El Color
El color es la impresión producida por un tono de luz
en los órganos visuales, o más exactamente, es una
percepción visual que se genera en el cerebro de los
humanos y otros animales al interpretar las señales
nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina
del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las
distintas longitudes de onda que captan de la parte
visible del espectro electromagnético. Es estudiado por la ciencia del color.1
Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las
restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como
distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes.
El ojo humano solo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante.
Con poca luz se ve en blanco y negro. En la superposición de colores luz (denominada
"síntesis aditiva de color"), el color blanco resulta de la suma de todos los colores luz,
mientras que el negro es la ausencia de luz. En la mezcla de los colores luz secundarios
(denominada "síntesis sustractiva de color"); el blanco solo se da si el pigmento o el soporte
son de ese color, reflejando toda la luz blanca, mientras que el negro es resultado de la
superposición completa de los colores cian, magenta y amarillo, una mezcla que en cierta
medida logra absorber todas las longitudes de onda de la luz.
La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores del espectro visible por medio
de un prisma (dispersión refractiva). En la naturaleza esta descomposición da lugar al
arcoíris.
En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía, la imprenta y en la
televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para
conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. El color negro se puede
producir combinando los colores luz secundarios: cian, mezcla de verde y azul, magenta,
mezcla de azul y rojo, amarillo, mezcla de rojo y verde; y mientras que combinando los
colores luz primarios: rojo, verde y azul se produce el color blanco.
En resumen la combinación de los colores luz secundarios (cian, magenta, amarillo)
sustraen luz, como su nombre lo indica, y se obtiene el color negro. Y la combinación de
los colores luz primarios (verde, rojo, azul) suman luz, y se obtiene el color blanco.
Con los colores pigmento sucede algo similar, salvo que los colores pigmento primarios son
amarillo, rojo y azul, en tanto que los colores pigmento secundarios son verde, mezcla de
los primarios amarillo y azul, naranja, mezcla de los primarios rojo y amarillo y violeta,
mezcla de rojo y azul; la combinación de los tres primarios también produce blanco,
mientras que la combinación de los tres secundarios produce negro.
Colores primarios
¿Cuáles son los colores primarios?
Los colores primarios son aquellos que no se pueden obtener mediante la mezcla de ningún
color, es decir, son colores absolutos con características plenamente diferenciadas entre sí.
De la mezcla de dos colores primarios en iguales proporciones surgen los colores
secundarios. Consecuentemente, de la mezcla de tres colores primarios o de un color
primario con otro secundario surgen los colores terciarios.
Existen tres modelos de clasificación de los colores primarios: el RGB, el CMYK y el
tradicional o RYB. Aunque cada modelo tiene una clasificación diferente, coinciden en que
los colores primarios son tres. Veamos.
Sistema RGB
En el sistema RGB, llamado también “síntesis aditiva del color”, los colores primarios
son azul, verde y rojo (red, green, blue en inglés, de donde surge en acrónimo RGB).
Este modelo se basa en la teoría del color como radiación de luz. Así, el color resulta de la
“suma” o “adición” de luces con diferentes longitudes de onda, tal como funcionan los
televisores y demás pantallas electrónicas.
Combinación de los colores primarios en el modelo RGB
Colores primarios y secundarios en el modelo RGB.
La mezcla de los colores primarios en el sistema
RGB produce los siguientes colores secundarios:
Azul y verde = cian
Azul y rojo = magenta
Verde y rojo = amarillo
De acuerdo con el modelo RGB o de colores-luz, la
mezcla de los tres colores primarios rojo, verde y azul produce blanco.
Sistema CMY o CMYK
En el sistema CMY o CMYK, los colores primarios o básicos son cian, magenta y
amarillo (cian, magenta y yellow en inglés). En algunos casos se incorpora como apoyo el
negro (black en inglés, del que toma su última letra para completar el acrónimo CMYK).
