Piano

Ir a la navegaciónIr a la búsqueda

Piano

Tesitura

Características

Clasificación Instrumento de percusión

Instrumento de cuerda percutida

Instrumentos Clavecín, clavicordio, dulcémele, espineta, órgano
relacionados Hammond, piano electrónico

Inventor Bartolomeo Cristofori

Desarrollado Hacia 1700

 Pianistas
Músicos

Fabricantes  Fabricantes de pianos

Artículos relacionados
 Composiciones para piano
 Acústica del piano
 Afinación del piano
 Frecuencias de afinación del piano
 [editar datos en Wikidata]

Para otros usos de este término, véase Piano (desambiguación).

El piano (abreviación de «pianoforte», palabra que en italiano está compuesta
por los términos «piano», «suave», y «forte», «fuerte») es un instrumento
musical armónico clasificado como instrumento de cuerda percutida por el
sistema de clasificación tradicional, y según la clasificación de Hornbostel-
Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano se llama pianista.
Está compuesto por una caja de resonancia a la que se ha agregado un
teclado mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con martillos
forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a
través de los puentes a la tabla armónica, que las amplifica. Está formado por
un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de
percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en
torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores
se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele,
el clavicordio y el clavecín (del que deriva la forma, pero no la mecánica).
A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más
comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del
piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza
modificando la tensión de las cuerdas de manera que estas vibren en
las frecuencias adecuadas.
En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista,
para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y
para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento
surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las doce sonatas para
piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto
volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores
que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos
compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Frédéric
Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van
Beethoven, Claude Debussy o Piotr Ilich Chaikovski. Fue el instrumento
representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la
sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los
siglos XVIII y XIX.

Índice

 1Origen del término

 2Estructuras
o 2.1Mecanismo de percusión
o 2.2Caja de resonancia
 2.2.1Tabla armónica
 2.2.2Tapa superior
 2.2.3Bastidor
o 2.3Cuerdas
o 2.4Teclado
o 2.5Pedales
 3Historia
o 3.1Antecesores
o 3.2Primeros pianos
o 3.3Evolución y desarrollo
 3.3.1Siglo XVIII: primeros fabricantes de pianos
 3.3.2Siglo XIX: impulso por la Revolución industrial
 4Tipos de pianos
o 4.1Piano de cola
o 4.2Piano vertical o piano de pared
o 4.3Piano electrónico
o 4.4Otros tipos
 5Materiales de construcción
 6Afinación del piano
o 6.1El batimiento
 7Cuidados
 8El piano en la música
o 8.1El piano en la música clásica
 8.1.1Formas musicales en la música clásica
 8.1.2Compositores destacados de música clásica
 9Pianistas destacados
o 9.1Pianistas de música clásica
o 9.2Pianistas de  jazz
o 9.3Pianistas en otros géneros musicales
 10Fabricantes destacados de pianos
 11Papel social del piano
 12Véase también
 13Referencias
 14Bibliografía
 15Enlaces externos

Origen del término[editar]

La palabra piano deriva de la palabra original en italiano del
instrumento, pianoforte (piano: «suave» y forte: «fuerte»), asignado por su
primer constructor, Bartolomeo Cristofori: clavicémbalo col piano e
forte (literalmente «clavecín con [sonido] suave y fuerte»). Esto se refiere a la
capacidad del piano para producir sonidos con diferentes intensidades,
dependiendo del peso que se le aplica a las teclas. Esta característica lo
diferenciaba de sus predecesores, que solo podían producir un único volumen.

Estructuras[editar]
Mecanismo de percusión[editar]
Artículo principal: Mecanismo de percusión del piano
Gráfico del mecanismo de percusión de un piano de cola:
(1) Tecla,
(2) Pilotín,
(3) Puente,
(4) Pilotín del escape,
(5) Palanca de escape,
(6) Tornillo de reborde del macillo,
(7) Rodillo,
(8) Brazo del macillo,
(9) Palanca de repetición,
(10) Cabeza de macillo,
(11) Empujador,
(12) Palanca del apagador,
(13) Apagadores,
(14) Cuchara de apagador,
(15) Apagador,
(16) Cuerda,
(17) Marco,
(18) Grapa,
(19) Enganche de la cuerda, y
(20) Somier.

El funcionamiento básico del mecanismo de un piano es el siguiente: cuando

una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se
eleva y el macillo asociado a ella se pone en movimiento en dirección a
la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la percusión. Tras el
golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido aquel cae
hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia
aproximada de dos centímetros. Al levantar la tecla, esta libera el conjunto de
palancas del escape y el macillo vuelve a estar disponible para volver a tocar la
cuerda. Si retiramos la presión por completo, todo el sistema vuelve a su
estado inicial de reposo, en el que el apagador tiene la misión primordial de
interrumpir el sonido.1
Caja de resonancia[editar]
Caja de resonancia de un piano de cola.

Artículo principal: Caja de resonancia

La caja de resonancia, también denominada mueble, es el recinto cerrado del
piano que tiene la finalidad de amplificar o modular el sonido. Es una parte
primordial del piano, ya que, además de amplificar y modular el sonido, es un
factor decisivo en el timbre del instrumento, siendo importante la calidad de
la madera con la que está fabricada, el número de piezas con las que esté
construida y su estructura.
La caja está formada por una tapa superior, una tapa inferior, denominada tabla
armónica, y una «faja», que es una sección de madera que une ambas tapas,
con formas curvadas mediante un proceso de prensado con calor. En el interior
se encuentra el bastidor, que es una estructura de refuerzo de las tapas y sirve
para controlar la vibración, y el alma.
Tabla armónica[editar]

Los barrajes de la tabla armónica de un piano de cola.

