Historia Social – Boime

Contexto Histórico:
 Luis XIV / Rey sol mando a construir Versalles para trasladar a la corte francesa allí
 En 1712 muere Luis XIV y asume Felipe de Orleans porque Luis XV era muy joven
 1715: Luis XV asumió como rey
 1774: asume Luis XVI
 1789: revolución francesa
 La sociedad estaba dividida entre nobles y realeza y la pobreza extrema

Rococó
 Comienza en el SXVIII y continua hasta la revolución francesa
 Rococó: en francés rocaille = concha de mar. Sugiere un mundo de objetos sensuales, la
naturaleza, cosas en miniatura, decoración ornamental y los interiores íntimos de los
aristócratas y clases medias elevadas que abandonaron la corte de Versalles a la muerte de Luis
XIV (1715), por los placeres de la sociedad parisina

 El principio es el placer. Este arte solo pretendía deleitar a una sociedad acomodada, y evitar a
toda costa aburrir. Había un interés en los placeres de la vida cotidiana de la Sociedad
acomodada

 Había una obsesión por los objetos chinos y la cultura oriental, en otro nombre: “chinoiserie”
 En las obras del rococó predominan los tonos claros
 Esta época se vio caracterizada por una afición por las miniaturas, diseños intricados y la
aparición de lo frívolo/superficial
 La vestimenta de quienes eran retratados funcionaba como indicador del rango social
 Los temas de estos cuadros generalmente se sacaban de la Biblia, historia antigua o mitología.

ESTATUS DE MUJERES:
 Las representación de mujeres a menudo son un indicador de la clase o las aspiraciones de un
artista
Jean-Honore Fragonard
 1732 -  1806
 fue un pintor y grabador francés que se distinguió por la exuberancia y el hedonismo, que es
una doctrina que establece la satisfacción como fundamento de la vida, osea el placer simple y
natural que evite el dolor
 Entre sus obras más populares están las pinturas de género, que reflejan una atmósfera de
intimidad y erotismo.
 En algunos de sus cuadros rompe un poco con las normas del Rococó

1767 – El Columpio:
 joven se balancea en el columpio que empuja un hombre
mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la
izquierda, aparece un joven que la mira por debajo de la
falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que
el joven (amante de la mujer) aparece en primer plano,
entre vegetación y flores.
 El joven se encuentra tumbado a los pies de una escultura
de Cupido que esta haciendo gesto de silencio con un dedo
en sus labios, que alude a un amor secreto.
 Detalle del zapato volado de su pie
 Tonos pasteles
 Este cuadro originalmente sigue hacia la izquierda, los
personajes no están centrados.
 Un rico barón encomendó este cuadro a Fragonard como homenaje a su amante. Se ha
convertido en el símbolo de toda una época, el Rococó, por su refinamiento y sensualidad.

1769 – La Gallina Ciega:

 Cuadro representando una situación juguetona - el juego
de la gallina ciega y tambien se puede ver que la chica esta
espiando
 están vestidos con ropas de campo, pero en un jardín
cuidado y su vestimenta esta en muy buenas condiciones,
por lo cual se puede asumir que son nobles disfrazado de
gente de campo, jugando a que son gente de campo
 Ella de rosa.
 Presencia de la naturaleza
 Todo muy sensual.
 Hay otro cuadro con el mismo titulo y concepto realizado
por Goya
1771 – El encuentro secreto:
 Se muestra la naturaleza, que aparenta ser difícil de controlar
al igual que el amor de los personajes.
 SIMETRÍA – triangulación. Triángulo entre la estatua de venus
y los dos personajes, lo cual muestra el amor prohibido que
tienen.
 Podemos notar por el hecho de que el hombre sube por una
escalera y por las caras que se trata de un amor prohibido
 Ella se ve muy iluminada, siendo lo primero que se ve; y él
usando un traje rojo intenso.

1790 – El beso robado:

 Muchos detalles.
 Lugar íntimo, hay un beso.
 Juego de luces y sombras, una parte muy iluminada y la
otra muy oscura – ilusión de profundidad.
  Perteneciente a su época final, Fragonard realizó esta obra dentro de una serie dedicada a
los besos,tema agradable a la nobleza francesa de tiempos de Luis XVI.
 Se representa a una joven sorprendida por un admirador que la besa. Detrás de la puerta
entreabierta se percibe a varias damas conversando
 Fragonard sabia captar el brillo de las telas y las distintas texturas
 El mismo autor tiene otra obra con el mismo nombre de 1761.

