos endecasílabos y dividida en 3 partes:

- Infierno (4.720 versos)

- Purgatorio (4.755 versos)
- Paraíso (4.758 versos)

Todo gira en torno al número 3, el número de la Santísima Trinidad; constituye la

médula de la arquitectura del poema. Cada una de las partes tiene 33 cantos, con la
adición de otro introductorio a la cabeza de cada parte, lo que hace un total de 100
cantos.
✔ Infierno: Dante recorre, acompañado de Virgilio, los nueve círculos infernales.
En cada círculo observan a un grupo de condenados por diversos pecados,
incluyendo personajes literarios, mitológicos e históricos a los que juzga y
valora por sus acciones y cualidades. Cada uno de los castigos descritos se
ajusta al pecado cometido y se repite eternamente. Las almas de los
aduladores, por ejemplo, pasan la eternidad enterradas en excrementos, como
recordatorio de las palabras que profirieron. Los seductores son atormentados
por diablos cornudos que descargan sobre ellos sus látigos hasta convertirlos
en carne tumefacta. Con sus viscerales descripciones sobre los castigos del
Infierno, Dante invita al lector a reflexionar sobre sus propias faltas, a cambiar
de ritmo y a vivir en armonía con los otros y con Dios.
✔ Purgatorio: Dante y Virgilio llegan al Purgatorio. Siguiendo con la imagen de
los círculos concéntricos del Infierno, el Purgatorio se presenta como una
montaña con laderas escalonadas y redondas, simétricas a los círculos
infernales. El Purgatorio es un lugar dedicado a los pecadores que vivieron con
egoísmo en la Tierra, pero que mostraron un remordimiento suficiente como
para que se les ofrezca la esperanza de la salvación. En el Purgatorio pueden
purgar y prepararse para entrar al Cielo. A medida que ascienden la montaña,
atravesando los siete niveles que representan los siete pecados capitales,
Dante y Virgilio se encuentran con individuos que trabajan penosamente para
superar los defectos que dieron lugar a sus pecados. Las almas orgullosas, por
ejemplo, cargan enormes piedras en la espalda para aprender humildad. En
cada uno de los escalones, Dante se redime de uno de sus pecados. Hacia el
final de esta parte, Dante y Virgilio deben despedirse, ya que los paganos –
como Virgilio– no pueden acceder al Paraíso. Esta despedida constituye una
de las escenas más conmovedoras de toda la obra.
✔ Paraíso: Dante, al fin, llega al Paraíso, descrito como una rosa en la que cada
uno de los pétalos es un alma. Allí es donde el poeta se encuentra con su
amada muerta, Beatriz. Beatriz viene a representar la eterna guía femenina, el
corazón y el alma de la humanidad. Ella es la que intercede por la salvación de
Dante, y es a través de ella como Dante llega a entender el amor de Dios.
Dante recorre con ella las nueve esferas del Paraíso, cada una de ellas
vinculada a un cuerpo celeste, de acuerdo con la idea geocéntrica medieval del
universo, y a una jerarquía angélica. Más allá de las esferas está Dios en el
Empíreo, un Cielo más allá del espacio y el tiempo.
INFLUENCIAS

El viaje de un hombre a ultratumba antes de su muerte no es nuevo y tiene

precedentes en casi todas las literaturas, incluso en las más alejadas de nuestra
cultura.

La única fuente auténtica, corriente y decisiva en el viaje del poeta al trasmundo es el

descenso de Eneas a los infiernos en el canto VI de la Eneida. Es Virgilio quien guía a
Dante por el infierno y purgatorio: el mismo Virgilio que llevó a Eneas al Orco, y que
siempre constituye un ideal estilístico y nacional, hasta tal punto que lo convirtió en la
personificación alegórica de la razón humana.

En las célticas se encuentran varias obras que relatan viajes al más allá, países
maravillosos, tierras encantadas…

Son autores (en la Ilíada, el “Infierno” de la Divina Comedia) que se adelantan a la

visualización de planos de escenas cinematográficas. Son las teorías del “precinema”.

FINALIDAD

Dante quiere instruir a los hombres en el arte de salvar el alma. Su meta es el

conocimiento de la propia condición mortal, el conocimiento espiritual de Dios.

En el canto XXVI Dante elige una experiencia total de conocimiento de su ser desde la
imaginación y desde el sueño que lo introduce en la selva oscura. El destino que
Dante da a Ulises como titán también se lo atribuye a sí mismo. Dante ve de frente a
Dios, le da voz como si fuese un inspirado o un poeta.
 EL CANCIONERO DE PETRARCA (1304-1374)

El Cancionero es un relato de una historia de amor que tiene dos partes: antes de la
muerte de Laura y después de la muerte de Laura, es decir, sentimientos amorosos
con Laura en vida, y la pérdida del amor cuando Laura muere por la peste. Nos
encontramos con todas las facetas del amor que todo ser humano puede experimentar
(celos, pasión, angustia, tristeza, deseo de abandono, de encuentro…). Petrarca lo
humaniza.

Va escribiendo esta obra a lo largo de los años, era una obra menor, más pequeña y
de menor importancia y en lengua vulgar. Consiente que su gran obra (la genealogía
de los dioses) ya está terminada y en latín. Ha podido trascender el Cancionero
porque todo el mundo ha experimentado todas las fases del amor del ser humano.

Sin Petrarca no hubiera venido ese Renacimiento en la lírica. Supone la asunción del
Renacimiento y tiene influencia hasta nuestros días.

Escribiría Petrarca: “Quisiera haber nacido en otro tiempo; éste intento olvidarlo
completamente y vivo con el espíritu en medio de los antiguos”.

Es el autor de la literatura occidental donde más se ve la vuelta a lo clásico.

Sus fuentes culturales y vitales son Cicerón, Tito Livio, Horacio, Virgilio… Se hace un
hombre latino, clásico, y lo lleva hasta sus últimas consecuencias, hasta el punto en
que el poeta italiano les escribirá cartas descubriéndoles sus afanes y sus
preocupaciones. Aquí ya se habla de Renacimiento. Petrarca se había acercado a los
clásicos en demanda de una enseñanza histórica o filosófica.

Virgilio lo usa para hablar de los orígenes de Roma. Cicerón es el maestro de retórica.
Horacio interesaba por su preceptiva y por sus máximas.

Petrarca rompe con la tradición y da un salto hacia atrás que lo coloca en plena Roma
clásica. Este salto se verifica gracias a una extraordinaria intuición nacida de una
especial sensibilidad que lo permite ver en los autores antiguos la pura belleza: para
él, Cicerón será el prosista y Virgilio será el poeta, y cuando escriba en prosa seguirá
el modelo del primero y cuando componga versos latinos tendrá los del segundo por
falsilla.
Casi todo lo va a escribir en latín como lengua preferente en textos cultos. Escribe en
latín con una perfección gramatical y estilística que en ocasiones nada tiene que
envidiar a sus modelos clásicos.