La tabla armónica está compuesta por la tabla propiamente dicha, las barras
armónicas, los puentes de sonido y los barrajes. La tabla armónica se sitúa
debajo y también detrás de las cuerdas del piano. Es una superficie
de madera laminada que varía de espesor, desde el centro a los lados, a lo
largo de su superficie. Puede ir de los 12 a los 15 milímetros dependiendo de la
medida del instrumento y el criterio del fabricante. La tabla está formada por
una serie de listones de entre 10 y 15 centímetros de anchura unidos entre sí
mediante cola. Es el auténtico elemento de resonancia del instrumento y su
función es amplificar el sonido producido por las cuerdas, que a su vez es
transmitido a las mismas a través del puente tonal.
La calidad y homogeneidad de la madera con la que está fabricada la tabla
armónica es de suma importancia. En un piano de cola moderno, suele estar
construida generalmente en madera de abeto y tiene un espesor de 8
milímetros, el doble de la de un pianoforte.12 Se usa la madera del abeto para la
fabricación de la tabla armónica del piano y de otros instrumentos porque tiene
el mejor cociente entre resistencia mecánica, que permite soportar la enorme
presión de las cuerdas, y ligereza, que favorece la captación de las vibraciones
más sutiles de las cuerdas. La tabla armónica tiene una ligera curvatura de
unos 18 metros de radio, difícilmente apreciable a primera vista, que contribuye
a que la tabla resista la presión de las cuerdas y al mismo tiempo se
incremente considerablemente la resonancia del instrumento. 3
Las barras armónicas son un conjunto de listones que están fabricados con el
mismo material que la tabla armónica, generalmente abeto, que están unidos a
la tabla mediante cola por debajo de la misma. Su encolado es en sentido
perpendicular a la veta de la tabla para hacer uniforme la rigidez del conjunto.
La cantidad de barras armónicas varía entre 8 y 14, en función de la medida del
instrumento, y sus dimensiones son de dos centímetros de alto por dos de
largo aproximadamente. Las barras más largas se encuentran situadas en el
centro de la tabla y tienen un grosor mayor, mientras que las más cortas se
sitúan en los extremos y son más delgadas. 3
Los puentes de sonido van encolados en el centro de la tabla y en la parte
superior de la misma. Sirven para transmitir la vibración de las cuerdas a la
tabla armónica. Su forma es debida a la disposición de las cuerdas sobre ella y
a que es necesario que la longitud de estas se incremente desde las notas
más agudas a las más graves.
Los barrajes son la estructura básica del piano y su finalidad es la de soportar
todos sus elementos. Se sitúan debajo de la tabla armónica, a la que van
adheridos mediante cola. De ellos dependen tanto la solidez como la duración
en el tiempo del instrumento y aportan estabilidad frente a posibles cambios
climáticos, tensiones internas, agresiones externas o cualquier otro tipo de
deformación.
Tapa superior[editar]
La tapa superior de la caja tiene una doble función: cerrar el mueble y proyectar
el sonido hacia el público. Esta tapa se puede colocar en diversas posiciones
según la potencia requerida. En el caso de realizar una actuación como solista,
la tapa debe estar ubicada en su posición más alta. En cambio, si se está
interpretando una obra acompañando a otros instrumentos, la tapa debe
permanecer en su ubicación más baja.4
Bastidor[editar]
El bastidor es un armazón de barras delgadas que suelen ser de hierro. En el
cordal,situado en su extremo posterior, se ajustan las cuerdas, y en el clavijero,
situado en el frontal, están las clavijas de afinación. Alrededor de estas se
enrolla el otro extremo de la cuerda. Es necesario afinar correctamente cada
cuerda. Esto se consigue enroscando el extremo final de cada una de ellas en
un eje insertado en el clavijero, obteniendo un tono más agudo o grave según
el sentido de giro.5
Cuerdas[editar]
Cuerdas de un piano. Puede observarse que las cuerdas de la parte superior, correspondientes a
las notas más graves, son más gruesas, y las de la parte inferior, correspondientes a las notas
más agudas, son de menor grosor.

Artículos principales: Cuerda en música,  Cuerda  y  Cuerda de piano.

Las cuerdas son el elemento vibratorio que origina el sonido en el piano. Son
segmentos formados por un material flexible que permanecen en tensión de
modo que puedan vibrar libremente, sin entorpecimiento que provoque una
distorsión de la onda acústica. La tensión de las 224 cuerdas puede llegar a
alcanzar del orden de las 15 a 20 toneladas-fuerza6 y depende
proporcionalmente de las dimensiones del instrumento.
Los bordones son las cuerdas de mayor longitud y pertenecen
al registro grave extremo del instrumento. Hay una única cuerda por tecla y
están fabricadas en acero, con un contenido del 1% de carbono, y entorchadas
con hilos de cobre. Este entorchado tiene la misión de añadir cierto peso y
homogeneidad en la vibración de modo que la cuerda alcance la altura sonora
deseada, mientras la mantiene lo suficientemente delgada y flexible para tocar.
En el registro grave se colocan dos cuerdas por tecla afinadas al unísono y en
el registro agudo, tres. Las cuerdas para el registro agudo están fabricadas
exclusivamente con acero. La longitud y grosor disminuye proporcionalmente
desde el registro grave, cuerdas más largas y gruesas, hasta el registro agudo,
de menor grosor y longitud. La longitud de las cuerdas más graves incide
proporcionalmente en las dimensiones exteriores del instrumento. Por tanto,
una mayor longitud de las cuerdas implica una mayor cola del piano, lo que
incrementa la calidad del sonido. Ocurre lo mismo con la altura de la caja del
piano de pared.
La fabricación de una cuerda para piano se realiza mediante un proceso
de trefilado, que consiste en la reducción de la sección de una cuerda
de diámetro grueso y hacerla pasar a través de un orificio cónico calibrado
practicado en un disco de material más duro que la cuerda. Tras dicho proceso
se obtiene una cuerda con un diámetro exactamente calibrado. Al iterar este
proceso con agujeros cada vez más pequeños se obtienen otras tantas
cuerdas con sendos calibres.
Antiguamente, el alambre de latón se trefilaba a través de discos de acero. Las
cuerdas de acero actuales se trefilan a través de discos de materiales más
duros que el acero, como el diamante o el rubí. Este procedimiento fue
inventado en 1819 por Brockedon en el Reino Unido y sigue siendo usado en la
fabricación de cuerdas para los pianos modernos.7
Teclado[editar]
Teclado de un piano con las notas del pentagrama que le corresponden según su registro.

