TEMARIO | PROGRAMA 12 SEMANAS DE FORMACIÓN ARTÍSTICA | KMVSIC
LENGUAJE MUSICAL / IMPROVISACIÓN | Desde las emociones
1.-Introducción al lenguaje do,re,mi, y la escala cromática
2.-Intervalos desde las emociones
3.-Fórmulas de construcción, Escala Pentatónica, las vocales del idioma
4.-Consonancias extras, energías y emociones que da la escala cromática
5.-Interválica desde las emociones aplicada en la improvisación
6.-Energías de la escala cromática durante la improvisación
ARMONÍA | Desde las emociones
1.- Construcción de acordes 3 y 4 notas
2.- Inversiones de los acordes
3.- Grados Armonicos desde las emociones
4.- Modos desde las emociones
5.- Introducción a la modulación tonal y modal
6.- Sistemas armónicos no funcionales
MELODÍA | Desde las emociones
1.-Melodía funcional, energías de la escala cromática
2.-Estructura de la melodía
3.-El Contorno melódico
4.-Melodía por grados conjuntos
5.-Melodía por salto de intervalos
6.-Compensación de saltos y melodía concentrada
7.-Polifonía y arreglo
8.-Notas de paso y cromatismos
9.-Articulaciones (Trémolo, trino, apoyatura)
10.- Superdesarrollo y minimización de la melodía
TECNICA | Guitarra Electrica
1.- Partes de la guitarra y Postura
2.- Uso de Diagramas, cifrados y Nomenclatura
3.- Digitación de escalas y ejercicios de lenguaje musical (Intervalos)
4.- Ejercicios desarrollo de técnica, articulación, ritmo y velocidad
5.- Accesorios y técnicas extras (dedal, whammy bar, pedales, floyd rose)
6.- Técnicas avanzadas (Tapping a 2 manos, puntéo híbrido, Slap, Interpretación de la armonía con sweep picking)
7.- Conversión de solos y melodías con técnicas vanguardistas
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Profesor: Kevin Baltazar
| Sesión 1
Introducción al do,re,mi, y la escala cromática.
Partes de la guitarra, explicación del diapasón y postura.
Uso de Diagramas, cifrados y Nomenclatura.
Intervalos desde las emociones.
| Sesión 2
Fórmulas de construcción, Escala Pentatónica, las vocales del idioma.
Melodía funcional, energías de la escala cromática
Digitación de escalas, ritmos básicos y ejercicios de lenguaje musical
| Sesión 3
Construcción de acordes 3 y 4 notas
Estructura de la melodía sobre Backing track blues.
Consonancias extras, energías y emociones que da la escala cromática
Ejercicios desarrollo de técnica, articulación, ritmo y velocidad
| Sesión 4
Inversiones de los acordé,diagramas y usos
El Contorno melódico
Melodía por grados conjuntos
Improvisación con backing track blues de ritmos y contornos melódicos básicos
| Sesión 5
Armonización de la escala y grados armónicos desde las emociones
Entrenamiento Auditivo: Dictado de intervalos y grados armónicos
Melodía por salto de intervalos
Improvisación con Multiscale de ritmos saltos de intervalos
| Sesión 6
Entrenamiento auditivo: Fórmulas armónicas de música popular
Digitación de escalas y ejercicios de lenguaje musical (Intervalos)
Interválica desde las emociones aplicada en la improvisación
Energías de la escala cromática durante la improvisación
| Sesión 7
Modos desde las emociones: Modos Mayores
Compensación de saltos y melodía concentrada
Ejercicios desarrollo de técnica, articulación y velocidad
Improvisación con modos mayores
| Sesión 8
Modos desde las emociones: Modos Menores
Polifonía y arreglo
Ejercicios desarrollo de técnica, articulación y velocidad
Entrenamiento Auditivo: Dictado de intervalos y grados armónicos
Improvisacion con modos Menores
| Sesión 9
Introducción a la modulación tonal y modal
Articulaciones en la melodía (trémolo, trino, apoyatura)
Técnicas avanzadas (Tapping a 2 manos, punteo híbrido, Slap, Interpretación de la armonía con sweep picking)
Energías de la escala cromática durante la improvisación
| Sesión 10
Escalas exóticas, notas de paso y cromatismos.
Accesorios y técnicas extras (dedal, whammy bar, pedales, floyd rose)
Entrenamiento Auditivo: Dictado de intervalos y grados armónicos
Improvisación con todos los modos, notas de paso y cromatismos en Multiscale
| Sesión 11
Sistemas armónicos no funcionales. Grado mediante.