El latín de Petrarca es una mezcla de Cicerón y Virgilio, pero cobra vigor y

personalidad por su limpidez y porque responde a una sinceridad estética, no a una
fría actitud arqueológica y pedante.

Publica unas epístolas latinas (Epístolas familiares), L’Africa en hexámetros latinos,

como Virgilio; sobre la segunda guerra púnica; El secreto en prosa latina; un diálogo
que sostiene el poeta con San Agustín, otro de sus autores predilectos; El Cancionero.

EL CANCIONERO

Son 366 poemas (la mayoría sonetos, 29 canciones y otras pocas composiciones de
diversa estructura) constituyen el Cancionero, producto de un trabajo lírico realizado
durante unos 30 años y que el poeta consideraba como obrillas sin importancia, y que
reunió con el significativo título latino de De rerum vulgarum fragmenta (“fragmentos de
las cosas en vulgar”).

Petrarca vivió convencido de la excelencia de su arte y de que su nombre sería

famoso en el futuro; pero, equivocadamente, suponía que su fama se debería a sus
obras en latín, las cuales tuvieron resonancia durante dos siglos, y hoy sólo son leídas
por los eruditos.

Fueron precisamente sus poesías en italiano las que hicieron que Petrarca tuviera
seguidores en la lírica de toda Europa y que su voz llegue todavía hasta nosotros, y
nos haga partícipes de sus sentimientos, de su delicadeza y de su pasión.

La mayoría de las composiciones del Cancionero celebran a una mujer que el poeta
llamaba Laura, que es cantada durante su vida y después de su muerte, por lo que el
libro se divide en dos partes: poesías en vida de Laura y poesías en muerte de Laura.

Conoce a Laura al salir de misa casi cuando era una niña. Laura parece más bien una
fuente de inspiración más que un personaje real. Sí que es verdad que ha sonetos que
hacen alusión a la muerte de ella en 1348 por la peste.

Petrarca traduce un estado del alma, una preocupación o una tortura intelectual.

Es el dietario de un amor real por una dama real, aunque alejada e indiferente.
Mientras Laura vive su realidad no se percibe porque es en cierto modo una
idealización serena que Petrarca no puede profanar haciéndola humana; únicamente
la hace real la humanidad del poeta, sumido en dudas y conflictos morales y sin
averiguar si este amor suyo es pecaminoso o no, prueba patente de que tras la
idealización hay una mujer de carne y hueso.

Ello vive corroborando por las mismas vacilaciones del poeta, que tan pronto bendice
como condena su amor, que pasa de un extremo al otro en su pasión y no halla su
centro ni su estabilidad, clara evidencia de la sinceridad de sus versos.

Esta vacilación esa en cuanto muere Laura. Laura ha llevado al poeta a lo alto, ha
santificado su vida y apagado sus dudas y pasiones. El amor ha encaminado hacia
Dios, y la mujer se ha hecho instrumento de la salvación del alma. Es imposible
otorgarle mayor elevación ni encargarle más noble empresa.

Escucha ya gran parte del Cancionero y en plena madurez de su arte, Petrarca

compuso un curioso poema alegórico, Triunfos, en cantos en tercetos al estilo de la
Divina Comedia.

Un soneto es un poema lírico de 14 versos de igual medida, generalmente

endecasílabos, 4 estrofas (dos cuartetos y dos tercetos) con un patrón de rima fijo y
una matriz de acentos definida. Fue invención de trovadores provenzales a mediados
del siglo XII (aunque hay más teorías). Esto indica que los trovadores iban a las
escuelas de trovar. Se podían memorizar muy bien. Es más señorial. Dante fue el
primero en usar el soneto con criterios definidos acerca de sus virtudes y las reglas de
su construcción. Se puso de moda escribir cartas en forma de sonetos. Petrarca
consolida la forma del soneto. Tienen tanto éxito que se convierten en modelos a
seguir (soneto petrarquesco), tuvo imitadores. Dante era el precursor del “dolce stil
nuovo” cuando Petrarca era el poeta por antonomasia y el Cancionero recorría Europa
como paradigma de la nueva poesía. Los primeros sonetos castellanos fueron los del
marqués de Santillana en el siglo XV. Ofrecen un rico testimonio de las indecisiones
métricas y prosódicas que habitaba en nuestra lengua. El castellano del siglo XV se
encontraba en una situación de inestabilidad como la que encontraba Dante en el
italiano del siglo XIII. Garcilaso lo lleva a la perfección.

Examen:

Es un poema que pertenece al Cancionero de Petrarca, que es un poeta renacentista

italiano…
 1. Texto en su contexto

El texto propuesto para el análisis pertenece a una obra fundamental del Renacimiento
italiano. En este caso, pertenece a un poeta italiano, Francisco Petrarca (siglo XIV) …
(sin contar la vida de Petrarca). Es una obra de madurez escrita en lengua vulgar,
italiano, considerado por el propio Petrarca una obra menor. (novellae, obritas
menores), celebra a una mujer llamada Laura…, que murió en 1348 por la peste…
Cuenta todos los estados en que la pasión amorosa se puede representar en el ser
humano.

2. Texto

Contenido: en los poemas, no contar de qué va, sólo decir el tema. Y explicar el tema,
dónde veo ese tema. Tema: un choque entre la razón y el sentimiento.

Ese yo establece el tono general del poema. Es más íntimo, personal… El yo explícito.
Habla del suyo, no generaliza.

Comienza el cuarteto con 4 preguntas retóricas. Condicionales.

3. Conclusión

Hablar del valor que tiene (tiene que recoger las ideas que hemos destacado sin
repetirlas).

SHAKESPEARE

Es el autor cumbre de la literatura occidental. Sus obas tienen en su esencia toda la

esencia de la literatura occidental. Es la primera vez de forma consciente que mejor
consiguió reflejar todas las pasiones (defectos, etc.) del ser humano en la literatura,
todo lo que puede sentir el ser humano (guerra, poder, relaciones familiares…)
aparece en algún personaje de sus obras. En sus obras congrega toda la esencia del
ser humano.

El traidor, venganza, honor, bondad, ingenio, imaginación, el amor familiar, la amistad,

el amor pasional, ricos, pobres, tontos, sirvientes, reyes… Unos cien personajes
distintos.

Sus obras combinan prosa, verso, verso blanco… Tienen musicalidad. Su obra
curiosamente fue hecha para ser escuchada, no leída.

Se duda de la autoría de sus obras, pues estas no están firmadas por Shakespeare,
sino que están “a cargo de la Compañía de William Shakespeare”.

