HISTORIA DEL ARTE IV

HISTORIA DEL ARTE IV

ARIAS MARTÍN – LICENCIATURA EN ARTES PLASTICAS

MONOGRAFÍA
 HISTORIA DEL ARTE IV

HISTORIA DEL ARTE IV

Monografía – Trabajo Practico
Arias Martín · Licenciatura en artes Plásticas

“En una cara, busca la luz y la sombra natural, el resto llegará solo, y
a menudo no será importante.” - Édouard Manet
INTRODUCCIÓN
La luz siempre ha Sido desde tiempos inmemoriales un foco de atención en las diferentes
disciplinas de estudio a lo largo de toda la historia. No es para menos, la luz tal cual la conocemos
es algo que está, pero no la vemos, sin embargo, forma parte de nuestra vida diaria: nos permite
ver y contemplar todo lo que nos rodea, hace que crezcan las plantas que nos alimentan y
producen el oxígeno que respiramos, influye en nuestro estado de ánimo, e incluso a lo largo de
los años se ha transformado inclusive en una innovadora fuente de energía y herramienta de
comunicación. Pero más allá de todo lo que ya sabemos, la luz también cumple un rol para nada
menos importante en la vida del ser humano: El arte.
Desde una perspectiva pictórica resulta un tanto complicado precisar con certeza desde cuándo el
artista comienza a fijarse en la luz y la aplicación de diferentes procesos ligadas a esta. En
la pintura, por ejemplo, la Luz tiene un papel primordial en las obras. Las luces y las sombras son
las que dan volumetría, contornean y ubican en los planos de representación. La luz, y todo lo
que simboliza, rezuma ubicuidad en todos los cánones de la historia del arte. Desde siempre, los
artistas han iluminado sus obras a través de un amplio abanico de métodos, expresar la luz desde
dentro y desde fuera ha formado parte del modus operandi de los artistas desde antaño. El uso y
manejo de la luz se considera un factor clave para lograr la belleza y el equilibrio de la pintura,
después de todo, la iluminación es tanto literal como metafórica, y el arte es en ese sentido es
una de las mayores herramientas para acabar con las sombras de la mediocridad.
Es por ello que en la siguiente monografía haremos énfasis principalmente en las diferentes
maneras y formas de aplicación de la luz, analizando cada una de las experimentaciones que
llevaron a cabo los artistas, precursores del modernismo y agrupados bajo el movimiento
impresionista, movimiento que se desarrolló durante la segunda mitad del siglo XIX.
Examinaremos en detalle a cada uno de estos pintores y descubriremos el por qué incorporaron la
luz en su búsqueda conceptual de la representación visual, y cuáles fueron las principales causas
que desembocaron en este movimiento rupturista.

[Fecha] 2
 HISTORIA DEL ARTE IV

CONTEXTO
El movimiento impresionista ocurre como la consecuencia de un gran cambio social, durante
finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XXI. Se produce en Europa una serie de
acontecimientos la revolución industrial, la revolución francesa, la restauración de los
movimientos sociales y las reformas burguesas. Aquella filosofía racionalista de los ilustrados en
el siglo de las luces dónde se pregonaba la razón humana se desvanece junto al Romanticismo,
quedando atrás aquellas ideas estilísticas donde el arte se regía a través del sentimiento, la
imaginación y las pasiones del ser humano. Comienza entonces a surgir un sentimiento
nacionalista, el cual la sociedad comienza a empatizar.
Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo), se produce un
crecimiento económico en Europa. El comercio se empieza a hacer fuerte y se intensifica, el
progreso técnico lleva a la consolidación de la burguesía.
La filosofía de entonces es positivista y realista, dónde se prueban las cosas y se exige la
transformación del mundo. Sin ir más lejos el arte comenzaba a cambiar en paralelo con la
sociedad, ante este mundo cambiante, el arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX ofrece el
camino del impresionismo que supone el origen del arte contemporáneo.