Técnicas avanzadas (Tapping a 2 manos, punteo híbrido, Slap, Interpretación de la armonía con sweep picking)
Superdesarrollo y minimización de la melodía
Improvisación de todas las escalas en Backing track Multitonal
| Sesión 12
Sistemas armónicos no funcionales. Funciones geométricas.
Técnicas avanzadas (Tapping a 2 manos, puntéo híbrido, Slap, Interpretación de la armonía con sweep picking)
Conversión de solos y melodías con técnicas vanguardistas
Improvisación con todos los modos, escalas exóticas, notas de paso y cromatismos en Multiscale.
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| La Escala Cromática (Desde las emociones) #Metorodemi
Mientras que en el idioma español existen 27 letras en, o un pintor cuenta con 11 colores básicos para
pintar su lienzo en blanco, en música usamos 12 sonidos con los que de forma multicultural terminamos
por crear un lenguaje ordenado que expresa entre muchos aspectos culturales, emociones.
A estos sonidos también les llamaremos tonos o notas musicales y cada distancia de la uno a la doce
tendrán un nombre aislado para poder entendernos mejor a la hora de construir musica, pero de momento
solo hay que entender que las distancias básicas para construir escalas musicales y por tanto música son
distancias de tonos y semitonos, y en algunos casos distancias de tono y medio,
un semitono equivale a un sonido, esto es un traste en una guitarra o una tecla en un piano, mientras que
un tono equivale al desplazamiento de 2 trastes, o 2 teclas en el piano, esto en principio es a lo que la
música llama intervalos, estudio de los intervalos, intervalica o de formas más sencilla medidas musicales
A partir de este punto será necesario explorar la sonoridad y sensación que produce cada una de estas
12 notas cuando se tocan desde una nota específica que llamaremos la nota 1, tónica o raíz, a esto le
llamamos “Distancias Musicales”
Escala Cromatica en Do:
Raíz
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Raiz
|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|
C C# D D# E F F# G G# A A# B C
El análisis se hará tocando cada distancia musical de forma sucesiva o simultánea ya que en ambos
casos producirá una sonoridad diferente y por tanto una emoción diferente.
La elección de esta nota raíz será elección de cada uno, así como un pintor que decide usar una base
roja en vez de una verde para su obra pero al final va a pintar el mismo boceto, o puede conbinar rojo con
amarillo para conseguir naranja, seguro que me explico bien.
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| Intervalos (Desde las emociones) #Metorodemi
Existen 4 especies de intervalos a tomar a cuenta para iniciar la memorización de los títulos, estos son
tipos de distancias o intervalos Mayores, Menores, Aumentados y Disminuidos.
En la siguiente tabla encontrarás cada intervalo junto con su nomenclatura, especie y distancia desde la
nota 1 o raíz:
Nomenclatura Nombre Distancia Nota
1 Tónica/Raíz (No es Intervalo) 1) Un Semitono C
B2 Segunda Menor 2) Dos Semitonos C#
2 Segunda Mayor 3) Tres Semitonos D
b3 Tercera Menor 4) Cuatro Semitonos D#
3 Tercera Mayor 5) Cinco Semitonos E
4 Cuarta Justa 6) Seis Semitonos F
#4/b5 Cuarta Aum ↑ / Quinta Dis ↓ 7) Siete Semitonos F#
5 Quinta Justa 8) Ocho Semitonos G
B6 Sexta Menor 9) Nueve Semitonos G#
6 Sexta Mayor 10) Diez Semitonos A
B7 Séptima Menor 11) Once Semitonos A#
7 Septima Mayor 12) Semitonos B
8 Octava Justa / Tónica ↑ 13) Semitonos C
estos tonos, sonidos o notas musicales de la escala mayor tiene su nombre por razones históricas pero
hay que entender que las notas llamadas do, re, mi, fa, sol, la, en realidad hacen referencia a una fórmula
o sucesión de 7 notas que puedes comenzar a desarrollar desde cualquier sonido de la escala cromática.
5
| La Escala Mayor (Desde las emociones) #Metorodemi
La famosa escala mayor o escala madre es la escala o sucesión melódica por excelencia de la
humanidad ya que su sonoridad compuesta por 7 tonos, notas, energías o colores que toma de la escala
cromática son una reflexión de nuestro lado bueno energías de paz, alegría, el amor y otra buenas
emociones que tenemos como especie,
Aquí un diagrama de la construcción de una escala mayor a partir de la escala cromática:
Escala Mayor en Do: | 1 - 3 - 5 - 6 - 8 - 10 - 12 |
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Raiz
|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|
C D E F G A B C
Ejemplo Escala Mayor en Re: | 1 - 3 - 5 - 6 - 8 - 10 - 12 |
Raíz
11 12 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Raiz
|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|
C# D E F# G A B C# D
Es por esto que encontramos esta fórmula o sucesión en las teclas blancas del piano, puesto que las
teclas negras que son más delgadas y negras justo para a un principio ser evitadas dentro del discurso son
exactamente esas consonancias dentro del idioma música que no ayudan a sostener ese discurso alegre
o brillante que expresa toda la música escrita en modo mayor desde el principio de los tiempo.
