Alta Costura
Alta costura
Pierre Balmain ajustando un vestido sobre la modelo Ruth Ford en 1947
(fotografía de Carl Van Vechten).
Alta costura (del francés Haute Couture) se refiere a la creación de prendas
exclusivas a la medida del cliente. La «Alta costura» es moda hecha a medida,
de forma artesanal —realizada manualmente, con escasa intervención de
la máquina de coser— desde el principio hasta el final, con telas de alta
calidad, caras e inusuales. Es cosida con extrema atención al detalle y acabada
por los costureros con más experiencia y capacidad, los cuales suelen usar
técnicas manuales que consumen mucho tiempo.
La traducción literal de la palabra couture es “confección”, pero también se
puede referir a la moda, al coser, o a la costura. Comúnmente se usa también
como abreviación de haute couture y se refiere a lo mismo en espíritu. La
traducción literal de haute es “alta”. Una prenda de alta costura normalmente se
realiza para un cliente, confeccionada específicamente con las medidas y para
las posturas corporales de quien la usará. Considerando la cantidad de tiempo,
dinero, y habilidades que implica cada pieza completada, se dice que las
prendas de alta costura «no tienen precio». No todas las piezas de alta costura
están orientada a la venta; a veces, se diseñan y construyen para la pasarela,
como una exhibición de arte.
El término originalmente se refería al trabajo del inglés Charles Frederick
Worth, producido en París a mediados del siglo XIX. En la Francia moderna,
«alta costura» es un “nombre protegido” que sólo pueden utilizar empresas que
cumplan ciertos estándares definidos. Sin embargo, ese mismo término sirve,
en sentido amplio, para denominar las prendas de moda hechas a la medida,
ya sea que se hayan producido en París o en otras capitales de la moda, como
Londres, Milán, Nueva York o Tokio.
Así, la expresión alta costura puede referirse a:
las casas de moda o diseñadores de moda que crean modas exclusivas y que,
a menudo, imponen tendencias.
las piezas de indumentaria realizadas de forma exquisitamente artesanal.
La alta costura puede ser referenciada desde el año 1700. Rose Bertin, la
diseñadora de modas francesa de la reina María Antonieta, puede considerarse
una de las primeras en introducir la moda y la alta costura en la cultura
francesa. El liderazgo francés en la moda europea continuó hasta el siglo
XVIII, cuando la influencia, que venía del arte, la arquitectura, la música, y la
moda de la corte francesa en Versallesfue imitada en toda Europa. Los que
visitaban París regresaban con prendas rápidamente imitadas por costureros
locales. Mujeres con estilo también ordenaban muñecas vestidas con la última
moda parisina para usarlas como modelos.
Cuando se desarrolló el transporte en Europa, a través de las vías de tren y los
barcos de vapor, cada vez era más frecuente que mujeres adineradas viajaran
a París para comprar ropa y accesorios. Costureros y modistos franceses eran
comúnmente conocidos como los mejores en Europa, y las prendas parisinas
auténticas eran consideradas mejores que las imitaciones locales.
El costurero Charles Frederick Worth (13 de octubre de 1826-10 de marzo de
1895), es ampliamente considerado el padre de la alta costura como la
conocemos hoy en día. Aunque nació en Bourne, Lincolnshire, Inglaterra,
Worth dejó su marca en la industria de la moda francesa. Revolucionando la
percepción que se tenía previamente de la costura, Worth logró que el modisto
se convirtiera en el artista de las prendas: un diseñador de modas. Mientras
creaba diseños completamente exclusivos para satisfacer a algunos de sus
clientes de alto rango o adinerados, él era conocido por crear un portafolio con
diseños que eran mostrados en modelos humanos en la Casa de Worth. Los
clientes seleccionaban un modelo, especificaban colores y materiales, y hacían
duplicar esa pieza en el taller de Worth. Él combinaba la confección individual y
la estandarizada normalmente usada en la industria de la ropa prêt-à-porter, la
cual también se estaba desarrollando durante ese periodo.