DESTELLOS DE UNA LUZ DESCONOCIDA

La aparición del impresionismo es el resultado de grandes cimbrones en la sociedad. A finales del
siglo XVIII y la primera mitad del XIX se produjeron una serie de cambios: la Revolución Industrial,
la Revolución Francesa, el Imperio Napoleónico, la restauración de los movimientos sociales y la
reforma de la burguesía. Se corresponde con una transformación social y filosófica, por un lado, el
florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo.
En cuanto al arte, subordinada a estos cambios comienza a verse una nueva realidad. Tras el
desarrollo del Salón de París en 1874, los primeros impresionistas cansados de escuchar el
desprecio y el rechazo de sus obras por parte de los jurados, se funda la Sociedad Anónima
cooperativa de Artistas, principalmente por iniciativa de Pisarro, formada por pintores,
grabadores y escultores del momento. Estos artistas eran considerados opositores a los cánones
tradicionales y son fuertemente rechazados, la búsqueda hacia las tendencias más innovadoras de
estos iba totalmente en contra al arte tradicional y academicista establecido en aquel entonces,
cabe destacar que el prestigio de la Academia francesa se basaba en una larga tradición que se
remontaba al siglo XVII, esta institución determinaba, en definitiva, el destino de los artistas.

[Fecha] 3
 HISTORIA DEL ARTE IV

Las exposiciones de los impresionistas supusieron un paso fundamental en la independencia del

artista moderno con respecto a las instituciones académicas y en la creación de un mercado
privado de arte.
Nace entonces como una ruptura conceptual una idea que tendrá personalidad propia y marcará
la aparición del arte moderno, a raíz de ello se prolongará una nueva percepción de la luz y
formará parte de un nuevo lenguaje artístico. Los impresionistas se volcaron por los temas de la
pintura al aire libre y la vida cotidiana, sus pinturas intentan plasmar de forma directa y
espontánea los momentos del mundo que ven, por ello se centran en la iluminación, un elemento
característico que aparece en todas sus obras. Este tipo de luz tiende a difuminar el contorno y
reflejar los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra, esas áreas oscuras
cambiaron de tonos oscuros a colores complementarios de los tres colores principales, esta
decisión también aportó una manera diferente de resolver la profundidad en una pintura en sí.
Este innovador procesamiento técnico, destrozó los colores producidos por el reflejo de la luz, de
modo que los contornos y los dibujos de líneas desaparecieron, dejando manchas, es decir, líneas
rugosas. Los impresionistas buscaban plasmar impresiones y sensaciones como base de un medio
de expresión original (Smith y Garb,2006, p.31). Ven colores que conforman cosas, y esto es lo
que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones
atmosféricas, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser
representado artísticamente.
Se debe definir a los impresionistas por un conjunto de valores que difieren de un artista a otro,
tales como su elección de escenas de la vida moderna a los efectos de la atmosfera en un paisaje
natural o urbano como tema principal (Smith y Garb,2006, p.10)

ARTISTAS DE LA LUZ MODERNA

“Impresión, sol naciente” - 1872
Claude Monet
Podría decirse que Monet fue el líder indiscutible del movimiento impresionista. Su infancia la
pasó en la localidad francesa de El Havre, donde se inició en la pintura de paisaje pintando la
costa normanda. Tras estudiar en la Académie Suisse de París, durante un corto periodo de
tiempo, decidió dedicarse a la pintura autodidacta al aire libre, en busca del estudio de los efectos
de la luz y su impresión sobre la naturaleza.
Monet da una vuelta de página definitiva en la historia de la Pintura con su "Impresión, sol
naciente" de 1872, será esta la obra que dará nombre al movimiento Impresionista. Monet pinta
la puesta de Sol en el puerto de Le Havre, ciudad en la que este pintor parisino pasó gran parte de

[Fecha] 4
 HISTORIA DEL ARTE IV

la vida, y tradujo en el lienzo la sensación tan característica y novedosa que comenzaba a

