Parte 1
1- TITERES
DEFINICION
Un títere es una representación humana o animal en forma de muñeco y que es
movido por una persona con sus manos a través de unos hilos. El que mueve a un
títere es un titiritero. El artista que se dedica a las actuaciones de títeres suele contar
una historia dirigida al público infantil. Estos muñecos son fabricados con telas y tienen
el propósito de entretener a los más pequeños en una representación teatral o en
lugares al aire libre.
EVOLUCIÓN HISTÓRICA
No es posible establecer una fecha aproximada sobre el origen del títere, pero se cree
que ya en la prehistoria se fabricaban rudimentarios muñecos movidos con algún
procedimiento. De esta manera, el arte de contar historias con títeres es anterior al
propio teatro. Las primeras referencias a los títeres las encontramos en
la tradición oriental hace unos 2000 años, especialmente en China. Durante la Edad
Media se representaban escenas bíblicas con títeres con la intención de explicar el
contenido de la Biblia al pueblo llano.
Por otro lado, hay testimonios escritos que ponen de manifiesto que en la expedición
formada por Hernán Cortés para la conquista de México había dos titiriteros para
entretener a los soldados.
En la actualidad, las actuaciones de títeres forman parte de las artes escénicas y son un
tipo de representación eminentemente popular y festiva y con un componente
didáctico y formativo.
Los materiales para fabricar títeres han evolucionado a lo largo del tiempo y se tiene
constancia de que en la antigüedad se empleaban pieles de animales y trozos
de madera. Con el paso del tiempo se han ido incorporando telas y plásticos para
su fabricación.
TIPOS DE TEATROS DE TÍTERES
Teatro de títeres de guantes
Es una forma de expresión teatral en la que los títeres se ven
representados mediante la utilización de guantes, lo cual le
permite al propio titiritero tener la posibilidad de introducir su
mano en el muñeco y así darle la movilidad necesaria para la
actuación.
Teatro de títeres de hilo
Hace referencia a aquella manifestación teatral en la que los
muñecos se mueven mediante el mecanismo de los hilos que se
encuentran amarrados en cada extremidad del propio títere para
que sean manipulados con los dedos del titiritero.
Teatro de marionetas
Hace referencia a aquel tipo de teatro de muñecos en donde los
mismos suelen ser movilizados a través de una serie de hilos que se
hacen desde arriba sin verse en el escenario. Estos serán
controlados en sus movimientos a través de una barra en donde se
encuentran amarrados dichos hilos y en las extremidades del
muñeco.
Teatro de títeres de varillas
En este tipo de expresión de teatro de títeres, los mismos suelen ser
movilizados usando un eje central por medio de un palo que se
enlaza en la parte de la cabeza del propio muñeco, mismo que se
encuentra inserto en el interior del mismo.
Teatro de títeres de sombras
En este caso lo que se hace es apoyarse de una especie de pantalla
con un fondo traslúcido que proyecta cierta luz tenue que permita
proyectar a los títeres atrás del propio telón y así proyecten ciertas
sombras.
Teatro de títeres Bunraku
Tiene una particularidad indispensable, que es la de
representar a un niño de 10 años por medio de un muñeco, al
cual se le atarán en la cabeza y extremidades unos hilos para
que puedan realizarse los movimientos necesarios para su
actuación.
Teatro de títeres de ventriloquia
En este caso, se requiere que el titiritero realice unos
movimientos a la boca del muñeco y las extremidades a través
de una serie de mecanismos que van desde el uso de unos
hilos hasta el uso de la mano. En cada movimiento de la boca
se emitirá una voz que realiza con cierto disimulo él propio
titiritero, con la finalidad dar la sensación de que el muñeco
en realidad habla.
Teatro de títeres de dedo
Se usan los dedos para que actúen los muñecos que se insertarán
en cada uno de los dedos para realizar el evento.
Teatro de botón
Suele conocerse también como teatro de títeres tipo Muppet, en el
cual, el titiritero introduce su mano al muñeco con la finalidad de
moverle la boca y dar la ilusión de que habla.