Este modelo, conocido también como síntesis sustractiva del color, se basa en la teoría de
los pigmentos, según la cual las mezclas absorben las ondas que refractan colores.
Esto significa que, al contrario del sistema aditivo del color, este modelo “elimina” o
“sustrae” longitudes de onda de las luces reflejadas. El CMYK es el usado en imprentas y
materiales concretos. Por eso, su uso es frecuente en las artes plásticas.
Combinación de los colores primarios en el modelo
CMYK
Colores primarios y secundarios en el modelo CMYK.
La mezcla de colores básicos en el sistema CMYK
resulta en los siguientes colores secundarios:
Amarillo y magenta = rojo
Magenta y cian = azul
Cian y amarillo = verde
De acuerdo con el modelo CKYK o de colores-pigmentos, la mezcla de los tres colores
primarios cian, amarillo y magenta produce el color negro.
Modelo tradicional
El modelo tradicional, también conocido como RYB, se refiere a la clasificación clásica de
los colores primarios en rojo, amarillo y azul (blue, yellow y red en inglés). Puede ser
considerado un antecedente del modelo CMYK.
El modelo RYB tuvo sus orígenes en el siglo XVI y sigue formando parte del imaginario
colectivo, aunque ya ha sido remplazado por los los sistemas RGB y CMYK, más
especializados y precisos.
Combinación de los colores primarios en el modelo tradicional
Colores primarios y secundarios en el modelo
tradicional.
Según el modelo RYB, la mezcla de los colores
primarios da como resultado los siguientes
colores secundarios:
Amarillo y azul = verde
Amarillo y rollo = anaranjado
Azul y rojo = morado
Colores secundarios
¿Cuáles son los colores secundarios?
Se llaman colores secundarios a aquellos que se obtienen al mezclar dos colores primarios.
Reciben ese nombre justamente porque derivan de los colores primarios.
Los colores secundarios dependen del modelo o teoría del color que se aplique. Existen tres
modelos de color:
el modelo tradicional o RYB;
el modelo CMY o CMYK;
el modelo RGB.
Cada uno de estos modelos genera tres colores
secundarios diferentes.
Colores secundarios en el modelo tradicional o RYB
El modelo tradicional, RYB o RAmaZ (rojo, amarillo
y azul) es el modelo de coloración más antiguo que se
conoce. Por mucho tiempo, fue el que usaron los
pintores del pasado.
Este modelo tiene como colores primarios el amarillo,
el azul y el rojo. Cuando se mezclan dos de estos colores, se generan los siguientes colores
secundarios:
Naranja: se obtiene mezclando amarillo y rojo.
Verde: se obtiene mezclando amarillo y azul.
Morado: se obtiene mezclando azul y rojo.
Colores secundarios en el modelo RGB
El modelo de coloración RGB toma su nombre de las
siglas en inglés de los colores rojo, verde y azul. Se basa
en la síntesis aditiva del color, es decir, que usa la luz
como componente para obtener color. Por eso, este
modelo se aplica cuando se usa la luz para reproducir
imágenes. Por ejemplo, en la televisión, los monitores
del ordenador, los celulares, etc.
Los colores primarios en el modelo RGB son el azul, el
verde y el rojo. De estos se obtienen los siguientes
colores secundarios:
Magenta: se obtiene mezclando azul y rojo.
Cian: se
obtiene
mezclando azul y verde.
Amarillo: se obtiene mezclando verde y rojo.
Colores secundarios en el modelo CMY o CMYK
El modelo CMY obtiene su nombre de las siglas en inglés de los colores cian, magenta y
amarillo. Se basa en la síntesis sustractiva del color. Esto significa que crea los colores
aplicando pigmentos que absorben las longitudes de ondas y refractan otras. Este modelo se
utiliza para la impresión a color. Cuando se le agrega la K, es porque se añade el negro.
En el modelo CMY, los colores primarios son el amarillo, el magenta y el cian. Cuando se
mezclan dos de estos colores, se producen los siguientes colores secundarios:
Azul: se obtiene mezclando cian y magenta.