Es por eso que a través de la exploración energética de estos sonidos o energías que da el espectro
audible se lograron detectar los que concretamente van a producir una sensación en general más
agradable, con la que podemos empatizar todo el tiempo, puras energías suaves pero al final tensiones
con un concentrado de otras emociones que ahora vamos a identificar,
6
| La Pentafonía (Desde las emociones) #Metorodemi
Para ser bien claro, a la escala cromática se le encontró esta sucesión melódica o escala de 5 notas
básicas a las que desde este punto llamaremos pentafonía o “las vocales del idioma”,
Pentatónica Mayor en Do: | 1 - 3 - 5 - 8 - 10 |
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Raiz
|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|-----|
C D E G A C
estas son sucesiones de 5 notas que podemos tocar desde cualquier altura de la escala cromática y
obtener una sonoridad o sensación de balance o “equilibrio perfecto” ya que se concentran los
sonidos más consonantes de la escala, una referencia muy fuerte bien puede ser la música asiática y
su conexión de la escala pentatónica con la sensación de paz, armonía o equilibrio como parte de sus
creencias culturales aunque en el siglo XX, el jazz y el rock han hecho uso de esta escala de forma muy
habitual.
Esta escala que en principio es la más sencilla de todas se compone a través de la nomenclatura que
observamos en la tabla de intervalos usando esta sucesión dentro de la fórmula para pentatónica mayor:
1-2-3-5-6, mientras que para la menor es: 1-b3-4-5-b7
Esto es usar el primero, segundo, tercero, quinto y sexto grado de una escala mayor, o el primero, tercero
bemol, cuarto, quinto y séptimo bemol también de una escala mayor, estas fórmulas basan su
construcción en la escala mayor,
Ahora para llevar esta fórmula a instrumentos como un piano o una guitarra, en el caso del piano por
ejemplo los sonidos se observan como una sucesión horizontal, donde la música va de la nota más grave
en el extremo izquierdo a la nota más aguda en el extremo derecho, mientras que en una guitarra la
sucesión puede ser vertical, horizontal y hasta transversal, a través del diapasón con trastes se crean
patrones y formas que se pueden repetir a lo largo de la guitarra y obtener el mismo resultado sonoro
Pentatónica mayor en un piano Pentatónica Guitarra Pentatonica Mayor Fa#
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| Fórmulas de Construcción #Metorodemi
En este apartado aprenderemos las fórmulas de construcción más importantes que debemos
saber para saber construir escalas, acordes y arpegios.
Cada fórmula de construcción nos está indicando qué tipo de intervalo musical debemos usar para
llegar desde la tónica a la siguiente nota, por ejemplo:
Si la fórmula comienza con…
135
nos quiere decir que la primera nota será la tónica, la siguiente estará una tercera mayor por
encima de la tónica y la tercera nota estará una quinta justa por encima de la tónica.
Los posibles números que podemos encontrarnos en las fórmulas de construcción, son
los intervalos que expliqué en otro artículo:
● 1 – tónica (no es un intervalo)
● b2 – Segunda menor – un semitono
● 2 – Segunda mayor – dos semitonos
● b3 – Tercera menor – tres semitonos
● 3 – Tercera mayor – cuatro semitonos
● 4 – Cuarta justa – cinco semitonos
● b5 – Quinta dism – seis semitonos
● 5 – Quinta justa – siete semitonos
● b6 – Sexta menor – ocho semitonos
● 6 – Sexta mayor – nueve semitonos
● b7 – Séptima menor – diez semitonos
● 7 – Séptima mayor – once semitonos
una vez entendido esto, vamos al listado de fórmulas ahora desde el nuevo universo multicultural:
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| Fórmulas de Construcción (Glosario Multicultural) #Metorodemi
Escalas Oriente | Asia, África
(en el siglo XX, el jazz y el rock han hecho uso de esta escala de forma muy habitual.)