Véase también: Instrumentos de teclado

Prácticamente todos los pianos modernos tienen 88 teclas, 36 negras y 52
blancas. El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo.
En el siglo XVIII los clavecines tenían poco más de 61 teclas (hasta
cinco octavas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870
tenían 88 teclas.
Los pianos modernos tienen un registro de siete octavas y una tercera menor;
es decir, desde la-2 hasta do7. Sin embargo, muchos pianos tienen un registro
de siete octavas (85 teclas); es decir, desde la-2 hasta la6 y algunos fabricantes
amplían su registro hacia alguno de los dos extremos, el agudo o el grave. Por
ejemplo, un piano Bösendorfer 225 tiene 92 teclas y un Bösendorfer 290
Imperial tiene 97. Los órganos generalmente tienen 61 teclas por «manual»
(parte del órgano que se toca con las manos).
El peso de las teclas es un factor muy importante del teclado de un piano. En
un piano acústico (de cola o vertical), el peso de las teclas está directamente
relacionado con el mecanismo de percusión del macillo, que golpea la cuerda
dentro de la caja de resonancia. En un piano electrónico la sensación de peso
que tiene lugar en los pianos acústicos es reproducida mediante un mecanismo
de martillo debajo de cada tecla.8

Tesitura del Piano transcrito 3 octavas y las notas escritas normal.

Pedales[editar]
Los tres pedales de un piano de cola, de izquierda a derecha, son: el pedal unicordio o una corda; el
pedal tonal o «de sostenuto» y el pedal de resonancia.

Artículo principal: Pedal

Un piano moderno tiene tres pedales. A principios del siglo XX, los pianos
tenían tan solo el pedal de resonancia y el pedal una corda. Pero en épocas
anteriores se experimentó mucho, con registros de laúd, fagot y otros efectos
incluso más extravagantes, no siendo raro encontrar pianos antiguos con más
de cuatro pedales. Beethoven poseyó un piano Érard con cuatro pedales, uno
de ellos partido, lo que hacía un total de cinco. 9
En un piano de cola moderno los tres pedales se denominan respectivamente
unicordio, tonal y de resonancia.

 El pedal unicordio o una corda se encuentra a la izquierda y desplaza los

macillos hacia un lado, de modo que, según el ajuste que se le dé, los
macillos golpean sobre dos de las tres cuerdas y en la zona del fieltro
donde habitualmente no lo hacen.

 El pedal tonal central (también denominado «'pedal de sostenuto»',

del italiano «sostenido» que también se encuentra en algunos modelos
verticales de Yamaha) sirve para crear el efecto llamado nota pedal, que
consiste en mantener durante un tiempo determinado la misma nota
o acorde; a diferencia del pedal de resonancia, la nota pedal no se ve
alterada por las que se toquen después.

 El pedal de resonancia, al ser pisado, libera los apagadores de las

cuerdas, lo que permite que la nota siga sonando aunque se haya dejado
de pulsar la tecla, añadiendo además una gran cantidad de armónicos de
otras cuerdas que vibran por simpatía, aumentando de este modo el
volumen sonoro y, en su caso, mezclando notas, acordes y armonías
diversas. Usado con destreza, también permite pequeños efectos sutiles de
expresión, cantabilidad, fraseo o acentuación.
La disposición en un piano vertical es ligeramente diferente. El pedal de
aproximación se encuentra a la izquierda, pero en este caso difiere del piano
de cola. Al pulsarlo, el mecanismo acerca los macillos a las cuerdas, con lo
que, a menor distancia para percutir, menor aceleración al pulsar la tecla, con
lo que sencillamente se reduce el volumen sonoro. Al ser pisado el
pedal sordina, situado en el centro, se interpone una tela entre los macillos y
las cuerdas, lo que reduce enormemente el sonido y permite tocar el piano sin
molestar a otras personas. Y, finalmente, el pedal derecho es el de resonancia,
el único que es común a los dos tipos de piano. En los verticales, su
funcionamiento es exactamente el mismo.

Historia[editar]
Antecesores[editar]

La cítara es el antecesor más antiguo del piano y data de la Edad del Bronce.