Verde: se obtiene mezclando cian y amarillo.
Rojo: se obtiene mezclando Amarillo y magenta.
Clasificación de los colores
Los colores se clasifican en primarios, secundarios y terciarios. Además de estos tres, se
habla también de colores complementarios. Para comprender la diferencia entre cada uno
de ellos, veamos en qué consisten.
Los colores primarios son aquellos que no se pueden obtener por la mezcla de ningún
color.
Los colores secundarios son los que se obtienen de la mezcla de dos colores primarios.
Los colores terciarios son aquellos que se obtienen por la mezcla de tres colores primarios
o de un color primario con otro secundario. Por ende, son más numerosos, ya que dan lugar
a muchas combinaciones.
Los colores complementarios son aquellos que cuando se aproximan, se perciben más
intensos y se equilibran entre sí, de modo que se complementan. Para saber cuáles son los
colores complementarios, es necesario guiarse por el círculo cromático.
Colores terciarios
¿Qué son los colores terciarios?
Los colores terciarios o intermedios son aquellos que se consiguen al combinar los tonos
primarios con los secundarios que se encuentran justo a su lado en el círculo cromático.
Este círculo, también conocido como rueda de colores, representa de manera ordenada los
tonos primarios y los colores que se derivan de estos.
Aunque hay una convención relacionada con los principales colores terciarios que existen,
se considera que estos tonos —también llamados intermedios— son casi infinitos. Las
variaciones son muy abundantes y están sujetas a la cantidad de tono que se mezcla en cada
caso.
Se considera que los tonos terciarios son unos de los más presentes en la naturaleza, por
ello es posible percibirlos constantemente en distintos ámbitos, tanto naturales como
artificiales.
Algunos de estos tonos también han sido tomados como representaciones de instituciones
importantes en las sociedades actuales; tal es el caso de la Iglesia católica, que utiliza el
tono terciario azul púrpura en las vestimentas de sus representantes.
Los colores intermedios siempre nacen de la combinación de tonos secundarios con
primarios, pero dado que las proporciones pueden ser variables, los resultados son
extremadamente diversos. Los seis tonos que describiremos a continuación surgen de una
combinación en partes iguales de los tonos que les dan vida.
¿Cuáles son los colores terciarios?
Como hemos explicado anteriormente, nombrar todos los colores terciarios es una tarea
prácticamente imposible, pues las combinaciones factibles dan lugar a matices muy
variados entre sí, aunque sea por diferencias imperceptibles.
Sin embargo, a través del tiempo se ha llegado a una convención general, a través de la cual
se considera una cantidad de seis colores terciarios. Estos son justamente lo que tienen una
mayor presencia en el contexto natural.
Verde amarillo
El primero de estos colores es el verde amarillo, también llamado verde pistacho, color lima
o amarillo verdoso. Tal como uno de sus nombres indica, es el que se encuentra en las
limas. Tiene una intensidad elevada y está muy presente en la naturaleza.
Rojo naranja
El segundo tono es un rojo naranja, también llamado rojo anaranjado, naranja rojizo o rojo
ladrillo. En la naturaleza está presente en los tomates y en los ámbitos artificiales puede
verse en los ladrillos de las construcciones
Azul verde
El azul verde es el tercero de los tonos terciarios. También se le conoce como azul turquesa,
azul verdoso o verde azulado y puede percibirse en algunas playas que tienen arenas
blancas y cuyas aguas son de poca profundidad.
Algunas personas lo conocen como verde cerceta y también está presente en cierto tipo de
guacamaya.
Amarillo naranja
El cuarto tono es amarillo naranja, que también se conoce como ámbar, amarillo anaranjado
o naranja amarillento. Es un color cálido que se encuentra en las yemas de huevo y en la
auyama, entre muchos otros elementos naturales.