Antoine Watteau
 1684-1721
 Francés
 Se le atribuye la invención del genero de fetes galantes (género pictórico caracterizado por la
representación de escenas cortesanas ambientadas en paisajes campestres)
 El mundo del teatro le sirvió como inspiración para varias de sus obras
 1712: lo nombraron miembro de la academia

Peregrinación a la isla de Citera (1717)

 Como se puede observar el cuadro tiene
profundidad, hacia la izquierda se nota mas lejano
y ala derecha se puede ver los arboles que están
cercanos
 Algo particular de esta obra es que no se puede
definir en que horario sucede porque el efecto
lumínico que realizo Watteau es asimilable a una
mañana o incluso una tarde, en otras palabras, no
se sabe si estaban yendo o volviendo de la isla de
citera
 pinceladas rápidas y vibrantes, sin precisión en las líneas
  elementos alusivos a una peregrinación: sombreros, cayados y capas de peregrinos
 Podemos encontrar en la obra numerosos símbolos mitológicos, como la estatua de piedra que
representa a Venus, diosa del amor, o la popa de la barca, en forma de concha de mar
 Fue su ejercicio de ingreso en la Academia Real de Pintura y Escultura
 El tema fue recibido y se inventó el género fête galante (escenas cortesanas en un paisaje rural
idílico)
 Desde la Antigüedad, la isla de Citera tenía un templo dedicado a Afrodita, diosa del amor y
representaba el amor y el placer.

Los encantos de la vida, 1718

  Hay distintos planos, un plano cercano donde se encuentran los personajes que contrasta
con el fondo profundo en el centro
 Hay una división entre los ricos del lado izquierdo y el esclavo del lado derecho quien es
usado como un indicador de rango social y como objeto exótico, algo que ocurría
comúnmente en el rococó

La muestra de Gersaint, 1720

 La obra esta dividida en dos escenas: a la
derecha compradores observando una obra y
a la izquierda el embalaje de obras y una
pareja que parece haber recién llegado
 Algo para señalar es que a la derecha abajo
Watteau pinto el mismo perro en la misma
posición que en su obra anterior ‘Los
encantos de la vida’
 Una de las obras que esta siendo embalada es de Luis XIV, significando el cierre de un reinado
que había terminado en 1715 cuando asumió Luis XV. Esto demuestra que en la obra hay cierto
tono melancólico

Gilles, 1721
 Oleo sobre lienzo
 184 cm × 149 cm
 El protagonista es Pierrot, típico personaje de la comedia del
arte. Sin embargo, está representado de manera poco acorde:
está de pie, con los brazos caídos, tímido y melancólico / No
parece un animado personaje de la comedia del arte
 Su actitud contrasta con la de los compañeros que están
detrás de él
 Aparte, el punto de vista bajo, el color de su atuendo y la
iluminación hace que Pierrot se destaque aun mas.
 Los personajes detrás de Pierrot permanecen indiferentes a él

François Boucher
 Nació en parís en 1703.
 Obras inspiradas en artistas como Watteau y Rubens.
 fue Primer pintor del rey
 Muchos de sus cuadros eran de tamaño pequeño como para estancias privadas, estaban
pensados para ser vistos de cerca.
 Pinta escenas mitológicas como apasionadas y amorosas
  Pinta en oleo
 Estilo muy decorativo y ornamental

Rinaldo y Armida (1734)

 Oleo
 Es la historia sobre la primera cruzada. Armida, fue enviada
por Satanás para aplastar a los cruzados, pero Rinaldo logró
salvar a sus compañeros. Armida busca vengarse de
Rinaldo pero termina enamorándose.
 A la derecha de Rinaldo se puede ver a cupido apuntándole
una flecha
 Tiepolo interpreto la misma historia en una de sus obras en
1753

El triunfo de Venus (1740)

 La pintura ilustra el mito griego del nacimiento de
Venus (diosa del amor, la belleza, etc.) a partir de la
espuma del mar, siendo llevada por las ninfas hasta
la isla de Citerea (isla que también es representada en
la obra de Watteau)
 Hay un uso de tonalidades claras y frías, y predominan
el azul y el rosa
 En la parte superior del cuadro hay varios amorcillos
volando, haciendo presente aun mas la temática del
amor y la pasión