pregonarse en el círculo artístico, aquí el verdadero protagonista del cuadro son los efectos de la
luz. Si de comparar se trata, esta obra nos recuerda al "Puerto" de Claude Le Lorrain de 1639 y
"Lluvia, vapor y velocidad" de Turner de 1844. Aunque la temática de estos cuadros es similar,
existe un cambio de sensibilidad hacia los efectos relacionados con la luz y la percepción. Las
pinceladas aquí son inauditas: libres, rápidas y directas, Monet ejecuta la composición de forma
espontánea, su vibrante y enérgica pincelada permite a las formas desaparecer casi por completo.
Impresión, Amanecer refleja la búsqueda de Monet de la expresión espontanea (Smith y
Garb,2006, p.13).
Algo que debemos destacar de esta maravillosa es como el artista, fija el objetivo de captar el
momento y los efectos de luz. La composición emplea colores puros y luminosos, no utiliza el
color negro, y las sombras las realizan con el color complementario correspondiente. Sobre el mar
se ve reflejado el Sol naciente con estridentes manchas de color naranja con pinceladas
horizontales, a medida que se acercan al primer plano estas parecen separarse, tres botes de
remos se pierden en la profundidad de la obra difuminados por la atmósfera, una basta y
contundente neblina propia del amanecer atenúa la luz anaranjada del sol transformando toda la
escena. Esta atmósfera hace que apenas se vislumbren los muelles del puerto y las barcas, la luz
que llega casi a desmaterializar las formas. Monet se fija principalmente en ese novedoso detalle,
realiza series de pinturas con diferente iluminación, según la hora del día y la proyección del sol,
el artista trabajó en sus lienzos solo durante algunos minutos antes de moverse a otro punto de
vista para ajustar los cambios que se daban en la luz incluso en este corto periodo de tiempo
(Smith y Garb,2006, p.24).
Profundiza su investigación con una serie de cuarenta pinturas sobre la fachada de la Catedral de
Rouen, pintada entre 1892 y 1994. La luz será una revelación en cada momento que producirá
sensaciones y colores singulares y diversos, la obra del francés será por excelencia el ejemplo más
significativo de esa investigación.

“El Bar de Folies-Bergère” -1881/1888

Eduard Manet
Esta obra es una de las piezas más reconocibles del pintor francés, siendo realizada poco antes de
su fallecimiento. El artista nos sumerge en escena muy característica de las noches parisinas y
que varios hicieron de esta una representación habitual entre los artistas que componen el
impresionismo y postimpresionismo. La forma frontal en la que se representa la escena nos invita
a introducirnos en la misma, enfrentándonos a primera vista con la figura de la camarera en el

[Fecha] 5
 HISTORIA DEL ARTE IV

centro de la composición, su rostro, como extraviado y con la mirada perdida aparece limpia en su
rosada tez juvenil, sus ojos ausentes no nos dicen nada. Es como si estuviese a la expectativa,
aguardando a que demos el primer paso. Detrás de la dama, un espejo refleja el espacio que hay a
nuestras espaldas, agrandado la amplitud de la obra. Pero además de eso, la escena también sirve
para Manet presente un excelente bodegón de botellas, de vasos o de frutas, la iluminación aquí
empieza a tomar protagonismo. Los colores son vivos y claros. No mezclados en la paleta, sino
superpuestos en el lienzo y contrastados. Es un cuadro luminoso, a comparación con la obra
anterior, esta escena no ha sido realizada al aire libre, gracias a la iluminación eléctrica el artista
ha podido desenvolverse de una manera distinta, el cuadro posee un color natural y apenas se
generan sombras ni hay fondos oscuros. Muestra el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al
introducir un espejo en el fondo, que refleja tanto la profundidad de la sala como las grandes
"luminarias" de araña que producen una luz difusa y menos directa que el sol, y, por lo tanto, más
difícil de pintar.

“Mujer con collar de perlas en un palco” - 1879

Mary Cassat
Nacida en Estados Unidos, Mary Cassatt viajó a Francia para su formación artística y permaneció
allí durante la mayor parte de su vida y su carrera. Allí fue reconocida por los artistas
contemporáneos, por su talento, y se convirtió en el único artista estadounidense que expone
junto a los impresionistas en París.
Cassatt se interesa por el ambiente teatral, esta fue pura influencia de otro artista impresionista:
Edgar Degas, también representaría a mujeres en casa, en el parque o el autobús, pero nunca en
lugares que hubieran resultado inconvenientes para una dama de la burguesía acomodada, como
un café, la tensión que se plantea entre ambos polos es el indicador de la compleja situación
social de la que surgió. Al ser el retrato de un familiar, el cuadro supone algo más que la
representación de un modelo concreto de persona; al ser una representación de una mujer
espectacularmente bella puede encajar sin problemas dentro del género pictórico del que arranca
(Smith y Garb,2006, p.268). “Mujer con collar de perlas en un palco” es una obra muy interesante
ya que es un claro ejemplo de investigación de los efectos de la luz que en este caso es artificial,
las lámparas del techo iluminan por completa la escena. Hay que tener en cuenta, que el invento
del alumbrado de gas es reciente, y eso no solo se ve reflejado en el tratamiento lumínico de esta
pintura sino en el gesto de fascinación en ella, a su vez, no mira al escenario, sino a los puestos del
palco que aparecen en el espejo detrás. Lidia parece provenir de una familia de alto poder
adquisitivo y esto se ve reflejado principalmente en el elegante atuendo que lleva y los atributos