Callot Soeurs, Patou, Poiret, Vionnet, Fortuny, Lanvin, Chanel, Mainbocher,
Schiaparelli, Balenciaga, y Dior siguieron los pasos de Worth. Algunas de estas
casas de moda siguen existiendo actualmente, bajo el liderazgo de
diseñadores modernos.
En el año 1960, un grupo de diseñadores jóvenes, quienes habían sido
entrenados por hombres como Dior y Balenciaga, dejaron esas casas de
costura y abrieron sus propios establecimientos. Los más exitosos entre esos
diseñadores jóvenes fueron Yves Saint Laurent, Pierre Cardin, André
Courrèges, Ted Lapidus, y Emanuel Ungaro. Hanae Mori, originaria de Japón,
pero con sede en París, también tuvo éxito al establecer su propia línea.
Lacroix es una de las casas de moda que empezaron a finales del siglo XX.
Entre otras casas nuevas estaban Jean-Paul Gaultier y Thierry Mugler. Debido
a los costos tan altos para producir colecciones de alta costura, Lacroix y
Mugler dejaro de lado sus actividades de alta costura.
Las colecciones de alta costura modernizada no se diseñan para venderse,
sino para las pasarelas. En lugar de ser creadas con el propósito de venderse y
generar ganancias, éstas son hechas para ampliar la publicidad, al igual que
para entender y mejorar la percepción de la imagen de la marca.
Para estas casas de moda, las prendas a medida ya no son sus ingresos
principales, ya que a menudo cuestan mucho más de lo que generan a través
de ventas directas; simplemente aumentan el aura de la moda a su empresa en
la línea prêt-à-porter y en otros productos de lujo relacionados, como zapatos y
perfumes, proyectos que generan mayores ingresos para la compañía. Sin
embargo, la comercialización excesiva y generación de ingresos puede ser
perjudicial. Por ejemplo Cardin abandonó la industria en 1980, y el nombre
perdió su caché cada vez que alguien compraba una maleta Cardin rebajada
en una tienda. Sus colecciones prêt-à-porter son las que están disponibles para
una audiencia mayor, agregándole un toque de glamour y la sensación de alta
costura en los armarios.
En el año 1960 también hubo una rebelión en contra de estándares
establecidos por la moda formada por rockeros y hippies, al igual que hubo una
creciente internacionalización de la escena de la moda. La gente adinerada que
se dedicaba a ir de fiesta y de compras, se dio cuenta que podía hacerlo tan
felizmente en Nueva York como en París. Las mujeres adineradas ya no
sentían que un vestido parisino era necesariamente mejor que uno hecho en
cualquier otra parte. Mientras París sigue destacando en el mundo de la moda,
ya no es la única mediadora de la moda.
Alta costura en sentido estricto
En Francia, el término Haute Couture está protegido por la ley y definido por
la Chambre de commerce et d'industrie de Paris (Cámara de Comercio y de
Industria de París) con sede en París, Francia. La Chambre Syndicale de la
Haute Couture (Cámara Sindical de Alta costura) está definida como “comisión
reguladora que determina qué casas de moda son elegibles para ser
verdaderas casas de Alta costura”. Sus reglas declaran que sólo “esas
compañías mencionadas en la lista hecha cada año por una comisión situada
en el Ministerio de Industria tienen derecho a usar” la designación «Haute
Couture».
La Chambre Syndicale de la Couture Parisienne (Cámara Sindical de la
Confección Parisina) es una asociación de modistos parisinos fundada en 1868
como resultado de las asociaciones medievales que regulan a sus miembros
en cuanto a piratería de estilos, fechas de aperturas para colecciones, número
de modelos presentados, relaciones con la prensa, cuestiones legales y de
impuestos, y actividades promocionales. La formación de la organización fue
creada por Charles Frederick Worth. Una escuela afiliada fue organizada en
1927, llamada L'École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. La
escuela impulsa la formación y desarrollo de nuevos diseñadores para ayudar a
las casas de “alta costura” que siguen presentes hasta la fecha. Desde 1975,
esta organización ha trabajado dentro de la Federation Francaise de Couture,
du Prêt-à-Porter des Couturiers et des Createurs de Mode (Federación
Francesa de Alta costura, de Confección prêt-à-porter y de Creadores de
Moda).
Requisitos del club Haute Couture
Los criterios para haute couture fueron establecidos en 1945 y actualizados en
1992. Para ganarse el derecho de llamarse una casa de alta costura y usar el
término Haute Coutureen su publicidad y en cualquier otro ámbito, miembros
de la Chambre Syndicale de la Haute Couture deben seguir las siguientes
reglas:
Diseñar a medida para clientes privados, con una o más pruebas de vestido.
Tener un taller (atelier) en París que cuente por lo menos con 20 empleados a
tiempo completo.
Cada temporada, presentar una colección de mínimo cincuenta diseños
originales al público, que contenga prendas de día y de noche, en enero y en
julio de cada año.
No obstante, el término haute couture puede que haya sido usado
incorrectamente por marcas de prêt-à-porter (lista-para-usar) desde finales del
año 1980, provocando que su verdadero significado se haya mezclado o
confundido con el de prêt-à-porter ante la percepción del público. Todas las
casas de alta costura también fabrican colecciones prêt-à-porter, que son las
que normalmente les proporcionan más ganancias que sus prendas hechas a
medida. Ingresos decrecientes han forzado a algunas casas de alta costura a
abandonar su división de alta costura, que genera pocas ganancias, y
concentrarse en su división prêt-à-porter menos prestigiosa. Estas casas ya no
se consideran alta costura en sentido estricto.
Muchas casas de diseño de modas exitosas, como Chanel, usan el término
para algunas de sus colecciones especiales. Estas colecciones normalmente
no están a la venta o son muy difíciles de comprar. Algunas veces, el término
se utiliza inapropiadamente para describir actividades que no tienen que ver
con la confección, como artes plásticas, música...
Miembros de la Chambre Syndicale de la Haute Couture
La lista oficial de miembros para la temporada de Primavera-Verano 2012 es:
Miembros oficiales
Chanel (Karl Lagerfeld), Valentino (Maria Grazia Chiuri y Pierpaolo Piccioli),
Christian Dior, Giorgio Armani, Jean Paul Gaultier, Stéphane Rolland y
Giambattista Valli.
Miembros correspondientes (extranjeros)
Elie Saab—Elizabeth—Giorgio Armani—Valentino—Versace13
Miembros invitados
Alexandre Vauthier (fr)—Bouchra Jarrar (fr)—Iris Van Herpen—Julien
Fournié (cada temporada desde la colección PV2011)—Maxime Simoens—
Yiqing Yin (nuevo en la temporada PV2012) —Schiaparelli(Ve)
Joyería
Datos de 2016
Boucheron
Bulgari
Chanel Joaillerie
Chaumet
Dior Joaillerie
De Beers
Louis Vuitton Joaillerie
Accesorios
Loulou de la Falaise
Massaro
On aura tout vu
Dibujo y diseño de calzado
Cada maestrillo tiene su librillo y en el tema de los zapatos es totalmente igual.
En esta ocasión queremos hablar del dibujo y diseño de calzado, de cómo los
diseñadores tienen su propio método para dibujar y diseñar sus colecciones de
calzado.
La mayoría de los diseñadores de calzado para realizar sus colecciones se
ayudan de programas de diseño por ordenador o de plantillas para dibujar a
mano alzada y cada vez son menos los que deciden no utilizar nada de lo
anterior y empezar cada dibujo desde cero.
Pero imaginaros que tenéis que diseñar una colección de más de 100 diseños
y muchos de ellos con la misma estructura de horma y construcción,
es imprescindible utilizar una plantilla base para que todos los diseños sean
iguales, sin olvidar del tiempo que se ahorra.
Métodos de trabajo para diseñar calzado
Cada diseñador de calzado tiene su propio estilo a la hora de dibujar y diseñar
sus colecciones. Dentro del dibujo y diseño de calzado, los métodos más
utilizados son:
Diseñar por ordenador, ya que tienes el archivo base del diseño y lo duplicas
tantas veces como diseños realices.