En el tocador (1742)
 Obra encargada por el embajador sueco en París
 Se muestra un contexto doméstico y la presencia
de sensualidad debido a que la mujer esta mostrando su
pierna.
 Predominan los amarillos y grandes superficies de
blanco, azul y rojo saturados.
 En este cuadro esta presente la chinoiserie a través
de la presencia del biombo chino
 Boucher parece haber captado una escena de prisa
porque si observamos detenidamente podemos ver que hay una carta sobre la chimenea y que
todo el desorden de la habitación es debido a un estado de prisa, como si le hubiesen avisado que
iba a llegar alguien y ella se esta preparando
 Venus arreglándose (1751)
 Obra encargada por Madame Pompadour, amante de Luis XV para
su vestidor.
 Muestra 3 amorcillos acompañando a Venus. En sus brazos esta
sosteniendo dos palomas, símbolo de inocencia, pero en este caso es el
animal que la representaba a ella como diosa
 Algo para señalar es que los rostros de las mujeres se pintaban
similares en muchos cuadros, por ejemplo este rostro de Venus por
Boucher es muy similar al de L’Innocenza y otras miniaturas de Rosalba
Carriera
 Boucher dedicó mas de 50 cuadros a Venus ya que se interesaba
mucho por la temática mitológica

Jean-Baptiste-Siméon Chardin
 1699 – 1779
 En su obra (casi 200 pinturas), se encuentra una afición en particular por los cuadros de
naturaleza muerta o bodegón y pinturas de género
 Es un pintor con fuerte inclinación al realismo, al naturalismo y no pareciera que le interese la
galantería ya que sus obras retratan un mundo lejos de las fantasías cortesanas de casi todo el
Rococo
 Estas acciones suelen ser actividades comunes de la casa entre sirvientas, niños.
Primeras pinturas: 1728 - 1732

Bodegón con gato y raya, 1728

 En sus primeros años como artista realizo varios bodegones
(pintura en las que se representan alimentos, recipientes y
utensilios domésticos)
 En esta obra Chardin demuestra su capacidad para pintar las
reflexiones de luz en objetos

Empieza con naturaleza muerta, su principal interés. La más famosa y con la que ya gana cierto
reconocimiento en la élite del arte en ese momento. Sin embargo, con la naturaleza muerta no se iba a
poder mantener económicamente por lo que empezó a intentar con las pinturas de género, más
preferidas en el público.

La Bendición, 1740
 Óleo sobre tela
  La adquirió el rey Luis XV y pasó a formar parte de las colecciones
reales. 
 Se representa una escena domestica común, una madre y sus dos
hijas a punto de comer, pero antes bendicen la mesa.
 Chardin describe una vida dedicada al deber en vez de la frivolidad y
lo opulento, característico del Rococó
 La ambientación también es mínima, en oposición a la ambientación
decorativa y exuberante de la mayoría del Rococó

Luego de unos años va regresando a la naturaleza muerta.

Naturaleza Muerta, 1760

 Como las manzanas reflejan en la superficie de la copa
 Le sirve para hacer investigaciones de fenómenos ópticos,
cambios en color y luz, superficies, texturas, formas.

En sus últimos años se dedicó a los autorretratos y retratos pintados al

pastel. Estas obras no serán bien recibidas en su momento pero sí tendrán
una revalorización más adelante, después de su muerte.

Retrato de madame chardin, 1775

Giambattista Tiepolo
 1698-1770
 pintó para bastantes cortes, monarcas y familias ricas.
 Se puede llegar a considerar más un barroco tardío que rococó.
 Tiene una clara y luminosa paleta que caracteriza la mayor parte de su obra.
 Combinación de colores blancos, dorados y tonos pasteles del rococo
  desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas
por los viajeros extranjeros.
 Su producción es en gran porcentaje religiosa, por encargos de iglesias
 Influyó en Goya debido a una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran
reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del cuadro. Los colores claros resaltan
impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino.

Agar e Ismael, 1732

Aparece Agar, sosteniendo a su hijo Ismael, deshidratado, y mirando al
ángel que se les aparece. El ángel se compadece del niño y les señala el
camino de la fuente.
la madre, que tiene un gesto de sufrimiento y una postura que recuerda a
las de una Pietà (obra de arte que representa a la Virgen
María, sosteniendo el cuerpo de Jesucristo)

Joven con loro, 1758

 En este época eran muy populares las imágenes de mujeres con
loros, que era símbolo a la vez de exotismo y de un estilo de
vida lujoso
 Hay una obra de Rosalba Carriera que lleva el mismo concepto
 En ambas obras se puede ver que tienen el pecho descubierto,
dando lugar a la sensualidad, característica del Rococó