Rojo violeta
El quinto color terciario es el rojo violeta, que también es conocido como rojo púrpura o
rojo violáceo. Este color es bastante intenso y se encuentra presente en la naturaleza en la
cebolla morada, en las ciruelas y en las plantas hortensias.
Azul violeta
Por último, el sexto color terciario es el azul violeta, llamado también azul violáceo o azul
púrpura. Muchas flores en la naturaleza tienen este tono; ejemplo de ello son los geranios y
la violeta africana.
Este color también se halla en muchos frutos, como las uvas o las bayas chinas. Así mismo,
este tono ha sido utilizado por la Iglesia católica para distinguir a sus representantes.
¿Cómo se forman los colores terciarios?
Como se ha comentado con anterioridad, los tonos terciarios son producto de la mezcla
entre colores primarios y secundarios, pero no estamos hablando de cualquier combinación;
debe ser una mezcla específica.
Vale acotar que existe una regla que se sigue al momento de generar estos colores: las
combinaciones deben llevarse a cabo entre un color primario y uno secundario que se
encuentren uno al lado del otro dentro del círculo cromático.
Para poder comprender del todo este concepto es necesario saber qué es el círculo
cromático, cuáles son sus características y para qué sirve en el ámbito práctico.
Círculo cromático
El círculo cromático es una rueda de colores en la que aparecen los tonos primarios,
secundarios y terciarios de una forma ordenada.
Algunos círculos cromáticos pueden presentar un degradé en las transiciones de los tonos,
mientras que otros son más fragmentados y presentan franjas sólidas de color. En general
suelen incluir desde 12 hasta 48 tonos distintos.
La función del círculo cromático es permitir una visualización amplia a través de la que se
pueda determinar cuáles son las relaciones de armonía y contraste que pueden generarse
entre los colores que existen en la naturaleza. De esta manera se tiene una idea más clara de
gran parte de las combinaciones que pueden existir.
Formación de tonos terciarios
Una vez comprendido el círculo cromático, es posible entender mejor cuáles son los tonos
que se combinan para dar lugar a los colores terciarios. A continuación describiremos las
combinaciones que generan los seis colores intermedios más importantes:
Verde amarillo
El amarillo verdoso nace de la combinación entre el amarillo y el verde.
Rojo naranja
El naranja rojizo se genera como consecuencia de mezclar los tonos rojo y naranja.
Azul verde
El azul verdoso o azul turquesa surge de combinar los colores verde y azul.
Amarillo naranja
También llamado naranja amarillento, este tono se crea a raíz de la mezcla de los tonos
naranja y amarillo.
Rojo violeta
El rojo púrpura se genera al mezclar los colores violeta o púrpura y rojo.
Azul violeta
El azul violáceo surge cuando se combinan los tonos púrpura o violeta y azul.
Consideraciones importantes
Los colores que hemos mencionado en esta lista se generan combinando partes igual de
cada uno de los tonos de los que se originan.
Como hemos dicho antes, puede haber muchas variaciones a partir de estos colores, pues
basta apenas un pequeño aumento o disminución en la intensidad de uno u otro tono para
que se genere un tipo determinado de color.
Las diferencias entre los tonos son muy pequeñas; por ello se considera que los colores
terciarios son prácticamente inagotables debido a que admiten muchas diversificaciones.
DEFINICIÓN DECLAROSCURO
Lo primero que tenemos que exponer de este término que nos ocupa es que se trata de una
palabra que es yuxtapuesta. Sí, porque se ha formado a partir de la suma de otras
dos: claro y oscuro. Eso hace que venga a definir a lo que sería un contraste notable de
luces y de sombras.
El concepto de claroscuro se emplea en el ámbito de la pintura para nombrar
al contraste que se produce entre las sombras y la luz en una obra. Se trata de
una técnica que apela a estos contrastes para resaltar ciertos elementos del cuadro y para
desarrollar efectos visuales de modelado y relieve.
Caravaggio está entre los referentes del claroscuro.
