FORMACIÓN PROFESIONAL BÁSICA
COMUNICACIÓN Y SOCIEDAD I
12.10 HISTORIA DEL ARTE: ROCOCÓ, NEOCLASICISMO Y ROMANTICISMO
CONTENIDOS SOCIEDAD
10.1. ROCOCÓ
El barroco tardío (siglo XVIII) se
llama rococó y tiene algunas
peculiaridades, aunque las
principales características del
barroco están presentes en esta
etapa. En el rococó existe la
presencia de curvas y muchos
detalles decorativos (conchas,
flores, hojas, ramas). Los temas
relacionados con la mitología
romana y griega, así como los
hábitos de los tribunales también
aparecen con frecuencia.
Durante el reinado de Luis XV, la
vida de la corte se desarrolla en el
palacio de Versalles, extendiendo
el cambio artístico del palacio real
y permitiendo su difusión a toda la
alta sociedad francesa. La
delicadeza y la alegría de los
motivos rococó han sido vistos a
menudo como una reacción a los
excesos del régimen de Luis XIV.
Si lo Barroco estaba al servicio del
El columpio, obra de Fragonard
poder absolutista, el Rococó está al
servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más libertad y se
expande el mercado del arte. El Rococó se presenta como un arte al servicio de la
comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de
vida.
Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se
convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura, política, juegos de
ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social dentro de la alta burguesía es
el lugar adecuado para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del
Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de
preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.
En el desarrollo y extensión del nuevo estilo dentro de la sociedad francesa, jugó un papel
clave la influencia de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del
rey. Su interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François
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Boucher o Quentin de La Tour, se
transmitió a las clases acomodadas de
París. La década de 1730 fue el periodo
de mayor vitalidad y desarrollo del
Rococó en Francia. El estilo se inició en
la arquitectura y llegó al mobiliario, la
escultura y la pintura (entre los trabajos
más significativos, encontramos los de los
artistas Jean-Antoine Watteau y
François Boucher). El estilo rococó se
difunde sobre todo gracias a los artistas
franceses y a las publicaciones de la
época.
Fue rápidamente acogido en la zona
La basílica de Ottobeuren (Baviera)
católica de Alemania, Bohemia y Austria,
donde se fusiona con el Barroco germánico. En particular al sur, el Rococó germánico fue
aplicado con entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo
adornan los interiores con «nubes» de estuco blanco.
En Italia, el estilo tardobarroco de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona
hacia el Rococó en Turín, Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras que el arte en la Toscana y
en Roma se mantiene todavía fuertemente ligado al Barroco, pero con sus características
básicas muy marcadas.
En Inglaterra, el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los
arquitectos ingleses no seguirían el ejemplo de
sus colegas continentales, a pesar de que la
platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron
fuertemente influenciadas por el Rococó.
Thomas Chippendale transformó el diseño del
mobiliario inglés mediante el estudio y la
adaptación del nuevo estilo. William Hogarth
contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del
Rococó; sin referirse intencionadamente al
nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisis de la
belleza (1753) que la curva en S presente en el
Rococó era la base de la belleza y de la gracia
presente en el arte y en la naturaleza.
El fin del Rococó se inicia en torno a 1760,
cuando personajes como Voltaire y Jacques-
François Blondel extienden la crítica sobre la
superficialidad y la degeneración del arte.
Blondel, en particular, se lamentó de la
«increíble mezcla de conchas, dragones, cañas,
palmas y plantas» del arte contemporáneo. En
1780 el Rococó deja de estar de moda en Francia Madame de Pompadour, en un retrato por François
Boucher, (1756).
y es reemplazado por el orden y la seriedad del
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estilo neoclásico impulsado por Jacques-Louis David.
El Rococó se mantuvo popular fuera de las grandes capitales y en Italia hasta la segunda
fase del Neoclásico, cuando el llamado estilo Imperio se impone gracias al impulso del
gobierno napoleónico.
Un renovado interés por el Rococó aparece entre 1820 y 1870. Inglaterra es la primera en
revalorar el estilo Luis XIV, que es como se denominaba erróneamente al comienzo. Con
esta moda, se llegaron a pagar cifras importantes por objetos rococó de segunda mano
que se podían encontrar en París. En Francia, sólo artistas importantes como Delacroix y
mecenas como la emperatriz Eugenia dan valor nuevamente al estilo.