Teatro de títere de peana
En este caso, los muñecos son de soporte de madera junto con una varilla que le
permite al propio titiritero realizar los movimientos necesarios.
2- METODO DE LAS ACCIONES FISICAS SEGUN CONSTANTIN STANISLAVSKI
El Método de las Acciones Físicas es integral, responde verdaderamente a la creación
de la complejidad escénica humana. Stanislavski tiene la respuesta para la formación y
creación actoral ya que otorga análisis y procedimientos claros, técnicas basadas en un
método preciso. “El artista debe cultivar la voz y el cuerpo sobre la base de la misma
naturaleza. Eso requiere una tarea sistemática y prolongada” (Stanislavski, 2009b, p.
21). Este método dialoga de manera constante entre el texto y la realización escénica
compleja visual, verbal, mental, corporal y emotiva, pues el personaje, haciendo los
signos de las acciones físicas, irá aflorando dentro de uno; desarrollando dos líneas: las
acciones físicas y las psicológicas. Así, se forma la verdad psicofísica. “Cuanto mayor es
el genio (…) más necesarios se hacen los métodos técnicos de trabajo creador, porque
como estos métodos son percibidos por la conciencia, puede utilizarlos para explorar
los sitios obscuros de su subconsciente, que es la sede de la inspiración” (Stanislavski,
2009a, p. 27). Por lo anterior, el sistema de Stanislavski es actual, vigente y necesario
pues entiende, reflexiona, analiza y responde a los diferentes ámbitos de la creación
de un personaje.
Estudia el conocimiento a través de la práctica: los hechos escénicos son reales, están
sucediendo. Primero la improvisación, después el análisis de causalidades, y así se
profundiza el proceso. Se construye sobre la escena y la relación del personaje en
escena. La teoría surge de la práctica y esta, a su vez, refuerza nuevamente la teoría. La
reflexión no produce una autocensura en el actor y no trabaja sobre el parlamento
sino sobre la acción, paulatinamente el texto se va haciendo necesario.
3- GENEROS DE TEATRO
GENERO DE LA COMEDIA
La comedia es un género literario, teatral, televisivo y cinematográfico cuya trama
busca hacer reír al público, ya sea mediante ironías, parodias, confusiones,
equivocaciones o sarcasmos.
GENERO DE LA TRAGICOMEDIA
Una tragicomedia es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y
cómicos, aunque también hay lugar para el sarcasmo y parodia.
GENERO DE LA TRAGEDIA
La tragedia es una forma literaria, teatral o dramática del lenguaje solemne,
cuyos personajes protagónicos son ilustres y se ven enfrentados de manera misteriosa,
invencible e inevitable, a causa de un error fatal o condición de carácter (la
llamada hamartia) contra un destino fatal (fatum, hado o sino) o los dioses, generando
un conflicto cuyo final es irremediablemente triste: la destrucción
del héroe protagonista, quien muere o enloquece.
EL DRAMA
El drama es un género literario caracterizado por la representación de acciones y
situaciones humanas conflictivas, que ha sido concebido para su escenificación, bien
sea teatral, bien televisiva o cinematográfica. Los dramas representan algún episodio o
conflicto en la vida de sus personajes.
PANTOMIMA
La Pantomima es un género dramático que se enfoca en representar una historia
mediante la mímica, no intervienen diálogos, ni palabras habladas, en su lugar
intervienen expresiones, gesticulaciones y movimientos corporales que permiten al
espectador comprender la narración
GENERO DEL HUMOR
Humor es definido como el modo de presentar, enjuiciar o comentar la realidad
resaltando el lado cómico, risueño o ridículo de las cosas.
4- PARTES DEL ESCENARIO
Se le llama escenario al lugar qué se utiliza para representar las distintas artes escénicas
como también para realizar conferencias, mítines y eventos públicos.
Partes del Escenario
Proscenio: Es la parte más cercana al público que se origina en el borde del escenario
hasta llegar al telón de alante.