Al igual que muchas otras invenciones, el piano fue fabricado a partir de otros

instrumentos. El instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea
evolutiva del piano es la cítara, un instrumento originario de África y del sudeste
de Asia que se remonta a la Edad del Bronce (alrededor del año 3000 a. C.). La
cítara era un conjunto de cuerdas tensas dispuestas sobre una tabla que se
hacían vibrar mediante los dedos, las uñas o algún otro objeto punzante.
El monocordio fue un instrumento posterior a la cítara, pero tenía leves
variaciones respecto a ésta. Estaba construido con una única cuerda mucho
más larga que las cuerdas que se empleaban en la cítara, que vibraba sobre
una pequeña caja de resonancia de madera. Este instrumento fue utilizado por
varios matemáticos a lo largo de la historia para realizar sus estudios, como
el griego Pitágoras, que realizó sus estudios sobre las relaciones entre
los intervalos musicales, y Euclides, que basó la geometría euclidiana en las
divisiones de este instrumento.
Más tarde se inventó el salterio, un instrumento construido sobre los principios
de la cítara pero con una forma trapezoidal en función de las distintas
longitudes de sus cuerdas. La tabla trapezoidal del salterio, mucho más tarde,
dio paso al diseño de los primeros clavecines. Se pretendía encontrar algún
tipo de mecanismo que hiciera que las cuerdas no estuvieran en contacto con
los dedos.10
Se hicieron bastantes experimentos, y uno de ellos fue el clavicordio, un
instrumento que vibraba mediante un pequeño clavo o una aguja metálica que
era accionada a través de unas teclas que hacían mover la aguja o clavo para
que vibrara la cuerda. Después de la creación del clavicordio nació el clave,
diferenciado del clavicordio porque para hacer vibrar las cuerdas utilizaba
un plectro o la punta de las plumas de las aves.10
Los primeros instrumentos de cuerda percutida fueron los dulcémeles que
procedían del santur, un instrumento musical tradicional persa.11 Durante
la Edad Media, hubo varios intentos para crear instrumentos de teclado con
cuerdas percutidas.12 El primero de ellos fue la zanfona, que tiene origen
incierto.13 Del siglo XIV son las primeras referencias al Escaque, instrumento
poco conocido cuyo mecanismo (descrito en un manuscrito de Henri Arnault de
Zwolle) podría anticipar el del piano. En el siglo XVII, los mecanismos de
instrumentos de teclado como el clavicordio y el clavecín eran bien conocidos.
En un clavicordio las cuerdas son golpeadas por las tangentes, mientras que
en un clavecín son presionadas por plumas de ganso. Siglos de trabajo sobre
el mecanismo del clave, en particular, han mostrado los medios más eficaces
para construir la caja de resonancia, el puente y el teclado.
Primeros pianos[editar]

La invención del piano se acredita a Bartolomeo Cristofori.

La invención del piano moderno se atribuye a Bartolomeo Cristofori, de Padua,

perteneciente por aquel entonces a la República de Venecia (Italia), que fue
contratado por el príncipe Fernando II de Médici como conservador de
instrumentos. Fue un experto fabricante de clavicémbalos y fue así como pudo
familiarizarse con las técnicas de fabricación de instrumentos de cuerda con
teclado. Se desconoce con precisión la fecha en la que del taller de Cristofori
en Florencia salió el primer piano, pero en un inventario hecho por
sus mecenas, la familia Médici, se indica la existencia de un piano en el año
1709.
Como instrumento de cuerda con teclado, el piano es similar al clavicordio,
desde el punto de vista organológico, y al clavecín, en términos estético-
musicales. Estos tres instrumentos se diferencian en sus mecanismos de
producción del sonido. En un clavecín, las cuerdas son pulsadas por plectros.
En un clavicordio, las cuerdas son percutidas por pequeñas púas de metal
(tangentes) que continúan en contacto con la cuerda hasta que se deja de
presionar la tecla. En un piano, las teclas son percutidas por macillos, que
rebotan inmediatamente dejando a la cuerda vibrar libremente.
El gran éxito de Cristofori fue hallar la solución, sin ejemplos previos, al
problema fundamental mecánico del diseño del piano: el macillo
de madera cubierto de cuero debía golpear la cuerda, pero no permanecer en
contacto con ella porque amortiguaba el sonido, como ocurría con las
tangentes que se mantenían en contacto con las cuerdas del clavicordio. Por
otra parte, el macillo debía volver a su posición de descanso sin rebotar
violentamente y, a ser posible, debía permitir repetir una nota rápidamente.
El mecanismo de percusión de Cristofori sirvió como modelo para los
numerosos enfoques diferentes para las acciones de piano posteriores. Si bien
los primeros instrumentos de Cristofori se hicieron con cuerdas delgadas y
fueron mucho más silenciosos que el piano moderno, en comparación con el
clavicordio (el único instrumento de teclado anterior capaz de controlar
mínimamente los matices dinámicos a través del teclado) fueron
considerablemente más fuertes y podían mantener mejor la potencia del
sonido.
El piano no tenía un sonido estridente y metálico como el clavicordio o el clave,
sino que era un sonido mucho más suave y sostenido. Además, los macillos
estaban dotados de un sistema de escape mediante el cual era posible variar
tanto el volumen como el timbre del sonido. Con él se incrementaba
notablemente la capacidad expresiva musical del instrumento, ya que además
de producir un determinado sonido siempre al mismo volumen como ocurría
con los instrumentos antecesores, era posible producir sonidos con más o
menos volumen que otros y producir una muy ligera variación tímbrica. Todo
esto dependía de la forma de ejecutar el teclado del piano: con movimientos
rápidos y bruscos de las teclas se producían sonidos de gran volumen y
brillantes; y con movimientos lentos y apaciguados se generaban sonidos de
menor volumen y con un timbre más dulce. 10
Cristofori lo llamó gravicembalo col piano e forte. Este nombre hacía referencia
a la capacidad del instrumento de producir sonidos con diferentes intensidades,
dependiendo de la presión ejercida sobre las teclas: si apretabas fuerte el
sonido era de mayor intensidad y si apretabas más suavemente el sonido era
de menor intensidad; de aquí viene el nombre que le puso
primariamente, pianoforte (derivado del italiano: piano: suave y forte: fuerte).
Cristofori construyó cerca de una veintena de pianos a lo largo de su vida, de
los que solo se conservan tres, el más antiguo de los cuales se encuentra en
el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y data de 1720.10
Réplica de un pianoforte elaborada por Paul McNulty siguiendo la construcción de uno similar
fabricado en 1804 por el vienés Anton Walter.