Polifonía: cada personaje habla distinto, tiene una forma peculiar de manifestarse.
Todos tenemos peculiaridades, y eso es muy difícil aplicarlo a la literatura. En
Shakespeare es anacrónico, pero hay pluralidad de voces. Cervantes lo hace muy
bien. Hay una experimentación con el lenguaje. Esta teoría se desarrolla en el siglo
XX. Los personajes de Shakespeare no son estereotipos.

El teatro isabelino es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas
e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra y se asocia
tradicionalmente a la figura de William Shakespeare.

Es una obra realizada en un teatro de forma circular.

EL REY LEAR

Hay tres temas: la vejez, la locura y los problemas familiares.

Es una defensa a la monarquía absoluta.

Toda la obra está en función de la palabra “nada”.

Documental de la 2: EL ENIGMA DE SHAKESPEARE

Es el mayor poeta dramático de todos los tiempos, con 37 obras teatrales, a cada cual
más universal e inmortal.

Bajo el reinado de Isabel I y luego de Jacobo I aparecen los primeros teatros fijos y
The Globe será el escenario donde el público ve por primera vez algunas de las obras
de Shakespeare.
Shakespeare escribe con un poderío verbal único e inigualable a través del cual
despliega un éxito matizado y muy extenso. Sin embargo, el hecho de que no existan
episodios de la vida de Shakespeare detalladamente documentados ha dado pie a no
pocas conjeturas y dudas sobre la autoría de sus obras. Cuesta aceptar que un
hombre con poca formación pudiera haber escrito estas obras. Tuvo éxito enseguida
porque al ser un hombre del pueblo, conectaba con el pueblo y con los gustos del
pueblo. Incluye el elemento cómico que le gusta al pueblo, las dificultades y
situaciones que tienen que afrontar las personas (se identifican con algunos
personajes o con el contexto social). En El rey Lear hay un bufón que de alguna
manera introduce el elemento cómico, irónico, paródico que en un momento es capaz
de distender la tensión, el conflicto del momento. Incluía también temas que
preocupaban a las personas de todos los días. En esta obra, aparte de la división del
reino estaba la cuestión de la herencia desde un punto de vista de la probable división
del reino, pero también el conflicto de la propia herencia. Shakespeare sabe combinar
grandes cuestiones morales, filosóficas, con problemas que afectaban a todo el
mundo. Marlowe era el dramaturgo más famoso cuando Shakespeare llega a Londres.
Las obras duraban muy poco tiempo en “cartelera” porque la había que ir cambiando,
el público pedía cosas nuevas. Shakespeare comenzó como actor. Sabía lo que
funcionaba y lo que no. Había mucha rivalidad. Las tramas ya existían, pero lo que
hace Shakespeare es democratizar las obras que ya existían, populariza las tramas.
La originalidad en su momento era tomar las obras que ya existían y demostrar que él
podía hacerlas mejor. Lo que hace original a Shakespeare es la belleza de la forma, la
expresividad. También, el teatro de aquella época tenía una función pedagógica, de
enseñar al pueblo su propia historia. Shakespeare debía de tener relación con la Corte
o con la Corona. Era teatro isabelino y jacobino.

EL TEATRO INGLÉS

Tiene un espacio dramático peculiar, una temática propia y un modo de representar

también específico. El espacio dramático responde al ámbito en U, es decir, el público
rodea la escena por tres partes; podría incluso hablarse de ámbito en O si
interpretamos lo dibujos primeros del teatro con espectadores…

Artistas de taller (cada semana o dos semanas van cambiando porque la gente quería
cosas distintas).

No había decorado porque la importancia la tenía el teatro. No tenían vestuario, lo

encontraban en la calle, los criados de los grandes señores cuando estos morían y les
daba la ropa a ellos para las compañías teatrales… Se las apañaban con lo que
tenían.

Shakespeare (1564 – 1616) y Cervantes mueren el 23 de abril. Cervantes (1548) sí

que muere ese día (1616) pero se cree que Shakespeare no.

Viene a Valladolid una comitiva de 600 ingleses, y se cree que uno de ellos pudo ser
Shakespeare, a firmar un tratado de paz. Cervantes no sabe inglés y no conoce la
obra de Shakespeare, pero sí al contrario. Shakespeare sí conoce la obra de
Cervantes.

Se sabe muy poco de la vida de Shakespeare. Aprendió “poco latín y menos griego”,
según un coetáneo suyo. Con 18 años ya estaba actuando. No tenía estudios
universitarios.

Como había sido actor, tiene que memorizar las obras. Tiene una cultura muy
importante por haber memorizado tantos papeles.

La producción más importante: 14 comedias, 10 tragedias y 10 dramas históricos.

Sus obras son un compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma
humana. Su actividad como dramaturgo es la que le dio forma en la época.

Tragedias Comedias

El rey Lear El mercader de Venecia

Macbeth El sueño de una noche de verano

Julio César Los dos hidalgos de Verona

Hamlet Mucho ruido y pocas nueces

Romeo y Julieta Noche de reyes

A partir de 1600, publica las llamadas “comedias oscuras”.

Los grandes temas son tratados en las obras de este periodo con los acentos más
ambiciosos y, sin embargo, lo trágico surge siempre del detalle realista del penetrante
tratamiento psicológico del personaje, que induce al espectador a identificarse con el:
así Hamlet…

Hamlet refleja la incapacidad de actuar ante el dilema moral entre venganza y perdón;
Otelo, la crueldad gratuita de los celos; y Macbeth, la cruel tentación de poder.

EL REY LEAR

Mezcla muchos de los temas de otras tragedias. Mete polifonía, un concepto acuñado
por Bajtin. Hace hablar a los personajes de forma distinta según con quién estén, de
su estado de ánimo…

En sus últimas obras cambia de registro y entra en el género de tragicomedia, a

menudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación.
Shakespeare publicó en vida tan sólo 16 obras que se le atribuyen.

El ambiente en el teatro era complicado, pues Marlowe fue asesinado con una
cuchillada en el ojo en una taberna, y Kyd fue torturado y murió así mientras estuvo en
prisión por herejía.

Mezcla verso con prosa para dar entretenimiento. También incluye algún elemento
sorpresa. Como tenía forma de U el escenario, en una planta se representaba una
escena, y en otra planta la otra paralelamente.

Los libros eran muy muy muy caros. Comparables al último modelo de iPhone actual.

“Ningún otro escritor, antes o después de Shakespeare, ha logrado tan bien el casi
milagro de crear voces extremadamente diferentes, aunque coherentes consigo
mismas para sus ciento y pico personajes principales”, dice Harold Bloom.

Se regodeó en las pulsiones sexuales, amatorias y mortales de sus personajes, tríada

de intereses cuyo tratamiento le ha valido el título de inventor de lo “humano”, padre
de la palabra hecha carne y enunciador del conocimiento máximo o trágico.

La obra consta de cinco actos, mezcla verso y prosa, publicada en 1608 (primero con
el título La verdadera crónica de la vida y muerte del rey Lear y de sus tres hijas).