Escala pentatónica mayor: 1 2 3 5 6
Escala pentatónica menor: 1 b3 4 5 b7
Escalas Occidente | Europa, América
(Música clásica y ambiente moderno americano y latino)
Escala Mayor natural: 1 2 3 4 5 6 7
Escala Menor natural: 1 2 b3 4 5 b6 b7
Escala menor armónica: 1 2 b3 4 5 b6 7
Escala menor melódica: 1 2 b3 4 5 6 7
Modos Medievales | Occidente en la Edad Media
(También llamados “gregorianos” o eclesiásticos)
Modo Jónico: 1 2 3 4 5 6 7
Modo Dórico: 1 2 b3 4 5 6 b7
Modo Frigio: 1 b2 b3 4 5 b6 b7
Modo Lidio: 1 2 3 4# 5 6 7
Modo Mixolidio: 1 2 3 4 5 6 b7
Modo Eólico: 1 2 b3 4 5 b6 b7
Modo Locrio: 1 b2 b3 4 b5 b6 b7
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Para expresar lo demás | Resto del mundo #Metorodemi
(Bagaje de escalas exóticas más usadas dentro del mundo multicultural)
Escala Blues: 1 b3 4 #4 5 b7
Escala Frigia Dominante: 1 b2 3 4 5 b6 b7
Escala Enigmática: 1 b2 3 b5 b6 b7
Escala Arabe: 1 b2 3 4 5 b6 7
Escala Menor Húngara: 1 2 b3 #4 5 b6 7
Escala Hindu: 1, 2, 3, 4, 5, b6, b7
Escala Prometheus: 1 2 3 b5 b7.
Acordes y arpegios #Metorodemi
(Construcción de acordes y la armonía Grammy o armonía funcional)
Acorde/arpegio mayor: 1 3 5
Acorde/arpegio menor: 1 b 3 5
Acorde/arpegio disminuido (tríada): 1 b3 b5
Acorde/arpegio aumentado: 1 3 5#
Acorde/arpegio mayor séptima: 1 3 5 7
Acorde/arpegio menor séptima: 1 b3 5 b7
Acorde/arpegio séptima dominante: 1 3 5 b7 - 1 b3 5 7
Acorde/arpegio semidisminuido: 1 b3 b5 b7
Acorde Maj9
El acorde de tipo Maj9 se caracteriza por tener un intervalo de tercera, una quinta justa, una séptima y una novena, con
esta fórmula se puede construir este acorde desde cualquier nota y sobre ambas modalidades u otras alteraciones. Si se
domina la construcción del acorde Maj7, el Maj9 puede pensarse como un acorde con séptima con una novena mayor:
Maj7 + 9 = Maj9
Advertencia previa para los guitarristas: a medida que estos acordes van incrementando el número de notas de que constan, se va
evidenciando la dificultad técnica (o imposibilidad) de Una realizarlos completamente. Un pianista no tiene problema, pues tiene diez
dedos útiles, pero el guitarrista se ve a menudo en la necesidad de prescindir de alguna de las notas.)
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| Modos Medievales (Desde las emociones) #Metorodemi
Introducción
Los modos o escalas modales* Son relaciones melódicas derivadas de la escala diatónica mayor.
Dentro de la tradición de la música clásica occidental, los modos han sido empleados desde la
música medieval y renacentista, hasta los nacionalismos de finales del siglo XIX y comienzos del
XX. En la actualidad, los modos se emplean incluso para brindar una sonoridad "antigua" o
"étnica" a las composiciones de bandas sonoras de cine y videojuegos.
Por su parte, en el lenguaje de las músicas tradicionales, especialmente en aquellas en las que la
guitarra tiene un rol principal, los modos se emplean para explorar sonoridades más allá de las
típicas escalas mayores, menores y pentatónicas, y se asocian casi exclusivamente a la práctica
de géneros como el Rock, el Jazz y el flamenco.
La utilidad de los modos es la de representar mediante un dispositivo melódico y ad hoc cada
uno de los grados armónicos de una escala mayor determinada. Por ejemplo, para representar un
acorde de tónica, emplearemos una escala jónica; para delinear melódicamente un acorde
subdominante, una escala lidia; para melodizar un acorde dominante, una escala mixolidia, etc.
De esta manera, el dominio de los modos resulta indispensable para cualquier guitarrista.
*Aunque en esta serie de artículos nos limitaremos a denominarlos modos o escalas modales -que es como se les
llama habitualmente en la práctica de las músicas modernas-, vale la pena comentar que en la tradición de la música
clásica también se conocen como modos griegos, modos eclesiásticos o modos gregorianos.