[Fecha] 6
 HISTORIA DEL ARTE IV

que acompañan al mismo, un blanco y brillante vestido, su postura y por supuesto el lugar donde
se encuentra.
La luz refulgente de la lámpara de araña no solo se vierte hacía delante, por encima de la mujer
del collar de perlas, sino que con el reflejo del espejo posterior produce un contraluz, este efecto
de reflejo es utilizado por la artista para obtener una visión más amplia del teatro. La luz brilla
sobre sus hombros blancos que aparecen al descubierto, descansando sobre el guante de la mano
derecha con la que sostiene el abanico. Toda la obra parece bañada en una luz roja y dorada,
Mary Cassat logra con esta obra un cuadro completamente armonioso.
Combinó los tonos claros de la luz, incorpora las pinceladas sueltas del impresionismo con la
composición influenciada por el arte japonés y los viejos maestros europeos, Cassat trabajó en
diversos medios a lo largo de su carrera. Cuando pocas mujeres son consideradas artistas serias,
esta versatilidad la ayudó a tener éxito en su carrera.

“Los comedores de patatas”- 1885

Vicent Van Gogh
Entre los años 1885 y 1888, Vincent van Gogh, residió en París, donde entró en contacto con los
impresionistas, los neo-impresionistas y los puntillistas. “Los comedores de patatas” es
considerada la primera gran obra maestra del holandés, en este trabajo ya vemos la apuesta de
Van Gogh por la expresividad que sería su seña de identidad, podríamos decir que es la obra
cumbre del pintor como pintor realista, donde en sus obras se hablaba de la miseria y la
desesperanza, es en este periodo donde retrató a la gente humilde, a lo largo de toda esta etapa
de formación, su arte se muestra muy influido por el realismo típico de la escuela pictórica
holandesa.
En cuanto a la composición, el artista representa una pobre estancia, iluminada por una lámpara
de petróleo, en donde los campesinos se sientan a la mesa para cenar patatas, las mismas se
encuentran en casi en el centro de la escena y sobre una bandeja donde los comensales se
disponen a servirse, a la derecha de la composición sobre la mesa se pueden ver 4 tazas blancas
donde una de las mujeres vierte el contenido de una tetera. Van Gogh utiliza colores violentos y
exagera las líneas para conseguir una expresión más intensa del sufrimiento que significa
pertenecer al proletariado francés.
Las patatas correspondían a la base alimenticia de los campesinos y a la clase baja de la época,
impresiona las patatas iluminando el ambiente al reflejar la luz, y el silencio sepulcral de los
comensales como la representación casi ritual de servir el café o tomar las patatas sin ansia o
apetito. Aquí los personajes emanan escasez e infelicidad en un ambiente reducido, víctima de la

[Fecha] 7
 HISTORIA DEL ARTE IV

pobreza y de sus necesidades materiales, el mensaje es duro y conciso. Para Van Gogh la
expresión consistía precisamente en este “hacer salir” de las cosas su más auténtico significado.
(Micheli, 2014,p.28)
La Luz aquí tiene un tratamiento muy particular, la misma es artificial y se caracteriza
principalmente por ser de muy baja intensidad, la misma es tenue producido por una lámpara de
aceite que ilumina la habitación para crear el efecto de suave tristeza, de paz y afecto, como
también de profundidad y melancolía. La misma se irradia desde arriba y remarca esos rasgos de
sus rostros carentes de idealización, muestran del duro trabajo diario de los campesinos de
aquella época, esta luz los ilumina a todos por igual siendo el único elemento que aporta cierta
unidad a la escena. La luz débil carece de viveza, el oscuro colorido y la actitud de los personajes
convierten la escena en una imagen casi mística, dejando en evidencia el estado de ánimo del
mismísimo Van Gogh, y el contacto que tenía para con los campesinos. Podemos decir que nos
recuerda la pintura oscura de Goya, donde la luz artificial, que aporta un quinqué de petróleo,
produce una luz débil y amarillenta.