En la tragedia se desarrollan paralelamente dos acciones bastante parecidas en líneas

generales.
 ● La primera y principal consiste en la historia de Lear y de sus tres hijas.
● La segunda tiene por objeto los sucesos de Gloucester y de sus dos hijos.

(Lear es un rey mítico prerromano, del siglo VIII a.C.).

Lear es un hombre mayor (locura, vejez y con demencia senil) con demencia senil y
que nadie quiere hacerse cargo de él, un tema muy actual.

En ambas acciones hay un hijo traidor, un sufrimiento por parte de los padres. La
familia es un lugar donde tienen lugar las peores pesadillas. El matrimonio es una
farsa, y el gran personaje negativo de la obra, Edmundo, no alberga ningún tipo de
sentimiento. El rey loco y Gloucester tienen también hijos que les aman con
sinceridad; lo cual les sirve de escaso consuelo justo antes de morir. Y al final,
Edgardo queda como única esperanza de futuro.

ESTRUCTURA

Son 5 actos de 5, 2, 5, 6 y 3 escenas respectivamente.

Los discursos de los personajes están en pentámetros yámbicos de verso blanco, los
diálogos en prosa y las canciones y los parlamentos del bufón en trímetros o
tetrámetros. La acción se desarrolla en la céltica Britania, y no en Bretaña, como se
suele indicar erróneamente.

TEMAS

Ingratitud familiar, la vejez y la locura, la soledad del poder, contraposición de orden y

caos. La locura y la ceguera son dos de los motivos dominantes de la obra. La figura
del rey que abandona sus obligaciones representa la importancia del liderazgo político
para evitar la descomposición social. Si falla la cabeza, falla toda la estructura familiar.
Esta obra es una defensa de la monarquía.

ANÁLISIS DE LA OBRA

Se nos está diciendo la doble trama. Lenguaje retórico muy ensayado de las hermanas
al principio. Más avanzada la obra, el registro cambia y es más doméstico.

(Cuántas veces se pronuncia la palabra “nada”).

La vejez y pérdida de cordura del rey lleva a la nada, al caos. Ya está habiendo una
rotura social y familiar cuando dicen “nada”.

El lenguaje es el que marca el carácter de los personajes.

Segunda trama: empieza con una declaración de intereses.

El bufón:

Es una persona muy cercana al rey, espía, cotilla, que maneja muy bien la
información, nunca se confunde con un bobo, es muy listo. Aquí es el representante de
la voz del pueblo, al igual que el coro en la tragedia griega. El bufón podía tener
alguna discapacidad física (solían ser enanos). Se dedicaba a hacer reír al rey. Es el
único que le está diciendo al rey la verdad de frente (“poco juicio… primero que lo
piense”).

La vejez y la locura es una trama de identidad personal.

Edmundo:

La condición humana, echar la culpa a los astros. Edmundo se burla de la

interlocución anterior.

ANFITRIÓN DE MOLIÈRE
En el siglo XII hasta finales del XVIII, Francia era el modelo de la literatura para otros
países europeos. El idioma francés era la lengua de moda que hablaban los
intelectuales y la gente culta; el gusto por lo francés era la regla de la buena sociedad.

Ya en el siglo XVI, se formaron los grupos llamados “los cómicos de la lengua”, con
actores que representaban donde podían, en el cuarto grande de una posada o en una
granja.

La Francia de Luis XIV es Neoclasicismo puro, en el siglo XVII. Esa construcción del
palacio de Versalles. Francia invade la cultura europea, la razón, el siglo de las luces,
el conocimiento; y las clases altas de Europa van a hablar en francés. El género
esencial es el teatro.
El teatro francés era de masas sin apenas escenario, con una disposición cercana al
público que les permitiera escupirles, tirar cosas… muy alejado de la gran cultura.

Empiezan las grandes señoras a ir al teatro, colocan al pueblo en un lado y a la clase

noble en otro, y empieza a tener mayor nivel, hasta que en la época de Luis XIV se
crea un Consejo cultural donde se llevan las representaciones más importantes a
Versalles, y el teatro se convierte en la categoría de arte supremo. Cambia de registro,
lo eleva, y si temía éxito entre la clase alta, se presentaba al pueblo.

Hay un afán de observación de las normas y el rescate de la literatura grecolatina.

En Anfitrión, donde un tema latino, de Plauto, que a su vez recoge de la literatura

griega, la lleva ante el rey, y obtiene el visto bueno porque era una reformulación de lo
grecolatino. Lo que hacen en el siglo XVII en Francia es que la recogida de elementos
de la literatura grecolatina sirve para elevar el teatro y la cultura y también hacen ver la
situación de la Francia del siglo XVII.

Molière cuenta la aceptación de la poca moralidad de Luis XIV. El Anfitrión de Molière

habla de lo que estaba pasando en las alcobas de Versalles.

Al texto nuevo se le llama hipertexto. Al texto viejo, hipotexto.

Se trata de los siglos XVI, XVII y XVIII en Francia en el Clasicismo porque están
continuamente recuperando los modelos clásicos y hay relectura y reformulación. Luis
XIV era un rey considerado divino, y por eso se le relaciona con Júpiter.

Molière recoge el texto de Plauto y lo adapta a la nueva estética del Clasicismo. Los
espectadores ya conocían a Plauto.

Otro elemento es que era muy curioso que a Júpiter en la obra los actores le disfrazan
de Anfitrión, lo bajan al terreno de lo malo, y a situaciones muy humanas; los
espectadores se encontraban la representación de Luis XIV de esa manera. No
denuncia, sino muestra la monarquía de la época. Molière también recoge el tema del
doble (la duplicación, transformación).

En 1630 el teatro francés cambia al incorporarse la nobleza, empiezan a frecuentar en

el teatro. Se empiezan a representar obras adaptadas al gusto del público.

Cuando llega la doctrina clásica francesa, quieren mantener la regla de las tres
unidades (acción, tiempo y lugar) a rajatabla. Que haya una acción única, su inicio,
desarrollo y desenlace, aunque se desplieguen los criados (como en Anfitrión); la
unidad de tiempo implicaba que las representaciones empezaran a las 14:00h y
acabasen antes del anochecer, sobre las 17:00h. Cuando la nobleza viene, ponen
antorchas para que durase más… La unidad de tiempo tiene que ser de menos de 24
horas. Las obras duraban muy poco en cartel. Se buscaba verosimilitud. En cuanto a
la unidad de lugar, el teatro no permite desplazamiento y no había avances suficientes
que permitieran representar paisajes, etc. Normalmente es en la casa, habitaciones o
la puerta de la casa de algún noble. Es una regla de obligado cumplimiento, pero en
1609 en España se había producido un texto (El arte nuevo de hacer comedias de
Lope de Vega) y él no lo sigue.

