La 

pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte
de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo,
un muro, una madera, fragmento de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de
arte según algunos principios estéticos.
El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de
las Conferencias de la Academia francesa hizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica:
«la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes.
En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal que
comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a
cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluidos los soportes o las técnicas
efímeras así como los soportes o las técnicas digitales.
Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por el arte
religioso. Los ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan
figuras mitológicas en cerámica, a escenas bíblicas del techo de la Capilla Sixtina, a escenas
de la vida de Buda u otras imágenes de origen religioso oriental.

Índice

 1Definición

 2Historia de la pintura

 3Géneros pictóricos

o 3.1Pintura histórica

o 3.2Retrato

o 3.3Pintura de género

o 3.4Paisaje

o 3.5Naturaleza muerta

o 3.6Desnudo

 4Técnicas

o 4.1Óleo

o 4.2Cera

o 4.3Acuarela
 o 4.4Témpera

o 4.5Acrílico

o 4.6Pastel

o 4.7Temple

o 4.8Tinta

o 4.9Fresco

o 4.10Grisalla

o 4.11Puntillismo

o 4.12Dripping

o 4.13Grafiti

o 4.14Técnicas mixtas

 5Materiales

o 5.1Soportes

 5.1.1Tabla de madera

 5.1.2Lienzo

 5.1.3Cobre

 5.1.4Vidrio

 5.1.5Papel

o 5.2Pinceles

o 5.3Fondos

o 5.4Pigmentos

 6Véase también

 7Referencias

 8Bibliografía

 9Enlaces externos
Definición[editar]

El arte de la pintura por Johannes Vermeer (1665) Kunsthistorisches Museum de Viena.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La

palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica
de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a las
técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».
La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la «pintura histórica» o
la «pintura de género») o a criterios históricos basados en los periodos de la Historia del
Arte (como la «pintura prehistórica», la «pintura gótica») y en general de cualquier período de
la historia de la pintura.
Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice que:1
No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos recuerda
nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando
miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo de una multitud de cosas que para bien o
para mal influyen sobre nuestros gustos.

Gombrich, Historia del arte (2002)

Y parafraseando a Arnold Hauser:

Las interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les
trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales.

Ernst Bloch en El espíritu de la utopía (1918), defiende el arte no figurativo, relacionándolo con

una concepción utópica del hombre, como un destino no revelado pero presente de forma
inconsciente en lo más profundo del ser humano.2
Si la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa vastedad del espacio y de
todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y gratuitamente de todo aquello.
 Ernst Bloch, El espíritu de la utopía (1918)

Erwin Panofsky y otros historiadores del arte, analizan el contenido de las pinturas mediante
la iconografía (forma) y la iconología (su contenido), primero se trata de comprender lo que
representa, luego su significado para el espectador y, a continuación, analizan su significado
cultural, religioso y social más ampliamente.

Historia de la pintura[editar]
Artículo principal: Historia de la pintura

Réplica de unas pinturas de la cueva de Chauvet del período Auriñaciense.

La historia de la pintura comprende desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e

incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que
coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra fundamentalmente en
algunas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en
el arte levantino, y en otras muestras inferiores que se encuentran en Portugal, Norte de
África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran
en la Cueva de Chauvet, en Francia, fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años,
de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense. Fueron realizadas
con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso. También
destacan las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes, leones,
búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en actitud de caza.3
Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde hace
unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los rasgos
característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En la Antigua
Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejor
conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la época paleocristiana se
decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación
de Jesús como el «Buen Pastor». Eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar
al espectador. Este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla. La pintura
románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur
de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para
los ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la
vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos
principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4
La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci.

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló

la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la pintura,
también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores entre
los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra
de La Gioconda descuellan las nuevas técnicas empleadas por Leonardo, el sfumato y
el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandes obras pictóricas: los frescos de
la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos fueron los del Norte de
Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck.
En Alemania sobresalió el pintor y humanista Durero.4

Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta (Ostrava). Pintura del expresionismo con mezcla del cubismo.