Orígenes del claroscuro
El claroscuro surgió en el siglo XVI, en el marco del periodo artístico conocido
como Cinquecento. Los pintores italianos y flamencos comenzaron a ensayar
esta técnica que tuvo su apogeo durante el Barroco.
Caravaggio (1571-1610) fue uno de los grandes artistas que apeló al claroscuro. “La
flagelación de Cristo” y “Muerte de la virgen” están entre sus obras que evidencian el uso
de esta técnica. Rembrandt (1606-1669) también se lució con su manejo de la luz y la
sombra en cuadros como “El joven Rembrandt”, “El filósofo en meditación” y otros.
La radicalización del claroscuro recibió el nombre de tenebrismo. En este estilo,
impulsado por artistas como José de Ribera, El Greco y el propio Caravaggio, el
contraste entre luz y sombra es muy marcado.
Rembrandt forma parte del conjunto de los pintores que incursionaron en el claroscuro.
Algunas pinturas emblemáticas
De la misma manera, no podemos pasar por alto otra serie de pinturas que, de un modo u
otro, utilizan esta técnica del claroscuro. Nos estamos refiriendo a algunas como las
siguientes:
-“Cristo en casa de Marta y María” de Diego Velázquez. Data del año 1618 y forma parte
de la fase sevillana del citado pintor. Asimismo viene a ser una mezcla perfecta entre
pintura religiosa y de género. En la actualidad se encuentra en la National Gallery de
Londres.
-“Descendimiento” de Cristo de Rubens. Es una obra de 1612 y viene a ser la segunda parte
de un tríptico creado por el citado artista. Hoy se conserva en la Catedral de Amberes
(Bélgica) y fue realizada por ese como encargo de una confraternidad de maestros.
-“Ronda de noche” de Rembrandt. Esta pintura, una de las más importantes de toda su
carrera. Fue realizada entre 1640 y 1642 y se puede admirar en el Rijksmuseum de
Ámsterdam. Se trata de un óleo sobre lienzo de 359 centímetros x 438 centímetros.
-“La joven de la perla” de Johannes Vermeer. Entre 1665 y 1667 se llevó a cabo la creación
de esta pintura, la gran obra maestra de su autor, que hoy se puede ver en el Mauritshuis de
La Haya.
Claroscuro en otras artes y en el lenguaje coloquial
Más allá de la pintura, el claroscuro también llegó al grabado en xilografía. Conocido en
este caso específicamente como chiaroscuro, su desarrollo requería el uso de diversas
planchas para colorear las imágenes. Cabe destacar que, con el paso de los años, el
claroscuro irrumpió en el cine.
En el lenguaje coloquial, la idea de claroscuro suele emplearse con referencia
a contradicciones o cuestiones contrapuestas. Por ejemplo: “La propuesta es interesante,
pero tiene claroscuros”, “Es un hombre con claroscuros: en ocasiones es muy simpático,
pero en otras situaciones se vuelve parco y distante”.
Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el
cuerpo. Entre ellas:
Zona de luz propia.
Esta zona es la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra.
Esta zona es la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura, va desde la clara y
hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona de sombra propia.
Es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona de luz reflejada.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se
caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos,
retratos, expresiones faciales, da más vida al dibujo.
Zona de sombra arrojada.
Esta zona es la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie
donde se encuentra.
Tenebrismo
El tenebrismo.
El tenebrismo es el claroscuro llevado al extremo. Tal es así que el sólo efecto convierte a
la obra en inquietante, la recarga de tensión dramática (por lo que no nos equivocamos al
pensar que es un recurso decididamente barroco).
Empecemos entonces comprendiendo el claroscuro: es el contraste fuerte de luces y
sombras, que permite generar volumen en las figuras y atraer la atención del espectador
hacia elementos fundamentales de la obra.
El tenebrismo va al límite y a veces sólo hace foco, destaca, el punto crucial de la obra, el
de mayor tensión, y puede dejar el resto de la obra casi a oscuras.
El primer gran maestro del tenebrismo es Caravaggio, por ello
todos aquellos que siguieron sus pasos aprovechando este
recurso, suelen ser llamados “caravaggistas”.
En el tenebrismo caravaggista, el foco de donde proviene la luz
es indeterminado, es arbitrario, no se sabe de dónde proviene la
luz. En cambio, en la pintura de los holandeses de la escuela de
Utrecht (e importantes artistas sobre quienes tienen una
importante influencia, como Georges de La Tour), el origen de la
luz se hace explícito y toda la tensión del cuadro se genera, por
ejemplo, a partir de la luz de una simple vela.
Observemos el cuadro que ilustra: la historia de Isaac siempre ha sido un punto de partida
para hablar de la disposición de Dios para sacrificar a su hijo y así salvar al hombre.
Caravaggio dramatiza la escena, la vuelve barroca, y su Isaac no nos recuerda la serenidad
con la que muere Cristo sino que grita y se resiste.
El tenebrismo es eso: iluminar ese grito.
HISTORIA DE LA ESCULTURA
La historia de la escultura es una parte de la historia del arte que
estudia la evolución de la escultura desde sus principios teniendo
en cuenta las diferentes culturas del mundo y los períodos
históricos que suelen coincidir con los de la propia historia del arte.
A lo largo del tiempo, muchas de sus formas y herramientas
utilizadas siguen siendo las mismas o similares.
Desde las civilizaciones prehistóricas hasta las actuales, la escultura
ha pasado por varias fases funcionales; inicialmente, tenía un uso
utilitario y era un método para representar ritos mágicos o
religiosos. En ciertos momentos de la historia, debido a la aparición
en algunas religiones del aniconismo —por ejemplo, en el
cristianismo ortodoxo y en el islam—, la práctica de la escultura se reduce a la realización
de adornos sin ninguna representación de imágenes. El rechazo de Moisés del culto al
becerro de oro, que cita la Biblia, fue seguramente un acontecimiento decisivo en una
parte de la historia de la escultura, ya que promovió la práctica según la cual había que
evitar la existencia de imágenes sagradas o de personas religiosamente relevantes, así,
permaneció restringido entre los judíos y en las religiones que han derivado. Iniciativas
como ésta surgieron también en los inicios del cristianismo y del budismo, sin embargo y
con el paso del tiempo, en ambas religiones se revirtió esta tendencia y la escultura
alcanzó una gran relevancia, sobre todo en el budismo. Sin embargo, algunos sectores se
sigue practicando la iconoclastia, como lo demuestra la destrucción de los Budas de
Bāmiyān por parte de los talibanes en 2001.
Los escultores medievales y renacentistas trabajaban en colaboración con otros artesanos
y solían tener grandes talleres, en estos locales podían trabajar muchos ayudantes y
oficiales, y el maestro escultor era el encargado de la finalización de las obras. Por otra
parte, detrás del arte han existido grandes mecenas, el patronazgo de los cuales, en
algunos casos, se prolongaba durante toda su vida.
La representación de la figura humana ha sido uno de los temas principales hasta el siglo
XX.3 Con la aparición de nuevos materiales artificiales y herramientas mecanizadas, así
como con el desarrollo de los medios de comunicación, la evolución de los estilos se
aceleró y, por tanto, diversificó. Los comienzos del arte experimental que dio lugar a la
abstracción llegó a ser una práctica escultórica dominante durante al menos cincuenta
años, después de que la tradición figurativa se impuso durante siglos.
Tipos de escultura
Estatua bulto redondo: Apolo del Belvedere en los Museos Vaticanos.
Bajorrelieve: en el templo de Kom Ombo en Egipto.
Busto:Voltaire por Jean-Antoine Houdon.
Torso: de Auguste Rodin.
Escultura cinética: Mòbil en Stuttgart de Alexander Calder.
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y
la escultura ornamental, según represente la forma humana y exprese las concepciones
suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la
naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y
tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a
la primera y a la arquitectura.
Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específica
tridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas: bulto
redondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente representando la figura
de un difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo presentes y ecuestre o a
caballo.
Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los tipos
de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la profundidad de las figuras u
ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando la imagen en
el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que las formas
escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.
Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmente
representa retratos.
Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.
Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran
prestigio en la Antigua Grecia. Las estatuas criselefantinas se construían sobre una
armadura de madera que quedaba totalmente cubierta, por bloques tallados
de marfil, representando la carne, láminas de oro para representar las vestiduras, la
armadura, el pelo y otros detalles. En algunos casos se usaba cristal, piedras
preciosas y semi-preciosas para detalles como los ojos, las joyas y las armas. Se
conocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas hechas con marfil y oro.71
La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de la
escultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la construcción de un edificio,
un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La escultura está en general
relacionada con la estructura de la construcción. También se llama «escultura
embutida» a cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.72
La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como
las fuentes o móviles.
La video escultura, como su nombre indica, utiliza el video como elemento
escultórico para la representación tridimensional
Arquitectura
"La arquitectura (del latín architectūra, architectūrae, a su vez del griego antiguo ἀρχιτέκτων,
architéctōn, ‘arquitecto’ o ‘constructor jefe’, compuesto de ἀρχός, archós ‘jefe’, ‘guía’ y τέκτων,
téctōn, ‘constructor’) es el arte y la técnica de proyectar, diseñar y construir, modificando el
hábitat humano, estudiando la estética, el buen uso y la función de los espacios, ya sean
arquitectónicos o urbanos.
La arquitectura nació con el hombre de la prehistoria, durante el Neolítico, cuando diversos grupos
humanos desarrollaron un estilo de vida sedentario basado en la agricultura. Este nuevo modo de
vida conllevó al desarrollo de viviendas estables y recintos ceremoniales, los cuales fueron
evolucionando estéticamente a partir de elementos simbólicos presentes en el contexto
sociocultural donde se desarrollaban. Así surgieron, por ejemplo, los dolmenes y crómlechs en
Europa, construidos con enormes bloques de piedra. A medida que las sociedades se hacían más
complejas y extensas, surgieron los primeros núcleos urbanos cerrados, con viviendas agrupadas
en torno a lugares sagrados. De esta forma nacieron las altas culturas de Medio Oriente:
Mesopotamia y Egipto, que legaron numerosas obras arquitectónicas, de las que destacan, por
ejemplo, los sistemas de irrigación, los zigurats, los templos y las pirámides.
Fuente: Archivo:[Link] - [Link]
La arquitectura urbana antigua estaba preocupada por la construcción de estructuras religiosas y
edificios que simbolizaran el poder político de los gobernantes. Fueron los antiguos griegos y
romanos quienes perfeccionaron la arquitectura, sentando las bases de la arquitectura clásica y
convirtiéndola en punto de referencia para los siglos venideros. Durante esta etapa se
desarrollaron los arcos y columnas estilizadas, se trabajaron la piedra caliza y el mármol, los
sistemas de irrigación y acueductos, ciudades saneadas y se dio origen al concreto. Como ejemplos
del alto grado de desarrollo arquitectónico durante aquella época, se tienen al Partenón de Atenas
y al Coliseo romano. La arquitectura india y china influyó en formas en toda Asia y la arquitectura
budista en particular adoptó diversos sabores locales. Durante la Edad Media europea, surgieron
estilos paneuropeos de catedrales y abadías románicas y góticas, mientras que el Renacimiento
favoreció las formas clásicas implementadas porarquitectos conocidos por su nombre. Más tarde,
los roles de arquitectos e ingenieros se separaron. La arquitectura moderna comenzó después de
la Primera Guerra Mundial como un movimiento de vanguardia que buscaba desarrollar un estilo
completamente nuevo apropiado para un nuevo orden social y económico de posguerra enfocado
en satisfacer las necesidades de las clases media y trabajadora. Se hizo hincapié en las técnicas
modernas, los materiales y las formas geométricas simplificadas, allanando el camino para las
superestructuras de gran altura. Muchos arquitectos se desilusionaron con el modernismo que
percibieron como ahistórico y antiestético, y se desarrolló la arquitectura posmoderna y
contemporánea ."