Concha de apuntador: Cubierta baja que se ubica dándole la espalda al público con el
propósito de esconder al apuntador. Esta parte ha sido eliminada en la mayoría de los
teatros actualmente.
Escena: Es el terreno visible del escenario donde los actores realizan su rutina teatral.
Se encuentra dividida en diferentes partes: la parte posterior que corresponde al
tercer plano, la parte central que es el segundo plano y la parte frontal que pertenece
el primer plano. Estos planos se clasifican en izquierda, derecha y centro
respectivamente.
Escotillón: También llamado trampilla, es la parte del escenario que se abre para dejar
un espacio por dónde transportar hacia la escena diferentes objetos o actores.
Bambalinón: Es un tipo especial de telón que cuelga de manera horizontal desde el
techo y crea una embocadura que empequeñece el tamaño de la escena.
Bastidores
Forma parte de la decoración del teatro y se ubica en los laterales del escenario, a
través de éstos los actores salen y entran. El primer bastidor se llama Arlequín.
Foso: Parte extendida que se encuentra bajo el escenario. Aquí se encuentra los
diferentes elementos de decoración que son pesados. También se utilizan para la
intervención de personajes utilizando una escotilla. En la actualidad pocos teatros
usando el foso.
Cuerda de contra pesos y contrapesos: Son parte del mecanismo de la tramoya a
través de los cuales se suben y bajan los objetos de la escena.
Telón: Cortina grande que se sube y se baja o de correr y descorre. Hay dos tipos: la
Guillotina que trabaja de forma vertical y la Americana que funciona de forma vertical.
Foro: Fondo del escenario en el cual se ubica el ciclorama.
Barra de luces: En esta parte se instalan las luces que se utilizan para iluminar la
escena y a los actores.
Ciclorama: Es un telón o pintura que se usa para decorar la ambientación de la
representación teatral.
Barra sostenedora de elementos: Es una barra que se utiliza para colgar el sostener los
elementos que forman parte de la escenografía.
Tramoya o parrilla: Maquinaria utilizada para llevar a cabo los cambios de efectos
escénicos y de decoración. La persona que se encarga de montar, manejar y diseñar la
tramoya se conoce como tramoyista.
PARTE 2
Investiga
Origen del Teatro Y la Danza
1- NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los
atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la
vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el
teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. Cada
una de las ciudades y colonias contó con un teatro.
El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en tres partes la
orquesta, el lugar para los espectadores y la escena. Los primeros teatros gri egos
constaban de dos formas: un espacio circular donde se alzaba la estatua de
Dionisio y el hemiciclo para los espectadores. Se accedía a través de dos callejones.
Las gradas tenían forma de semicírculo.
Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros griegos pero
construyeron gradas en los lugares donde no existían colinas.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la
comedia y el mimo. Las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas,
mientras que las dos últimas se asociaban con lo primitivo.
Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían
la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.
Origen de la danza
Se encontraron registros pictóricos de la danza en todas las épocas y en los
distintos continentes, si bien a través del curso del tiempo se fue modificando su
forma, su sentido y significado.
En la prehistoria se bailaba al compás de los sonidos de la naturaleza, que más tarde
fueron acompañados por las palmas, el choque de los pies o de bastones, que luego se
vieron evolucionados en instrumentos musicales. Por último, se incorporó la voz. Estas
danzas primitivas eran pasionales y espontáneas, buscaban expresar sentimientos y
estados de ánimo.
Las grandes civilizaciones de la antigüedad, como Roma, Egipto y Grecia, utilizaron la
danza en rituales: defunciones, bodas, recibimientos, danzas a las divinidades, entre
otros.
2- Técnicas De Danzar
Las técnicas de danza moderna fundamentales ayudan a desarrollar una gran variedad
de destrezas. Estos métodos de entrenamiento son excelentes, no solamente para los
bailarines modernos, sino también para las personas que bailan cualquier tipo de baile.
La Técnica Duncan, la Técnica Graham, la Técnica Hawkins y la Técnica Limón son
cuatro de las principales técnicas que ofrece el mundo de este arte.