El nuevo instrumento construido por Cristofori se mantuvo relativamente

desconocido hasta que el escritor italiano Francesco Scipione escribió un
entusiasta artículo en el Giornale de’ Letterati d’Italia sobre el piano en 1711,
incluyendo un diagrama de su mecanismo. Este artículo fue distribuido
ampliamente y la mayor parte de la siguiente generación de fabricantes de
pianos inició su trabajo debido a su lectura. Uno de estos fabricantes
fue Gottfried Silbermann, más conocido como fabricante de órganos, que tenía
su taller en Freiberg (Sajonia, Alemania). Los pianos de Silbermann son
prácticamente copias directas del piano inventado por Cristofori pero con una
importante adición: Silbermann inventó el precursor del pedal de resonancia
moderno, que elevaba todos los apagadores de las cuerdas a la vez.
Hacia 1726 Cristofori introdujo en sus pianos el sistema una corda que daba al
intérprete la posibilidad, mediante un comando especial, de desplazar el
mecanismo de tal modo que cada macillo golpeara sobre una cantidad de
cuerdas menor de lo habitual para lograr un sonido muy suave. Este
mecanismo se sigue manteniendo en los pianos modernos actuales y el una
corda permite que el macillo del piano golpee sobre una única cuerda de cada
grupo. Las primeras composiciones específicas para pianos aparecieron
alrededor de 1732, entre las que destacan las 12 sonatas para piano
de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto
volgarmente di martelletti.
Silbermann mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos
en la década de 1730, pero a Bach no le gustaba ese instrumento, alegando
que las octavas superiores eran demasiado suaves para permitir un
completo registro dinámico, lo que le granjeó cierta hostilidad con Silbermann.
Al parecer las críticas fueron atendidas y en 1747 Bach dio su aprobación al
instrumento e incluso actuó como agente en la venta de pianos fabricados por
Silbermann.10
Desde el taller de Gottfried Silbermann se desarrollaron las famosas escuelas
de fabricación de pianos: la «Escuela inglesa» que surgió a partir de dos
discípulos de Silbermann, llamados Johannes Zumpe y Americus Backers, que
emigraron a Londres, donde desarrollaron un piano que poseía el mismo
mecanismo que el de Cristofori aunque con notables modificaciones, que más
tarde sería denominado «mecanismo inglés»; y la «Escuela alemana», surgida
a partir de otro discípulo de Silbermann llamado Johann Andreas Stein, que
realizó otras modificaciones al mecanismo original de un diseñador llamado
Schroter, denominado «mecanismo alemán o vienés». 10
Evolución y desarrollo[editar]
Siglo XVIII: primeros fabricantes de pianos[editar]

Un piano Érard, con caja de resonancia de palisandro, perteneciente a Andrés Bello. Museo del

Carmen de Maipú, Chile.

Desde los primeros pianos del italiano Cristofori hasta los pianos actuales, hay
muchas mejoras y avances que se han producido, pero el concepto y la idea
fundamental para su construcción continúan siendo las mismas. Se han
optimizado materiales para lograr una mejor calidad de sonido, se ha
aumentado paulatinamente el número de notas para ampliar la capacidad
musical del instrumento y se ha mejorado el diseño para lograr un mejor
rendimiento. Sin embargo, el concepto fundamental de pianoforte como un
instrumento capaz de lograr sonidos fuertes y suaves sigue siendo el mismo.
El apogeo de la fabricación de pianos tuvo lugar a finales del siglo XVIII en
la escuela de Viena, que incluyó a fabricantes como el mencionado Johann
Andreas Stein (que trabajó en Augsburgo, Alemania) y los vieneses Nannette
Streicher (hija de Stein) y Anton Walter. Los pianos de estilo vienés fueron
construidos con marcos de madera, dos cuerdas para cada nota y macillos
cubiertos de cuero. Algunos de estos pianos de estilo vienés tenían un colorido
opuesto al de los pianos modernos: las teclas naturales eran negras y las
accidentales blancas.14 Wolfgang Amadeus Mozart compuso
sus conciertos y sonatas para ellos e incluso se han fabricado réplicas para su
uso en interpretaciones de música antigua. Los pianos de la época de Mozart
tenían un tono más suave y claro que los pianos modernos o los pianos
ingleses, con potencia mantenida. El término pianoforte se utiliza a menudo
para distinguir los pianos del siglo XVIII de los pianos posteriores.
Entre los años 1760 a 1830 la fabricación de pianos tuvo una gran expansión y
sufrió grandes modificaciones. Esta revolución fue una respuesta a la
preferencia de los compositores y pianistas por tener un piano con un sonido
más poderoso y sostenido, y fue posible gracias a los avances tecnológicos
surgidos a partir de la Revolución industrial, que estaba comenzando. Algunos
de estos avances fueron la alta calidad del acero de las cuerdas, llamado
específicamente cuerda de piano, así como la precisión de la fundición para la
producción de hierro fundido. Con el tiempo, la gama tonal del piano también
fue en aumento y pasó de las cinco octavas de la época de Mozart a las siete
octavas y un tercio o más de los pianos modernos.
En 1762 Henry Walsh realizó el primer concierto para piano en toda la historia
en Dublín (Irlanda).15 El diseñador de pianos francés Sébastien Érard construyó
en 1776 el piano rectangular, que era una variante especial del piano de cola.
En 1773 se publicaron las sonatas para piano Opus 2 de Muzio Clementi, que
pretendían utilizar al máximo los recursos del piano. En 1775 se construye
en Filadelfia el primer piano en Estados Unidos y en 1795 se fabrica el primer
piano vertical en Londres, diseñado por William Stodart.10 Pascal
Taskin también fabricó algunos pianos entre los años 1786 y 1790.
Los primeros avances tecnológicos fueron en gran medida gracias a la
empresa inglesa Broadwood, que ya tenía reputación por el tono esplendoroso
y poderoso de sus clavecines. Broadwood construyó instrumentos que fueron
progresivamente más grandes, más fuertes y más vigorosamente construidos.
Enviaron dos pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven y fue la primera
empresa de fabricación de pianos con una gama de más de cinco octavas:
cinco octavas y una quinta en el año 1790, seis octavas de 1810 (Beethoven
utilizó las notas adicionadas en sus obras posteriores), y siete octavas de 1820.
Los fabricantes vieneses también siguieron estas tendencias, sin embargo las
dos escuelas de piano utilizaron diferentes acciones: el mecanismo de
Broadwood era más robusto y el de los instrumentos de Viena era más
sensible.
Siglo XIX: impulso por la Revolución industrial[editar]