Alegoría de los planetas y los continentes, 1752

Esta es la obra mas grande de Tiepolo
Las deidades que rodean al dios solar simbolizan los planetas, y las
figuras alegóricas en los cuatro costados son los continentes.
La obra se encuentra en la residencia de Wurzburg, Alemania

INTERPRETACIÓN DE LOS SIMBOLOS

 
Marte y Venus Reclinados sobre una nube se hallan Marte , dios de
la guerra y Venus , diosa del amor. Marte era un personaje brutal ,
pero su espíritu agresivo se amansó cuando se enamoró de Venus,
así, su relación sirvió a menudo en el arte como alegoría del  amor
sobre la guerra
Mercurio Cerca del retrato del príncipe -obispo está Mercurio,fácilmente reconocible por sus sandalias
y por su casco alado y su caduceo, la vara de heraldo que le identificaba como el mensajero de los
dioses. Mercurio personificaba la elocuencia y la razón y se solía considerar portador de buena suerte.

Apolo Próximo al centro del techo , con el sol tras él, se halla uno de los dioses más importantes del
panteón grecorromano Apolo. Se le suele plasmar como un joven bello y elegante y representa las
virtudes de la civilización y el pensamiento racional. Aquí su halo radiante simboliza la fuerza vital del
sol sobre todos los continentes , así como el gobierno del príncipe -obispo bajo el que florecen las
artes. A Apolo le acompañan las Horas, personificación de las estaciones-

Europa.- La figura que representa el continente europeo llama menos la atención que sus homólogas ,
más exóticas , pero tiene una gran dignidad . Recuerda a la imagen tradicionalde Juno, reina de los
dioses, y su mano reposa sobre un magnífico toro : es una referencia a Europa , el personaje mitológico
del que procede el nombre del continente. Europa era unahermosa princesa de la que enamoró
Júpiter, rey de los dioses y esposo de Juno, que se  transformó en un toro blanco y la raptó
 
Asia La personificación de Asia lleva un hermoso turbante enjoyado y aparece a lomos de un elefante
lujosamente atavíado. El gesto de su mano izquierda es autoritario y manifiesta la extraordinaria
habilidad de Tiepolo como dibujante , que realizó muchos dibujos preparatorios para el gran fresco que
cubre este techo.

América.- Con un espectacular tocado de plumas , América es una de las figuras más llamativas del
fresco. En aquella época , en Europa las Américas se consideraban apenas civilizadas y Tiepolo
representa a un noble salvaje con un arco al hombro. Varias de las figuras que le acompañan están
cazando o tienen un aspecto de guerreros.

Africa .-La personificación de Africa lleva el pecho al descubierto como América , pero su vestimenta es
mucho más refinada . La piel oscura contrasta llamativamente con la ropa blanca y los grandes
pendientes de oro que luce. Monta sobre un camello y le acompañan figuras y motivos que hablan de
la gran riqueza del continente. En la época de Tiepolo , los europeos prácticamente solo conocían las
zonas costeras de Africa, con las que tenían una gran actividad comercial, sobre todo de esclavos

Inmaculada concepción
 Aparecen en esta escena toda una serie de símbolos relacionados
tradicionalmente con la Virgen: en primer lugar, la corona de doce
estrellas y sobre ella, una paloma que representa el Espíritu Santo.
 Tiene el típico manto celeste, parada sobre la esfera terrestre y pisando a
la serpiente o dragón que es el Diablo que lleva en la boca la manzana que
hizo caer en la tentación a Adán y Eva, de manera que la Virgen aparece
como exenta del pecado original.
 Tiepolo usa colores claros, iluminando la escena con una intensa luz
dorada, y el manto celeste se resalta
Rosalba Carriera
 1675-1757
 Hasta 1720 se dedicó mayormente a realizar miniaturas
 De 1720-21: hizo su primer viaje a Paris y comenzó a utilizar pasteles. Sus retratos tuvieron una
gran demanda por parte de toda la nobleza y realeza
 1749 quedó completamente ciega
 Fallecimiento: Venecia, Abril 1757 (a los 81 años)

Retratos en miniatura
 Comenzó haciendo miniaturas en marfil, y fue la primera artista en usar el material con este
propósito
 En sus obras utilizaba trazos rápidos en vez de trazos y puntos breves como era de costumbre
 la temática que prevalece es retratos femeninos.
 Su técnica era aplicar capas de acuarela transparentes sobre la parte de la cara y las zonas de
piel para que el color del marfil se vea y de a esas zonas una cualidad luminosa