Temas: adulterio

3 unidades y 3 actos

¿En qué se basa ese teatro? El teatro se basa en los siguientes principios:

✔ Seguir la naturaleza humana (idealización de la naturaleza (paisajes), pero más

aún de la humana).
✔ Aportar las reglas del decoro (cada uno habla como tiene que hablar).
✔ Verosimilitud en lo literario (tema pseudofantástico en Molière).
✔ Respeto por los clásicos griegos y latinos (no hay tema latino que no aparezca
en la literatura griega).
✔ Sentido por la disciplina, el orden y la regularidad.
✔ Buenas formas (cierto decoro estético).

• La razón:

o Fuerza de toda la mentalidad francesa.

o Determina y valora sus creaciones literarias.
o Significa el hallazgo de la seguridad intelectual y la puesta en evidencia de la
abandonada condición moral del hombre.

JEAN BAPTISTE

París, 1622 – París, 1673).

Estudia con los jesuitas. Estudia Derecho, pero desde pequeño ya se sintió fascinado
por el teatro. Pero era algo muy reprobable en una familia acomodada, muy mal visto.
Funda una compañía de teatro, fue actor (representaba al propio Sosias en Anfitrión).

Luis XIV (1638 – 1715), reinó durante 64 años. Versalles es un proyecto absolutista y
donde allí gobierna. Allí tenía lugar toda la actividad de gobierno, pero también
cultual).

Muere de un colapso en una representación, en escena.

Obras:

- La escuela de los maridos

- La escuela de las mujeres
- Tartufo
- El avaro
- El misántropo

Se denomina Clasicismo el momento histórico en que la cultura francesa alcanza un

alto grado de perfección que le convierte en el centro de las miradas de todas las
Cortes europeas. Se usaba el teatro para alfabetizar (doctrinar) a la sociedad.

Anfitrión emplea la regla de las tres unidades y la de los tres actos.

Tres actos (doctrina clásica teatro francés).

- Composición en verso.
- Unidad de tono.
- Verosimilitud.
- La bienséance (etiqueta), que debe entenderse como la regla del decoro que
exige el respeto de las buenas costumbres y usos establecidos.
- La doctrina estética clásica impone a la dramaturgia las tres unidades (acción,
tiempo y lugar).
- La intención de divertir recogiendo un modelo clásico.

Anfitrión se estrena en enero de 1668. Molière tiene habilidad para ser cómico, una
comedia en su día muy ligera que tiene una lectura más profunda que tiene que ver
con la situación de Versalles, la variedad de actos y formas, la creación de la mujer de
Sosias que no aparece en Plauto, y el lenguaje. Anfitrión y Sosias tienen un lenguaje
que sus dobles adoptan.

Esta obra viene de pasar la prohibición de Tartufo y El avaro.

El tema es el adulterio (en Plauto era explicar el nacimiento de Hércules). Molière usa
a Plauto y el tema del doble para crear el tema del adulterio.

Sería una tragicomedia. Habla de una situación femenina muy complicada.

EL ROMANTICISMO LITERARIO

Primero en Alemania, luego en Inglaterra. En ese momento en España estábamos con

la comedia del café.

A finales del siglo XVIII surgen unos escritores que van contra el orden establecido, no
dan prioridad a la razón ni a la formación, aunque eran gente muy formada y culta.
Exaltación absoluta del genio creativo, ninguna sujeción a las normas, y en la vida
tampoco.

Es el primer movimiento europeo. Todo lo anterior no se considera movimiento porque

tiene que haber un choque contra lo anterior, y el Romanticismo lo hace. Lo hacen con
una voluntad de rebelión, crean la imagen del poeta furioso. Encuentran muchos
escritores héroes de la Edad Media. Como les gusta mucho la fantasía, misterio,
historias de fantasmas… van a ir a esos castillos medievales legendarios.

Es el movimiento literario que dominó la literatura en Europa desde finales del siglo
XVIII hasta mediados del XIX.

Se caracteriza por su entrega a la imaginación y la objetividad, su libertad de

pensamiento y expresión y su idealización de la naturaleza. El término (hay una
sobrevaloración de la juventud) “romántico” se empleó por primera vez en Inglaterra en
el siglo XVII con el significado original de “semejante al romance”, con el fin de
denigrar los elementos fantásticos de la novela de caballerías muy en boga en la
época. Estos escritores románticos son jóvenes y reivindican la juventud.

El concepto de prerromanticismo se remonta a las primeras décadas del siglo XX,

cuando Paul van Tieghem usa el término para referirse a las tendencias de la segunda
mitad del siglo XVIII que se separan del gusto neoclásico y anuncian la irrupción del
Romanticismo.

En el florecimiento del prerromanticismo en Inglaterra desempeñó una función muy

importante con autores como Young, Gray, Richardson o McPherson.
En Alemania surge el Sturm und Drang (“tempestad e impulso”). Se les concedió a los
artistas la libertad de expresión a la subjetividad individual y, en particular, a los
extremos de evasión en contraposición a las limitaciones impuestas por el
racionalismo de la Ilustración y los movimientos asociados a la estética.

En Francia aparece en autores como Diderot, Rousseau…

En España: José Cadalso (Noches lúgubres y Cartas Marruecas); y en Portugal, José

Anastácio, Bocage, la Marquesa de Alorna…

El Romanticismo fue, pues, un estilo de vida cuyos rasgos más característicos son:

⮚ La imaginación y sensibilidad serán bandera frente a la razón y la

intelectualidad.
⮚ El ansia de libertad se manifiesta en contra de todas las formas impuestas que
coartan en el individuo la propia esencia de sí mismo.
⮚ El instinto y la pasión conducen al ser humano a un entusiasmo exagerado o a
un profundo pesimismo. En el caso de conducir al hombre al sentimiento
pesimista, provoca en el romántico la huida que se puede plasmar en dos vías
distintas: la de los viajes o la de los suicidios.

CARACTERÍSTICAS Y TEMAS

✔ Supervaloración del yo: cansado de la sujeción a la normativa neoclásica, el

hombre romántico necesita expresar sus propios sentimientos y emociones,
por lo que sus obras se llenan de subjetivismo y emotividad.
✔ Irracionalismo: se rechaza el racionalismo ilustrado del siglo anterior y se
valoran aspectos que son irracionales, como las pasiones, las emociones, la
fantasía, los sueños... Si para el individuo neoclásico la verdad era igual a la
belleza, para el romántico sólo la belleza es igual a la verdad.
✔ Rebeldía: Los románticos rompen con los moldes neoclásicos y reivindican la
libertad creadora del autor:
⮚ Mezclan la prosa con el verso.
⮚ Utilizan una versificación muy variada en poesía.
⮚ No respetan las tres unidades clásicas de lugar, tiempo y acción
en teatro.
⮚ Combinan lo cómico con lo dramático.
⮚ Sustituyen el didactismo por la imaginación y la sensibilidad.
 ✔ Nacionalismo: En contra de la uniformidad cultural defendida por el
racionalismo ilustrado, los románticos aprecian y exaltan los valores
nacionales, las tradiciones populares y el folclore de cada país, recuperan su
pasado y lo idealizan. En España, el nacionalismo contribuye a la recuperación
del gallego y el catalán en literatura.

TEMAS

o Amor: siempre trágico, y si acaba en suicidio, mejor. Puede ser porque uno de los
dos está casado, o porque muere por enfermedad, o es homosexual. El amor
imposible.
o Naturaleza: los paisajes son una proyección de sus sentimientos.
o Evasión: el autor romántico huye de su espacio y tiempo presente y se refugia en
uno lejano y remoto.
o Muerte: éste es un elemento que cobra mucho sentido en el Romanticismo, ya
que el héroe no duda en morir por conseguir hacer realidad sus deseos y
ambiciones: libertad, amor...
o Libertad: el afán de vivir sin normas que condicionen la conducta del individuo
ocasiona la aparición de historias protagonizadas por personajes que viven al
margen de la ley y de la sociedad (bandoleros, piratas...). Representan la libertad
anhelada por los escritores románticos.

CUENTOS DEL ROMANTICISMO

Ernest Theodor Amadeus Hoffman (1776 – 1822) fue escritor y compositor alemán que
estudió Derecho. Residió en Varsovia, donde vivió una época de intensa actividad
profesional y artística: creó una orquesta, organizó conciertos y se dedicó a la
composición.
Jacob Ludwig Karl Grimm (1785 – 1863) y Wilhelm Karl Grimm (1786 – 1859) eran dos
hermanos nacidos en Alemania, que tenían como profesión el estudio de la filología y
el folclore. Debido a ello, recorrieron su país y fueron hablando con los campesinos,
con las vendedoras de los mercados, con los leñadores… para aprender de ellos.

Hay mezcla de géneros. Se produce el germen de toda la literatura fantástica

posterior. Dan valor al inconsciente, al deseo de descubrir los límites más allá de la
razón… Hicieron una labor antropológica.

Andersen (1805 – 1875) es el más célebre de los escritores románticos daneses. Era
un hombre de origen humilde y formación autodidacta, en quien influyeron las lecturas
de Goethe, Schiller y Hoffman.

Partes del cuento: intro / tema / partes (estructura interna)

Hay tres partes. En la primera comienza el viaje; en la segunda trata se centra en la

sombra; la tercera parte es un cuento de princesa de toda la vida. Hay inicio, nudo y
desenlace (así hasta comienzos del siglo XX).

Guy de Maupassant escribió un cuento sobre la locura. Habla de la forma razonable y

tiene desarreglo mental, es un cuento experimental, se tienen en consideración las
enfermedades mentales.

FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY

Frankenstein es un enorme cuerpo formado por partes de cadáveres recientes
enterrados y traído a la vida mediante el poder de la electricidad. El científico Víctor
Frankenstein y su monstruo son personajes creados por Mary Shelley en su famosa
novela del siglo XIX.

La impactante novela sobre un científico loco y su creación fue escrita por una joven
de tan sólo 18 años. Víctor Frankenstein en la novela de Shelley es probablemente lo
que ella suponía que era el prototipo de un científico moderno que iba por las noches a
los cementerios para abrir tumbas y coger los miembros que necesitaba para su
proyecto.

El Frankenstein de Mary Shelley surgió en una época en que las cosas estabas
cambiando mucho y la gente no sabía lo que estaba pasando, pero sabía que se
avecinaban grandes cambios.

Frankenstein fue escrito en 1816, un momento en que se estaban realizando increíbles

descubrimientos científicos. Se estaba desarrollando la mecanización para la industria,
se había descubierto la electricidad, que se podía almacenar en enormes baterías y
usar en experimentos. En el siglo XIX, todo parecía posible.

Para una joven como Mary Shelley, que maduraba en esos incitantes tiempos, la vida
estaba llena de terrores sobre lo que el futuro podía deparar. Las historias de terror
como Frankenstein fueron una reacción a los repentinos avances de la ciencia y tal
vez una alerta sobre los científicos que llevaban sus experimentos demasiado lejos.

Casi 200 años después de que se escribiera, la imagen del monstruo de Frankenstein
es todavía igual de poderosa. En las versiones cinematográficas, el creador, Víctor
Frankenstein es a menudo retratado como un científico loco en una historia de ciencia
y tecnología fuera de control. El Frankenstein de Mary Shelley es una de las historias
de terror más populares porque es una obra de arte atemporal.

En 1816, Mary y un grupo de escritores estaban invitados en un lugar a orillas del lago
Ginebra. Fue allí, en un momento de grandes cambios cuando Shelley gestó la historia
de Frankenstein. El clima de la Tierra se había sumido en un caos tras una gran
erupción volcánica en Asia, vertiendo toneladas de polvo a la atmósfera. Oscureciendo
el Sol, ese polvo produjo un abrupto cambio climático con grandes tormentas y
oscuras nubes que cubrieron el cielo durante todo el año.

Mary Shelley, Percy Shelley y su hijo llegaron a las costas del lago Ginebra a finales
de mayo de 1816. Se unieron a Byron y a Polidori. Durante las tardes lluviosas de
junio, Byron propuso contar historias de fantasmas. En su manuscrito, Shelley revela
cómo surgió la idea de Frankenstein, describe cómo vio la imagen perturbadora al
despertar de un sueño.

Shelley se inspiró en los trabajos de científicos de los siglos XVIII y XIX, que ya
experimentaban con la electricidad para reanimar cuerpos muertos, doctores que
solían profanar tumbas para descubrir el secreto de la vida.
Víctor Frankenstein se mueve en torno a la electricidad, se trata de experimentar con
los cuerpos, pasaba parte de su tiempo hurgando en las tumbas, buscando las partes
y os órganos que necesitaba para crear a su monstruo. Frankenstein es la
representación literaria de la ciencia de aquel tiempo. Hay cuatro científicos que
podrían haber sido la inspiración de Shelley para crear la historia: Luigi Galvani, un
científico italiano fascinado con la electricidad estática y la luz; Giovanni Aldini,
financiero y sobrino de Galvani que llevó sus experimentos a un nivel acogedor;
Andrew Ure, un científico escoces cuyos experimentos espeluznantes conmocionaron
al público de la época; y Konrad Dippel, un científico alemán estrechamente
relacionado con la historia de Frankenstein. Todos estos nombres desarrollaron
experimentos sobre criaturas o cuerpos muertos, trabajaban con fuerzas que no
entendían, en un territorio peligroso entre la ciencia y lo sobrenatural. El más
importante fue Galvani. Cuando Shelley escribió su libro, era conocedora de su obra.
En el prólogo describe una conversación entre unos amigos en la que especulan que
un cadáver podría ser reanimado mediante el uso del galvanismo.