Arquitectura:
Una de las características del
estilo rococó será la marca de
diferencia entre exteriores e
interiores. El interior será un
lugar de fantasía y colorido,
mientras la fachada se
caracterizará por la sencillez y la
simplicidad. Se abandonan los
órdenes clásicos, y las fachadas
de los edificios se distinguirán por
ser lisas, teniendo, como mucho,
unas molduras para separar
plantas o enmarcar puertas y
ventanas. La forma dominante en
las edificaciones rococó era la
circular. Un pabellón central,
Palacio Solitude (Stuttgart), un exponente de la arquitectura rococó en la generalmente entre dos alas bajas
Alemania meridional.
y curvas y, siempre que era
posible, rodeado de un jardín o inmerso en un parque natural. Otras edificaciones podían
tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio «bloque», propio
de la etapa anterior.
En este momento la ventana aumenta
progresivamente de medida, hasta la
puertaventana o «ventana francesa»,
obteniendo una interrelación entre interior y
exterior que consigue la ideal fusión con la
naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se
descartan los marcos en ángulo recto,
demasiado rígidos, y se adoptan ventanas
arqueadas. Se elimina o reduce el uso de
esculturas monumentales, limitándolas a la
ornamentación de los jardines.
En cualquier caso, el aspecto más destacable Mesa de la factoría de Sèvres de Martin Carlin. 1772.
de los interiores rococós es la distribución
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interna. Los edificios tienen estancias especializadas para cada función y una distribución
muy cómoda. Las habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada
funcionalidad, combina ornamentación, colores y mobiliario.
Palacio de Sanssouci, Potsdam.
Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas tuvieron muy poco reflejo en
las construcciones oficiales, fueran laicas o eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue
perfecto para las residencias de la nobleza y la alta burguesía, las clases más ansiosas de
cambiar según los nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos para
conseguirlo.
En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con mucha fuerza y supera las
fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia, la capacidad de adecuar el estilo a
construcciones religiosas que consiguió el
Rococó alemán. Entre los autores de las obras
más destacadas encontramos a artistas
franceses y alemanes como François de
Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann y Georg
Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron
la preparación de Amalienburg cerca de
Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci
en Potsdam, Charlottenburg en Berlín, los
Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl,
Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y
Schönbrunn en Viena.
Escultura:
La escultura es otra área en la cual
intervinieron los artistas del rococó. Étienne-
Maurice Falconet (1716–1791) es considerado
uno de los mejores representantes del Rococó
francés. En general, este estilo fue expresado
mejor mediante la delicada escultura de
porcelana, más que con estatuas marmóreas e
Cupido de Edmé Bouchardon (1750).
imponentes. El mismo Falconet era director de
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una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son
representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.
El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con el
garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El semidiós es transformado
en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean el
corazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el estuco. En este periodo
podemos mencionar a los escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le
Lorrain, Michel Clodion y Pigalle.
Pintura:
A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las artes decorativas, el estilo
mostró su influencia también en la pintura, llegando a su máximo esplendor en la década
de 1730. Esta pintura debe llamarse propiamente como Pintura Galante y no como Pintura
Rococó, pues este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los
pintores usaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con
querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo
recogían comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y
cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas,
dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.
El retrato también fue
popular entre los pintores
rococós, en el que los
personajes son
representados con mucha
elegancia, basada en la
artificialidad de la vida de
palacio y de los ambientes
cortesanos, reflejando una
imagen amable de la
sociedad en
transformación.
Jean-Antoine Watteau
(1684–1721) es considerado
el más importante pintor
Peregrinación a Cythera de Jean-Antoine Watteau (1721).
rococó, creador de un
nuevo género pictórico: las «fêtes galantes» (fiestas galantes), con escenas impregnadas
con un erotismo lírico. Watteau, a pesar de morir a los 35 años, tuvo una gran influencia
en sus sucesores, incluidos François Boucher (1703–1770) y Jean-Honoré Fragonard
(1732–1806), dos maestros del periodo tardío. También el toque delicado y la sensibilidad
de Thomas Gainsborough (1727–1788) reflejan el espíritu rococó.
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10.2. NEOCLASICISMO
Su nacimiento se gestó en dos centros
principalmente: París y Roma.
Su cuerpo teórico estuvo contenido en la
Enciclopedia francesa de Diderot, orientando
el arte en sentido racional, rechazando la
superficialidad del Rococó y el ilusionismo del
Barroco.
Agregó a la pintura un valor didáctico y
moralizante, considerando imprescindible el
conocimiento científico de las fuentes clásicas.
Buscan resucitar los modelos del Arte Antiguo,
porque veían en ellos encarnadas la virtud y
así lograr la perfección del mundo.