La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar

la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convenciones artificiales de
los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas.
Las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la
libertad en la composición, en los colores y en las formas, la novedad de los caravaggistas era
un naturalismo radical que combinaba la observación física detallada con una aproximación,
incluso teatral y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y
sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos, considerados decisivos
en la conformación pictórica del barroco. La pintura barroca se caracteriza por el dinamismo
de sus composiciones; se distinguieron entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la
primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo
especial importancia en Francia y Alemania.
El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos
intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino
Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España, Francisco de
Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder
su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; el impresionismo, con Manet como
precursor, es un estilo de pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores que busca reconstruir
un instante percibido, una impresión, sin interesarse por los detalles concretos.5
El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fovismo, que
rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que
mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad;
el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes
tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del
cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950,
el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol.
El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los mínimos
recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen
realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.4

Géneros pictóricos[editar]
Artículo principal: Jerarquía de géneros

Entierro del Conde de Orgaz (1586-1588), de El Greco.Se puede considerar dentro del género de
pintura histórica: describe una leyenda local según la cual elconde fue enterrado por sant Esteban y san
Agustín. En la parte inferior, se describe un enterramiento con la pompa del siglo XVI; en la parte
superior, está representada la Gloria y la llegada del alma del conde.
Retrato de El doctor Paul Gachet (1890) por Van Gogh.

Pintura de género: Boda campesina (1568) por Pieter Brueghel el Viejo.

Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa Lucía desde el Gran Canal (siglo XVIII) por Francesco

Guardi.

Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por Caravaggio.

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347
a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es siempre
una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena
representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la
segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con
comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la pintura» al
de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es la historia», con la
palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas o épicas « ... la que
retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que
describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los
campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y
residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines ...»7
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se
perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales y
en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros pictóricos y su
especialización por parte de los artistas. En la Italia central se continuó haciendo pintura
histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de
los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña escala presentando la vida
campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto
y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace
una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las
flores y los frutos».8

Pintura histórica[editar]
La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temas religiosos,
mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y
mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre arte
expuestos en la Royal Academy of Arts entre 1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es
despertar la imaginación ... De acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta
parte del arte Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces
desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su
obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más
reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con
un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del
género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937,
también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.9

Retrato[editar]
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un
lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al
cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha representado los
ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clase media, el encargo de retratos
de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retrato como encargo de gobiernos,
corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de
un autorretrato. Rembrandt exploró en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El
artista en general intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La
única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la
calidad moral, nada temporal, efímero o accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van
Eyck uno de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo
de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y
éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En
España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses
también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En
el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto
Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12

Pintura de género[editar]
La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos privados de las
personas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar
«pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países
Bajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel
el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la
realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una
finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que,
en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en
obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo
cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en
varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo
escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré
Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.13

Paisaje[editar]
En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema
del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas
narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando
con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a
designar como especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica
se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los
cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los molinos de viento,
ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con
una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre
todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas
generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se
reproducen imágenes panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales,
monumentos y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,
generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores exponentes
fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de
Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base
de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.14

Naturaleza muerta[editar]
Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en
general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros,
joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Su origen está en la
antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones, como
los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes,
eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte occidental
desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo
siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas naturalezas muertas. Durante
el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se
exponían instrumentos musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros,
cráneos o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres
de los sentidos. La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica.
Con la llegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a
ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los
más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de
bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.15

Desnudo[editar]

El Juicio de Paris (1904) de Enrique Simonet.

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo

humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte.
Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y
significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien
como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia.
El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en toda la
historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las
culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la Antigua Grecia,
donde era concebido como un ideal de perfección y belleza absoluta, concepto que ha
perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y condicionando en buena
medida la percepción de la sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En
la Edad Media su representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en
pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de
signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en
temas mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX,
especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter
iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como
imagen sensual y plenamente autorreferencial.16

Técnicas[editar]
Artículo principal: Técnicas de pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el

soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no
son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.17