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| Modo Jonico (Desde las emociones) #Metorodemi
(Los ocho modos se estructuran a partir de sus notas finales que están comprendidas
en el tetracordo)
Modo Jónico: El primero de los modos, la escala mayor, suele utilizarse mucho en la
construcción de los estribillos dado que transmite alegría, grandeza, armonía y belleza.
Principalmente se utiliza en la música pop y el rock, aunque se puede encontrar en
todo tipo de música y género musical. Es un gran modo para componer canciones
infantiles dado que nos transmite alegría y sensaciones positivas.
También se utiliza el modo jónico para transmitir fuerza, empuje y determinación como
en los himnos.
Por otro lado, puede sonar muy armónico o perfecto por lo cual si se busca crear
música con un clima de más tensión o conflicto no suele ser el modo más adecuado.
Características del modo Jónico:
– Sonido brillante
– Aire alegre
– Fuerza, determinación y contundencia
– Grandeza
– Armonía y belleza
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Ejemplos de canciones en modo Jónico:
Feliz cumpleaños, Himnos nacionales, música infantil
The Beatles – Twist and Shout
Bob Marley – Stir It Up
The Tokens – The Lion Sleeps Tonight
Jason Mraz – I’m Yours
4 Non Blondes – What’s Up?
The Beatles – Let It Be
Los Lobos – La Bamba
Eric Clapton – Wonderful Tonight
Twinkle Twinkle Little Star,
Mary Had A Little Lamb
Amazing Grace
Good King Wenceslas
When the saints go marching in
Frère Jacques
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| Modo Dórico (Desde las emociones) #Metorodemi
2 Min de lectura...
El segundo modo es el dórico, se caracteriza por tener un sonido tenuemente
melancólico, oscuro y suave, pero posee un tinte dual entre feliz y triste.
Es un modo muy rico, la sensación musical es difícil de determinar pues depende
mucho la percepción del oyente, su ánimo así como los diferentes elementos con que
se construye la canción.
El modo dórico, también, puede sonar un poco “viejo”, “oscuro” o más “elaborado”
pues este segundo modo se encuentra muy asociado al sonido jazz, a la música celta,
al country, folk pero suele aparecer en muchos diversos géneros musicales. Los
artistas más identificados con este modo son Santana y Miles Davis.
Características de modo Dórico:
– Sonido Halo, Cautivador
– Tinte melancólico, Hipnótico
– Dualidad entre feliz y triste (Menor, Mixolidio)
– Enlace más impresionista de la armonía Grammy
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Ejemplos de canciones en modo Dórico:
Tito Puente / Santana – Oye como va.
Miles Davis – So what
Miles Davis – Milestones
Miles Davis – Dear Old Stockholm
The Beatles – Eleanor Rigby
Herbie Hancock – Maiden Voyage
The Beatles – I Want You (She’s So Heavy) (verso)
Pink Floyd – Another Brick In The Wall (Part Two) (verso)
Santana – Evil Ways
Pink Floyd – Breathe (verso)
Van Morrison – Moondance (verso)
Tom Petty – Mary Jane’s Last Dance (riff)
The Doors – Light My Fire (solo)
Chic – Le Freak
The Doors – Riders on the Storm (riff principal)
Smash Mouth – Walking on the Sun
Jewel – Who Will Save Your Soul
Styx – Renegade (verso)
Sting – if You Love Somebody
The Zombies’- She’s Not There.
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| Modo Frigio (Desde las emociones) #Metorodemi
3 Min de lectura…
Modo Frigio, Místico o modo español y uno de los modos más versátiles. Al ser menor
posee un matiz de melancolía pero no podríamos definirlo como triste. En otras
palabras, el modo frigio es similar al modo dórico, pero se diferencia de éste en que, el
modo frigio, tiene una raíz mucho más oscura por lo cual suele estar asociado con un
sonido más malévolo y malvado.
Los riffs compuestos en este modo tienden a sonar muy siniestros, amenazadores,
funestos y apocalípticos, por lo cual suele ser muy usado en el heavy metal.
Por otro lado, también se encuentra muy asociado al clima de misterio, contemplación
y reflexión. Es muy usado en solos de guitarras o en composiciones solistas,
principalmente en el metal clásico. Uno de los artistas más identificados con este
modo es Randy Rhoads.
También se caracteriza por tener un sabor español, gitano, flamenco, andaluz o árabe,
puedes ver los ejemplos sugerentes de las canciones de John Coltrane – Olé y Miles
Davis – Sketches of Spain
Características del modo Frigio:
– Sonido oscuro
– Malévolo, siniestro, amenazador.
– Misterio
– Reflexión y Contemplación
– Sabor gitano, español, andaluz, arabe o flamenco.