Este nuevo estilo fue llamado “verdadero
estilo”.
El término “neoclásico”, no se empleó desde el
Magdalena penitente, obra de Antonio Canova (1794-1796) principio, sino que se les aplicó más tarde de
forma despectiva, porque se consideró a esta
corriente carente de originalidad.
Las obras neoclásicas llevan una fuerte carga racionalista producto de la ilustración, es
decir, que predomina lo que se puede entender y rechazan todo aquello que venga
impuesto por la fe o la tradición.
Promueven, fomentan y prevalecen los temas que
manifiesten las ideas liberales de la época como
la igualdad, la fraternidad, la libertad.
Roma (la ciudad eterna) fue la cuna donde se
reunieron la mayor parte de los artistas, intelectuales y
teóricos neoclásicos para asentar las bases de este
nuevo estilo y difundirlo por toda Europa. Entre ellos
están: el bohemio alemán Antonio Rafael Mengs, la
suiza Angélica Kauffmann, el italiano Pompeo Batoni,
el frances Joseph Marie Vien, el escocés Gavin
Hamilton y el americano Benjamín West.
Su principal generador teórico fue Winckelmann quién
proponía una vuelta total a la Antigüedad, buscando
asociar los modelos estéticos, morales y políticas en
todas las manifestaciones artísticas. También
Johann Joachim Winckelmann, a menudo
determino como modelo adecuado para el “nuevo llamado "el padre de la arqueología".
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estilo” el arte griego definiéndolo como un arte de “noble sencillez y una serena
grandeza”.
La expresión plástica de Winckelmann, es decir, el artista que mejor plasmo las ideas de
éste teórico fue Antonio Rafael Mengs.
Una de las obras más representativas del Neoclasicismo es la pintura mural de “El
Parnaso”, realizado en 1790 para la villa romana del cardenal Albani, pintada por Antonio
Rafael Mengs.
En las épocas más avanzadas del
neoclasicismo destaca el francés
Jaques-Louis David (1748 - 1825)
quien utiliza el “Nuevo estilo”
como arma ideológica contra el
barroco, así como expresión de su
ideales revolucionarios (ideas de la
ilustración). Sus principales obras
son “El juramento de los
Horacios”, “Andrómana llorando la
muerte de Héctor”, “Belisario
pidiendo limosna” y “La muerte de
Sócrates”.
Después de David destaca su
El juramento de los Horacios, obra de Jacques-Louis David.
discípulo J. Aguste Ingres quien
llega a rozar la frontera con el
romanticismo. Sus principales obras son: La gran bañista, La gran odalisca y Napoleón en
su trono imperial.
Arquitectura:
Proliferan las construcciones que mejoran
la vida humana como hospitales,
bibliotecas, museos, teatros, parques
etc., todos pensados en carácter
monumental. Se buscan modelos
arquitectónicos de validez universal
principalmente imitando los modelos
clásicos (romanos y griegos).
Buscan más la funcionalidad que el ornato
o decoración; buscan que los elementos
decorativos tengan también una función Puerta de Brandeburgo. Berlin.
esencialmente práctica (evitan los
adornos excesivos e inútiles), en definitiva se busca una arquitectura con lógica.
Sus modelos son Grecia, Roma, tiene gran relevancia el descubrimiento de las ruinas de
Pompeya y Herculano. También toman de modelo las construcciones de Egipto y Asia
Menor.
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Sus representantes son: el francés Marc-Antoine Laugier, el italiano Francesco Milicia, el
alemán Carl Gotthard Langhans que se basas en los propileos de Atenas para configurar
su Puerta de Brandenburg en Berlin.
Otro ejemplo es la entrada del
Downing Collage de Cambridge
(1806) del inglés William
Wilkins. La Iglesia de la Gran
Madre de Dio en Turín y San
Francesco de Paola en Nápoles
(copian el Panteón de Roma,
reproduciendo el pórtico
octástilo y el volumen
cilíndrico).
Las esculturas neoclásicas se
realizaban en la mayoría de los
casos en mármol blanco, sin
ninguna policromía, porque así
eran los modelos de esculturas
Fachada de la catedral de Pamplona (Navarra) antiguas que se conocían. En
ellas destaca la sencillez y la
serena belleza que Winckelmann había encontrado en todas las esculturas griega.