Técnica Duncan
Si te apasiona la danza libre y quieres bailar con una gracia natural, la técnica Duncan
es una buena alternativa para ti. Esta técnica de danza, que inventó la precursora de la
danza moderna, Isidora Duncan, se enfoca en liberar la expresión orgánica del cuerpo.
Duncan enfatiza la fluidez de los movimientos libres, la musicalidad, los movimientos
de la naturaleza y las formas inspiradas en el arte clásico griego. Su técnica ayuda a
eliminar los hábitos que obstruyen una expresión pura y limpia en la danza.
La Técnica Duncan es muy femenina, pero los hombres también se pueden beneficiar
de sus clases. No exige que tangas un cuerpo ni una fuerza física específica. Tampoco
necesitas experiencia previa de baile para empezar a tomar clases de la Técnica
Duncan.
Técnica Graham
Si tu principal interés al bailar es expresar emociones fuertes, la Técnica Graham debe
formar parte de tu entrenamiento. Bailes o no bailes danza moderna, la técnica
Graham ayuda a mejorar tu capacidad de expresar todo el abanico de las emociones
humanas en una danza.
Los prncipios básicos de la técnica Graham son la contracción y la relajación o
“release”. Esta técnica desarrolla la capacidad expresiva e interpretativa del torso
mediante estos principios. Graham también enfatiza la coordinación de la respiración
en cada movimiento, el trabajo en el suelo, la pelvis como lugar de inicio, y los
movimientos en forma de espiral.
La Técnica Graham se enseña a todos los niveles, desde principiante hasta avanzado.
Tiene ejercicios y movimientos codificados para cada nivel de aprendizaje.
La Técnica Graham fue inventada por la gran bailarina de la danza moderna, Martha
Graham. Es una técnica esencial para toda persona que quiera aprender los
fundamentos básicos de la danza moderna.
Técnica de Hawkins
Con el menor esfuerzo posible, la Técnica Hawkins es una de las mejores alternativas
de entrenamiento para ti. Con la Técnica Hawkins puedes aprender a mover cada parte
de tu cuerpo usando el mínimo de esfuerzo muscular.
El gran bailarín de danza moderna, Erick Hawkins, desarrolló esta técnica con la
intención de dar al bailarín un entrenamiento que no causara lesiones. Para lograr
esto, Hawkins incorporó en su técnica conocimientos de la ciencia—como la
kinesiología—y disciplinas espirituales del oriente.
El principio central de la Técnica Hawkins es el uso de movimentos fluidos y libres que
se inician desde el centro de gravedad del cuerpo. La técnica se enfoca en generar
movimientos que sigan los principios anatómicos de la postura y la alineación corporal.
Hawkins creía que la danza era una expresión de la integración del cuerpo, la mente y
el alma. Su técnica ayuda precisamente a desarrollar esa integración.
Técnica Limón
¿Te gustaría bailar usando la capacidad expresiva de tu cuerpo al máximo de una
manera orgánica? La Técnica Limón ayuda a descubrir, explorar y desarrollar al cuerpo
entero como un instrumento de expresión.
Limón se enfoca en descubrir los movimientos más orgánicos del cuerpo. Explora la
relación del peso del cuerpo con la fuerza de gravedad. En esta técnica los principios
de la caída, la recuperación del equilibrio y el rebote se exploran en sus ritmos más
naturales.
La Técnica Limón crea una conciencia extraordianria acerca de la importancia de la
respiración en la danza. Ayuda a entender cómo la respiración prepara para iniciar un
movimiento, cómo la respiración afecta cada movimiento y cómo la respiración genera
fluidez en la danza.
Limón pensaba que el torso era una parte poderosa del cuerpo para expresar
emociones. Su técnica ayuda a desarrollar una capacidad expresiva del torso
impresionante.
A pesar de que Limón era un bailarín de danza moderna, su técnica es excelente para
mejorar las destrazas de baile en cualquier tipo de baile.