Fotocopiar e imprimir el dibujo de la silueta de la horma tantas veces como
diseños quieras realizar.
Utilizar plantillas de cartulina con ranuras para marcar las líneas de la horma.
Dibujar desde cero y sin ayuda de plantillas, siendo un problema por la pérdida
de tiempo.
Con el tiempo y la práctica tú decidirás el estilo de trabajo que más se adapte a
tus necesidades y recursos. Siempre es bueno partir de un dibujo base, sobre
todo si no dominas las dimensiones y perspectivas de la horma, siendo
imprescindible para diseñar un zapato correctamente.
Perspectivas y medidas de la horma
En el dibujo y diseño de calzado, el propio dibujo del zapato es muy importante
que se realice con las perspectivas y proporciones correctas, ya que
posteriormente será utilizado por el departamento de Ajuste y Patronaje para
desarrollar la parte técnica del zapato.
Puede resultar un tanto complicado si no se dominan las proporciones y
perspectivas de una horma, por ello las plantillas de dibujo te pueden ayudar a
convertirte en un auténtico diseñador de calzado y que tu trabajo sirva de punto
de inicio para los trabajos posteriores.
Dos tipos de dibujo de calzado: artístico y técnico
Es necesario saber la finalidad de nuestro dibujo de calzado, si va a ser
un dibujo artístico para marcar una tendencia-idea para desarrollar una
colección, o por lo contrario un dibujo técnico para el desarrollo del diseño del
zapato. En el dibujo y diseño de calzado que estamos viendo es tan importante
saber dominar tanto una técnica como otra.
En el dibujo artístico se puede distorsionar las proporciones y medidas del
zapato, con el fin de destacar un detalle queramos dar mayor relevancia. En el
dibujo técnico añadiremos las medidas más importantes para darle le mayor
información al modelista.
Metodología de trabajo con las plantillas de dibujo
Las plantillas de dibujo y diseño de calzado son una gran herramienta para
los estudiantes, entusiastas del diseño de moda y los diseñadores de
calzado que buscan reinventar su método de dibujar zapatos.
Las plantillas de dibujo están compuestas de diferentes vistas en perspectiva,
incluyendo lateral, delantera, trasera y arriba. Podrás utilizar las plantillas para
dibujar tus propios diseños de zapatos de la manera más creativa, únicamente
tendrás que imprimir o fotocopiar tantas plantillas como diseños de calzado
quieras realizar. Las plantillas de dibujo están en un archivo en PDF, de esta
manera te aseguras que la calidad y la resolución de la imagen es de máxima
calidad.
Complemento ideal para los cursos online de calzado
El objetivo de estas plantillas es completar los conocimientos adquiridos en
nuestros cursos de diseño de calzado, donde podrás bocetar las ideas que
tengas en mente.
Te damos todo lo necesario para que saques tus diseños de la cabeza y los
pongas en papel, simplemente imprime la plantilla que más se adapte a tu idea
y comienza a dibujar.
Comienza realizando tus bocetos a mano, utiliza un lapicero y borrador, juega
con el papel para trazar las primeras líneas de referencia de la horma, trabaja
sobre la forma de la punta, la altura del tacón, anchura del empeine,… y diseña
libremente lo que será el diseño base de un modelo de calzado. Ya solo te falta
¡práctica!
Modelo (moda)
Modelos en un desfile en la pasarela.
Modelo es el profesional del sector de la moda que se dedica a exhibir,
vistiendo prendas de ropa u otro accesorio (zapatos, bolsos, cinturones).
Usualmente se asocia la profesión con las mujeres de edad joven, sin
embargo, también hay modelos varones y de todas las edades, incluidos los
pequeños; la belleza con la que se identifica a los modelos es un factor
primordial, aunque en todo caso la selección del modelo busca siempre una
determinada aspecto, expresión corporal y facial, medidas antropométricas y
condiciones específicas (talla, estatura, peso, complexión física) definidas
profesionalmente para conseguir que los artículos presentados resulten
atractivos o causen un determinado impacto en el comprador o target a quien
se dirige la prenda o línea de productos, publicidad o campaña de
comunicación de que se trate.
En el modelaje es posible distinguir dos grandes categorías: la de los modelos
de pasarela (que presentan la obra de los diseñadores de moda, habitualmente
en pasarelas de moda), y la de los modelos de publicidad (vinculados a
la publicidad de cualquier tipo de productos y a la fotografía, artes visuales y
otros tipos de diseño). Cada una de estas categorías requiere un perfil
específico. Así, por ejemplo, la cantante Françoise Hardy y la actriz Brigitte
Bardot fueron modelos de alta costura y prêt-à-porter, respectivamente, pero
sólo ejercieron de modelos fotográficos y no de pasarela.
Distintos tipos de trabajo en la industria del modelaje
Distintos tipos de modelos que trabajan en la industria y los criterios para cada
uno:
Modelo de alta costura
Modelo de alta costura.
Los modelos de alta costura son figuras muy altas que adornan las pasarelas y
las editoriales de las principales casas de moda y diseñadores. En general, las
mujeres deben tener entre 1,70 y 1,83 m, con una talla 4-6 en Estados
Unidos (6-8 en el Reino Unido), con un busto de tamaño típico de 34 pulgadas.
El rango de edad puede ser de 17 a 25 años. Para los hombres es más flexible
y se puede comenzar a partir de la edad de 16 hasta finales de sus 40. Deben
medir entre 1,75 y 1,93 m, un excelente físico y un tamaño de pecho de 94 a
106 cm y 76 a 81 cm de cintura. Los hombres tienden a tener carreras más
largas si saben cuidarse bien.
Modelaje para editoriales
Es el que se realiza principalmente para revistas de moda como Harper's
Bazaar, Vogue, Elle, etc. Los requisitos estándar para estos modelos son
similares a los de alta costura y deben ser personas muy fotogénicas. Muy a
menudo los mismos modelos trabajan en ambos campos, en editorial y en
pasarela de alta moda. Estas editoriales ofrecen buenas exposiciones para los
modelos a pesar de que los honorarios a veces son relativamente bajos. Esto
es normal y puede tomar algunos años adquirir la experiencia necesaria para
obtener un mejor pago.
Modelaje en comerciales
Los anuncios comerciales son un gran mercado que abarca todo tipo de
publicidad gráfica. Esto puede ir desde la publicidad en revistas hasta los
productos en los supermercados y vallas publicitarias. El beneficio de trabajar
en el área comercial como modelo es que el público objetivo de los anunciantes
varían considerablemente. Naturalmente, las marcas quieren atraer y
representar a la gente que compra sus productos, por lo que hay muchas
oportunidades aquí, si tu tipo no es el de alta moda.
Comerciales de televisión
El modelaje en los comerciales de televisión no tiene criterios generales para la
talla, el tamaño y la edad, ya que cada comercial requiere de alguien diferente
y específico para ese trabajo. Por lo general, es necesario tener algunas
habilidades de actuación, pero esta capacidad puede ser natural o adquirida.
Hay muchos tipos de comerciales de televisión, que van desde la estética
estilizada, hasta la estética más real. La gran ventaja de los comerciales de
televisión para una modelo es que las marcas están continuamente buscando
modelos, que el público en general pueda identificar con facilidad. Esto abre las
puertas a casi todo el mundo, que se siente que tienen lo que se necesita para
trabajar en este sector. Normalmente los representados por una agencia de
actores tienen más posibilidades de aparecer en los comerciales de televisión.
Catálogo de modelos
Las empresas crean catálogos (impresos o en la web) para vender sus últimas
líneas de ropa y otros productos. Es trabajo del modelo que las prendas y
productos se vean bien. En esta área encontrará grandes oportunidades para
representar al público de las diferentes empresas. Esto es muy lucrativo para
muchos modelos ya que últimamente hubo un creciente número de sitios web
que requieren modelos para promover sus productos en línea.