L’Innocenza / 1705-1757
 Acuarela en marfil
 Tamaño: 10.2x8cm
 El uso de palomas como símbolo de la inocencia era popular en
retratos en 1700 y 1800

Françoise-Marie; Duquesa d’Orleans como Anfítrite/ 1677-1749

 Anfitrite era la antigua diosa del mar tranquilo en la mitología griega,
que luego se convirtió en esposa de Poseidón
 Anfitrite era hija de Nereo y Doria (por lo tanto, es nereida)
 El mito dice que Poseidón la vio entre las otras nereidas, se enamoró y
se la llevó (otra versión dice que ella huyó y se refugio con el titán
Atlas, pero Poseidón mandó a buscarla)
 Francoise Marie o Francisca Maria de Borbón era la hija bastarda de
Luis XIV de Francia.
  Esta obra esta inspirada en una pintura en Versalles que también mostraba a Anfítrite y las dos
mujeres/nereidas

Pasteles
 Fue pionera en el uso del pastel,y lanzo la moda de este durante su viaje a Paris en 1720
 Su Técnica consistía en pintar directamente con el pastel sin un diseño previo

Autorretrato / 1745
 Pastel en papel
 56.7x45.8cm

Retrato de Antoine Watteau / 1721

 En su viaje por Europa conocio a Antoine Watteau y lo
retrato
Neoclasicismo
 Revolución francesa (1789)- 1830
 Reacción al Barroco y Rococo
 representa la aspiración a un orden regido por la razón
 Toma como ejemplo a la anitguedad Greco-romana (antropocentrismo, utilizacion de formas
geometricas, mimesis, equilibrio, la belleza proviene de la proporcion armonica. Se puso de
moda debido a los descubrimientos arquelogicos (Pompeya, etc.)
 Tecnicas: dibujo, a veces se usaba el claroscuro
 Colores acidos
 Dificilmente se apreciaban las pinceladas de autor, lo cual contribuia a establecer una distancia
entre el autor y el espectador
 Se realizaban mas que nada cuadros de historia (revolucion francesa, mitos griegos y romanos)
 Intencion moralizante
 Oleo sobre lienzos, frescos
 ARTISTAS: Jacques-Louis David (el rapto de las sabinas, el jurameno de los horacios), Antonio
Canova (psique reanimada por el beso de amor, Teseo y el minotauro)

Romanticismo
 Primera mitad del SXIX
 “Roman”  novela
 Una reaccion al realismo
 Busca excaltar los sentimientos por sobre la razon
 Naturaleza y paisaje
 Tendencia historicista
 Interes por el gotico
 Gusto por lo horrible y lo cruel
 Nostalgia
 Muerte/cementerios
 ARTISTAS: Caspar David Friedrich (el viajero sobre el mar de nubes, la abadia en el bosque de
robles), Eugene Delacroix (el sultan de moroco, la libertad guiando al pueblo, la muerte de
sardanapalo), Turner (lluvia, vapor y velocidad, anibal cruzando los alpes), Gericault (la balsa de
la medusa, el cleptómano, la loca)

Realismo
 Mezcla de estilo neoclásico y romántico
 No tiene que ver con la forma sino con el tema: interés por la realidad
 La característica principal de su estética es la reflexión sobre la realidad, sin idealizar ni la
sociedad, ni la naturaleza, ni el pasado, como lo había hecho el romanticismo
 ARTISTAS: Gustave Courbet (el origen del mundo, el desesperado, el taller del pintor), Jean-
Francois Millet (las espigadoras, la siesta), Honore Daumier (carruaje de tercera clase, don
quixote y sancho panza), Camille Corot (ville d’avrey, la danza de las ninfas)
Salon des Refuses
 El Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) hace referencia a un espacio que se determinó
para la exposición de las obras rechazadas por el jurado del Salón de París en 1863
 1863 fueron rechazadas más de 3 000 obras, sobrepasando el índice de rechazos en
exposiciones pasada
 ARTISTAS: Manet (el desayuno en la hierba), Courbet (el taller del pintor), Goya (serie de los
caprichos, Saturno devorando a sus hijos, la maja desnuda)

Impresionismo
 segunda mitad del SXIX
 Tendencia a pintar el aire libre, pintar a mayor velocidad
 Pincelada rápida, trazos grandes, colores vibrantes
 Aparece la fotografía  artistas comienzan a buscar captivar la impresión y no la exactitud de
de algo
 Intent de plasma la luz y el instante sin quedarse en detalles de identidad
 ARTISTAS: Monet (mujeres en el jardin, sol naciente, atardecer en Venecia), Manet (berthe
morist, Olympia), Renoir (el columpio, mujer con carta), Degas (la clase de ballet, músicos de
orquesta, la pequeña bailarina de 14 años)