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Ejemplos de canciones en Modo Frigio:
Megadeth – Symphony of Destruction
Iron Maiden – Remember Tomorrow
Joe Satriani – War
Scorpions – The Sails Of Charon
David Bowie – Space Oddity (intro)
Black Sabbath – The Wizard (verso)
Tool – Sober (estribillo)
Jefferson Airplane – White Rabbit
System Of A Down – Prison Song #1
Metallica – Harvester Of Sorrow (riff)
John Coltrane – Olé
Miles Davis – Sketches of Spain
Thelonious Monk – Bemsha Swing
Iron Maiden – Remember Tomorrow (verso)
Alice in Chains – Would? (verso)
Megadeth – The Killing Road (verso)
17
| Modo Lidio (Desde las emociones) #Metorodemi
2 Min de lectura…
El cuarto modo es el lidio, se caracteriza por tener un matiz alegre que va más allá de
lo que generalmente nos transmite una escala mayor. Está asociado con un aire
especial, un soñador, o místico, fantástico. Es diferente al resto pues posee un sonido
exótico pero familiar.
Principalmente transmite un aire de grandeza, fe e inspiración por lo cual suele ser
muy usado en las músicas de películas.
También podemos comprender al modo lidio como un sonido asociado a lo gracioso,
o «tontín» vale pensar en la música de los Simpson.
Los más representativos del modo lidio son Joe Satriani, Steve Vay y Frank Zappa.
Características del modo lidio:
– Aire alegre, positivo o inspirador
– Soñador, exótico, místico, espacial
– Grandeza
– Sonido brillante
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Ejemplos de canciones en Modo Lidio:
Joe Satriani – Flying In A Blue Dream
REM – Man On The Moon
Led Zeppelin – Dancing Days
Steve Vai – Answers
John Williams – E.T. Theme
Simpsons theme
Tom Petty – Here Comes My Girl (verso)
When We Dance – When We Dance
Rush – Freewill (intro y verso)
Fleetwood Mac – Dreams
The Gin Blossoms – Hey Jealousy
Pearl Jam – Oceans
Frank Zappa – Hog Heaven
Jane Says- Jane’s Addiction
Firefall – Just Remember I Love You
Grateful Dead – Brokedown Palace (estribillo)
Leonard Bernstein – Maria
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| Modo Mixolidio (Desde las emociones) #Metorodemi
2 Min de lectura…
Una gran alternativa al modo Jónico, es el Modo Mixolidio, se caracteriza por un
sonido muy alegre y “upbeat” que puede ser entendido como juvenil, despreocupado
o veraniego.
Está muy asociado con lo campestre, la lluvia de verano, la inocencia, y la felicidad,
por lo cual tiene un sonido muy americano o country (Old Joe Clark).
El modo mixolidio está muy asociado al sonido del blues, del rock y del hard rock de
alta velocidad.
Características del Modo Mixolidio
– Aire alegre
– Veraniego y campestre
– Juvenil y despreocupado
– Sonido brillante
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Ejemplos de canciones en Modo Mixolidio:
Guns and Roses – Sweet Child of Mine
Lynyrd Skynyrd – Sweet Home Alabama
The Rolling Stones – Let It Loose
The Beatles – Norwegian Wood (intro y verso)
The Beatles – Dear Prudence
The Allman Brothers Band’s – Ramblin’ Man
Madonna – Express Yourself
Led Zeppelin – Thank You
Eric Clapton – Let It Rain
Rush – The Trees
The Doors – L.A. Woman
The Grateful Dead – Fire On The Mountain
The Champs – Tequila
The Kingsmen – Louie, Louie
Cream – I’m So Glad
Jimi Hendrix – Third Stone From The Sun
Living Colour – Cult of Personality
The Romantics – What I Like About You
KC & the Sunshine Band – Get Down Tonight
The Doors – The End (verse)
Steppenwolf – Born to be Wild (estribillo)
J.J. Cale – Cocaine (1976), (verso)
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| Modo Eólico (Desde las emociones) #Metorodemi
2 Min de lectura...
El sexto modo es el modo Eólico, más conocido como la escala menor natural, está
generalmente asociado a un sonido triste y melancólico. Este matiz es la principal
característica con lo que se lo relaciona. En la música comercial uno de los recursos
más usuales es utilizar el modo Eólico en los versos y el Jónico en los estribillos.
También evoca un aire oscuro por lo que suele utilizarse en el Heavy Metal en general.
Sin dudas, es uno de los modos más usados, aparece en todos los géneros
musicales.