Sonido de un piano del siglo XIX

MENÚ
0:00

Estudio Op. 25, n.º 12 de Frédéric

Chopin, en un piano Erard fabricado en
1851.

Sonido de un piano moderno

MENÚ
0:00

La misma pieza en un piano moderno

¿Problemas al reproducir estos archivos?

En 1808, Sébastien Érard patentó un mecanismo de simple repetición e
incorporó la grapa, una pieza que permitía a las cuerdas permanecer en su
lugar exacto después de ser golpeadas por los macillos. Dos años más tarde,
en 1810, diseñó el mecanismo de pedales del piano moderno.10 En la década
de 1820, la fábrica de pianos de Érard en París pasó a ser el centro de la
innovación en lo referente al mecanismo del piano. En 1822 introdujo su
mecanismo de doble repetición, que permitía una gran velocidad de repetición
al pulsar las teclas del piano, incluso si la tecla aún no había alcanzado su
máxima posición vertical, y facilitaba una rápida ejecución. Cuando esta
invención se hizo pública, en su forma revisada por Henri Herz, el mecanismo
de doble repetición se convirtió paulatinamente en un elemento estándar en el
mecanismo de los pianos de cola y forma parte de todos los pianos de cola
modernos.
Una de las principales innovaciones técnicas que ayudaron a crear el sonido
del piano moderno es la utilización del hierro fundido. También el llamado
«marco», el hierro fundido que se asienta sobre la caja de resonancia, que
sirve como principal baluarte contra la fuerza ejercida por la tensión de las
cuerdas. El aumento de la integridad estructural del hierro fundido permitió el
uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas, en lugar de las
cuerdas de latón que se empleaban hasta entonces, que eran más blandas y
no soportaban tensiones tan altas. Posteriormente se usaron cuerdas de acero,
más fuertes que las de hierro y que permitían una tensión aún mayor. En un
piano de cola moderno el total de la tensión de las cuerdas puede aproximarse
a las 20 toneladas-fuerza.6 La pieza simple de hierro fundido fue patentada en
1825 en Boston por Alpheus Babcock, combinando el enganche del marco
(creado en 1821 y reclamado por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y la
barra de resistencia (creada por Thom y Allen en 1820, pero también
reclamada por Broadwood y Érard). Más tarde, Babcock para Chickering &
Mackays, empresa que patentó el primer marco de hierro de los pianos de cola
en 1843. Los fabricantes europeos de pianos prefirieron los marcos de hierro
fundido hasta que principios del siglo XX, fecha en que el sistema
estadounidense fue completamente adoptado.
Macillos

Se incluyeron otras innovaciones en el mecanismo del piano, como el uso

de fieltro en los macillos en lugar de recubrirlos con cuero. Estos macillos de
fieltro fueron empleados por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826. Al ser
un material más consistente, permitía mayores registros dinámicos como el
peso del macillo y el aumento de la tensión de las cuerdas. Otras importantes
innovaciones técnicas de esta época incluyen cambios en la forma de
fabricación de las cuerdas, como el uso de un «coro» de tres cuerdas en lugar
de dos para todas las cuerdas, excepto para las de las notas inferiores; y el uso
de diferentes métodos de tensado. Con el método de tensado over string,
también llamado cross-stringing, las cuerdas se colocan en manera
superpuesta inclinada verticalmente, con puentes de dos alturas en la caja de
resonancia en lugar de solo uno. Esto permite cuerdas mayores, pero no
necesariamente más largas, para encajar dentro del piano. El tensando over
string fue inventado por Jean-Henri Pape durante la década de 1820 y fue
patentado para su uso en los pianos de cola en Estados Unidos por Henry
Steinway Jr. en 1859.
A lo largo del siglo XIX se fundaron numerosas compañías de fabricación de
pianos. En 1828, Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria y el 1853 supuso
un hito en lo que se refiere a formación de fábricas de pianos, ya que el
alemán Heinrich Engelhard Steinweg emigró a Estados Unidos y fundó
en Nueva York la fábrica Steinway & Sons; Julius Blüthner fundó su
compañía en Leipzig y Carl Bechstein hizo lo propio en Berlín. En 1859 August
Förster fabrica su primer piano en Löbau.
En 1844 Boisselot & Fils patentó el pedal tonal o  sostenuto (pedal central en la
mayoría de los pianos de cola) que permite el control selectivo de
amortiguadores, sin la necesidad de mantener pulsadas las teclas, produciendo
el efecto llamado nota pedal, que consiste en mantener durante un tiempo la
misma nota o acorde sin ser alterada por las que se toquen después.
En 1863 Steinway & Sons diseñaron y fabricaron el piano vertical moderno con
cuerdas cruzadas y una única tabla armónica y en 1874 Julius Blüthner patentó
el sistema aliquot, que incorporaba a cada grupo de tres cuerdas una cuarta
adicional más elevada para incrementar la resonancia de las mismas y que no
era percutida por el macillo, sino que vibraba en simpatía. En 1880 Steinway &
Sons abrió una sucursal en Hamburgo, lo que incrementó la competencia en el
mercado europeo con Bechstein y Blüthner.
A partir de ese año ya se puede hablar de piano moderno, tal como se lo
conoce hoy en día, aunque se han realizado modificaciones posteriores al
diseño del piano pero sin demasiada trascendencia.