Postimpresionismo
 Finales del siglo 19 y principios del XX
 Engloba diversos estilos personales planteandolos como una extension del impresionismo y ala
vez como un rechazo de sus limitaciones, en una busqueda por llevar mas emocion a las
pinturas
 Siguieron usando:
o colores vivos (a veces colores artificiales (saturados) para representar su percepcion
emocional del mundo)
o aplicacion compacta de la pintura
o pinceladas distinguibles  no pretende ser una representacion realista, sino mas bien
resaltar el carcater emocional
o tematica de la vida real
 Buscaba una mirada mas subjetiva del mundo
 Tambien estaba presenta la tecnica del puntillismo y el divisionismo (Seurat y Signac)
 ARTISTAS: Van Gogh (la noche estrellada, los comedores de papa, la habitacion, los girasoles)
Cezanne (una moderna Olympia, vista de auvers), Gauguin (cuando te casas? De donde
venimos?), Seurat (tarde de domingo en la isla de grande jette, la torre Eiffel, un baño en
asniers), Toulouse-Lautrec (baile en el moulin rouge, en la cama el beso), Signac (el puerto de
saint tropez, la boya roja)

Simbolismo
 1880-1910
 Propone una Vuelta al arte poertico
 Se busca el escape de la realidad hacia lo onirico
  Es dificil englobar a este grupo esteticamente, es heterogeneo
 Arte antinaturalista
 Inclinacion a la fantasia
 El simbolo como expression del estado de animo, las emociones e las ides del individuo
 ARTISTAS: Gustav Klimt (el beso Judit I , el friso de Beethoven), Moreau (Edipo y la esfinge,
Galatea), Redon (el ciclope, la araña que llora), Chavannes (el pescador pobre, inspiración
cristiana), Bocklin (la plaga, la isla de los muertos), Khnopff (memorias, cierro la puerta tras de
mi)

EXTRAS

Fragonard

1765 – Los Bañistas:

Boucher

Diana saliendo del baño (1742)

-Diosa Diana (diosa de la caza, Júpiter le regala las armas y
la hace reina de los bosques) siendo admirada por una
ninfa. Desnudo. Formas claras y puras, genera una
atmósfera dorada que se debe a un barniz antiguo que él
usaba. Figura de la mujer símil al arte clásico.
El almuerzo (1749)
-Escena doméstica y familiar llena de serenidad en un
entorno acomodado burgués. Predominan los
ocres y dorados, el espejo y el gran ventanal
aumentan la sensación de brillo. Las niñas
aparecen tranquilas y los tres adultos tienen un
aspecto juvenil.

Joven recostada (1751)

-Para este cuadro posó Marie-Louise O’Murphy, otra joven
amante de Luis XV (14 años). Realizó muchas réplicas de
este cuadro él mismo. Siempre ilustra a sus personajes
posando sobre muebles sumamente elegantes y refinados.
Muy acentuada la sensualidad y el erotismo que buscaba
Boucher. Los tonos rosados de la piel que contrastan con el
amarillo, los blancos y verdes atraen la atención a la
anatomía del cuerpo.

Retratos de Madame Pompadour 

-Una marquesa que le encargó obras de temáticas mitológicas y religiosas y retratos propios. En todos
ellos crea un ambiente de deleite, decorativo. 
Ilustra libros para hablar del intelecto que poseía este personaje, las rosas y cartas eludiendo al amor,
quizás dirigidas al rey. Énfasis en lo lujoso del vestido. Es una exposición de la riqueza donde juega con
las tonalidades pastel y las diferentes texturas.
Aparece siempre con un aire culto y refinado. Fue una gran impulsora de la
cultura (literatura, arte y gastronomía).
En los retratos femeninos, la presencia de
un perro era, a menudo, símbolo de
fidelidad conyugal.

Chardin
Seguirá pintando obras de género (situaciones domesticas) hasta 1740 aproximadamente cuando irá
lentamente regresando a la naturaleza muerta. Este es el período de mayor fama de Chardin lo cual lo
lleva a conocer al rey Luis XV y a entregarle dos de sus pinturas: The Hard Working Mother y Saying
Grace:

Luis XV también, posteriormente le compró The Canary, pintura de 1750: