Museo del Prado 1

Museo del Prado

Museo del Prado

Vista general.
Información geográfica

Coordenadas 40°24′50″N 3°41′33″OCoordenadas: 40°24′50″N 3°41′33″O

País  España.

Ciudad Madrid.

Información general

Construcción Proyecto aprobado en 1786 (originalmente para albergar el Real Gabinete de Historia Natural).

Inauguración 19 de noviembre de 1819, 193 años.

Superficie [1]
41.995 m².

Director Miguel Zugaza (desde 2002).

Presidente (del Real Patronato) José Pedro Pérez-Llorca (desde 2012).

Conservador (Director adjunto de Conservación e Investigación) Gabriele Finaldi (desde 2002).

Información visitantes

Visitantes/año [2]
2.911.000 (2011).

Dirección Calle Ruiz de Alarcón, 23 (Retiro).

Metro Atocha
Banco de España

Sitio web [3]

Página del Museo.

Otros datos de interés Bien de Interés Cultural

9 de marzo de 1962
RI-51-0001374
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El Museo Nacional del Prado, en Madrid,

España, es uno de los más importantes del
mundo,[5][6] así como uno de los más visitados
(el undécimo en 2010).[7]
Singularmente rico en cuadros de maestros
europeos de los siglos XVI al XIX, su principal
atractivo radica en la amplia presencia de
Velázquez, El Greco, Goya (el artista más
extensamente representado en la
[8]
colección), Tiziano, Rubens y El Bosco, de los
que posee las mejores y más extensas
colecciones que existen a nivel mundial,[9][10] a [4]
Las puertas de Goya (alta y baja) del Museo.
lo que hay que sumar destacados conjuntos de
autores tan importantes como Murillo, Ribera,
Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto o Van
Dyck, por citar solo algunos de los más
relevantes.

Por crónicas limitaciones de espacio, el museo

exhibía una selección de obras de máxima
calidad (unas 900), por lo que era definido como
«la mayor concentración de obras maestras por
metro cuadrado». Con la ampliación de Rafael
Moneo, se previó que la selección expuesta
crecería en un 50%, con unas 450 obras más.[11]
En julio de 2011, muy avanzada la
reorganización de las salas, la exhibición
permanente ha sumado unas 300 obras, por lo
Estatua de Murillo frente a la puerta homónima (entrada sur).
que el total expuesto llega a 1.150, de un
inventario de más de 8.600.[12] Además de las
pinturas, el Prado posee alrededor de 950
esculturas, 6.400 dibujos, 2.400 grabados, 800
objetos de artes decorativas, 900 monedas y 800
medallas.[13]

Al igual que otros grandes museos europeos,

como el Louvre de París y los Uffizi de
Florencia, el Prado debe su origen a la afición
coleccionista de las dinastías gobernantes a lo
largo de varios siglos. Refleja los gustos
personales de los reyes españoles y su red de
alianzas y sus enemistades políticas, por lo que
es una colección asimétrica, insuperable en Claustro de los Jerónimos, en la ampliación.
determinados artistas y estilos, y limitada en
otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.

El Prado no es un museo enciclopédico al estilo del Museo del Louvre, el Hermitage, la National Gallery de
Londres, o incluso (a una escala mucho más reducida) el vecino Museo Thyssen-Bornemisza, que tienen obras de
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prácticamente todas las escuelas y épocas. Por el contrario, es una colección intensa y distinguida, formada
esencialmente por unos pocos reyes aficionados al arte, donde muchas obras fueron creadas por encargo. El núcleo
procedente de la Colección Real se ha ido complementando con aportaciones posteriores, que apenas han
desdibujado su perfil inicial. Muchos expertos la consideran una colección «de pintores admirados por pintores»,
enseñanza inagotable para nuevas generaciones de artistas, desde Manet, Renoir y Toulouse-Lautrec, que visitaron el
museo en el siglo XIX, hasta Picasso, Matisse, Dalí, Francis Bacon y Antonio Saura, quien decía: «Este museo no es
el más extenso, pero sí el más intenso».[14]
Las escuelas pictóricas de España, Flandes e Italia (sobre todo Venecia) ostentan el protagonismo en el Prado,
seguidas por el fondo francés, más limitado si bien incluye buenos ejemplos de Nicolas Poussin y Claudio de
Lorena. La pintura alemana cuenta con un repertorio discontinuo, con cuatro obras de Durero y múltiples retratos de
Mengs como principales tesoros. Junto al breve repertorio de pintura británica, circunscrito casi al género del retrato,
hay que mencionar la pintura holandesa, una sección no demasiado amplia pero que incluye a Rembrandt.
Aunque sean aspectos menos conocidos, el museo cuenta también con una importante sección de Artes decorativas
(Tesoro del Delfín) y con una destacada colección de esculturas greco-romanas.
Junto con el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía, el Museo Nacional del Prado forma el Triángulo
del Arte, meca de numerosos turistas de todo el mundo. Esta área se enriquece con otras instituciones cercanas: el
Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando y otros pequeños museos.

Historia
El edificio que alberga el Museo del
Prado fue concebido inicialmente por
José Moñino y Redondo, conde de
Floridablanca y Primer Secretario de
Estado del rey Carlos III, como Real
Gabinete de Historia Natural, en el
marco de una serie de instituciones de
carácter científico (pensadas según la
nueva mentalidad de la Ilustración)
para la reurbanización del paseo
llamado Salón del Prado. Con este fin,
Carlos III contó con uno de sus
arquitectos predilectos, Juan de
Villanueva, autor también del vecino
Edificio Villanueva del Museo del Prado.
Real Jardín Botánico y del Real
Observatorio Astronómico, con los que
formaba un conjunto conocido como la Colina de las Ciencias.

El proyecto arquitectónico de la actual pinacoteca fue aprobado por Carlos III en 1786. Supuso la culminación de la
carrera de Villanueva y una de las cimas del Neoclasicismo español, aunque dada la larga duración de las obras y
avatares posteriores, el resultado definitivo se apartó un tanto del diseño inicial.
Las obras de construcción se desarrollaron durante los reinados de Carlos III y Carlos IV, quedando el edificio
prácticamente finalizado a principios del siglo XIX. Pero la llegada de las tropas francesas a España y la Guerra de la
Independencia dejaron su huella en él; se destinó a fines militares (cuartel de caballería) y cayó prácticamente en un
estado de ruina; las planchas de plomo de los tejados fueron fundidas para la fabricación de balas.
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Sólo gracias al interés manifestado por Fernando VII y, sobre

todo, por su segunda esposa, Isabel de Braganza, se inició, a partir
de 1818, la recuperación del edificio, sobre la base de nuevos
diseños del propio Villanueva, sustituido a su muerte por su
discípulo Antonio López Aguado.
El 19 de noviembre de 1819 se inauguraba discretamente el Museo
Real de Pinturas (primera denominación del museo), que mostraba
algunas de las mejores piezas de las Colecciones Reales españolas,
trasladadas desde los distintos Reales Sitios. En este comienzo el
museo contaba con 311 cuadros expuestos en tres salas, todos ellos
de pintores de la escuela española, aunque almacenaba muchos
más. En años sucesivos se irían añadiendo nuevas salas y obras de
arte, destacando la incorporación de los fondos del Museo de la
Trinidad, creado a partir de obras de arte requisadas en virtud de la
Ley de Desamortización de Mendizábal (1836). Dicho museo fue
absorbido por el Prado en 1872.

Tras el destronamiento de la reina Isabel II de España en 1868, el La reina Isabel de Braganza, considerada la inspiradora
del Museo, en una estatua de José Álvarez Cubero
Museo Real pasó a ser nacional, medida ya irreversible tras
perteneciente a la propia colección del Prado.
absorber al citado de la Trinidad, puesto que ello supuso además
que asumiera la designación como Museo Nacional de Pintura y
Escultura que hasta entonces había tenido éste. Esta denominación se mantuvo hasta 1920, año en que por Real
Decreto de 14 de mayo recibió oficialmente la actual de Museo Nacional del Prado, que era como se lo conocía
habitualmente ya con anterioridad.[15] Después se fueron integrando en él otras instituciones, entre las que destaca
especialmente el Museo de Arte Moderno en 1971 —salvo su sección del siglo XX, que se convertiría
posteriormente en la base inicial del Museo Reina Sofía—. Otras colecciones que engrosaron la del Prado fueron las
pinturas del Museo de Ultramar, que habían sido traspasadas al Museo de Arte Moderno tras su disolución en 1908,
y parte de la colección del Museo Iconográfico, efímero museo instalado provisionalmente en 1879 en el mismo
edificio del Museo del Prado y que una década más tarde fue suprimido, repartiéndose sus fondos entre varios
museos, incluido el Prado, bibliotecas y sedes de organismos oficiales.[16] El ingreso de las colecciones de otros
museos obligó a la institución a incrementar su política de difusión de fondos, mediante la creación de depósitos
estables de obras de arte en otras instituciones públicas y privadas, en España y también en algunos casos en el
exterior (embajadas y consulados).

Durante el siglo XIX y buena parte del XX el Prado vivió una situación de cierta precariedad, pues el Estado le
destinó un apoyo y unos recursos insuficientes. Las deficientes medidas de seguridad, con una parte del personal del
museo residiendo en él y montones de leña almacenados para las estufas, provocaron la alarma de algunos
entendidos. Fue muy sonado el artículo de Mariano de Cavia publicado en 1891 en la portada de El Liberal, que
relataba un ficticio incendio que había arrasado el Prado. Los madrileños se acercaron al lugar alarmados, y la falsa
noticia ayudó a la adopción de algunas mejoras de urgencia.
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A pesar de diversas ampliaciones de

alcance menor, el Prado sufría
limitaciones de espacio, más graves a
partir de los años 60, cuando el boom
turístico disparó el número de
visitantes. Poco a poco, la pinacoteca
se adaptó a las nuevas exigencias
técnicas; el sistema de filtrado y
control del aire se instaló en los años
80, coincidiendo con la restauración de
muchas pinturas de Velázquez. El
tejado, construido con materiales
dispares y mediante sucesivos
remiendos, sufrió ocasionales goteras,
La sala donde se exponen las majas vestida y desnuda, de Goya.
hasta que en 1995 se convocó un
concurso restringido para su
remodelación integral, ganado por los arquitectos Dionisio Hernández Gil y Rafael Olalquiaga, ejecutándose las
obras entre 1996 y 2001.[17]

En 1995, un acuerdo parlamentario suscrito por los dos principales partidos de las Cortes, PP y PSOE, puso al museo
a salvo de los vaivenes políticos y proporcionó la calma necesaria para un proceso de modernización, que incluía
cambios jurídicos además de la ampliación. Ésta, tras un controvertido concurso de ideas, fue adjudicada al
arquitecto Rafael Moneo, ya bien conocido en estas lides por sus trabajos en el Museo Nacional de Arte Romano de
Mérida y el Museo Thyssen-Bornemisza, entre otros.
El Prado es gobernado por un director (actualmente Miguel Zugaza, en el cargo desde el año 2002), asistido por el
Real Patronato del Museo, presidido desde 2012 por el jurista, diplomático y político José Pedro Pérez-Llorca.[18] Su
presupuesto previsto para el año 2012 es de 44 millones de €, de los que un 63% corresponderá a ingresos generados
por el propio Museo: venta de entradas (10 millones de € en 2010),[19] tiendas y patrocinios privados, y el resto a la
aportación del Estado.[20]

Directores del Museo

La dirección del Museo del Prado, desde su fundación al momento presente se desarrolla en tres grandes etapas:
1. Grandes de España (Marqués de Santa Cruz, Príncipe de Anglona, Duque de Híjar), que asumieron labores
administrativas ayudados para las cuestiones artísticas por pintores como Vicente López, primer pintor de Cámara
de Fernando VII.
2. Pintores de Corte, académicos y otros artistas de gran reputación (era condición necesaria haber obtenido
primeras medallas en exposiciones nacionales o extranjeras) (José de Madrazo, Juan Antonio de Ribera, Federico
de Madrazo, Antonio Gisbert, Francisco Sans Cabot, Vicente Palmaroli, Francisco Pradilla o José Villegas, entre
otros).
3. Historiadores de arte (Aureliano de Beruete y Moret, Francisco Javier Sánchez Cantón, Diego Angulo Íñiguez,
Xavier de Salas, José Manuel Pita Andrade, Alfonso E. Pérez Sánchez, Francisco Calvo Serraller, José María
Luzón Nogué, Fernando Checa Cremades o el actual director, Miguel Zugaza Miranda).
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Colecciones

Formación
La colección de pintura del Museo sobrepasa las 8.600 obras. De ellas, poco más de 3.000 proceden de la Colección
Real, algo más de 2.000 del Museo de la Trinidad y el resto, más de 3.500, del fondo denominado de Nuevas
Adquisiciones, en el que se integran también las que realizó el Museo de la Trinidad y las pinturas que recibió en
1971 del Museo de Arte Moderno.[12]

La Colección Real
El núcleo original de las colecciones del Museo del Prado procede de la monarquía española. Los reyes de España
fueron coleccionistas de arte durante siglos, y repartieron sus adquisiciones y encargos por las numerosas residencias
que acumularon en toda la Península Ibérica: el Alcázar de Madrid, el Palacio de El Pardo, la Torre de la Parada, el
Buen Retiro, La Granja de San Ildefonso, Aranjuez, así como los monasterios de Yuste y El Escorial.
• Antecedentes: La Colección Real de pinturas tal como hoy se conoce se cimentó en tiempos de Felipe II. Los
Reyes Católicos y monarcas anteriores ya encargaron y coleccionaron pinturas, pero sus colecciones solían
deshacerse cuando fallecían. Eran bienes vinculados a la persona y no a la institución a la que ésta representaba y
por ello al morir se repartían entre sus herederos. De la colección de Isabel la Católica subsiste la pequeña parte
que donó a la Capilla Real de Granada; incluye La Oración del Huerto, una rara pintura de Sandro Botticelli.
• Los Habsburgo: Carlos I encargó mayoritariamente retratos y obras religiosas con un fin práctico, sin ánimo de
coleccionar. Hay que destacar que tuvo a su servicio a Tiziano, a quien otorgó la exclusividad de retratarlo, a
semejanza de lo que hiciera Alejandro Magno con Apeles. Fue su hijo Felipe II quien empezó a valorar la
Colección Real como un tesoro a preservar, y la adscribió a la Corona como patrimonio indivisible. El llamado
«Rey prudente» reunió numerosas pinturas compradas por su padre, y otras que procedían de la colección de su
tía, María de Hungría. Añadió importantes obras a las colecciones reales, como las significativas pinturas de El
Bosco. Felipe III no contó con artistas de renombre internacional a su servicio como su padre y su abuelo, pero su
hijo Felipe IV otorgó a la colección de la Corona española una categoría superior entre las colecciones reales
europeas, en buena medida debido a la decoración de la Torre de la Parada y del Palacio del Buen Retiro,
construido éste último bajo su reinado y la primera profundamente reformada.[21] Felipe IV, además, tuvo a su
servicio a Velázquez durante cuarenta años. Carlos II, pese a vivir en una de las épocas más críticas de la Historia
de España, consiguió lo que ninguno de sus antecesores había logrado: poner al servicio de España al artista de
mayor reputación en Europa, Luca Giordano (en España también llamado Lucas Jordán), al que llamó desde
Nápoles para encargarle numerosas obras reales, retratos y decoraciones. También reclamó al considerado como
mejor bodegonista napolitano del siglo XVII, Giuseppe Recco, pero falleció poco después de desembarcar en el
puerto de Alicante.[22] Además de esto, el rey preservó la unidad de la colección, vinculándola a la corona y
prohibiendo su venta o desmembración. Así, impidió que La Adoración de los Reyes Magos de Rubens fuese
enviada por su esposa Mariana de Neoburgo a Alemania como regalo para su padre, Felipe Guillermo de
Neoburgo, elector del Palatinado,[23] aunque no pudo evitar en cambio que Mariana mandase a su hermano Juan
Guillermo de Neoburgo otro lienzo del flamenco, la Reconciliación de Esaú y Jacob, hoy en la Staatsgalerie
Schleissheim.[24]
• Los Borbones: Durante el reinado del primer miembro de la nueva dinastía, Felipe V, se produjo el incendio del
Alcázar de Madrid (1734), en el que se perdieron numerosas obras maestras de la Colección Real. Sobre su solar
se construyó el actual Palacio de Oriente, y para su decoración y la del Palacio de La Granja, construido también
durante el gobierno del primer Borbón, el rey, junto con su segunda esposa Isabel de Farnesio, adquirió una
considerable cantidad de pinturas, con ejemplos excelentes del arte de Poussin y Murillo, así como la colección de
escultura clásica de Cristina de Suecia (ésta última destinada a la decoración de La Granja). Carlos III compró
piezas tan extraordinarias como Judith en el banquete de Holofernes de Rembrandt, que adquirió en 1768 al
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marqués de la Ensenada a instancias de Mengs, la única obra suya que posee el Prado, y fue él quien mandó
construir el edificio que ocupa el Museo. Su hijo Carlos IV, monarca de gran sensibilidad artística, es recordado
como mecenas de Goya. Durante un viaje a Italia, siendo aún príncipe, adquirió el Retrato de cardenal de Rafael
en Roma.[25] La colección de pintura neoclásica del Museo, con obras de José de Madrazo, Juan Antonio Ribera y
José Aparicio, así como del escultor José Álvarez Cubero, se debe también a este rey.
• La Invasión Napoleónica fue un terrible desastre para el patrimonio histórico-artístico español, del que no se libró
la Colección Real. En su huida, José Bonaparte (que ya previamente había expoliado las Joyas de la Corona
Española) se llevó un numeroso conjunto de pinturas, más de doscientas, de pequeño y mediano formato,
fácilmente transportables, escogidas entre las de mayor calidad de la Colección. Dicho cargamento fue
interceptado por las tropas del Duque de Wellington tras la Batalla de Vitoria. El Duque informó al Rey,
solicitándole instrucciones para efectuar la devolución de las obras, pero éste le respondió que se las regalaba.
Perplejo por la respuesta, Wellington volvió a escribirle, agradeciéndole su generosidad pero diciéndole que era
un regalo que no podía aceptar, puesto que eran piezas muy numerosas y de gran valor que eran propiedad de la
Corona Española, y pidiéndole de nuevo que le indicara los detalles para devolvérselas. Sin embargo Fernando
VII persistió en su absurda postura, con lo que dichas obras (que incluían cuadros tan extraordinarios como El
aguador de Sevilla, de Velázquez o La oración en el huerto, de Correggio) acabaron en manos del Duque,
episodio conocido irónicamente por los británicos como The Spanish Gift, el Regalo Español, conservándose
actualmente parte de ellas en su residencia londinense de Apsley House (además el coronel James Hay se apropió
por su cuenta de El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck, en el que Velázquez se inspirara para pintar Las
Meninas, hoy en la National Gallery de Londres).[26] Más adelante, Fernando VII, con el impulso imprescindible
de su esposa Isabel de Braganza culminó un proyecto esbozado ya en tiempos de su padre: la fundación de un
museo a la imagen del Louvre de París, que exhibiera las piezas más escogidas de la colección real. Fernando
aportó dinero de su «bolsa personal» o «bolsillo secreto», remozó el edificio proyectado por Carlos III e inauguró
el Museo del Prado el 19 de noviembre de 1819, como una dependencia de la Corona. El museo, con la
denominación de Museo Real, se mantuvo como propiedad de los reyes hasta el destronamiento de Isabel II
(1868). Ya anteriormente había eludido un gravísimo peligro, cuando se planteó, por cuestiones hereditarias,
dividir los fondos entre la reina y su hermana. Este problema pudo solucionarse felizmente al llegarse al acuerdo
de que la reina pagara a su hermana María Luisa Fernanda la parte que le correspondía en metálico, quedándose
ella con la totalidad de la colección. La fusión del Prado con el Museo de la Trinidad terminó por afianzar su
nueva condición de Museo Nacional.

Los principales artífices de la colección real de pintura

Carlos I (1500–1558) Felipe II (1527–1598) Felipe IV (1605–1665) Isabel de Farnesio (1692–1766)

por Tiziano por Sofonisba Anguissola por Velázquez por Jean Ranc
Comenzó la colección y Continuó con Tiziano y cimentó la Enriqueció considerablemente la Formó la colección de Murillo, compró
tuvo predilección por colección de pintura flamenca del colección, sobre todo con las esculturas de Cristina de Suecia y
Tiziano. siglo XVI, especialmente El Bosco y Velázquez, Rubens y pintura hasta 351 de sus pinturas ingresaron en
Moro. italiana. el Prado.
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El Museo de la Trinidad

En la formación de las colecciones del Museo del Prado, el

antiguo Museo de la Trinidad representa el segundo gran núcleo,
aunque la extensión, variedad y calidad de sus fondos fueran
mucho menores que los de la Colección Real. Fue creado este
museo, que se denominó Nacional, como consecuencia de las
Leyes de Desamortización de Mendizábal (1835-36), cuya
magnitud y extensión creó en muchas personas una lógica
preocupación por las obras de arte conservadas en las iglesias y
conventos afectados. Como respuesta a esta inquietud, se decidió
reunir en el antiguo convento de la Trinidad Calzada (del que el
Museo tomó su nombre), sito en la calle Atocha de Madrid y
fundado por Felipe II, las obras de arte que guardaban estos
institutos religiosos.

A esto se sumaron las colecciones propiedad del infante Sebastián

Gabriel de Borbón, incautadas en represalia por su adscripción al
bando carlista, aunque posteriormente se le devolvieron, en 1859,
y no llegaron a incorporarse al Prado (si bien algunas acabaron
ingresando años más tarde en el museo mediante adquisición,
como el Bodegón de caza, hortalizas y frutas, de Sánchez Cotán,
comprado en 1991). Además, se fueron añadiendo numerosas Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán,
adquisiciones de obras de arte contemporáneo realizadas por el de Pedro Berruguete, obra procedente del extinto
Estado en las exposiciones que organizó primero la Academia de Museo de la Trinidad.

San Fernando y luego los certámenes conocidos como

Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, iniciadas en 1856. Con estos cuantiosos fondos, el museo fue inaugurado
en 1838, aunque en condiciones bastante precarias, situación que se mantendrá durante toda la corta vida de este
museo. La inmensa mayoría de las obras procedía de la propia provincia de Madrid y el resto de algunas provincias
cercanas, como Ávila, Toledo, Segovia, Burgos y Valladolid, y se trataba sobre todo de grandes cuadros de altar u
obras pequeñas de tipo devocional, incluyendo también algunas tallas religiosas. Casi todos los autores eran
españoles, por lo que se pretendió articular la colección en torno a la creación de la llamada "Escuela española de
pintura". A las piezas fundacionales se unieron algunas adquisiciones que el museo realizó más adelante, entre las
que destacan la Anunciación de época italiana de El Greco y una serie de retratos de Goya. El museo pronto recibió
muchas críticas por el estado de conservación de las obras, por la falta de rigor en su presentación y por la escasa
adecuación del espacio a sus usos. Esta situación se vio del todo agravada con la instalación en el mismo edificio del
Ministerio de Fomento en 1849. Finalmente, se decidió disolverlo, incorporando sus fondos al Museo del Prado, en
el año 1872, provocando en éste una situación paradójica, pues si bien la colección de pintura de tipo religioso se vio
completada de forma magnífica, por otro lado aumentó aun más la ya de por sí crónica saturación de espacios de que
adolecía la institución, lo que dio inicio a la política de depósitos y cesiones que se ha mantenido hasta el presente (al
Prado se incorporaron menos de 200 obras, mientras que 650 fueron depositadas en otras instituciones). Entre los
fondos que el extinto museo aportó al Prado destacan las series de la Vida de San Pedro Mártir y deSanto Domingo
de Guzmán, de Pedro Berruguete, procedentes del Real Monasterio de Santo Tomás de Ávila; El triunfo de San
Agustín, la obra más importante de Claudio Coello que tiene el Museo, del convento de agustinos de Alcalá de
Henares; las pinturas del retablo de las Cuatro Pascuas de la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo, de Maíno, quizá
la cima creativa de este artista; el retablo del Colegio de doña María de Aragón, de Madrid, obra fundamental de El
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Greco; La Fuente de la Gracia y triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga, del taller de los van Eyck (Monasterio de El
Parral -Segovia-), así como otras obras de Goya, Alonso Cano, Francisco Ricci, Ambrosius Benson, Cajés, y
representación de casi todos los pintores de la escuela madrileña del siglo XVII.
En el año 2004 se organizó una exposición mostrando los tesoros que, procedentes de este museo, se conservan en el
Prado.[27]

El Museo de Arte Moderno

El Museo de Arte Moderno (M. A. M.) fue un Museo Nacional

dedicado al arte de los siglos XIX y XX que existió de 1894 a
1971, año en que sus colecciones de arte decimonónico fueron
absorbidas por el Prado, mientras que las del siglo XX
permanecieron en el Museo Español de Arte Contemporáneo
(MEAC), antecesor del actual Museo Reina Sofía.

Fue creado jurídicamente mediante un Real Decreto de 4 de agosto

de 1894 y se ubicaba en el Palacio de Bibliotecas y Museos, sede
asimismo de la Biblioteca Nacional y del Museo Arqueológico
Nacional, ocupando el ángulo suroeste del mismo. La apertura
oficial de sus instalaciónes tuvo lugar en 1898.
Hasta la constitución del M. A. M. la colección pública de arte
contemporáneo español fue responsabilidad también del propio
Museo del Prado, que desde su primer catálogo, redactado por
El pintor Aureliano de Beruete, por Joaquín Sorolla,
Luis Eusebi, se hacía eco de una sección unitaria denominada
obra donada al M. A. M. por la viuda del retratado,
“Escuelas contemporáneas de España”, y más tarde simultaneó su María Teresa Moret.
labor de coleccionismo contemporáneo con el Museo de la
Trinidad, que del mismo modo tenía en sus catálogos una “Galería de cuadros contemporáneos”, obras que procedían
en este último caso de las adquisiciones que realizaba el Estado en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes así
como de algunas donaciones. Sin embargo este último fue disuelto, integrándose en 1872 sus fondos en el Prado.
Tras la apertura del Museo de Arte Moderno, el Museo del Prado continuó ingresando pintura del siglo XIX,
española y europea, y exhibiéndola en sus salas. Entre los más importantes ingresos de pintura decimonónica
ingresados en el Prado mientras el M. A. M. permaneció abierto destaca el conocido Legado Ramón de Errazu,
compuesto básicamente por pinturas del siglo XIX, que no salió del edificio Villanueva hasta después de 1971.

El Museo de Arte Moderno constaba de dos departamentos, pintura y escultura, marcando un Real Decreto de 26 de
octubre de 1895 el límite cronológico en Goya, considerado el “último representante de la antigua pintura española”.
Estableciendo un criterio de “carácter universal”, para entroncar el arte español con el de las “naciones cultas”, las
colecciones debían comenzar en «la época en que las teorías estéticas puestas en práctica por David o Canova e
introducidas en España a principios del presente siglo, cambiaron la corriente del arte nacional», es decir, a partir de
José Madrazo y los otros discípulos españoles de David en cuanto a pintura y de José Álvarez Cubero y Antonio
Solá en lo referente a la escultura.
Se realizó un único catálogo de las colecciones, el "Catálogo provisional del Museo de Arte Moderno", en 1899, del
que se hizo una segunda edición un año más tarde y en el que figuraban seiscientos noventa y tres pinturas y dibujos.
En 1985 se publicó el "Catálogo de las pinturas del siglo XIX" del Museo del Prado, que unificaba las que el propio
Museo del Prado había conservado en sus fondos durante la existencia del M. A. M., con las que habían estado allí
expuestas, así como los depósitos en otras sedes hechos por ambas instituciones. En él aparecían piezas de cerca de
un centenar de autores, figurando movimientos artísticos como el neoclasicismo, el romanticismo y el realismo, pero
estando ausentes otros como el impresionismo y el postimpresionismo. La gran mayoría eran de artistas españoles,
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aunque también había unos pocos ejemplos de la obra de artistas de otros países, como el francés Jean-Louis-Ernest
Meissonier, el neerlandés afincado en Gran Bretaña Lawrence Alma-Tadema o el belga Théo van Rysselberghe.
Firmado por Joaquín de la Puente, solo se refería a las obras que físicamente se conservaban en el edificio del Casón
del Buen Retiro, y no a las obras que todavía entonces quedaban en el de Villanueva ni, sobre todo, a los cuantiosos
depósitos fuera del Prado.
Uno de los más graves problemas que sufrió el Museo durante toda su existencia fue el de la falta de espacio. Por
una parte llegó a atesorar un elevado número de obras, entre las que había muchas pinturas de gran formato, algo
muy habitual en el género de la pintura de historia, uno de los más pujantes en la segunda mitad del siglo XIX. Por
otro está el hecho de que tuviera que compartir el Palacio de Bibliotecas y Museos con varias instituciones más,
entre las que se contaban la Biblioteca Nacional, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Ciencias
Naturales, el Archivo Histórico Nacional o la Sociedad de Amigos del Arte, lo que hizo que le correspondiera sólo
una parte del mismo. El resultado fue que se pusiera en práctica una política de depósito de obras en museos
provinciales y organismos administrativos oficiales -que en realidad había puesto en práctica ya el propio Museo del
Prado desde la incorporación del Museo de la Trinidad-, acabando la mayoría de los fondos fuera de la propia
institución. Este es precisamente el origen de una parte importante del actual Prado disperso. El único intento que se
hizo para solventar esta situación fue la convocatoria en 1933 de un concurso nacional de arquitectura con el fin de
dotar al Museo de una nueva sede, que se construiría en la prolongación del paseo de la Castellana. Se seleccionó el
proyecto del arquitecto zaragozano Fernando García Mercadal, pero nunca llegó a edificarse.[28]

Nuevas adquisiciones

Desde los inicios del Prado hubo interés por completar

las colecciones mediante la adquisición de nuevas
obras y de hecho a los pocos meses de inaugurarse, el 5
de abril de 1820, se compró la primera de ellas, La
Trinidad, de José de Ribera, por la que Fernando VII
pagó 20.000 reales al pintor Agustín Esteve.[29][30]

Las adquisiciones del Museo han sido muy importantes

en cuanto a calidad y número (más de 2.300 obras sólo
en el apartado de pinturas) y, como se ha señalado, han
tenido lugar por diferentes vías.[31] Por un lado, las
donaciones, herencias y legados, fundamentales en su
propia naturaleza filantrópica y su muchas veces
buscado papel de complemento de las colecciones
existentes. Por otro, la política de adquisición de obras
de arte por parte del Estado, que ha tenido muchas
veces como beneficiario al Prado. En este último
aspecto es de destacar la modalidad del pago de
impuestos mediante obras de arte, o dación, adoptada
por la ley del Patrimonio Histórico Español de 1985 y
que ha enriquecido las colecciones estatales de forma La Trinidad, de José de Ribera, la primera adquisición del Museo del
muy notable. Esta posibilidad, inspirada en la famosa Prado.

"Ley Malraux" francesa, se podía aplicar en un primer

momento al Impuesto de Sucesiones, extendiéndose a cualquier deuda tributaria en virtud de la ley de Mecenazgo de
2002.

Las políticas encaminadas al engrandecimiento del Prado han tendido más a reforzar las colecciones existentes que a
suplir las faltas. Se han incorporado así obras de Velázquez (El barbero del Papa), Goya o Valdés Leal, aunque
Museo del Prado 11

también algunas de artistas con pobre presencia en las colecciones, como Lucas Cranach el Viejo (una muy
destacable Virgen con el Niño, dación del empresario Juan Abelló en 1988) o Juan de Flandes (su obra maestra La
Crucifixión, pintada para el retablo mayor de la catedral de Palencia, recibida en 2005 también como dación de pago
de impuestos, en este caso de la empresa Ferrovial -7 millones de €-).[32]
Sería prolijo detallar todas las adquisiciones hechas por el Museo en sus casi 200 años de existencia. En cuanto a los
legados, el más destacable de épocas recientes fue el hecho por Manuel Villaescusa, en 1991. Con su importe, 7.000
millones de pesetas,[33] se compró un grupo de obras entre las que descuellan el Bodegón de caza, hortalizas y frutas
de Sánchez Cotán, Ciego tocando la zanfonía de Georges de La Tour (pintor sin presencia en el Museo hasta ese
momento), la Fábula de El Greco y parte de La condesa de Chinchón, de Goya, sufragado en su otra parte con
fondos estatales (ésta última calificada como "adquisición del año" a nivel mundial por la revista Apollo).
Remontándonos en el tiempo, fueron también muy
sobresalientes la donación del barón Frédéric Émile
d'Erlanger (1881) y los legados de Ramón de Errazu
(1904), Pablo Bosch (1915) y Pedro Fernández-Durán
(1931), así como la donación Cambó (1941). El donativo
del banquero belga Emile d'Erlanger consistió en la serie
de Pinturas negras de la Quinta del Sordo, finca ubicada
a orillas del río Manzanares que había pertenecido al
propio Goya y que d'Erlanger había adquirido en 1873,
haciendo pasar a lienzo las pinturas, que habían sido
ejecutadas sobre las paredes de la misma casa. Tras
intentar infructuosamente venderlas en París acabó por
donarlas al Prado, casi como un modo de deshacerse de
ellas, al constatar que, en aquella época, no eran
excesivamente apreciadas.[34] El mexicano de raíces
españolas (vasco-navarras y andaluzas) Ramón de Errazu
legó en su testamento al Museo veinte óleos y cinco
acuarelas de artistas del siglo XIX, entre los que destacan
Mariano Fortuny y Raimundo Madrazo y los franceses
Ernest Meissonier (del que además donó en 1904 el
Retrato de una dama al Museo de Arte Moderno y que
acabó también en el Prado al absorber los fondos
decimonónicos de aquél en 1971); y Paul Baudry, del
La condesa de Chinchón, de Goya, la adquisición más destacada
del Museo en los últimos años. que legó La perla y la ola, uno de los desnudos más
destacados de los que se pintaron en el París del Segundo
Imperio, y que fue adquirido por la emperatriz Eugenia de Montijo tras ser expuesto en Salón de 1863.[35] La del
barcelonés Pablo Bosch fue una de las donaciones más importantes de la historia del Museo. Entre las 89 obras
procedentes de su colección (por la que había recibido sustanciosas ofertas del extranjero, especialmente de
Alemania) destacan las piezas de pintores góticos españoles y de primitivos flamencos, además de una valiosa
colección de monedas y medallas.[36] El legado del madrileño Fernández-Durán comprendió una muy nutrida
colección de dibujos, 2.875, un tercio del total de los que tiene el Museo, incluidos los primeros de artistas no
españoles que entraban en el Prado, entre ellos tres debidos a la mano de Miguel Ángel, dos de ellos identificados en
2004;[37][38] y artes decorativas, así como cerca de un centenar de pinturas, entre ellas la Virgen con el Niño, de
Roger van der Weyden -también conocida como Madonna Durán- y cinco cuadros de Goya, o al menos atribuidos a
él, como el célebre El coloso.[39][40] Aunque el grueso de su colección (48 cuadros) lo legó al Museu d'Art Antic de
Museo del Prado 12

Barcelona (actualmente Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC)), es también muy destacable la donación de
Francisco de Asís Cambó Batlle (Francesc Cambó), que entregó en 1941 otras ocho obras al Prado: tres de las cuatro
tablas de La historia de Nastagio degli Onesti, de Botticelli, dos obras que se atribuían a Taddeo Gaddi y que ahora
se asignan al Maestro de la Madonna de la Misericordia, seguidor suyo; y una de Giovanni da Ponte (Las siete artes
liberales), con la intención de suplir las carencias de primitivos italianos de la pinacoteca nacional, aparte de un
bodegón de Zurbarán (Naturaleza muerta con jarra y tazas) -la otra era un Ángel músico de Melozzo da Forlì que
resultó ser una falsificación-.[41][42]
También ha aportado varias obras importantes la
Fundación Amigos del Museo, la última en 2011:
Visita de la reina María Amalia de Sajonia al Arco de
Trajano en Benevento, del italiano Antonio Joli,[45][46]
donada por la navarra afincada en México Lucrecia
Larregui de Aramburuzabala a través de la Fundación.

Con todo, quizá la obra más famosa que ingresó en el

Prado en el siglo XX fue el Guernica, legado por su
autor e ingresado en las colecciones en 1981. Esta obra,
que por su significado y trascendencia artística, es sin
duda la pieza clave del arte contemporáneo, se exhibe
hoy en el Museo Reina Sofía.[47] Aparte de los
mencionados, ha habido muchos otros legados y
donaciones que han enriquecido muy
considerablemente las colecciones, entre ellos los de la
duquesa de Villahermosa, conde de Niebla, conde de
Cartagena, duques de Tarifa y marqués de Casa-Torres,
El barbero del Papa, retrato de Velázquez comprado por el Gobierno
por citar sólo algunos de los más importantes. [43][44]
en 2003 por 23 millones de €.

Mediante suscripción popular, a iniciativa del naviero

bilbaíno Horacio de Echevarrieta, se adquirió en 1919 La Virgen del caballero de Montesa, de Paolo de San
Leocadio, por 100.000 pesetas (75.000 reunidas con la suscripción y el resto aportado por el Patronato del
Museo).[48] Ya en 1910 el pintor José Garnelo había organizado en su revista Por el arte una suscripción para
adquirir La Adoración de los Magos de Hugo van der Goes (el Retablo de Monforte) y evitar su marcha a
Alemania,[49] pero no logró recaudar más que 76.000 pesetas del 1.268.000 necesarias y finalmente en 1914 la
extraordinaria tabla fue vendida al Kaiser-Friedrich-Museum de Berlín (aunque tras la Segunda Guerra Mundial pasó
a la Gemäldegalerie).[50]

Por la forma de dación (BBVA, 26 millones de €, la de mayor importe realizada hasta ahora en España) entró en el
Prado en el año 2006 la Colección Naseiro de bodegones españoles, la mejor del mundo en su clase. Se incorporaron
al Museo cuarenta obras de diecinueve pintores diferentes, nueve de los cuales no estaban representados antes con
cuadros de este género, y con ellas toda una faceta del arte español que había permanecido poco conocida para el
gran público.[51][52][53]
En cuanto a las adquisiciones estatales figuran piezas de la importancia del Retrato ecuestre del duque de Lerma, de
Rubens (1969) -adquirido para celebrar el sesquicentenario (150º aniversario) del Museo-, el Retrato de Jovellanos
por Goya (1974), el Retrato de la Marquesa de Santa Cruz, del mismo autor (1986), o el cuadro conocido hasta
ahora como Retrato de hombre, el llamado "Barbero del Papa", de Velázquez (2003). A ellas se ha sumado en 2010
El vino en la fiesta de san Martín, una destacada sarga al temple de cola hasta ahora desconocida del pintor Pieter
Brueghel el Viejo, adquirida por siete millones de € (de los que dos y medio fueron aportados por el Museo de sus
fondos propios).[54][55][56][57]
Museo del Prado 13

En 2009 la página web oficial ha incorporado una sección en la que se informa sobre las adquisiciones realizadas en
los últimos años. [58]

Secciones

Pintura

Pintura española

Con casi 4.900 piezas, la sección de pintura

española no sólo es la más completa y
nutrida del Museo, constituyendo el núcleo
central de sus fondos, sino que representa
también la colección más importante
numérica y cualitativamente que de esta
escuela existe en el mundo.[59]
Cronológicamente abarca desde murales
románicos del siglo XII hasta el final del
siglo XIX. Sus riquísimas colecciones
incluyen pintura gótica, desde maestros
anónimos a autores como Bartolomé
Bermejo, Juan de Flandes, Fernando
Gallego y Berruguete; el Renacimiento
español representado por Pedro Machuca,
Juan de Juanes, Fernando Yáñez de la
Almedina, o Juan Correa de Vivar, con el
protagonismo absoluto de El Greco, del que
se exhibe el grupo de obras más numeroso
de cuantos existen. El período de mayor
brillantez de la pintura española, el Barroco,
cuenta con excelentes ejemplos de Las Meninas, de Velázquez.
prácticamente todos los autores y géneros
del momento, como Zurbarán, Ribera, Murillo, Juan de Valdés Leal, Juan Bautista Maíno, Alonso Cano, Carreño,
José Antolínez, Antonio de Pereda, Francisco Rizi, Herrera el Mozo, y, por encima de todos ellos, el gran maestro de
la pintura hispana, Velázquez, del que se expone una colección sin parangón en el mundo, integrada por la mayoría
de sus obras maestras. Del siglo XVIII, destaca la extensísima colección de Goya, que comprende todos los períodos
y facetas de su arte, incluyendo grabados, dibujos y las célebres Pinturas negras. Relevantes son también los
bodegones de Luis Meléndez y la variada colección de Luis Paret, considerado el mejor pintor español de estilo
rococó. Desde hace muchos años se trabaja en la puesta en valor de la pintura española del siglo XIX posterior a
Goya, que incluye caudalosos fondos -casi 3.700 obras, prácticamente la mitad del total de cuadros de todo el
museo- desde el Neoclasicismo hasta Sorolla. Este proceso ha culminado con la apertura en octubre de 2009 de doce
salas en el Edificio Villanueva, una de ellas rotatoria (la 60, designada como "sala de presentación de colecciones"),
que acogen 176 piezas de este periodo (incluidas algunas de artistas de otros países). Aunque es común que se repita
que se muestran por primera vez desde 1896 integradas con el resto de la colección,[60][61][62] lo cierto es que desde
1905, en que se expusieron por primera vez las obras del legado Ramón de Errazu -tras esa donación otras más-, el
Prado siempre exhibió algunas pinturas españolas del siglo XIX en el contexto de su colección. Junto a Goya se
expuso tradicionalmente obra de Vicente López y existió una sala destinada a pinturas de la familia Madrazo (José,
Museo del Prado 14

Federico y Raimundo), Esquivel (Antonio María) y Ferrant, entre otros. Sólo en los últimos veinte años,
aproximadamente, la pintura del siglo XIX había quedado invisible en las salas del Prado.
Entre las últimas adquisiciones que han enriquecido la colección española, destacan las compras de La condesa de
Chinchón de Goya, El barbero del Papa de Velázquez y la Colección Naseiro de bodegones, que ha cubierto
importantes lagunas dentro de esta faceta de la pintura española.

Pintura italiana

La colección de pintura italiana consta de más de mil

obras[63] y es sin duda uno de los grandes atractivos del
Museo, aun cuando adolezca de ciertas lagunas, sobre
todo en lo referido a obras anteriores al siglo XVI. A
pesar de que ya en tiempos de Juan II de Castilla la
literatura italiana tuvo gran influencia en España, las
novedades en el campo de las artes plásticas llegaron
con retraso, siendo su presencia hasta el siglo XVI muy
escasa. Ello fue debido en gran parte a la predilección
tanto del propio rey como de su hija, Isabel la Católica,
por la pintura flamenca, y es la causa de que la
colección de primitivos italianos del Museo sea muy
reducida. Son muy escasas, de este modo, las obras
correspondientes al Trecento, y las existentes
corresponden a autores considerados menores, como
Francesco Traini, con una magnífica Virgen con el
Niño, obra excepcional por su origen, puesto que
procede de la Colección Real, en la que era el único
ejemplo de pintura italiana anterior a 1450; Giovanni
da Ponte o dos tablas atribuidas inicialmente a Taddeo
Gaddi pero que actualmente se consideran de la mano El cardenal, por Rafael Sanzio, 1510.

del llamado Maestro de la Madonna della Misericordia,

seguidor suyo. La pintura del Quattrocento, en cambio, si bien ofrece un panorama limitado, se precia de poseer
auténticas obras maestras de tan importante capítulo de la Historia de la pintura, como el notable Retablo de la
Anunciación de Fra Angelico, el Tránsito de la Virgen de Mantegna, tres de las cuatro tablas de La historia de
Nastagio degli Onesti de Botticelli o el excelente Cristo muerto sostenido por un ángel de Antonello da Messina.
También hay que citar la pintura La Virgen y el Niño entre dos santas, obra de Giovanni Bellini aunque con amplia
participación de taller.

La pintura del Cinquecento inicia el gran periodo de la pintura italiana en el Prado con algunas obras capitales de
Rafael (como La Virgen del Pez, Retrato de cardenal, La Perla y El Pasmo de Sicilia). La nutrida colección de obras
de este artista (ocho pinturas, entre las autógrafas y las realizadas en mayor o menor parte por sus discípulos) da
cuenta del prestigio del que disfrutaba en España, donde sus obras eran enormemente apreciadas y demandadas. El
museo carece de ejemplos autógrafos de Leonardo da Vinci, pero cuenta con dos pinturas de su seguidor Bernardino
Luini, así como una extraordinaria copia de la Gioconda. Otros nombres señalados de la plástica renacentista
presentes son Sebastiano del Piombo, Correggio, Andrea del Sarto y Federico Barocci, autores en el tránsito al
Manierismo, muy bien representado también por obras de Parmigianino, Bronzino o Francesco Salviati.
Museo del Prado 15

Mención aparte merece la pintura

veneciana del XVI, con amplísima
presencia hasta el punto de constituir la
mejor colección de la misma fuera de
Italia. El artista central de la escuela,
Tiziano, era el pintor favorito de
Carlos V y Felipe II y compuso para
ellos algunas de sus obras maestras,
como el Retrato ecuestre de Carlos V
en Mühlberg o la Dánae. Su
representación en el Prado supera las
treinta pinturas. Tintoretto, Veronese, El Veronés, Jesús entre los doctores, h. 1560. Óleo sobre lienzo, 236 x 430 cm.
Jacopo Bassano y sus hijos Francesco
y Leandro, e incluso algunos precursores como Vincenzo Catena están asimismo representados en la colección.

La pintura barroca italiana constituye uno de los núcleos más compactos del Prado, por la variedad de artistas y la
calidad de las obras que podemos admirar. Las dos grandes tendencias pictóricas de la época, el tenebrismo y el
clasicismo boloñés, cuentan con buenas colecciones, en cuanto a la primera comenzando por el iniciador Caravaggio
(David vencedor de Goliat) y sus seguidores, como Orazio Gentileschi (Moisés salvado de las aguas), su hija
Artemisia Gentileschi, Giovanni Battista Caracciolo (conocido como Battistello), Giovanni Serodine o Bernardo
Cavallino. La presencia del clasicismo boloñés es asimismo muy nutrida, con cuadros de Annibale Carracci (Venus,
Adonis y Cupido, Asunción de María), Domenichino, Guido Reni (Hipómenes y Atalanta), Guercino y Giovanni
Lanfranco. Incluso la tendencia del barroco decorativo cuenta con un singular ejemplo de Pietro da Cortona (La
Natividad, para cuyo soporte utilizó una pasta vítrea llamada venturina y que ha sido recientemente restaurada)[64] y
el excelente grupo de obras de Luca Giordano, que trabajó en España para el rey Carlos II. A todo lo señalado cabe
añadir los ejemplos de otros importantes autores barrocos, como Francesco Furini, Salvatore Rosa, Orazio
Borgianni, Mattia Preti, Andrea Sacchi, Carlo Maratta, Massimo Stanzione, Andrea Vaccaro, Bernardo Strozzi o
Alessandro Magnasco.

La figura de Giambattista Tiepolo cierra el sugestivo capítulo de la pintura italiana en el Prado, junto a otros artistas
que como él llegaron a España para decorar el nuevo Palacio Real de Madrid, como su hijo Domenico y Corrado
Giaquinto. Todos ellos cuentan con una estimable, en calidad y cantidad, representación. Tristemente, faltan
ejemplos de vedutistas como Canaletto y Francesco Guardi, bien representados en el vecino Museo
Thyssen-Bornemisza, aunque el Prado sí posee ejemplos de Antonio Joli, Gaspare Vanvitelli (Caspar van Wittel) y
Francesco Battaglioli.
Museo del Prado 16

Pintura flamenca

La sección de pintura flamenca es la

tercera del Museo, tanto por cantidad
(más de mil obras), como por calidad,
sólo por detrás de la española y casi al
nivel de la italiana.[65] Al igual que en
el caso de ambas, gran parte de sus
fondos proviene de la Colección Real.
Comprende por un lado primitivos
flamencos como Robert Campin (con 3
obras de las aproximadamente 20 que
se le atribuyen), Weyden (El
descendimiento de la cruz), Dieric
Bouts, Petrus Christus y Hans
Memling, y la mejor colección a nivel
mundial de El Bosco. De este artista el
museo conserva sus tres obras
maestras: los trípticos de El jardín de Roger van der Weyden, Descendimiento de la cruz, c. 1436.

las delicias, El carro de heno y la

Adoración de los Magos. Proceden de la colección personal de Felipe II, que sentía tanta pasión por este enigmático
pintor, que ordenó comprar cuantas obras suyas se pudiese, haciendo copiar algunas que no consiguió. Igualmente
sobresalientes son las pinturas de Joachim Patinir, (con la mayor colección de obras de este artista), Gerard David,
Jan Gossaert (Mabuse), Ambrosius Benson, Jan van Scorel, Anthonis Mor van Dashorst (Antonio Moro), El Triunfo
de la Muerte y El vino en la fiesta de san Martín de Pieter Brueghel el Viejo y varias obras de Quentin Metsys y
Pieter Coecke van Aelst.

La colección del siglo XVII supera las 600 obras.[66] El Prado posee la más importante colección de Rubens,[67] con
unas 90 pinturas (la cifra concreta varía según las fuentes puesto que la autoría de algunas de las obras está en
discusión). Felipe IV le encargó decenas de cuadros para decorar sus palacios y además fue el principal comprador
en la almoneda realizada a su muerte con las obras que poseía en su estudio. El hecho de que muchas de las pinturas
del Prado fueran un encargo directo del rey del que era uno de los países más poderosos de Europa en aquella época
ha redundado además en que la ejecución de las mismas sea de una gran calidad media, contándose un buen número
de ellas entre sus obras maestras. Por otra parte el Museo tiene más de 25 ejemplos de van Dyck, varios de Jacob
Jordaens, incluyendo su Autorretrato con su familia, y la serie de Los Cinco Sentidos de Jan Brueghel el Viejo
(Brueghel de Velours) y Rubens. De lo anteriormente resumido se desprende que es una de las mejores colecciones
de pintura flamenca del mundo, a la que tan sólo se puede comparar quizá la del Kunsthistorisches Museum (Museo
de Historia del Arte), de Viena.
Museo del Prado 17

Pintura francesa

Es la cuarta escuela nacional más extensamente representada, con más de

trescientas pinturas, aunque a mucha distancia de las tres anteriores.
Como en el caso italiano y flamenco, aquí las circunstancias históricas
también ejercieron gran influencia, y la casi permanente beligerancia
entre España y Francia a lo largo de los siglos XVI y XVII restringió los
intercambios artísticos entre ambos países, a lo que se unieron las
diferencias de gustos imperantes en cada uno de ellos.

Apenas existen ejemplos anteriores a 1600, aunque los siglos XVII y

XVIII cuentan con obras magistrales de Poussin, como El Triunfo de
David y El Parnaso. De Claudio de Lorena se conservan varios paisajes
sobresalientes, y hay un par de ejemplos de Simon Vouet y cuatro de
Sébastien Bourdon. El tenebrismo cuenta con ejemplos llamativos de
Georges de La Tour y Valentin de Boulogne. Retratistas de los Borbones
españoles, como Jean Ranc, Louis-Michel van Loo y Michel-Ange
Ciego tocando la zanfonía, de Georges de La Houasse, así como de los franceses (Hyacinthe Rigaud y
Tour (legado Villaescusa). Antoine-François Callet) tienen presencia junto a maestros rococós como
Watteau y Boucher.

La colección de pintura francesa del Museo del Prado es sin duda uno de los aspectos menos estudiados hasta ahora
de las colecciones. Existe un importante número de anónimos neoclásicos del entorno de J.-L. David que han de
ofrecer en el futuro gratas sorpresas, además de un importante número de ejemplos de los discípulos franceses de J.
A. D. Ingres. Hay asimismo obras de gran interés más modernas, de la segunda mitad del siglo XIX, como los dos
retratos femeninos de Ernest Meissonier, algo muy raro dentro de su producción, una famosa pintura de desnudo de
Paul Baudry, La perla y la ola, que perteneció a la emperatriz Eugenia de Montijo, y dos retratos de Carolus-Duran,
uno de ellos adquirido recientemente (2010).

Pintura alemana

Pocas son las obras de pintura alemana conservadas en el Prado e

históricamente en España en general. A pesar de la fuerte relación
de los Habsburgos españoles con el Sacro Imperio Romano
Germánico, la mayoría de los monarcas hispanos se decantaron
por otro tipo de pintura. A causa de ello esta colección es reducida
en número, aunque de gran calidad.

Destaca sobre todo el grupo de cuatro obras maestras de Alberto

Durero, entre ellas su Autorretrato de 1498 y la pareja de tablas de
Adán y Eva. Del resto de obras, descuellan una Virgen con el Niño
Jesús, san Juanito y ángeles y dos curiosas escenas de cacería, las
tres de la mano de Lucas Cranach el Viejo (además en 2001 se
adquirió un retrato de Juan Federico "el Magnánimo", elector de
Sajonia que en aquel momento se creía que era de su autoría, pero
que hoy en día se considera obra de taller); dos alegorías muy
importantes de Hans Baldung Grien, Las Edades y la Muerte y La
Armonía o Las tres Gracias, una pequeña pintura de Adam
Adán y Eva, de Durero.
Museo del Prado 18

Elsheimer, Ceres en casa de Hécuba, y ya en el siglo XVIII, un nutrido grupo de obras de Anton Raphael Mengs,
que fue nombrado Primer Pintor del rey Carlos III y trabajó en la Corte entre 1761 y 1769 y de 1774 a 1776.
Fundamentalmente se trata de retratos de la Familia Real, aunque también hay un autorretrato y algunas piezas de
asunto religioso. Asimismo, existe un interesante retrato de la infanta Paz de Borbón por Franz von Lenbach.

Pintura holandesa

La continua hostilidad (en muchas ocasiones guerra abierta)

entre España y las Provincias Unidas tras la separación de
éstas en 1581 dificultó extraordinariamente la llegada a
España de pintura del siglo XVII de dicho país, el período
de mayor esplendor de esta escuela, a lo que contribuyó
además el rumbo tomado por la pintura neerlandesa tras la
independencia, buscando un estilo propio que se apartaba y
en muchos casos era incluso antagónico del ideal clasicista,
lo que hizo que durante largo tiempo no resultara del gusto
de los coleccionistas, no sólo de España, sino también de
Bodegón con vasos de cristal y limón, de Willem Claesz. Heda
otros países en los que el arte clásico seguía teniendo gran
(legado Fernández-Durán). vigencia, como Francia e Italia. Así, mientras los
coleccionistas españoles se inclinaban mayoritariamente por
obras religiosas y mitológicas, en Holanda tuvieron un gran auge los géneros del paisaje, las marinas, los bodegones
y las escenas costumbristas, adquiridos por una burguesía que deseaba de ese modo expresar su identificación con su
tierra y con su estilo de vida. Todo ello redundó en que la colección del Museo del Prado no sea especialmente
extensa, faltando además en ella nombres fundamentales como Johannes Vermeer y Frans Hals. La mayor parte de
las obras que posee el Prado proceden de la Colección Real y casi todas fueron adquiridas ya en el siglo XVIII,
especialmente por parte de Felipe V y su segunda esposa, Isabel de Farnesio.

La pintura holandesa cuenta con unas cien obras, todas del siglo XVII, entre las que destaca un importante cuadro de
Rembrandt: Judit en el banquete de Holofernes, antes identificado como Artemisa recibiendo las cenizas de Mausolo
o como Sofonisba recibiendo la copa de veneno.[68] Se trata de una de las obras maestras del periodo temprano de
Rembrandt, que parece retratar a su mujer Saskia en la figura femenina principal.
El fondo holandés incluye también un bodegón de Pieter Claesz. y tres de Willem Claesz. Heda, los cuatro
procedentes del legado Fernández-Durán, y obras del también bodegonista Jan Davidszoon de Heem, un raro
ejemplo de este género de Gabriël Metsu, un retrato de Gerard ter Borch, varias obras del costumbrista Adriaen van
Ostade, el claroscurista Mathias Stomer, los paisajistas Herman van Swanevelt y Jacob van Ruysdael (atribución
dudosa), el pintor de animales Paulus Potter, los italianizantes Salomon de Bray y Jan Both y una importante serie de
Philips Wouwerman. Esta colección ha sido objeto de una exposición y de la publicación del primer catálogo
razonado de la misma en diciembre de 2009.[69]
Museo del Prado 19

Pintura británica

La histórica rivalidad entre España y el Reino Unido, que arranca en el siglo

XVI con la subida al trono de Isabel I de Inglaterra y su definitiva separación
de la Iglesia de Roma, no contribuyó precisamente a facilitar la adquisición
de obras de arte británicas por la Monarquía española, lo que redundó en que
la sección de pintura inglesa del Museo del Prado no sea demasiado nutrida
(no obstante, en Madrid hay una representación relativamente amplia de esta
escuela en el Museo Lázaro Galdiano, de fundación privada). Las obras que
hay llegaron mediante algunas compras y varias donaciones, casi todas ya en
el siglo XX.

La colección del Prado está compuesta por obras fechadas en las últimas
décadas del siglo XVIII y en el siglo XIX. Faltan en ella los destacados
renovadores William Hogarth y Joseph Wright of Derby, el visionario Retrato de Isaac Henrique Sequeira, de
William Blake, así como los grandes nombres del paisajismo inglés (Turner, Thomas Gainsborough, donación del
Constable), pero sí hay en cambio algunos ejemplos de la obra de los estadounidense Bertram Newhouse.

principales retratistas. En la nómina figuran Thomas Gainsborough, Joshua

Reynolds, Thomas Lawrence, George Romney, Francis Cotes, Henry Raeburn y John Hoppner, entre otros. Por otro
lado, cuenta con varias vistas de distintos puntos de España del pintor del romanticismo David Roberts, que fueron
adquiriéndose a lo largo del pasado siglo. Finalmente, ya de la época victoriana, el Museo tiene un espectacular
lienzo del neerlandés afincado en el Reino Unido Lawrence Alma-Tadema, Escena pompeyana o La siesta, que
ingresó en 1887 por donación de Ernesto Gambart.[70]

Pintores representados
Véase: Anexo:Pintores del Museo del Prado

Galería

La Anunciación, San El tránsito Santo Cristo Autorretrato,

1430-1432, de Fra Juan y de la Virgen, Domingo muerto 1480, de
Angelico. el c. 1461, por de Silos, sostenido Alberto
maestre Andrea por por un Durero.
Enrique Mantegna. Bartolomé ángel,
de Werl, Bermejo, 1476 -
obra de c. 1475. 1479,
Robert Antonello
Campin, da
1438. Messina.
Museo del Prado 20

El Jardín de las Santa El El paso de la Noli me Carlos V

Delicias, 1503-1504, Catalina, Pasmo laguna Estigia, tangere, a caballo
de Hieronymus c. 1510, de 1520, Joachim por en
Bosch. Fernando Sicilia, o Patinir. Correggio Mühlberg,
Yáñez de Caída en (c. 1525). 1548, de
la el Tiziano.
Almedina. camino
del
Calvario,
por
Rafael,
1517.

El Lavatorio, 1548 - El triunfo Venus y El David Bodegón,

1549, obra de de la Adonis, caballero vencedor de obra de
Tintoretto. muerte, c. 1580, por de la Goliat, por Juan
1562, Paolo mano en Caravaggio, Sánchez
Pieter Veronese. el pecho, 1599. Cotán,
Brueghel el c. 1580, 1602.
Viejo. de El
Greco.

Hipómenes y La La rendición Judit en el Las tres Agnus Dei,

Atalanta, Piedad, de Breda, banquete de Gracias, 1635-1640, de
1618-1619 1628 - 1634-1635, de Holofernes, 1636-1638, Zurbarán.
(Guido Reni). 1632, por Diego obra de de Rubens.
Anton van Velázquez. Rembrandt,
Dyck. 1634.

El La La Fiesta en un La familia de Niños en la playa,

embarque Magdalena, Inmaculada parque, por Carlos IV, obra de Joaquín
de santa o Santa Concepción Antoine 1800-1801, de Sorolla, 1910.
Paula, Taís, 1641, de los Watteau Francisco de
por José de Venerables, (posterior a Goya.
Claudio Ribera. 1678, por 1715).
de Bartolomé
Lorena, Esteban
1639-40. Murillo.
Museo del Prado 21

Dibujos y estampas

El Gabinete de dibujos y estampas del Museo se ubica desde 2007 en

el Edificio Jerónimos. Debido a que en general las obras sobre papel
sufren un desgaste al estar expuestas a la luz (ya sean dibujos,
grabados, acuarelas o incluso libros), estas piezas únicamente pueden
mostrarse al público con una iluminación muy atenuada y durante
periodos de tiempo limitados (tres-seis meses), por lo que
habitualmente son accesibles solo a los investigadores.

Sobresale la colección de dibujos de Goya, la más amplia del mundo.

Junto a ella, la colección de dibujos españoles del siglo XIX, con más
de 3.000 obras originales, es de extraordinaria importancia. Los fondos
anteriores a 1600 son más limitados, pero incluyen un gran dibujo de
Juan Guas sumamente raro, procedente del Museo de la Trinidad, que
representa la capilla mayor del Monasterio de San Juan de los Reyes de Marte, dibujo preparatorio de Francisco Bayeu
Toledo, por él diseñado.[71] Otros artistas españoles representados en la para El Olimpo: batalla con los gigantes.
colección son Francisco Pacheco, del que se conserva un excepcional
Juicio Final, Vicente Carducho, con un importante boceto, La expulsión de los moriscos,[72] Alonso Cano, José de
Ribera, Murillo o Francisco Bayeu.

Las colecciones de dibujos extranjeros son más desiguales, aunque incluyen notables ejemplos italianos, de autores
como Giorgio Vasari (San Lucas pintando a la Virgen), Polidoro da Caravaggio, Andrea del Sarto, Parmigianino,
Guercino y Annibale Carracci. Se conservan varios dibujos de Miguel Ángel, procedentes del legado
Fernández-Durán, dos de ellos preparatorios para la Capilla Sixtina que fueron identificados en 2004.[37][38]
También destaca una acuarela del sueco Anders Zorn.
Desde 2012 el Museo es miembro permanente del International Advisory Committee of Keepers of Public
Collections of Graphic Art (Comité consultivo internacional de conservadores de colecciones públicas de arte
gráfico), conocido como Club de los 50 luxes, en el que están representados los más importantes gabinetes de
dibujos y estampas a nivel mundial.[73]
Museo del Prado 22

Escultura

La colección de escultura del Museo comprende más de 900 obras,

además de casi 200 fragmentos escultóricos. Procede en su mayor
parte de las antiguas colecciones reales, aunque completada en
épocas recientes con adquisiciones, legados y donaciones. Entre
éstas últimas destaca la realizada en 2000 por el pintor chileno
Claudio Bravo, consistente en diecinueve esculturas
greco-romanas.[74] En cuanto a la escultura del siglo XIX procede
en su mayor parte del extinto Museo de Arte Moderno, cuyos
fondos decimonónicos pasaron al Prado en 1971.

Es muy destacable el fondo de esculturas antiguas, sobre todo

obras romanas, aunque también algunos originales griegos, que se
adquirieron para decorar los Reales Sitios. Hay raros ejemplos de
escultura griega arcaica, así como versiones muy importantes del
Diadúmeno de Policleto, Venus púdica (Venus del Delfín),
Ariadna dormida o la Atenea Párthenos de Fidias, copias romanas
de los originales perdidos. Las obras romanas originales
comprenden piezas tan destacadas como la Apoteosis de Claudio o El Grupo de San Ildefonso, que representa a Orestes y
el Grupo de San Ildefonso, obra maestra de la escultura imperial. Pílades, obra romana de hacia 10 a. C.

Destacan también las Musas que pertenecieron a Cristina de

Suecia, y que tras la última ampliación se ubican en el recibidor oval, bajo la sala de Las Meninas.

El segundo grupo en importancia del fondo escultórico corresponde al Renacimiento. Hay ejemplos debidos a Juan
de Bolonia, Bartolomeo Ammannati e incluso dos rarísimas tallas de El Greco, Epimeteo y Pandora. Pero destaca de
este periodo el conjunto de esculturas debidas a los broncistas milaneses Leone y Pompeo Leoni, entre ellas la
célebre Carlos V dominando el Furor. De épocas posteriores, sobresalen las esculturas compradas en Italia por
Velázquez.
En las salas que se han abierto en 2009 dedicadas al siglo XIX se han incorporado algunas esculturas de este periodo.
Entre los representados figuran José Álvarez Cubero, Ramón Barba, José Ginés, los hermanos Venancio y Agapito
Vallmitjana, José Llimona, Jerónimo Suñol, Agustín Querol y Mariano Benlliure. Las obras de escultores extranjeros
son escasas. Entre ellas hay dos antes atribuidas al italiano Antonio Canova, Venus y Marte, ahora adjudicada a su
círculo, y Hebe, que actualmente se considera realizada por su más destacado discípulo, Adamo Tadolini, copiando
un original del maestro. De los asimismo italianos Camillo Torreggiani y Vincenzo Gemito hay sendos bustos,
respectivamente Isabel II, velada (para el que Torreggiani igualmente realizó el pedestal) y El pintor Mariano
Fortuny y Marsal. También posee el Museo una escultura de Hermes, tradicionalmente considerada de la mano del
danés Bertel Thorvaldsen y hoy asignada a su taller y por último una reducción de Amor y Psiquis, la obra más
destacada del escultor sueco Johan Tobias Sergel, ejecutada por el propio maestro con la colaboración de su taller.
Por otra parte hay, pero sin exponer, un mármol del irlandés John Henry Foley, Sir Charles Bennet Lawes
Witteronge como Mercurio.
Museo del Prado 23

Artes decorativas

Además del Tesoro del Delfín, la sección de Artes decorativas del

Museo consta de tapices, armaduras y porcelanas, así como de un
conjunto de 804 medallas de los siglos XV al XIX y 946 monedas
autónomas españolas legado por Pablo Bosch. También es muy
notable la colección de piedras duras, una de las más importantes
en todo el mundo.

El Tesoro del Delfín se denomina así por haber pertenecido a Luis

de Francia, el Gran Delfín, que falleció durante una epidemia de
viruela en 1711 sin haber llegado a reinar, siendo parte de él
heredado al año siguiente por su segundo hijo, Felipe V de España. Vaso de la Montería (detalle), en cristal de roca
El primer Borbón español recibió 169 obras, un porcentaje no muy grabado y tallado, una de las piezas del Tesoro del
grande del total (698 inventariadas en 1689), pero que fueron Delfín.

seleccionadas entre las mejores de la colección. Sin embargo casi

todas las actualmente existentes están mutiladas por los robos producidos durante la Invasión francesa y otro
realizado a principios del siglo XX, que además redujeron su número a 120. De ellas, 49 están realizadas en cristal
de roca y las otras 71 en piedras duras (piedras semipreciosas como ágata, lapislázuli, calcedonia, jaspe, jade,
serpentina o alabastro) y otros materiales, como conchas de nautilos. Las guarniciones son generalmente de oro,
aunque también hay algunas de plata, tanto sobredorada como en su color, y frecuentemente van realzadas con ricos
esmaltes y piedras finas (turquesas, amatistas, granates) y preciosas (diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes),
además de perlas.

La mayor parte de las piezas son de los siglos XVI y XVII, de talleres parisinos e italianos (en el caso de las de
cristal de roca, milaneses en concreto), aunque también hay ejemplares de la Antigua Roma, bizantinos, medievales
e incluso de la Persia sasánida, el Imperio mogol y China.
Se muestran también algunos de los estuches de cuero en los que se guardaban estas piezas y que se realizaron
reproduciendo exteriormente su forma con el fin de poder identificarlas sin necesidad de abrirlos (varios más se
exhiben en el Museo Nacional de Artes Decorativas).
La colección de piedras duras comprende tableros, consolas y
paneles decorativos, tanto de la Real Fábrica del Buen Retiro (que
además de dedicarse a la porcelana tenía también un taller
dedicado a esta especialidad, el Real Laboratorio de Piedras Duras
del Buen Retiro); como de manufacturas italianas (Talleres
Papales de Roma y Granducales de Florencia -Opificio delle Pietre
Dure-). Estas piezas tienen su origen en la Antigua Roma, en el
llamado opus sectile, o taracea de mármoles y piedras duras
polícromas, una técnica rara y costosa que vivió su apogeo durante
la época del emperador Augusto y que fue recuperada a mediados
Taller italiano del siglo XVII: bandeja de piedra
del siglo XVI en Florencia y la propia Roma. Dentro de esta sanguina, bronce, oro y perlas.
colección destacan los dos tableros sostenidos por leones de
bronce dorado, el Tablero de mesa de Felipe II y la Mesa de don
Rodrigo Calderón, exhibidos en la Galería Central y restaurados en 2008.[75] Los leones, cada uno de los cuales
apoya una garra sobre una bola de caliza de color rojizo, fueron encargados por Velázquez durante su segundo viaje
a Italia para decorar el Salón de los Espejos del antiguo Real Alcázar de Madrid, dado que a su cargo de Pintor de
Cámara unía el de Aposentador Real.[76] El conjunto original se componía de doce, realizados entre 1651 y 1652, de
Museo del Prado 24

los que el Prado posee siete. Otros cuatro se conservan en el Salón del Trono del Palacio Real de Madrid, mientras
que el restante sufrió daños muy graves en el incendio del Alcázar -1734- (el otro león que tiene el Museo es una
copia de 2004 que ha sustituido a otra de 1837 que se encontraba muy deteriorada). Su modelo fue un león de
Flaminio Vacca de 1594, a su vez copia de uno del siglo II d.C., ambos en aquella época en la Villa Medici de
Roma. Fueron fundidos por Matteo Bonucelli da Lucca (también conocido en España como Matteo Bonarelli de
Luca), fundidor ayudante de Bernini, y del que el Prado posee otras dos obras: la Venus de la concha y el famoso
Hermafrodita que se expone en la sala de Las Meninas, éste último un caso excepcional, ya que la copia resultó de
tanta calidad que superó al original.

El "Prado disperso"
Las excepcionales vicisitudes del Prado, concebido primero como Museo Real, elevado tras La Gloriosa a la
categoría de Museo Nacional, que absorbió en 1872 los fondos del disuelto Museo de la Trinidad; junto a las
donaciones, adquisiciones, legados, que se han ido suceciendo desde la fundación en 1819, han hecho que los límites
físicos del Museo se vieran desbordados en muchas ocasiones.
Ya desde el mismo instante en que abrió sus puertas, el Museo tuvo que dedicar más espacio a los almacenes que a la
propia exposición de obras.[77] Esta situación se vio más complicada con la llegada de los fondos del Museo de la
Trinidad, excepcionalmente cuantiosos y formados por grandes pinturas de altar en muchos casos, difíciles de
exponer y almacenar. Hay que tener en cuenta que el edificio del museo no se concibió para albergar colecciones de
pintura, sino como Gabinete y Academia de Ciencias. De este modo, durante buena parte de los siglos XIX y XX, se
siguió la política de ceder a diversas instituciones, en régimen de préstamo temporal, algunos de los fondos que
habitualmente no podían exponerse por falta de espacio. Y si grave fue siempre la escasez de espacios en el Prado,
mucho peor aún fue la situación del Museo de Arte Moderno, cuyas piezas del siglo XIX pasaron al Prado en 1971.
A la considerable abundancia de fondos, entre los que figuraba un buen número de pinturas de gran formato, se unía
un espacio disponible realmente reducido, pues al tener que compartir el Palacio de Bibliotecas y Museos con dos
instituciones de la importancia de la Biblioteca Nacional y el Museo Arqueológico Nacional, la parte que se le
asignó del mismo fue muy pequeña.
Tales cesiones no siempre siguieron criterios de pertinencia ni se controlaron mediante inventarios, de modo que
realizar un catálogo de estos fondos ha sido una tarea ardua y difícil: la labor se vio completada en los años 90 del
siglo XX con la aparición del Inventario General del Museo, en tres volúmenes.[78] Hay que anotar que muchas de
estas obras pasaron a museos provinciales o locales (como el museo Balaguer de Vilanova i la Geltrú), pero otras
acabaron en oficinas, iglesias (por ejemplo, la Basílica de Covadonga) e incluso despachos particulares. Según la
página web del Museo,[79] del total de obras que posee el Prado, alrededor de 3100 se encuentran depositadas en
diferentes instituciones, incluyendo algunas en el extranjero. Con la reordenación de las colecciones consiguiente a
la ampliación, la dirección del museo pretende concentrar y racionalizar estos depósitos de forma que se garantice
tanto su exposición al público como su conservación.[80] Para ello, con la cesión al Estado del Palacio de los Águila
en Ávila y su adscripción al Prado, pretende crearse un Centro de Gestión de Depósitos en dicho inmueble, al que
serían trasladados parte de los fondos, quedando el resto en los Museos Provinciales más destacados -véase sección
Palacio de los Águila (Ávila)-. Este proyecto, que ha sufrido paralizaciones y demoras, está aún en fase de estudio y
definición, y hasta que la rehabilitación de dicho inmueble no sea completada no será del todo efectiva.[81]
Museo del Prado 25

Obras recibidas en depósito

Teniendo la mayor parte de sus propios fondos sin
exponer, es obvio que las obras de terceros que el
Museo acepta en depósito para exhibir en sus salas se
circunscriben a piezas de muy alta calidad, siendo en
consecuencia su número muy limitado. Casi todas estas
pinturas prestadas pertenecen a otros organismos
públicos, por lo que su permanencia en el Museo es
bastante segura y la condición de préstamo es casi
meramente técnica.
Entre ellas figuran obras tan significativas como la
Mesa de los pecados capitales, El jardín de las
delicias, ambas de Hieronymus Bosch (El Bosco), El
descendimiento de la cruz, de van der Weyden y El
Lavatorio, de Tintoretto. Las cuatro proceden del
Monasterio de El Escorial e ingresaron en el Prado en
1939, cuando regresaron a España de vuelta de
Ginebra, a donde habían sido trasladadas durante la
Guerra Civil junto con las obras maestras del Museo y
algunas de particulares (como La condesa de Chinchón,
de Goya, propiedad entonces de los duques de Sueca). San Jerónimo leyendo una carta, de Georges de La Tour, en depósito
del Ministerio de Trabajo desde el año 2005.
Dichas obras pertenecen realmente a Patrimonio
Nacional y permanecen en el Prado en depósito (El
descendimiento fue sustituido en El Escorial por una copia de Michel Coxcie propiedad del Prado).

Otra destacada pieza, incorporada recientemente (2005), es San Jerónimo leyendo una carta, de Georges de la Tour,
identificada fortuitamente en la sede central del Instituto Cervantes de Madrid y que fue depositada por el entonces
Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales. También están en depósito los seis fragmentos de las pinturas murales de
la ermita de San Baudelio de Berlanga que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) dejó en depósito
indefinido en 1957, a cambio del ábside de la iglesia de San Martín de Fuentidueña,[82] un San Jerónimo penitente de
El Greco propiedad de la Comunidad de Madrid y tres tondos con alegorías de Goya, La Agricultura, El Comercio y
La Industria, depositados en 1932 por el entonces Ministerio de Marina, en un intercambio de obras con el Museo.

Entre los depósitos de particulares destacan la Piedad, obra maestra de Sebastiano del Piombo, o La mujer barbuda,
de José de Ribera (desde 2004), cedidas ambas por la Casa de Medinaceli; el único retrato conservado en España de
Sandro Botticelli, el Retrato de Michele Marullo Tarcaniota, que perteneció a Francesc Cambó y que permanece
depositado por su única hija, Helena, desde abril de 2004,[83] el óleo Aníbal vencedor contempla por primera vez
Italia desde los Alpes, de Goya, que quedará depositado durante seis años por la Fundación Selgas-Fagalde desde
septiembre de 2011,[84][85] y desde 2012, por un periodo de diez años, el retablo de los Gozos de Santa María o altar
de los ángeles, de Jorge Inglés, la primera pintura hispanoflamenca castellana documentada de autor conocido,
depositada por Íñigo de Arteaga y Martín, XIX duque del Infantado.[86] También estuvo expuesto durante varios
años El martirio de San Andrés, de Rubens, cedido por la Fundación Carlos de Amberes.
Museo del Prado 26

Sedes

Edificio Villanueva
El edificio diseñado por Juan de
Villanueva, en su concepción original,
está formado por un cuerpo central
terminado en ábside, al que flanquean
dos galerías alargadas que terminan en
pabellones cuadrados, uno a cada
extremo. Dicho esquema fue
ampliamente modificado, primero para
adaptar al uso de pinacoteca un edificio
que había sido concebido para Real Panorama del conjunto de edificios que integran el denominado Campus Prado, con el
Edificio Villanueva en primer término, el Cubo de Moneo y el Edificio Aldeasa detrás de
Gabinete de Historia Natural (luego
él, y, al fondo a la izquierda, el Salón de Reinos y el Casón del Buen Retiro.
Museo Nacional de Ciencias Naturales),
y después en las sucesivas ampliaciones
que se fueron realizando, y que afectaron sobre todo a la fachada que mira a la iglesia de los Jerónimos.

El cuerpo central destaca en planta y en alzado por un gran pórtico compuesto por seis columnas de orden toscano,
un entablamento, una cornisa y un ático que lo remata. Esta fachada es el acceso principal, orientado hacia el Paseo
del Prado, y presenta la originalidad de no disponer sobre la columnata del característico frontón triangular, sino de
uno con forma rectangular, adornado por un friso escultórico obra de Ramón Barba, representando una alegoría del
rey Fernando VII como protector de las ciencias, las artes y la técnica. En su cara posterior, esta sección central
termina en forma semicircular o absidial, de tal modo que su plano adopta forma basilical. Originariamente, dicha
estancia abarcaba las dos plantas de altura, y a finales del XIX se dividió en dos pisos. El inferior era la sala de
juntas, hasta su reciente conversión en recibidor. La planta superior es la actual sala 12, presidida por Las Meninas.

Planta del edificio tras la primera ampliación de Chueca Goitia y Lorente.

Las dos galerías laterales tienen dos plantas en altura. La inferior con unos ventanales profundos y alargados que
acaban en arco de medio punto y la superior con una galería de columnas jónicas (en la actualidad hay un tercer piso
retranqueado, obra posterior).
La fachada norte presenta un pórtico con dos columnas jónicas y sobre ellas un entablamento liso. Esta fachada
corresponde a la segunda planta del edificio. Cuando se construyó el edificio, la primera planta quedaba, por ese
lado, bajo el nivel del terreno, que por aquella época bajaba en una pequeña cuesta hasta el paseo del Prado, hasta
que más tarde se desmontó este desnivel hasta ponerlo a la misma altura que el suelo real del monumento. Hubo que
construir una escalinata para su acceso (1882).
Museo del Prado 27

La fachada sur (que da a la plaza de

Murillo, frente al Jardín Botánico) está
formada por un vano adintelado, de
acceso al interior, y una logia o galería
con seis columnas de orden corintio
sobre las que se apoya un
entablamento.

El interior del edificio es abovedado en

sus salas centrales. El vestíbulo de la
entrada norte está formado por una
rotonda con ocho columnas jónicas
cuya bóveda tiene decoración de
casetones. Vista de la fachada norte original del Museo del Prado (Entrada al Real Museo por el
Lado de San Jerónimo, de Fernando Brambila).
En el exterior, frente a la fachada
principal, está ubicada la estatua de
Velázquez, obra del escultor Aniceto Marinas. El pedestal es de Vicente Lampérez. Tiene una dedicatoria: Los
artistas españoles, por iniciativa del Círculo de Bellas Artes, 1899. Este monumento se inauguró el día 14 de junio
de ese mismo año con la presencia de la Reina Regente y de Alfonso XIII. Fue una ceremonia muy emotiva en la que
se rindió homenaje y reconocimiento al gran pintor Velázquez y a la pintura española. Además de los reyes
acudieron al acto:

• Como delegados de Francia, los pintores Jean Paul Laurens y Carolus-Duran. Depositaron coronas con cintas que
llevaban los colores franceses y en las que podía leerse: «Au grand Velázquez, les peintres français».
• Los embajadores de Alemania y del Imperio austrohúngaro.
• Edward Poynter, director de la Academia Real (Royal Academy) y de la Galería Nacional (National Gallery) de
Londres.
• Mariano Benlliure, en nombre de los artistas de Roma.
• Representación de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría y del Ayuntamiento de Sevilla.
• Asociación de Escritores y Artistas.
• Escuela de Bellas Artes de Madrid, Barcelona y Valladolid.
• Sociedad de Arquitectura, Ayuntamiento, Diputación Provincial y Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Existen además, junto a sus puertas principales, otros dos monumentos del siglo XIX, dedicados a Goya, obra del
escultor valenciano Mariano Benlliure, y a Murillo, de Sabino de Medina,[87] así como medallones en piedra
representando a célebres artistas españoles (no solo pintores, sino también escultores y arquitectos) de diversas
épocas, repartidos por la fachada occidental del edificio, la que da al Paseo del Prado.
Museo del Prado 28

Ampliaciones y reformas del edificio

Entre las reformas más importantes del edificio concebido por

Villanueva, cabe citar, por orden cronológico, la de Narciso
Pascual y Colomer, que diseñó la basílica y el ábside del cuerpo
central (1853); la de Francisco Jareño, que desmontó la cuesta por
la que se accedía a la fachada norte y crea una escalera
monumental, abriendo ventanas en la parte baja (1882 y 1885); en
1927, Fernando Arbós y Tremanti construyó dos pabellones en la
parte posterior del edificio; hacia la mitad del siglo se llevó a cabo
la reforma de Pedro Muguruza, con una remodelación de la
Galería Central y una nueva escalera para la fachada norte (que
contó con bastantes críticas, ya que destruyó la espléndida escalera
ideada por Jareño), con la intención de dar más luz a la zona de la
Medallón representando a Velázquez, en la fachada del
cripta; Chueca Goitia y Lorente realizaron a su vez ampliaciones Museo.
en las salas (1956 y 1967). La incorporación del Casón del Buen
Retiro, en un principio para albergar las colecciones de pintura de los siglos XIX y XX, se decidió en 1971.

Edificio Jerónimos
Siguiendo el proyecto de Rafael Moneo, en
2007 se culminó la mayor ampliación del
Museo en sus casi doscientos años de
historia. Esta ampliación no supuso cambios
sustanciales para el Edificio Villanueva, y se
plasmó en una prolongación hacia el
claustro de los Jerónimos (el llamado Cubo
de Moneo) a fin de que el museo contase
con espacio suficiente para sus crecientes
necesidades. El incremento de la superficie
disponible fue de 19.952 metros cuadrados,
un 90,5%, pasando de 22.043 metros
cuadrados a 41.995.[1]
Vista del llamado Cubo de Moneo.
La conexión entre ambos edificios es
subterránea (en el lado del Edificio
Jerónimos), pues aprovecha y cubre el desnivel entre los Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. Las
mejoras más visibles de esta intervención incidieron en la atención al visitante (vestíbulo, bar-restaurante, taquillas,
tienda), la ampliación de los espacios expositivos, con cuatro nuevas salas para exposiciones temporales en dos
plantas y la habilitación del claustro como sala de escultura; un auditorio nuevo y una sala de conferencias, así como
otros espacios de uso interno (restauración, almacenes y el Gabinete de dibujos y estampas). Esta ampliación se
presentó el 27 de abril de 2007 si bien la inauguración oficial no tuvo lugar hasta medio año después, el 30 de
octubre, con una muestra temporal de las piezas más significativas de la colección de pintura española del siglo XIX,
que había permanecido almacenada durante diez años, desde el inicio de las obras en el Casón en 1997.

La incidencia definitiva de la ampliación no será totalmente perceptible hasta finales de 2012, ya que se está en
proceso de reordenar toda la colección expuesta y sumarle más piezas.[11] El traslado de los almacenes y equipos
científicos al Cubo de Moneo liberó 25 salas del edificio principal que están siendo acondicionadas gradualmente.
Los responsables del museo estiman en un 50% el incremento de obras expuestas, es decir, unas 450-500, que se
Museo del Prado 29

podrán contemplar en nuevas salas del edificio Villanueva. En octubre de 2009 se abrieron los nuevos espacios
dedicados al arte del siglo XIX, desde los últimos neoclásicos hasta Sorolla, incorporando tales corrientes artísticas,
a menudo subestimadas, al discurso expositivo del Museo.[62] Este nuevo despliegue tuvo su siguiente hito en mayo
de 2010, con las salas de pintura española medieval y del siglo XVI anterior a El Greco, que ocupan el lugar de las
antiguas salas de exposiciones temporales de la planta baja de la rotonda, en la parte norte del edificio Villanueva,
con una instalación que en su parte arquitectónica ha sido ideada por el mismo Rafael Moneo.[88] En julio de 2011 se
dio otro paso en la reordenación de la exhibición permanente: la Galería Central se reabrió con obras de gran formato
de la pintura veneciana del siglo XVI (Tiziano, Tintoretto, Veronés), de algunos maestros italianos del primer
clasicismo (Annibale Carracci, Guido Reni, Orazio Gentileschi) y de pintura flamenca del Barroco (Rubens (dos de
ellas en colaboración con Snyders y otra con van Dyck), aunque también se colgó una obra de van Dyck y
posteriormente otra de Jacob Jordaens). Finalmente, en 2012 se reabrirán las salas de la planta segunda del lado
norte, en las antiguamente estaba el taller de restauración y que posteriormente, tras una remodelación a cargo de
Gustavo Torner, pasaron a exhibir durante unos pocos años la colección de pintura europea del siglo XVIII. Con la
reordenación su función será mostrar series de pintura barroca flamenca.[89]

Casón del Buen Retiro

El hoy conocido como Casón es una de las
dependencias del antiguo Palacio del Buen
Retiro que han llegado a nuestros días.
Concebido como Salón de Bailes de dicho
palacio, quedó muy malparado tras la
Guerra de la Independencia (1808-1814),
tras ser ocupado y parcialmente destruido
por las tropas francesas. La parte
subsistente, ya como edificio autónomo y
separado de lo que fue el antiguo palacio,
fue objeto de varias reformas a lo largo del
siglo XIX. Se le dotó entonces de
monumentales fachadas neoclásicas, de las
cuales la occidental, con escenográfica
columnata, fue diseñada por Ricardo Fachada oeste del Casón, obra del arquitecto Ricardo Velázquez Bosco.
Velázquez Bosco (la oriental, frente al
Parque del Retiro, es del discreto arquitecto Mariano Carderera). Durante este siglo el edificio tuvo diversos usos,
llegando ser sede del Estamento de Próceres (precedente del actual Senado). Ya en el siglo XX, fue utilizado como
sala de exposiciones, albergando varias de las más importantes que se concibieron tras el paréntesis de la Guerra
Civil. Decidido ya su uso museal, quedó adscrito al Prado en 1971, albergando hasta 1997 la sección correspondiente
al arte del siglo XIX, que acababa de verse extraordinariamente incrementada tras la adscripción de los fondos de esa
época que habían pertenecido al extinto Museo de Arte Moderno, función muy acorde con su arquitectura
decimonónica, pero de escaso atractivo para los visitantes, dada la separación del Casón del edificio Villanueva, y el
desconocimiento general del arte español de esa época. Tal situación quedó paliada con la llegada del Guernica y
otras pinturas muy representativas de la vanguardia pictórica española, como varias de Juan Gris. Tras la
reordenación de las colecciones estatales de pintura y la creación del Museo Reina Sofía, se pensó en el Casón como
espacio ideal para las exposiciones temporales del Prado. Finalmente, esas funciones y la pintura del siglo XIX han
sido transferidas a la ampliación de Moneo y el edificio histórico, respectivamente. Tras ser sometido a una profunda
reforma a principios del siglo XXI, que incluyó la restauración de la bóveda pintada por Luca Giordano en la sala
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central, es desde 2009 la sede del Centro de Estudios del Museo, la llamada Escuela del Prado, que, siguiendo el
modelo de la École du Louvre, está dedicado a la investigación así como a la formación de especialistas en los
diversos campos de la Historia del Arte. De este modo, el Casón alberga actualmente la Biblioteca del Museo del
Prado, con la sala de lectura instalada en el salón principal bajo los frescos de Giordano. Este Centro recibió una
aportación extraordinaria al donar el rey Don Juan Carlos el importe íntegro del premio que le otorgó la Mutua
Madrileña (750.000 €) al Museo y destinarlo éste a tal fin.[90] El Centro abrió sus puertas por primera vez el 9 de
marzo de 2009. Cuenta con libros sobre pintura, dibujo e iconografía, escultura y artes decorativas, en un arco que
abarca desde la Edad Media hasta el siglo XIX. Parte de ellos son catálogos de exposiciones, existiendo también un
importante fondo antiguo, en buena medida gracias a las recientes adquisiciones de las bibliotecas Cervelló y
Madrazo. En total hay alrededor de 60.000 volúmenes y unos 700 títulos de revistas, 200 de ellas vivas. En 1987 se
inició la digitalización de los fondos, pudiendo accederse ya a la mayoría a través de terminales instalados en la sala
de lectura,[91] y desde 2012 también a través de la nueva sección Biblioteca digital de su página web, comenzando
por la serie completa de catálogos generales de la colección de pinturas.[92] Uno de los principales programas que
desarrolla el Centro de Estudios es el de las Cátedras anuales. La primera de ellas, la del año 2009, estuvo dedicada a
analizar el presente y el futuro del Museo, teniendo como titular al director emérito del Metropolitan Museum of Art
de Nueva York, Philippe de Montebello,[93] mientras que la de 2010-2011 se consagró a la historia del dibujo desde
la Antigüedad hasta el siglo XVII, y tuvo al frente al director de la Scuola Normale Superiore di Pisa, Salvatore
Settis,[94] y la de 2012 estudiará la pintura del Siglo de Oro, bajo la dirección de Jonathan Brown.[95] Y en 2013 se
implantará una nueva actividad, el Seminario Museo del Prado, también de carácter anual.[96]

Otras sedes

Salón de Reinos

Correspondiente al ala principal (norte) del antiguo Palacio

del Buen Retiro, recibe su nombre por haber albergado
originalmente el Salón de Reinos o de Embajadores, donde
el rey recibía a los dignatarios extranjeros; dicho espacio se
concibió como una escenográfica puesta en escena de la
monarquía española, con grandes cuadros encargados por
Felipe IV a los principales pintores de la época, entre ellos
Velázquez (La rendición de Breda y los retratos ecuestres
de Felipe III, la reina Margarita de Austria, Felipe IV, la
reina Isabel de Borbón y el príncipe Baltasar Carlos), Juan
Bautista Maíno (La recuperación de Bahía) y Zurbarán (la
serie de Los trabajos de Hércules, La Defensa de Cádiz El Salón de Reinos, que, tras acoger durante décadas al Museo
del Ejército, será reformado en los próximos años para su uso
contra los ingleses y otro cuadro de batalla hoy perdido).
por el Prado.
Tras la casi total destrucción del palacio (ver Casón del
Buen Retiro) esta parte del mismo fue destinada a albergar
el Museo del Ejército, y muy modificada para dicho fin. En el concurso internacional para la ampliación del Museo
del Prado (1995-1996),[97] ya se preveía la adscripción al mismo de este edificio, para lo cual se ordenó el traslado
del Museo del Ejército al Alcázar de Toledo. La previsión inicial era licitar la obra en 2009 o 2010 y realizar la
adjudicación, ejecución de trabajos y habilitación en el periodo 2010-2012, con un presupuesto de 42,5 millones de
€, destinándolo tanto a exposiciones temporales como a exhibir obras de la propia colección permanente del
Museo.[98] Sin embargo, la estimación final del coste de los trabajos necesarios se ha elevado por encima de los 90
millones y el proyecto, a pesar de estar contemplado en el Plan de Actuación 2009-2012, permanece aplazado sin
Museo del Prado 31

fecha. A causa de ello la reordenación de la colección se ha ejecutado finalmente sin contar con este edificio, cuya
función cuando esté disponible (mostrar con mayor profundidad ciertas facetas de las colecciones o bien acoger
muestras temporales) queda sin concretar.[89]

Edificio Aldeasa

Situado junto al Claustro de los Jerónimos, se trata de un edificio de

oficinas de factura contemporánea. Perteneciente al Patrimonio del
Estado, estuvo inicialmente asignado a la empresa de dicho nombre,
entonces de propiedad estatal, hasta que fue privatizada en 1997. Fue
entonces adscrito al Prado por iniciativa del entonces Presidente del
Gobierno José María Aznar, para instalar en él las oficinas del Museo,
hasta entonces ubicadas en la segunda planta del ala sur del edificio
Villanueva, en la que tras el desalojo se habilitaron once nuevas salas,
diez que acogen obras de Goya (entre ellas los cartones para tapices) y
de contemporáneos suyos, como Paret y Maella, y una circular que se
utilizó inicialmente como sala de exposiciones temporales de dibujos, y
que, tras el traspaso de las actividades expositivas al Edificio Jerónimos,
se ha habilitado como sala de bocetos y pinturas de gabinete españoles El Edificio Aldeasa, sede de las oficinas del
del siglo XVIII.[99] La rehabilitación del conjunto de estas salas se hizo Museo.

según proyecto del artista Gustavo Torner, que ya previamente había

diseñado la de la segunda planta del lado norte y varias salas más de las plantas baja y primera.[100] Por otro lado, en
el edificio contiguo, en el número 21 de la calle Ruiz de Alarcón, está la sede de la Fundación Amigos del Museo.

Palacio de los Águila (Ávila)

Este edificio abulense, conocido como Casa de Miguel del Águila,

por quien mandó construirlo en 1546, o, más comúnmente, como
Palacio de los Águila, fue adquirido en 1901 por don José María
de Narváez, duque de Valencia. En 1983 falleció su última
propietaria privada, doña María Luisa Narváez Macías, duquesa de
Valencia, que lo legó al Estado con todo su contenido para la
instalación de un museo, legado aceptado en 1985. Inicialmente
(1992) fue adscrito al Museo de Ávila, pero mediante un nuevo
Convenio de colaboración entre el entonces Ministerio de
Educación y Cultura y la Junta de Castilla y León se cambió la
Palacio de los Águila, en Ávila, futuro Centro de
adscripción, pasando a estar asignado desde entonces al Museo del Gestión de Depósitos del Museo.
Prado.[101] De este modo, este antiguo palacio de típica cantería
abulense pasaba a ser la primera sede del Prado fuera de Madrid,
siendo destinado a acoger el Centro de Gestión de Depósitos (véase sección El "Prado disperso").
Arquitectónicamente sigue los modelos típicos de las casas señoriales abulenses de la época. Sus líneas son muy
sobrias, concentrándose la escasa decoración en la portada, en la que figuran tres escudos sostenidos por águilas.
Consta de dos pisos con un patio. Las labores para la adaptación a su nuevo uso se iniciaron en 2003, pero han
pasado por muchas vicisitudes, incluido un contencioso entre el Ministerio y la empresa adjudicataria que acabó con
la rescisión del contrato y la adjudicación a una nueva contratista. También ha habido retrasos a causa del hallazgo
de restos arqueológicos romanos, medievales y modernos, resultando todo ello en que en la actualidad (2010) las
obras no hayan aún concluido.[102]
Museo del Prado 32

Actividad científica
El Museo Nacional del Prado cuenta con un importante número de investigadores en sus distintas áreas de
conservación, y establece colaboraciones con otros reputados investigadores e historiadores del arte para desarrollar
algunos de sus proyectos más importantes. Además, de forma continua, publica un Boletín en el que prestigiosos
autores estudian aspectos inéditos de obras del museo, así como un amplio número de catálogos de exposiciones y
catálogos razonados de sus cuantiosas colecciones.
El Prado cuenta con un gabinete técnico y un laboratorio químico en el que se hacen estudios de las obras de su
colección o de otras obras importantes, en relación con campañas de restauración. El Museo, además, a través de su
área de educación, organiza cursos de alta especialización, congresos internacionales y simposios. La reciente
creación del Centro de Estudios del Museo viene a reforzar la actuación del Prado en este campo (ver sección Casón
del Buen Retiro).

Política de exposiciones
El Museo Nacional del Prado lleva a cabo
una intensa política de exposiciones
temporales que revisa, conmemora y da a
conocer los aspectos de la Historia del Arte
que más estrechamente se relacionan con
sus propios fondos, o que los
complementan. Así, el Prado ha repasado a
través de exposiciones los grandes núcleos
de interés de sus colecciones, desde la
pintura medieval hasta la del siglo XIX,[103]
pasando por muestras dedicadas a algunos
de sus pintores más significativos como El
Greco (a quien estuvo consagrada la primera
exposición monográfica que realizó, en
1902),[104][105] Murillo, Zurbarán, Ribera, Vista de la Galería Central en 2005. Hasta la inauguración de las salas del Edificio
Patinir,[106] Durero,[107] Tiziano,[108] Jerónimos en 2007 era donde se montaban las exposiciones de gran formato, lo que
implicaba tener que colgar y descolgar continuamente los cuadros de la colección
Tintoretto,[109] Velázquez,[110] o Goya,[111]
permanente mostrados en ella.
aunque también las ha habido de artistas que
no tienen representación o están
escasamente representados a pesar de tratarse de grandes pintores, como Vermeer,[112] Rembrandt o Turner, además
de otras dedicadas a algunos de los coleccionistas más importantes relacionados con su historia, como Felipe II,[113]
Felipe IV,[114] Cristina de Suecia, Carlos I de Inglaterra,[115] Felipe V,[116] o Ramón de Errazu.[117]

Desde abril de 2007 y en conexión con la apertura de la ampliación de la Pinacoteca, que tendría lugar en noviembre
de ese año, dio comienzo una nueva política de exposiciones que asume la exhibición de obras de artistas
contemporáneos. Hasta ahora se han celebrado ya una exposición de fotografías de Museos de Thomas Struth,[118]
que se convirtió así en el primer artista vivo que expone en el Prado desde el siglo XIX, también se ha visto una
selección de obras de artistas españolas en activo con las colecciones del Prado como referencia en común,[119] un
happening de Miquel Barceló acompañado del coreógrafo Josef Nadj,[120] una de Cy Twombly[121] inspirada en la
Batalla de Lepanto y una antológica de Francis Bacon,[119] que redefinen así la misión sustancial del Prado en la
cultura española y le implican directamente en la acción del Estado sobre el arte actual. Este nuevo rumbo del Museo
ha suscitado importantes críticas por reconocidos expertos en el campo de la museología y la historia del arte.[122] De
hecho, se ha considerado que esta nueva programación podría afectar de algún modo al real decreto de 17 de marzo
Museo del Prado 33

de 1995 que marca el límite de la actividad museística entre los dos grandes museos nacionales españoles de pintura
y que señala que los artistas nacidos después de 1881, año del nacimiento de Picasso, corresponden salvo algunas
excepciones que están especificadas en ese documento legal, al Museo Reina Sofía, cuya acción quedaría
menoscabada por la del Prado.[123][124]
Desde 2009 se inició una nueva modalidad dentro de este apartado con el programa La obra invitada, en
colaboración con otros museos del mundo, y mediante el cual se han expuesto La Magdalena Penitente de Georges
La Tour, prestada por el Museo del Louvre, La compañía del capitán Reijnier Reael (Frans Hals, Rijksmuseum), Las
hijas de Edward Darley Boit (Sargent, Museo de Bellas Artes de Boston), El Descendimiento (Caravaggio, Museos
Vaticanos) y La acróbata de la bola (Picasso, Museo Pushkin).
Además hay conciertos, representaciones teatrales y se realizan proyecciones de largometrajes y documentales como
complemento de las exposiciones, y también existen ciclos de conferencias, en muchos casos conectados igualmente
con las muestras temporales. Asimismo desarrolla una amplia labor difusora del conocimiento de sus colecciones a
través de ambiciosos programas educativos destinados a centros docentes fuera y dentro de la Comunidad de Madrid.

Algunas curiosidades
• Ningún museo o colección en el mundo supera al Prado en cuanto a la representación de los siguientes artistas:
• El Greco (36 pinturas y dos esculturas).
• Velázquez (48 pinturas, de las poco más de 120 catalogadas, entre ellas casi todas sus obras capitales).[43]
• Goya (152 pinturas, incluyendo casi todos sus cartones para tapices). Es el artista del que posee un mayor
número de obras.[125]
• Eduardo Rosales (casi 200 obras, entre pinturas y dibujos).
• Tiziano (40 pinturas).
• Luca Giordano (más de 70 pinturas).
• Zurbarán.
• Maíno. El Museo posee el mejor conjunto de obras de este artista, al que dedicó una exposición antológica en
2009.
• El Bosco (6 obras seguras y varias más atribuidas).
• Patinir (varias de sus obras maestras, de su reducida producción).
• Rubens (casi cien obras, algunas pintadas a dúo con otros artistas).
• Ribera (51 pinturas, incluyendo muchas de sus obras maestras).
• Antonio Moro (15 pinturas).[126]
• En el museo se encuentra La Gloria, pintada por Tiziano para Carlos V, y que el Emperador llevó a su retiro en el
monasterio de Yuste en Cáceres, Extremadura, pidiendo contemplarla antes de expirar.[127] Junto a ella llevó otras
obras del veneciano que igualmente hoy están en el Prado: el Retrato de la Emperatriz, el Ecce Homo número de
catálogo P437, el P42 (atribuido), la Dolorosa con las manos abiertas y la Dolorosa con las manos cerradas,
aparte de una pintura no perteneciente al Museo, una Dolorosa de Michel Coxcie.
• Se guarda también el Retrato ecuestre de la reina Margarita, de Velázquez y su taller, mostrando el joyel rico,
formado por dos de las joyas más famosas del Joyero de la Corona de España: la perla llamada Peregrina (que
actualmente se cree identificar por algunos con la que está en poder de Elizabeth Taylor) y el diamante El
Estanque, tallado posiblemente por Jacopo Nizzolo da Trezzo (conocido también en España como Jacometrezo).
• En sus inicios, el Museo abría apenas dos o tres días a la semana, y cerraba siempre que llovía, se supone que para
evitar masificaciones y suciedad. Por otro lado, durante un tiempo las salas de escultura no estuvieron
debidamente pavimentadas, y el polvo debía eliminarse regando el suelo con agua, aunque pronto se esteró y
posteriormente se instaló tarima de madera en casi todas las salas. Por cuestiones de seguridad, la madera fue
sustituida por mármol después de los años 30.
Museo del Prado 34

• La famosa Dama de Elche es en realidad propiedad del Prado (número de catálogo E433), encontrándose en el
Museo Arqueológico Nacional en condición de depósito. Se obtuvo en 1941 mediante un intercambio de obras
con el Gobierno de Vichy del mariscal Pétain, un acuerdo mediante el que Francia accedió a atender las
reclamaciones que España venía planteándole desde hacía décadas y que incluyó también la Inmaculada
Concepción de los Venerables o Inmaculada de Soult (por el mariscal francés que la robó) de Murillo, que era al
igual que la Dama propiedad del Museo del Louvre, y varias piezas del Tesoro de Guarrazar, que pertenecían al
Museo Nacional de la Edad Media de París (Museo de Cluny), además de los restos de las esculturas ibéricas de
Osuna. Como compensación se entregaron a Francia un retrato de Mariana de Austria de Velázquez, del que el
Prado poseía otra versión casi idéntica (se transfirió la versión considerada de inferior calidad, que para algunos
es incluso simplemente una copia de taller), y una obra de El Greco del Museo de Santa Cruz de Toledo.[128]
Permaneció en el Prado durante 30 años, desde que regresó a España hasta que en 1971 fue trasladada al M. A.
N.[129]
• En 1961 un ladrón intentó entrar al Museo por el tejado, aunque cayó al vacío y falleció. Llevaba preparado en un
bolsillo un papel en el que dictaba las condiciones para la recuperación de los cuadros.[130]
• El cuadro Degollación de San Juan Bautista y banquete de Herodes, de Bartholomäus Strobel el Joven, expuesto
en la primera planta del Edificio Villanueva frente a la batería central de ascensores, es el de mayor longitud del
Museo con sus 952 cm por 280 de alto, aunque lo supera en superficie la Alegoría de la donación del Casino a la
reina Isabel de Braganza por el Ayuntamiento de Madrid, de Vicente López (620 cm de longitud y 950 de altura),
pintada para decorar el techo del desaparecido Casino de la Reina y que en el Museo está instalada en el de la sala
39, dedicada a Los primeros Borbones.[131][132][133]

Notas y referencias

Notas
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