En el Halloween de 1831 se publicó la edición revisada de Frankenstein.

Hay que tener en cuenta las circunstancias de la obra: la época en que se escribe, la
forma en que se gesta, la autoría femenina (por eso es anónima). Es un mito conocido
por el cine. Hay un debate ético de los límites de la ciencia. No es una novela de terror
ni de crimen, y el cine rescata este mito. Es una novela gótica y hay una defensa del
buen salvaje.

FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO

Se escribe y se gesta en 1816 pero se publica en 1818. La escribe Mary Shelley a la

edad de 18-19 años, tiene una formación muy rara, pues desde pequeña ha visto en
su casa científicos, investigadores…

Las investigaciones con la electricidad también dentro del ámbito de la Medicina. A

Mary la obsesionó la posibilidad de resucitar a un humano.

Lectura en clave de rechazo al diferente. El monstruo es rechazado hasta por su

creador. Huye y entra en contacto con la naturaleza y el arte (teoría del buen salvaje),
vive sin condicionantes, con libertad (locus amoenus) …
Frankenstein es uno de los personajes mejor identificados en la opinión común y peor
reconocidos de toda la historia literaria. Desde luego, muy poca gente podría hoy
alcanzar su fábula de modo coherente y atribuir su historia a una joven de 19 años,
Mary Shelley.

Con Shelley, Percy, el joven poeta ya casado expulsado de Oxford, escapan juntos
hacia Europa en el verano de 1816, y se refugian en una casa que les había dejado
Byron. Byron propuso que cada uno de los cinco participantes redactara un relato de
terror para leerlo en común. De ahí sale Frankenstein, primera publicación anónima
porque antes no se podía ser mujer autora. La obra fue un poco pulida por Percy.

Se trata de una novela gótica. Las características de este género pasan por una
ambientación romántica: paisajes sombríos, bosques tenebrosos, ruinas medievales y
castillos con sus respectivos sótanos, pasadizos poblados de fantasmas… Personajes
fascinantes, extraños e insólitos, grandes peligros y a menudo cándidas muchachas
en apuros; los elementos sobrenaturales podían aparecer directamente o solamente
ser sugeridos. Estas ubicaciones y personajes, en tiempo y espacio, respondían a la
demanda de temas exóticos característica de la tendencia al medievalismo, el
exotismo y el orientalismo propia de la sensibilidad romántica.

ARGUMENTO

Pertenece al género epistolar (como el 90% de las novelas góticas). Ubicada en la

Europa del siglo XVIII y en plena efervescencia científica, el capitán de un barco
ballenero escribe a su hermana Margaret su encuentro con el físico Víctor
Frankenstein, quien en busca del secreto de la vida y sin medir las consecuencias que
esto le traerá, crea un nuevo ser con partes de otros seres humanos. El resultado es
monstruoso y a partir de aquí se inicia una confrontación llevada hasta su extremo, un
cuestionamiento filosófico y moral del hombre contra su creador que verá su fin hasta
la trágica muerte de ambos.

ESTRUCTURA

De este libro se podría decir que la narración es un ligeramente complicada. Cada

personaje tiene su “turno” y todos tienen mucho que contar, utilizando siempre la
primera persona.
El personaje introductorio es Walton, al comenzar enviando cartas a su hermana que
cuando ya no pueden ser enviadas se convierten en un diario. Aquí escribe la historia
de Víctor tal y como él la expone, por lo que éste se convierte en narrador en primera
persona. En el relato de Víctor encontramos a la criatura, que durante varios capítulos
se convierte en narrador en primera persona para contarnos su crónica. Tras esto el
peso de la trama vuelve a Víctor y finalmente, a Walton. Es un círculo cerrado, una
historia dentro de una historia, dentro de una historia.

Debido a esto y al vocabulario, que puede resultar complicado debido a su elevado

elemento poético y sentimental, la lectura puede resultar costosa e incluso difícil. Sin
embargo, el lector se ve tan enfrascado en la historia que con un mínimo de
concentración logra disfrutar de la narración, de su lírica y de la magia que transmite.

Son tres narradores siguiendo la técnica de las “cajas chinas”:

● Relato de Robert Walton (de forma epistolar, a través de cartas que le envía a
su hermana desde Rusia. La hermana está en Inglaterra).
● Dentro el de Frankenstein y éste, a su vez, contiene el
● Relato de la Criatura.

Cada narrador habla distinto, y el monstruo es el que mejor habla.

El título completo es: Frankenstein o el moderno Prometeo

Prometeo fue quien robó el fuego a los dioses para entregárselo a los hombres
después de que éstos hubieran sido castigados por aquellos a carecer del mismo. Por
ello, el subtítulo dado a esta genial y apasionante novela de la británica Mary Shelley
es bastante acertado. Sí, Víctor Frankenstein es una nueva versión del clásico
Prometeo de la mitología griega. Pero no fue el fuego lo que robó el protagonista de la
historia, sino el secreto de la vida. Penetrando en los insondables misterios de la
naturaleza descubrió el origen de la existencia con el fin de entregarle su secreto a los
humanos. El desenlace de la novela guarda asimismo un cierto paralelismo con el
prometeico mito: de modo similar a como las acciones del griego fueron penadas con
el encadenamiento en la cima del Cáucaso y posteriormente con el martirio que debía
suponer el que un águila devora su hígado, que volvería nuevamente a crecer, el
Doctor Frankenstein será castigado a arrastrar consigo durante el resto de sus días el
dolor de la desgracia que se cierne sobre su cabeza, un martirio interminable que sólo
hallará alivio con la muerte.

PERSONAJES

- Víctor Frankenstein: Es el hijo mayor del matrimonio entre Alphonse Frankenstein y

Caroline Beaufort, es un personaje, está obsesionado desde muy joven por la
búsqueda de la piedra filosofal y el elixir de la vida, "... ¡qué gloria conseguiría si
lograba desterrar la enfermedad del cuerpo humano, y volver al hombre invulnerable a
todo salvo a la muerte violenta! “Por lo que, experimentando para alcanzar su objetivo,
dio vida a una criatura monstruosa a la que abandona a su suerte.

- Caroline Beaufort: Es la madre de Víctor, tiene una débil salud debido a carencias
sufridas en el pasado. Mujer mucho más joven que su esposo y muere de Escarlatina.

- Alphonse Frankenstein: Padre de Víctor, hombre distinguido en la Sociedad, que

ayuda a un amigo en desgracia y a la muerte de este se casa con su hija, Caroline
Beaufot. Y muere al saber la noticia de la muerte de su querida Elizabeth.