Modelaje glamuroso
Es el modelado que hace hincapié en la sexualidad de un modelo. Puede variar
desde la lencería y trajes de baño, hasta la fotografía artística y de desnudos.
La belleza de estos modelos suele ser calificada como sexy, y se demanda de
ellos poseer confianza y una personalidad muy extrovertida. Las restricciones
de altura tienden a no aplicarse en este tipo de modelado.
Modelos masculinos
David Gandy y Simon Nessman, modelos masculinos más cotizados.
Los más famosos modelos masculinos ganan de 200.000 a 500.000 dólares al
año. La mayoría viven menos glamurosamente de trabajo de catálogo.
Campañas publicitarias de fragancias y ropa de diseño exclusivo son los
negocios más lucrativos. Un modelo puede ganar entre 8.000 a 15.000 dólares
por sesiones de fotos para catálogos, que duran un día. En 1996, el modelo
mejor pagado al parecer hizo 1 millón de dólares por año.
Modelos de tallas grandes
Hay un nuevo tipo de modelaje para cuerpos de tallas más grandes, desde la
talla L a la XXL. Este tipo de modelo está en auge y es un fenómeno
relativamente nuevo. Cada vez más anunciantes utilizan modelos de grandes
tallas para promover sus productos en un intento de apelar a un perfil
demográfico más amplio. Los modelos de grandes tallas deben tener una piel
lustrosa, buenos dientes, pelo brillante y tener algo especial. Los requisitos de
altura se mantienen en un mínimo de 1,70 m, como los modelos de alta
costura.
Modelos de la vida real, "extras" de cine y televisión
Los modelos de la vida real se utilizan en la publicidad o las campañas de las
empresas, cuando se buscan representar a una persona corriente, como en
la figuración (extras de cine y televisión).
Agencias de modelos
Una modelo en una sesión fotográfica.
El modelaje de ropa o accesorios forma parte del gran negocio de la moda,
donde las agencias de modelos concurren junto a diversas actividades,
profesiones e industrias como: diseñadores, productores, fotógrafos, estilistas,
maquilladores, marcas de ropa; como también los medios de
comunicación (prensa generalista y especializada -revistas de moda-
, televisión, cine, internet y las redes sociales) e incluso la medicina estética.
Los modelos con el correr del tiempo y la exaltación de la belleza la imagen, se
han convertido en verdaderas celebridades que han adquirido fama mundial,
tanto como los diseñadores de ropa. El mundo de las modelos se asocia a
fama, dinero y un estilo de vida glamuroso.
Su contratación se realiza a través de una agencia de modelos, pero cuando se
requiere que el modelo(s) tenga algo especial, suele hacerse
un casting presencial o casting en-línea a través de un portal de modelos. Los
instrumentos esenciales para la modelo son el book (álbum con sus mejores
fotos) y el composit (cartulina en la que se recogen cinco fotografías de la
modelo; una de ellas en traje de baño y donde aparecen su nombre, estatura,
medidas, color de los ojos y cabello, y nombre y dirección de la agencia).
Internet también ha revolucionado el flujo natural de búsqueda y contratación
de los modelos; hoy en día existen varias plataformas (intermediarios)
dedicadas a conectar las modelos con agencias que funcionan en todo el
mundo.
Moda pasada
"Falda coja", 1910
A principios del siglo XX, las faldas se pusieron notablemente más angostas,
pero la época de las telas elásticas aún no había llegado y sus prendas
se podían romper al caminar. Por lo tanto, las damas tenían que llevar bucles
especiales que no les permitían dar pasos demasiado grandes, haciéndolas
parecer cojas.
Brasier bala, 1940-1950
Fue una tendencia graciosa pero provocativa. A pesar de que la forma de este
sostén no era nada anatómica, su ventaja indiscutible era que se podía
convertir cualquier atuendo aburrido en uno erótico.
Peinado "panal de abejas", 1960
Es indiscutible que el cabello recogido arriba se ve hermoso. Pero hay que
tener medida en todo: llevar un panal de abejas en la cabeza luce más cómico
que elegante.