Características del modo Eólico
– Sonido oscuro y melancólico
– Suele usarse como variación al modo Jónico.
– Tristeza, melancolía, enojo.
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Ejemplos de canciones en modo Eólico:
Santana – Black Magic Woman
B.B. King – The Thrill is Gone
Ozzy Osbourne – Crazy Train
Bob Dylan – All Along the Watchtower
Santana – Maria, Maria
Black Sabbath – Paranoid
Weezer – Buddy Holly
Weezer – Hash Pipe
Papa Roach – Last Resort
Phish – First Tube
System of a Down – ATWA
Dire Straits – Sultans of Swing
Eurythmics – Sweet Dreams
The Doors – Break on Through
Deep Purple – Child in Time
Black Sabbath – Paranoid (verse)
R.E.M. – The One I Love (Seccion A)
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| Modo Locrio (Desde las emociones) #Metorodemi
2 Min de lectura...
El sonido del Modo Locrio se caracteriza por tener un matiz depresivo, sombrío,
tétrico, y soso. Es el modo más inestable y menos usado por lo que no existen
muchas canciones en este modo, donde más se lo utiliza es en el jazz, el heavy metal
y la música clásica.
No se caracteriza por ser un sonido muy agradable, dado lo inusual de sus intervalos.
Raras veces aparece en la música rock y blues debido a su extraña construcción.
Características del modo Locrio:
– Sonido oscuro
– Excesiva tensión
– Desagradable
– Confusión
– Inestable
– Psycho
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Ejemplos de canciones en modo Locrio:
Black Sabbath – Symptom of the Universe ( intro y verso)
Rush – YYZ (intro)
Metallica – …And Justice for All (verse)
Judas Priest – Painkiller (verso)
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| Improvisacion (Desde las emociones) #Metorodemi
Improvisar viene del latín improvisus (que significa imprevisto) y es un término que
describe, en líneas generales, la composición e interpretación en la música de forma
simultánea. Improvisar se relaciona con lo espontáneo y la creación no premeditada, y
se contrapone a la creación formal, en la cual los detalles de una pieza musical son
planeados y fijados antes de su interpretación.
La improvisación existe en todas las culturas musicales, aunque su valoración es muy
diferente. En la música occidental, como hemos tenido ocasión de comprobar, la
improvisación suele ser excepcional en el repertorio culto o académico. Sin embargo,
se da frecuentemente en la música tradicional y, sobre todo, en el jazz. En otros
lugares, como por ejemplo en ciertas áreas de África, hacer música lleva implícita la
idea de improvisación, es decir, la música no se compone previamente ni existen
partituras que la fijen o la transmitan; esencialmente hacer música es improvisar.
Para hacer música no es necesario saber leer partituras. Tampoco hay que tener
grandes conocimientos musicales. Hay pueblos ancestrales en África en los que todos
sus miembros hacen música, por tanto, no existe esa diferenciación entre el músico y
el oyente o espectador porque todos participan en las actividades musicales.
Te proponemos que comiences a improvisar de una forma muy sencilla: con una sola
nota. No es necesario tener a mano un instrumento, porque puedes hacer música con
tu propia voz. Se trata de modificar todos los parámetros del sonido excepto, claro
está, el de la altura.
Cambia la duración de las notas (notas largas o breves).
Altera la intensidad de los sonidos (sonidos fuertes o débiles, crescesdo o
diminuendo).
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Varía el ritmo (compases binarios, ternarios o compuestos, síncopas, notas a
contratiempo, etc.).
Una vez que lo hayas hecho con una sola nota, prueba a incorporar más sonidos.
Probablemente hayas oído hablar de Antonio Carlos Jobim, un compositor de bossa
nova brasileño que compuso una canción titulada Samba de una nota sola. La primera
estrofa tiene una melodía compuesta, como dice el título de la canción, con una única
nota. Luego, como suele ser habitual en este tipo de música, se improvisa sobre esa
melodía principal. Escucha atentamente la interpretación del propio autor.
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| Ritmos Multicultural (Desde las emociones) #Metorodemi
Probablemente habrás oído en algún parque o en la calle a gente tocando tambores.
Aunque es una costumbre reciente en nuestras ciudades, es algo que se ha hecho
desde hace siglos en algunas culturas musicales africanas. En América los esclavos
traídos de África siguieron tocando tambores. Esto influyó indudablemente en el
componente rítmico del jazz y las músicas caribeñas, por ejemplo.