- Elizabeth Lavenza: De muy pequeña fue adoptada por la familia Frankenstein

cuando la encontraron con unos campesinos que la criaban y sus padres de origen
noble ya no existían (la madre era alemana y había muerto en el parto, el padre
desapareció y no se sabía si estaba muerto o preso), se crio junto con Víctor como
una hermana. Al crecer se convierte en una joven más bella, inteligente, sensible, pura
y vivaz. Se casa con Víctor después de la muerte de Clerval, y muere la noche de
bodas asesinada por el monstruo (Víctor aún no había cumplido su promesa).

- Henry Clerval: Es el mejor amigo de Víctor y Elizabeth desde la infancia, tiene un

carácter noble, generoso, solícito, tierno. Finalmente muere asesinado por el
monstruo, porque Víctor no ha cumplido la promesa a la mujer.
- Señor Waldman: Profesor de química, aparentaba unos 50 años, tenía un
semblante benévolo, con cabellos grises en las sienes, contrastando con el resto casi
negro. De estatura baja, de una voz dulce. En su trato es amable y refinado.

- Monstruo: Es el fruto de los experimentos de Víctor Frankenstein. Le dio vida en

medio de una tormenta en el mes de noviembre. Fue armando todos sus miembros
con las partes de diversos cadáveres. Por qué tenía la siguiente apariencia: "... Su piel
amarillenta apenas cubría la obra de sus músculos y arterias que quedaban debajo, el
cabello era negro, suelto y abundante; los dientes tenían la blancura de la perla, pero
estos detalles no hacían más que contrastar espantosamente con unos ojos acuosos
que parecían del mismo color blancuzco que la cuenca que los alojaban, una piel
apergaminada, y uno labios casi negros..."Razón provocó en Víctor Frankenstein
horror y repugnancia; y lo abandona a su suerte. Este personaje demostró una
inteligencia espectacular en sus capacidades mentales, y culpa a Víctor de su
infelicidad. Un ejemplo lo es la siguiente frase: "Yo era afectuoso y bueno, y la
desdicha me ha convertido en ruin. Haz que sea feliz y seré de nuevo virtuoso.
“Pidiéndole a su creador una compañera, una mujer.

- Ernest: Uno de los hermanos de Víctor, fue el que le comunicó la muerte de William
cuando este llega a la casa de la familia en Ginebra luego de seis años de ausencia.

- William: El hermano menor de los Frankenstein, es el niño que muere asesinado por
el monstruo, pero esto sólo lo sabe Víctor y calla, por lo que Justine es acusada
injustamente por la muerte del menor.

- Justine Moritz: Joven dulce y afectuosa con la familia Frankenstein, fue acusada
injustamente de la muerte de William, el niño de la familia. Por una evidencia que el
monstruo coloca entre sus ropas, un medallón con la imagen de Caroline Beaufort,
que pertenecía a la víctima. Por lo que es enjuiciada y muerta en cadalso.

TEMA

La soledad, el rechazo a lo diferente físicamente. En la novela, Víctor Frankenstein se

cree capacitado por crear un ser humano y en un gesto romántico por excelencia lleva
a cabo esta doble rebelión (teológica y científica), y su castigo, al igual que el del
mítico Prometeo griego, es implacable. Igual de trágico es el destino de la criatura que
surge de este experimento científico desmesurado. “Nací bueno, pero los sufrimientos
han hecho de mí lo que soy: un enemigo”, se lamenta el engendro ante su creador.
Detrás de estas palabras, es posible percibir los ecos del pensamiento social de Jean
Jacques Rousseau, el filósofo iluminista y revolucionario, quien en una de sus obras
sostuvo que el ser humano es bueno por naturaleza y que, si adopta la maldad, se
debe a la falta de una educación o a la acción negativa de su entorno social. Esta
teoría, conocida como la del "buen salvaje", seguramente le llegó a la autora por sus
padres, y ella supo hacer ficción de ella en la novela.

ESTRUCTURA

Esta edición está impresa en 220 páginas y su estructura cuenta con una introducción
de la autora, cuatro cartas, 24 capítulos y una narración hecha por Walton.

⮚ Introducción de la autora: Cuenta cómo surgió el relato de Frankenstein.

⮚ Las cuatro cartas: Son cartas escritas por Robert Walton a su hermana
Margaret Saville sobre sus andadas en el polo norte. Y en su tercera carta
narra su encuentro con Víctor Frankenstein, quien a su vez le va a contar como
había llegado tan lejos desde Europa.
⮚ Los 24 capítulos: Narran los acontecimientos de la historia hasta la huida de
Víctor Frankenstein hacia el polo norte perseguido por el monstruo.
⮚ Narración de Walton: Es el final de la historia, con la muerte de Víctor
Frankenstein y el encuentro de Walton con el monstruo, en la noche dentro del
camarote en que se hallaba el cadáver de su creador. Y finalmente su
desaparición, su muerte.

CONCLUSION

Según las valoraciones que aparecen en la contraportada de esta edición

"Frankenstein" es una obra apretada de pensamiento, entrecruzada de ideas, cargada
de vivencias y contradicciones personales que parecen flotar en ambivalencias, pero
en un fiel reflejo de lo que la autora debía ser cuando la escribió.

Es cierto que adolece de los fallos propios de la juventud: la capacidad intelectual del
monstruo es espectacular, las coincidencias favorables para él son excesivas, la
historia de los De Lacey resulta demasiado extensa, y el frágil dominio del lenguaje de
la autora se demuestra constantemente en las múltiples ocasiones en que Víctor "no
puede escribir sus emociones" o "no puede narrar los horrores". Cierto es también que
los motivos o la causas quedan generalmente sin explicación, pues en los mementos
cruciales Víctor se desmaya o se duerme.

EL MITO DE FRANKENSTEIN

Del griego mythos (“cuento”), un mito refiere a un relato de hechos maravillosos cuyos
protagonistas son personajes sobrenaturales (dioses, monstruos) o extraordinarios
(héroes). Tienen la función de otorgar un respaldo narrativo a las creencias centrales
de una comunidad.

El mito es un relato tradicional que refiere la actuación memorable y ejemplar de unos

personajes extraordinarios en un tiempo prestigioso y lejano, según Carlos García
Gual. Cuenta una historia sagrada, relata un acontecimiento que ha tenido ligar en el
tiempo primordial, según completa M. Eliade.

El lenguaje es muy del Romanticismo en Frankenstein.

Siempre en primera persona, autodiagénesis, punto de vista interno y muy separados

estos dos (autodiagénesis y punto de vista interno).

- “El ser humano perfecto…”: que el ser humano tiene que ser equilibrado, tiene que
haber mesura… la valoración de lo que tienes cerca… defensa del equilibrio…

- “¡Ay! Ningún mortal…”: la valoración del exterior.

- “Esperaba este recibimiento…”: recuerda a la historia de Job.