Escultura:
En este mismo sentido se desarrollaron las teorías de
Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781) que en su libro
Laocoonte (1766) había tratado de fijar una ley estética
con carácter universal que pudiera guiar a los artistas
en su producción; sus concepciones sobre la moderación
en las expresiones y en el plasmado de los
sentimientos fueron de sus principales reglas para el
modelo neoclásico.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos
del XIX, crearán obras en la que prevalecerá una
sencillez y una pureza de líneas que los apartará del
gusto curvilíneo del Barroco.
En todos ellos el desnudo tiene una notable importancia
ya que se busca rodear las obras de una cierta
intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los
temas tomados de la mitología clásica y las alegorías
Jasón, obra de Bertel Thorvaldsen
sobre
las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los
monumentos, como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
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El retrato también ocupó un importante lugar en la
escultura neoclásica, dandole mayor relieve a la
producción de bustos; Antonio (1757-1822)
representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a
su hermana Paulina Bonaparte como Venus Victrix
(1807, Roma) tomando así los modelos de los dioses
clásicos.
Muchos escultores prefirieron un retrato idealizado
pero al tiempo realista que captara el sentimiento
del retratado, como Jean-Antoine Houdon (1741-
1828) con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage)
o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806,
Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-
1813).
Psique reanimada por el beso del amor de Antonio
Canova.
Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen
(1770-1844) resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica. Mientras Canova
llega al clasicismo desde una formación barroca y configura un estilo de gran sencillez
racional; el danés Thorvaldsen siguió más directamente las teorías de Winckelmann hasta
conseguir un estilo voluntariamente distante y frío que copia fuertemente las esculturas
griegas.
La pintura neoclásica:
Como las demás artes, en la pintura también se busca una
mayor sobriedad en la forma y en los fondos, tratando de
volver a los ideales clásicos (sencillez y armonía).
El principal problema al que se enfrentan los pintores
neoclásicos es que no tienen demasiados modelos clásicos ya
que no se conservan pinturas de esa época por lo que toman
las obras escultóricas como fuente de inspiración.
Predomina la forma o el dibujo sobre el color, se llega a decir
que algunas de las obras de pintura neoclásica son
“monocromas”. El resultado total es que la pintura además de
de ser sencilla y sobria también se presenta fría.
El apogeo de este tipo de pintura se da sobre todo en la
época de la Revolución Francesa y su más grande
representante es Jacques-Louis David y con él, Francia se
La fuente, obra de Jean Auguste
convierte en la cuna de la pintura neoclásica. Dominique Ingres
Los pintores buscan exaltar los héroes nacionales (especialmente Napoléon) y los valores
patrios; también con un lenguaje plástico heroico (es decir, con formas y temas
revolucionarios) tratan de plasmar los ideales liberales (republicanos), de ahí que se
esfuercen por representar leyendas de honor, valor, valentía y libertad.
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10.3. ROMANTICISMO
El caminante sobre el mar de nubes (1818), obra de Caspar David Friedrich.
El romanticismo fue un movimiento cultural y político que nace en Alemania y Reino
Unido como reacción al racionalismo producido por las ideas de la ilustración y el
clasicismo, exaltando sobremanera el sentimiento.
Durante el siglo XVIII la mayor parte de las obras artísticas importantes se polarizan a la
Arquitectura, ya que son éstas las más adecuadas a los fines del barroco. Sin embargo, a
finales del siglo surgen en Inglaterra un grupo nutrido de pintores que hacen resurgir la
fama británica en este aspecto.
La pintura romántica inglesa tiene las siguientes características que lo diferencian de los
demás: se limita a los retratos sencillos, realistas y paisajes exteriores (naturaleza) o
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eventos costumbristas, en ellos se busca destacar la figura del individuo. Del nutrido
grupo de artistas ingleses destacan: Joshua Reynolds y John Rusell entre otros.
En Alemania los autores románticos no se distinguen de los neoclásicos, destacando en
esta época Mengs y David Friedrich.
El culmen de este periodo artístico se da con la formación de varios grupos de artistas que
buscan la exaltación de lo espiritual y religioso como sentimiento gobernante, de ello
destacan dos grupos:
La “Hermandad de los nazarenos” (idearon un modo de vida a la usanza de la
Edad Media recuperando sus valores tradicionales y religión) destaca Overbeck,
Pforr, Carosfeld y Cornelius.
Los “Prerrafaelitas” ya que buscaban inspirarse en la pintura del autor italiano
Rafael (s XIV y s XV), ellos no solo buscaban la renovación de la pintura, al igual
que los románticos, sino también la elevación de esta a un modo de culto a la
belleza y a la armonía. Sus principales pintores son: Millais, Hunt y Rosetti.
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