Obras De Teatro
Cómo montar una obra de teatro
¿Tienes ganas de montar una obra de teatro? ¿No sabes cómo hacerlo? Éstos son los
pasos que tendrás que seguir:
Busca un guion de teatro
La historia que quieras contar es la base para tu montaje. Puedes encontrar guiones de
teatro en muchos sitios. Google es tu amigo y en Internet existen múltiples lugares
donde conseguir guiones, incluida Tramody (guiño, guiño). También puedes
conseguirlos en papel en librerías especializadas. Recuerda que generalmente
necesitarás una autorización del autor para representarla, así como pagar sus
derechos. Las obras de Tramody están exentas de derechos si van a ser representadas
sin ánimo de lucro. Si no, deberías adquirir bonos de representación. En el caso de
otras obras españolas, probablemente tendrás que conseguir una autorización a través
de la SGAE, que para representaciones aficionadas suele quedarse con un 10% de la
taquilla en concepto de derechos. Si nada de lo que hay por ahí te convence, siempre
puedes escribir el guión tu mismo.
Recuerda que el guión debe ser factible de representar, dentro de tu contexto y
posibilidades. Si es la primera obra que vas a montar, no empieces por un musical que
requiera una banda en directo más un elenco de actores que además canta y baila.
Empieza mejor por algo sencillo, una obra corta con pocos personajes.
Elige el elenco de actores (y adapta el guión a ellos)
Si es la primera vez que montas algo y no cuentas con un elenco, puedes buscar
actores entre tus amigos, familiares y conocidos. A veces cuesta que la gente se
apunte, pero una vez lo hacen no se suelen arrepentir. También puedes probar a
poner anuncios (en Internet, o físicamente en tu barrio, colegio o universidad).
Aún teniendo un elenco disponible de antemano, es posible que tengas que
adaptar el guión a ellos. Quitar o poner algún personaje, cambiar el sexo o la edad de
otro...
Encuentra asistentes técnicos
Además de las actores, necesitarás gente que te ayude en el montaje desde un pu nto
de vista técnico. Como mínimo, un técnico de luces que apagará y encenderá las luces
de la sala al principio y al final de la función. También un técnico de sonido que
controle la música y los efectos sonoros durante el montaje. Y quizá necesites un
tramoyista, que mueva decorados entre escena y escena. También pueden ser los
propios actores quienes muevan el decorado, incluso a telón abierto.
Existen otros muchos técnicos, como sastres, constructores de decorado,
asistentes de dirección, apuntadores... El número de personas final dependerá de la
complejidad de la obra.
Diseña la escenografía
La obra contará con un número de localizaciones que tendrás que diseñar y construir.
Si se trata un decorado único, tendrás más libertad a la hora de montarlo, puesto que
los elementos en escena no tendrán que variar sustancialmente durante el desarrollo
de la obra. Si la obra sucede en muchos escenarios, puedes considerar el uso de
caja/cámara negra, que consiste en colocar solo algunos elementos en el escenario, si n
fondos ni paredes, solo flanqueados por las cortinas negras que delimitan el escenario.
La escenografía también envuelve otras cosas, como diseñar la iluminación (qué
focos y luces acompañan a cada momento de la escena) y encontrar las músicas y
efectos de sonido.
Programa los ensayos
La programación de ensayos dependerá principalmente de la disponibilidad del elenco
de actores. En el caso de grupos de teatro aficionado, donde los actores suelen tener
un trabajo diario, lo mejor suele ser plantear los ensayos en noches o fines de semana.
En mi experiencia, cuanto más intensivos y consecutivos sean los ensayos, menos
horas se necesitarán para montar la obra.
Encuentra dónde representarlo
Finalmente, tendrás que representar la obra. Para esto, las posibilidades son
ilimitadas. Busca certámenes, muestras o concursos y presenta tu montaje. En España,
por ejemplo, existen muchos pueblos y localidades donde se cele bran certámenes de
teatro aficionado.