Fuente: Arquitectura - [Link]
Tipos de Arquitectura
El arte de construir o modificar el hábitat del ser humano, integra técnicas y
herramientas que surgen a partir de la Arquitectura. Mediante un planeamiento y
dirección racional dirigida a la construcción de edificaciones, es posible realizar
proyectos muy innovadores, existen diferentes tipos de arquitectura que te
permiten interceder de manera tal que tu visualización sea más amplia y con
respaldo teórico y práctico.
En nuestro blog te explicaremos a detalle los modelos existentes, prestá atención.
Los principales tipos de arquitectura desde una visión antigua y general se dividen
en tres:
Arquitectura Histórica
Hace referencia a aquellas edificaciones que han surgido al pasar de los años.
Estas creaciones son clasificadas de origen público como por ejemplo:
edificaciones militares, religiosas, culturales de diversas regiones. Todas estas son
estudiadas por expertos en construcciones y arte. Podés reconocerlas por ser
creaciones de renombre a nivel mundial, admiradas e investigadas por arquitectos
y aspirantes a idealizar estructuras de este tipo.
Arquitectura Popular
Son todas aquellas que se elaboran por un objetivo en común; necesidad, como
por ejemplo las casas y ranchos. Los materiales son los que tienen a disposición
los constructores, sacando provecho de cada uno. Estos dos tipos son las bases
del nacimiento de las primeras edificaciones, es muy importante que conozcás el
desarrollo del inicio para que tengás un enfoque muy bien dirigido.
Arquitectura Común
Corresponde a las construcciones realizadas con el fin de satisfacer las
necesidades de las personas, de manera práctica y resaltando su utilidad. Para
esto es necesario que sin importar tu diseño, satisfagás la necesidad expuesta.
Las estructuras tienen que mejorar todas las necesidades de las personas, existen
diferentes tipos de arquitectura según la funcionalidad de la construcción. Si
querés estudiar arquitectura es indispensable que tengás claro estos puntos:
Arquitectura Civil: Son todas las edificaciones que tienen como
microempresa, es decir, asambleas, teatros públicos, casas
gubernamentales, puentes, monumentos y se destacan por una
composición artística impresionante. Las construcciones que tienen
funciones civiles, en la mayoría de lugares son extremadamente antiguas,
por eso es importante tener un conocimiento previo si se desea realizar una
modificación.
Arquitectura Reservada: Este tipo refleja su función en el carácter privado,
haciendo referencia a las construcciones que tienen un uso exclusivo, como
por ejemplo; en algunos países palacios, villas, complejos vacacionales,
casas y apartamentos de ciudadanos. En este tipo los arquitectos tienen
como ventaja más libertad de expresión en sus construcciones.
Arquitectura Religiosa: Todas las construcciones de este tipo tienen como
finalidad el acogimiento espiritual según las ideologías de cada persona,
espacios destinados para prácticas religiosas sin exclusión de religiones.
Algunos ejemplos; catedrales, capillas, templos, conventos, mezquitas,
salones religiosos.
Arquitectura Militar: Su uso tiene como fin vigilar, cuidar, asegurar a las
diferentes poblaciones, en este podemos encontrar: puentes, castillos,
campos de concentración militar y murallas. Con estos conocimientos ya
tenés ideas más claras de cómo orientar tus futuros proyectos
arquitectónicos.
La principal base ya la tenés, ahora incorporá ese toque de innovación y
tecnología para que destaqués en el mundo de la arquitectura. En la Universidad
Latina de Costa Rica te brindamos las herramientas y el respaldo académico para
que seas un profesional del futuro.