“Une baignade à Asnière” -1884

Georges Pierre Seurat
La obra de Seurat constituye uno de los intentos más renovadores y coherentes de la pintura de
su tiempo. Seurat, en los pocos años que duró su actividad, desarrolló una sistematización de los
principios del Impresionismo, sometiéndolos al rigor de la ciencia y la teoría. Nacido en París, su
formación se inició en 1875 en la escuela municipal de dibujo. Para este artista la pintura era un
equilibrio, desarrollado desde la teoría y la reflexión, entre orden y estructura. De ahí, que sus
cuadros, profundamente meditados y realizados con una ejecución lenta, fueran lo más contrario
a las improvisaciones sensoriales de los impresionistas.
Los dibujos y cuadros de Seurat constituyen un intento de restaurar el significado social y político
de la obra de arte (Eisenman,2001,p.291) , “Une baignade à Asnière” es sin duda alguna un claro
ejemplo de ello.
Se trata de una tela pintada al óleo por el artista entre los años 1883 y 1884,
La escena es bastante sencilla, nos muestra a miembros de la clase obrera y el
artesanado bañándose a orillas del río Sena, cerca de un humoso suburbio industrial, en el
noroeste de París. Esta zona era un área donde los parisinos concurrían únicamente en los días
estivales para andar en barca o simplemente para refrescarse luego de una extensa jornada
laboral.

[Fecha] 8
 HISTORIA DEL ARTE IV

Seurat pinta los personajes y nos hace recordar a las esculturas clásicas, por la simplicidad de sus
poses y por sus contornos lisos, podemos destacar en todos los personajes, una piel pálida y unos
rostros inexpresivos y en algunos casos casi inexistentes. Los personajes del cuadro de Seurat
también parecen aislados unos de otro, ninguno intercambia palabras entre sí, pareciese que cada
uno corresponde a una escena distinta. Al fondo de la escena está el puente en Clichy y algunas
fábricas, sobre los edificios hay seis chimeneas altas.
Esta obra nos presenta un tema claramente impresionista, sin embargo, el tratamiento pictórico
para ejecutarlo es bien distinto. Las obras de Seurat no estaban realizadas con pinceladas largas,
sino que se componían de incontables puntos, por eso fueron conocidos como Puntillistas o
Divisionistas. Seurat rompe con las figuras ya que el artista no las dibuja, sino más bien las
construye a través de puntos. El resultado es innovador, los estudios cromáticos llevados a cabo
por Seurat (1859-1891) se convierten en la identidad propia del artista, estos puntos mirados a
cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas en el plano de expresión, de esta
manera al mirar la obra desde cierta distancia, nuestra visión interpreta el paisaje y los matices de
color del cuadro.
La principal aportación de Seurat es la cuidadosa fragmentación que hace de textura, luz y color,
lo cual se aprecia sobre todo en el agua resplandeciente, trémula a causa de una brisa que apenas
hincha las velas de los botes.
En cuanto a la luz, podemos ver en la obra de Seurat, como la luz incide en la misma, ya que sus
sombras situadas a la derecha del cuadro nos revelan que están tomando el sol. Es importante la
forma en la que Seurat refleja como la luz aparece en el agua, creando reflejos blancos, verdes y
azules. Aunque la luz viene del lado derecho (las sombras de las figuras se proyectan hacia la
izquierda), hay una calidad luminosa y una tensión entre el entorno industrial y estos hombres
inmóviles sentados en la orilla del río.

CONCLUSIÓN
Haciendo una investigación más precisa durante el desarrollo de este informe hemos podido ver
la importancia que ha tenido la luz en el arte moderno, desde sus comienzos hasta sus últimas
representaciones. A diferencia de otros estilos posteriores, el Impresionismo no se manifestó
como una escuela, ni publicó manifiesto (como ocurrió más tarde con el futurismo, el dadaísmo,
el surrealismo y otras vanguardias), sino que fue un brote inconexo y espontáneo de varios

[Fecha] 9
 HISTORIA DEL ARTE IV

pintores franceses, no tenían conciencia de grupo, aunque todos reclaman la libertad al

seleccionar sus motivos de inspiración.
La aparición de este afán de pintar la luz se debe a varios motivos, los cimbrones sociales como
las revoluciones en Europa fueron determinantes en la aparición de los primeros impresionistas,
el crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes que
transforman radicalmente a Europa, este desarrollo desencadena en la aparición de la iluminación
artificial en París, junto a otros inventos como el cine, la fotografía (que permitía ver cosas que el
ojo humano no percibía), marcaron un punto de inflexión en la producción artística. Cobra
relevancia la noche y sus habitantes, la aparición de estos locales nocturnos, el paseo, las
cantantes de cabaret, el ballet, teatros, los cafés y tertulias. Estos lugares con muchas luces, sin
duda alguna sirvieron para los impresionistas para desarrollar una forma diferente de representar
sus trabajos.
La concepción de la realidad cambia a un ritmo vertiginoso y todo esto afecta profundamente al
arte, esto despertó una actitud de rebeldía contra la Academia francesa que establecía leyes
rígidas en el mundo artístico, los jóvenes impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la
comunidad artística tradicional.
Algo en común que hemos podido ver en los artistas que analizamos en este informe es que estos
se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta
representación de sus formas, priorizando la atmósfera lumínica por encima de otros apartados
pictóricos.
El color no existe, ni tampoco la forma; solo es real para el pintor la relación aire-luz. De este
modo, la luz es el verdadero tema del cuadro y por esto repiten el mismo motivo a distintas horas
del día. La calidad y la cantidad de luz (no la línea o el color) es la que nos ofrece una u otra
configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida
capaz de captar algo tan cambiante.
El pintor impresionista es oportuno, debe pintar rápido para capturar este momento. La
iluminación sea natural o artificial varia con el tiempo y eso lo convierte en un artista que debe
trabajar rápido para poder captar la escena. El efecto de la luz sobre materiales sólidos, como
paredes exteriores de edificios o el paisaje urbano es una excusa para analizar la percepción y los
cambios de color subordinada a la luz, experimentan en diferentes momentos bajo la acción
cambiante. Con los postimpresionistas, la luz artificial y el color comenzaron a alejarse de las
teorías científicas del puntillismo y se presentarán como elementos sutiles, nuevos y con una
expresión plástica sugerente.

[Fecha] 10
 HISTORIA DEL ARTE IV

Ei impresionismo más allá de mostrarse como una nueva forma de ver la realidad es una nueva
forma de cuestionar la mirada, los artistas de este periodo fueron más allá de eso, se enfocaron
en recuperar la inocencia del ojo, como ver sin saber lo que se ve.

[Fecha] 11
 HISTORIA DEL ARTE IV

Claude Monet, “Impresión, sol naciente”,1872, óleo sobre lienzo, 48 × 63 cm.

Eduard Manet “El Bar de Folies-Bergère”,1881-1888, óleo sobre lienzo, 96 cm × 130 cm.

[Fecha] 12
 HISTORIA DEL ARTE IV

Mary Cassat, “Mujer con collar de perlas en un palco”,1879, óleo sobre lienzo, 81,3 x 59,7 cm

[Fecha] 13
 HISTORIA DEL ARTE IV

Vicent Van Gogh, “Los comedores de patatas”,1885, óleo sobre lienzo, 114 x 82 cm

Georges Pierre Seurat, “Un baño en Asnieres”,1884, óleo sobre lienzo, 200 × 300 cm.

[Fecha] 14
 HISTORIA DEL ARTE IV

BIOGRAFÍA
 EISENMAN, Stephen, “Preimpresionismo,Impresionismo, Neoimpresionismo”,2001.
 MICHELI, Mario, “Las vanguardias artísticas del siglo XX”,Madrid,Alianza,2014.
 SMITH, Paul, “Impresionismo”,Madrid,Akal,2006
 BRIONY, Fer, “La modernidad y lo moderno”,Akal,1998
 GLUSBERG, Jorge, De la Escuela de Barbizon a Van Gogh [Catálogo],Buenos Aires, Museo
Nacional de Bellas Artes, 1996.

 EISENMAN, Stephen. F et ál., “Manet y los impresionistas”, en Historia crítica del arte del
siglo XIX, Madrid, Akal, 2001.
 NOVOTNY, Fritz, “El impresionismo francés” y “La situación en los años 1880”, en Pintura
y escultura en Europa, 1780-1880, Madrid, Cátedra, 1978.
 REYNOLDS, Donald Martin, Introducción a la Historia del Arte. El siglo XIX, Londres,
Madrid, Editorial Gustavo Gilli, 1985.

SITIOS WEB CONSULTADOS

 [Link]
 [Link]
 [Link]
tulo2%[Link]
 [Link]
movement/impresionismo#!#resultType:masonry
 [Link]

[Fecha] 15