Procura elaborar antes materiales promocionales sobre la obra, que necesitarás
cuando quieras convencer a alguien de que te deje representar en su teatro. Los más
importantes:
Una grabación de la obra completa: Un plano fijo que coja todo el escenario con un
sonido razonable es suficiente. Puede ser un ensayo, pero si es con público, mejor.
Un dossier con los datos de la obra: Género, duración, sinopsis, actores, técnicos...
Otros materiales promocionales: cualquier elemento adicional que pueda hacer
brillar la obra, como carteles, vídeos promocionales, página web, etc.
3- Coreógrafo
El/la coreógrafo/a trabaja con el cuerpo de baile para interpretar y desarrollar ideas y
transformarlas en una representación escénica. Esto implica controlar toda la
producción o trabajar bajo la dirección de un/a director/a artístico/a.
4- Glosario de términos teatrales
El glosario es una lista de palabras y expresiones clasificadas de un texto, autor,
dialecto dentro del teatro que son difíciles de comprender y cada una viene
acompañada de su significado o de algún comentario. Asimismo, la
palabra glosario puede ser entendida como el diccionario de palabras oscuras o
desusas o la colección de glosas
Acecho.- En teatro, la escucha de la conversación de dos personajes por parte de un
tercero oculto.
Acontecimiento patético.- En Aristóteles, parte de la fábula, es una acción que hace
morir o sufrir (como las muertes en escena, los dolores vivísimos, las heridas y demás
cosas de este tipo).
Acotación.- Nota del dramaturgo en una obra teatral para indicar la acción o el
movimiento de los personajes.// Cada una de las notas que se ponen en la obra
teatral, relativas a la acción de los personajes y al servicio de la escena. Generalmente
van en cursiva y entre paréntesis.
Acto.- División externa de una obra en partes más o menos iguales en función del
tiempo y del desarrollo de la acción.// Cada una de las partes principales en que se
divide una obra teatral. La división de la obra en tres actos es una costumbre que se
afianza en el naturalismo.
Actor santo.- El actor del teatro pobre de Grotowski. Este actor trabaja muchas horas y
con disciplina, superando la fatiga y el dolor, para liberarse de todo lo que le separe de
la disciplina.
Agnición.- En el poema dramático, reconocimiento de una persona cuya identidad se
ignoraba.
Agonista.- Derivado de agonía, en el sentido de “angustia” o “lucha espiritual”. Se trata
de un personaje angustiado y contradictorio en una obra dramática.
Alarido.- Obra de teatro escrita por Samuel Beckett y considerada la más corta del
mundo. Consiste en treinta y cinco segundos de gritos y suspiros humanos.
Alceste.- Es el misántropo de Molière (1622-1673). Es el hombre de rígida virtud,
partidario de no traicionar y de no ocultar nunca la verdad. En el mundo liviano y
dorado que le rodea, Alceste es el huésped ingrato e intratable y el censor que jamás
está dispuesto a deponer su descontento. Pero, por otra parte, es una figura
dolorosamente cómica por el amor a Celimena, atractiva y casquivana, y por su
ingenua esperanza de corregirla en su coquetería, precisamente aquello que
constituye su hechizo y su razón de ser. Partiendo de la idea de un personaje
completamente cómico (el título primitivo de la comedia era El Atrabiliario
Enamorado), Molière acabó presentando una de las más meditativas representaciones
de lo
humano.
Alcmeón.- Personaje que aparece en obras de Sófocles y Eurípides, entre otros.
Alcmeón mató a su madre Erifile para vengar a su padre Anfiarao. Alcmeón había
prometido a su padre que si este moría en la guerra, él daría muerte al responsable,
que en este caso era su madre, ya que descubrió el lugar en que se hallaba oculto
Anfiarao para no ir a la guerra.
Ambigú.- Establecimiento para adquirir bebidas o comida situado en los pasillos de un
cine o un teatro.
Amebeo.- Recitado en el que toman parte dos o más personas alternativamente. Es
frecuente en las églogas.
Anagnórisis.- Elemento de la tragedia, es el momento del reconocimiento de los
personajes entre sí o la toma de conciencia del origen del mal.