En el toque de tambores la interpretación es improvisada y se basa en la elaboración
de figuras rítmicas diferentes sobre un pulso. Lo interesante en el toque de tambores
es la realización de polirritmias, es decir de varios ritmos distintos que suenen
simultáneamente. Otra de las características del toque de tambores africano es la
complejidad de los ritmos al utilizar alteraciones como síncopas, notas a contratiempo,
desviaciones del pulso regular, etc.
Para improvisar rítmicamente no es necesario tener a mano un instrumento, podemos
recurrir a muchos objetos que tenemos a nuestro alrededor, como botellas, botes,
cajas, etc.; también podemos utilizar la percusión corporal.
Te proponemos que realices tu propia improvisación rítmica sobre las siguientes
bases. Recuerda que no se trata de repetir el mismo ritmo, sino de superponer nuevos
ritmos y crear sobre la marcha.
Otra forma de improvisar con el ritmo se originó durante el periodo inicial del jazz y
consistía en tomar una melodía y alterarla rítmicamente. Era algo que los músicos
hacían de forma espontánea al tocar la canción, por tanto, improvisaban y le daban un
nuevo ritmo a base de alterar la acentuación, colocar síncopas, etc.
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Los músicos tomaban cualquier tipo de canción, ya fuese del repertorio popular o de
la música culta. Escuchemos, por ejemplo, una de las piezas del repertorio clásico,
Wiegenlied, Op. 49, nº 4, más conocida como Canción de cuna del compositor alemán
Johannes Brahms. Observa cómo a partir de la melodía original los músicos modifican
su estructura rítmica y alteran también la melodía, la armonía y muchos componentes
de la pieza original.
Las pulsaciones o beats por minuto BPM es una unidad empleada para medir el ritmo
en música. Equivale al número de pulsaciones que caben en un minuto.
Se indica con una figura, seguida de un signo igual =, y luego por el número que
representa la cantidad de esas figuras que entran en un minuto. Cuanto más grande es
este número, la música se ejecutará más rápida. Evidentemente, si se indica como
tempo negra = 60, cada negra valdrá un segundo. Normalmente la figura que se usa
como referencia para el tiempo es la negra, aunque pueden usarse otras figuras
dependiendo del compás en que esté escrita la obra. En algunas partituras se coloca
este valor sobre el pentagrama para indicar el tempo al que se debe ejecutar la
música, desde ese momento hasta la próxima indicación (o —en caso de que no haya
otra indicación— hasta el final).
Cada género musical está asociado a un tempo determinado normalmente. Aquí se
exponen algunos ejemplos:
Big room house: 128-136 PPM
Chill out: 70-100 PPM
Habanera: 50-60 PPM
Dance-pop: 110-120 PPM
Dark psytrance: 145-180 PPM
Doomcore: 120-150 PPM
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Drum and bass: 160-180 PPM (en los años 1990 era de 140 - 170, pero se ha
acelerado)
Dubstep: 140-175 PPM
Electro: 126-135 PPM
Electro house: 125-135 PPM
Electropop: 100-120 PPM
Eurodance: 130-150 PPM (algunas canciones entre 110-120 PPM, aunque en
promedio son 140)
Frenchcore : 200-300 PPM
Funk carioca: 95-135 PPM (algunas canciones entre 85-95 PPM o 135-145 PPM,
aunque en promedio son 120)
Funky house: 128-136 PPM
Goa trance: 130-146 PPM
Grindcore: 124-240 PPM
Happy hardcore: 180-200 PPM
Hardcore melódico: 150-210 PPM
Hardcore punk: 180-200 PPM
Hardstyle: 145-160 PPM
Hi-NRG (High-Energy): 130-140 PPM
Hip Hop: 80-90 PPM
House: 124-130 PPM
Italodance: 140 PPM
Lento violento: 90-115 PPM
Minimal: 120-135 PPM
Moombahton: 108-140 PPM
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Neo crust: 180-210
New beat: 110-120 PPM
Norteña: 110-120 PPM
Pop: 90-135 PPM (Antes era menor pero se ha acelerado)
Psytrance: 140-145 PPM
R&B: 80-90 PPM
Reggae 75 PPM
Reguetón: 70-120 PPM (algunas canciones entre 120-140 PPM, aunque en promedio
son 85)
Salsa: 80-100 PPM
Schranz: 150-170 PPM
Ska 110-135 PPM
Speedcore: 200-600 PPM (llegando a 2000 PPM en algunos temas)
Tango: 50-56 PPM
Techno hardcore: 165-220 PPM
Techno: 125-145 PPM
Terrorcore: 120-600 PPM
Trance: 125 y 150 PPM
Trap: 140 PPM
Trip hop: 60-120 PPM
Vaporwave: 80-100 PPM
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