Patrones psicodélicos, 1960-1970
Se cree que estos estampados nacieron en San Francisco, en el centro
de la cultura hippie de los Estados Unidos. Tanto hombres como mujeres
vestían camisas y vestidos coloridos con todo tipo de patrones increíbles.
Moda masculina, los 70’s
La moda excéntrica masculina de la década del ’70 merece un artículo aparte.
¿Acaso de verdad se ponían todo esto? Sí y no. Porque también en nuestros
tiempos no todo el mundo sigue ciegamente las tendencias de moda: algunos
prefieren vestirse de manera más conservadora.
Peinado mullet, los 70’s — 80’s
Este peinado se usaba en el siglo XIX por los pescadores estadounidenses,
dejando el cabello largo en la parte posterior para no resfriar el cuello.
En la década de 1970 la moda volvió de repente y también fue popular entre
mujeres.
Hombreras, los 80’s
El efecto de los hombros exageradamente anchos se lograba usando las
hombreras enormes que hoy en día se ven un poco extrañas. Aunque los
famosos excéntricos (por ejemplo, Lady Gaga) con gusto usan este elemento
en su vestuario.
Trajes para aeróbicos, 1980
La combinación de las polainas calientes y bragas puestas por encima
de la ropa deportiva hoy en día se ve ridícula. Pero todas las reinas del fitness
en los 80’s lucían así. Por cierto, también los hombres se ponían estos
atuendos. ¿Pero por qué no sorprendemos? ¡Si incluso Batman y Superman
también traían calzones puestos por encima de sus trajes de superhéroes!
Cabello esponjado, 80’s
Pocas chicas bonitas no se esponjaban el cabello ni usaban laca. El rizado
permanente estaba de moda.
Colorete agresivo, los 80’s
El colorete intenso de vez en cuando regresa, pero no todas las chicas
se atreven a salir de la casa con las mejillas de color rosa intenso.
Cangurera, los 90’s
Claro que es un accesorio muy práctico, pero es más adecuado para los
vendedores callejeros y personas que necesitan tener sus herramientas
de trabajo a la mano.
Zapatos de plataforma enorme, los 90’s
En 1990 el alto de la plataforma llegaba a tamaños amenazadores y a veces
provocaba accidentes. Y sí, no solo las chicas usaban este calzado.
Pantalón de mezclilla con cintura baja, los 2000
Este tipo de pantalones también se usa hoy en día, pero ahora al menos
cubren todos los órganos necesarios y no presumen la ropa interior
(o su ausencia) a todo el mundo.
Bronceado artificial, los 2000
A principios de los 2000 el bronceado artificial se hizo muy famoso.
Seguramente hoy en día algunas personas ven sus fotos de aquella época con
terror. Aunque algunos (por ejemplo, el presidente del país que todos
conocemos) presume su bronceado color zanahoria hasta hoy en día.
Pantalones bombachos, los 2010
Este tipo de pantalones, al igual que "la falda coja" limitan el movimiento.
Aunque, para qué tener prisa, ¿verdad?
En los 70s los estilos más populares era:
1- Vestido estilo pradera o campesina
2- Vestidos estilo imperio
3- Chalecos y ropa hecha de crochet
4- Ropa de poliéster
5- Vestidos para bailar disco con faldas amplias y materiales ligeros
6- Pantalones de pierna baja ancha (tipo campana) y ajustados en la ante
pierna.
7- Afros en el pelo
Moda en los 80s
Los 80s fueron años de gran crecimiento económico y más mujeres entraron a
la fuerza laboral que en las décadas anteriores. Los estilos más populares de
los 80s:
1- Hombros exagerados
2- Mezclilla descolorida en jeans y chaquetas
3- Blusas con revuelos o con tiras para amarrar al frente tipo corbata o lazo
4- Pantalones de cintura alta
5- Faldas debajo de la rodilla hasta la mitad del tobillo
6- Colores fuertes y colores neón