Tipos de pianos[editar]
Piano de cola[editar]

Un piano de cola de la casa Bösendorfer.

Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja de

resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una
tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por
las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo.
Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola
fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:

 piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud.

 piano de un cuarto de cola: de 131 hasta 189 cm de longitud.
 piano de media cola: de 190 hasta 225 cm de longitud.
 piano de tres cuartos de cola: de 226 hasta 255 cm de longitud.
 piano de gran cola: superiores a 256 cm de longitud.
Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos
solo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los pianos
ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o revestimiento. Otros
son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal
diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.
Piano vertical o piano de pared[editar]
Piano vertical o de pared.

En 1795, se desarrolló en Londres el primer piano vertical. Su diseñador

fue William Stodart.16 El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los
macillos y la caja de resonancia en posición vertical, perpendicular al suelo.
De modo general, se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de
su tamaño:

 Piano vertical espineta: el más pequeño en su categoría con un sonido

característico, piano de máquina indirecta (quiere decir que el mecanismo
se encuentra por debajo del teclado). Su altura es menor a 98 cm.
 Piano vertical consola: son pianos de máquina directa, es decir, el
mecanismo está al mismo nivel del teclado. De 98 a 109 cm de altura.
 Piano vertical de estudio: son pianos de máquina directa, con el
mecanismo un poco más elevado del nivel del teclado. Esta característica
proporciona al intérprete una mayor seguridad. De 110 a 139 cm de altura.
 Piano vertical antiguo: son pianos con una gran capacidad acústica, de
máquina directa aún más elevada que el piano de estudio. Su medida de
altura es muy variable dependiendo del fabricante pero suele tener más de
140 cm de altura.10
Piano electrónico[editar]

Piano electrónico.

Artículo principal: Piano electrónico

Véanse también: Órgano Hammond y  Teclado electrónico.
El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia
del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios
de síntesis electrónica. Además, puede reproducir el sonido de diferentes
instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos predeterminados.
Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola
tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un sistema educativo, como el
Yamaha Education System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi
de Roland. Con estos sistemas educativos se pueden aprender canciones,
porque el sistema indica la tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos
de canción, inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para
poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.
El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a
escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada mano
independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es decir,
detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un piano real y
actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza,
según el caso.
Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se
puede apreciar el pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y
las canciones. Tienen accesorios opcionales como el pedal y el cable para
conectarse con un ordenador y se pueden transferir canciones a través del
mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el
computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring).
Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.
La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la fuerza con que
se tocan las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.
Otros tipos[editar]

Un piano vertical de juguete. Este tipo de piano fue un invento de Albert Schoenhut.
Un piano con pedales vertical.

El piano de juguete fue inventado por Albert Schoenhut en 1872 y comenzó a

ser fabricado a finales del siglo XIX. Es utilizado en ciertas obras de la música
contemporánea, como por ejemplo en las interpretaciones de las obras de John
Cage por Margaret Leng Tan, así como por ciertos artistas populares tales
como Pascal Comelade y Pascal Ayerbe.
En 1863, Henri Fourneaux inventó la pianola que es un piano que reproduce de
forma automática, usando dispositivos neumáticos, las notas escritas en un
rollo perforado sin necesidad de un pianista. Un equivalente moderno a la
pianola es el sistema Yamaha Disklavier que usa solenoides y archivos MIDI en
lugar de los dispositivos neumáticos y los rollos perforados. El piano silencioso,
que permite que un piano normal sea usado como un instrumento digital, es un
invento reciente pero se ha hecho muy popular.
Irving Berlin utilizó para componer con más facilidad un instrumento llamado
piano transpositor, creado en 1801 por Edward Ryley. Este instrumento podía
cambiar de tonalidad al accionar una palanca situada debajo del teclado. Uno
de los pianos utilizados por Berlin se encuentra en el Smithsonian Museum. En
la mayor parte de su carrera, Berlin solo supo utilizar las teclas negras del
piano pero con este piano modificado no tuvo limitaciones con la tecla de fa♯.
El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la
música contemporánea. Este instrumento es un piano de cola normal al que se
le han colocado objetos en su interior para alterar su sonido o que ha recibido
algún tipo de cambio en su mecanismo. Las partituras de las obras para pianos
preparados a menudo instruyen al pianista sobre cómo insertar pequeñas
piezas de caucho o metal, como tornillos o arandelas, en medio las cuerdas.
Estos elementos añadidos reducen el sonido de las cuerdas o crean sonidos
poco corrientes debido a la alteración de la vibración de las mismas.
El piano jirafa o piramidal es un piano de cola, creado en 1735, con la caja de
resonancia en posición vertical hacia arriba, perpendicular al teclado. Su
nombre le viene de la similitud que guarda su decoración, compuesta por una
voluta formada por la intersección del lado curvo con el lado recto, con
una jirafa. El objetivo de colocar la caja en forma vertical era reducir el volumen
del mueble del instrumento pero tenían el inconveniente de ser demasiado
altos. Este problema se solucionó bajando la caja hasta el suelo y cruzando las
cuerdas para que ocuparan menos espacio. 17
El piano rectangular es un tipo de piano que tiene las cuerdas horizontales
dispuestas en diagonal a través de la caja de resonancia rectangular por
encima de los martillos y con el teclado fijado en el lado largo. El piano con
pedales es un tipo de piano que incluye un pedalier, habilitando
el registro grave para ser interpretado con los pies al igual que
un órgano común.18

Materiales de construcción[editar]
Un piano moderno está construido con diferentes clases de madera. Para el
armazón sobre el que se asientan las cuerdas se usa madera
de roble, abeto, haya o nogal. Para el mecanismo de percusión, la madera
utilizada suele ser de peral, carpino o arce. El teclado se fabrica con madera
de tilo y para el chapado exterior del instrumento se emplean maderas
exóticas.
El marco que constituye el esqueleto del piano se fabrica con acero fundido de
una sola pieza y los bordes con hierro forjado o acero. Las cuerdas están
construidas con alambre de acero entorchado o envuelto en un alambre
de cobre enroscado para los bordones. Además se emplea ébano para recubrir
las teclas negras y marfil para las blancas y piel de búfalo y paño para el
mecanismo. Los macillos están fabricados con fieltro.19

Afinación del piano[editar]

Artículo principal: Afinación del piano
Véanse también: Frecuencias de afinación del piano  y  Acústica del piano.

Afinador de pianos.

La afinación del piano consiste en realizar la modificación de la tensión de las

cuerdas de manera tal que éstas vibren en las frecuencias adecuadas. Así se
logra que la música resultante sea agradable al oído según los cánones de la
música occidental. Esta tarea es realizada por personas especializadas
llamadas «técnicos afinadores de pianos».
El proceso de afinación consiste en que el afinador, valiéndose de un diapasón,
afina las tres cuerdas que corresponden al la4 a una frecuencia de 440 Hz (La
440). Una vez que tiene esta primera tecla afinada, se basa en la serie
armónica (reformada) para afinar el resto.
Se suele realizar al menos una vez al año.
El batimiento[editar]
Artículo principal: Batimiento

Desde la época de Pitágoras hasta el siglo XVII, los músicos afinaban sus

instrumentos ayudándose con la serie armónica. Esto hacía que solo se
pudiera tocar en la tonalidad básica que se había utilizado para afinar el
instrumento (probablemente no había una tonalidad fija, ya que no se
utilizaban diapasones para unificar la afinación).
En el siglo XVIII los fabricantes de clavecines aplicaron una manera de afinar los
teclados, similar a la desarrollada por Bartolomé Ramos de Pareja para afinar
instrumentos con trastes, que permitía tocar obras modulando a cualquier
tonalidad sin tener que reajustar la afinación. La llamaron «buen
temperamento». Aprovechando esta nueva característica, Bach compuso una
obra que mostraba un preludio y fuga por cada una de las 24 tonalidades
posibles llamada El clave bien temperado.
Desde principios del siglo XX los pianos, como todos los instrumentos de
afinación variable, se afinan con el temperamento igual. El afinador sabe
cuánta «desafinación» (cuánto batimiento o golpeteo rítmico generado por la
falta de unísono) tiene que agregarle a cada tono para que el piano quede
afinado con temperamento igual.

Cuidados[editar]
El cuidado del piano suele llevarse a cabo una vez a la semana. El piano se ha
de limpiar con un plumero. Algunas partes requieren cuidados especiales. Se
ha de utilizar un trapo de microfibra para madera. La parte metálica de latón y
los pedales se han de cuidar con pulimento de metal y los pedales y el teclado
con limpiacristales.20

El piano en la música[editar]

Las 12 Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti compuestas por Lodovico

Giustini en 1732 fueron las primeras obras específicas para piano.

El piano en la música clásica[editar]

Muchas obras, célebres en su versión para orquesta, han sido escritas
inicialmente para el piano. Algunos ejemplos son las Danzas
húngaras de Johannes Brahms, Cuadros de una exposición de Modest
Músorgski, Gimnopedias de Erik Satie o Canción de primavera de Felix
Mendelssohn-Bartholdy.
A la inversa, muchas obras del repertorio clásico han sido transcritas para el
piano como, por ejemplo, las transcripciones que realizó Franz Liszt de las
sinfonías de Ludwig van Beethoven o las fantasías sobre temas de óperas. El
piano es muy utilizado en música de acompañamiento de la voz
en coros, lieder y melodías. También es utilizado en música de cámara, a dúo
con otro instrumento, que suele ser el violín o la flauta, en tríos, cuartetos o
quintetos con piano.
El piano es el instrumento pedagógico por excelencia porque es un instrumento
polifónico, polirrítmico y de simple utilización, relativamente barato y bastante
sonoro. Por ello es utilizado en la mayoría de las clases de solfeo de las
escuelas de música y los conservatorios como el instrumento principal del
pedagogo.
Formas musicales en la música clásica[editar]
Véase también: Composiciones para piano
Las formas musicales para el piano han variado en cada época. En el período
barroco, cuyo repertorio inicialmente estaba previsto para clavecín u otros
instrumentos en teclado, principalmente se compusieron obras con formas
nacidas de bailes y formas contrapuntísticas como la partita, la suite, la fuga,
la tocata, el pasacalle, la sonata, la gavota o las variaciones. En la época
clásica, las formas predominantes fueron la sonata, la fantasía, la bagatela y
otras formas aristocráticas.
En la música romántica, además de la sonata, aparecen formas más libres y de
orígenes diversos como el nocturno, el impromptu, el scherzo, la balada, la
fantasía, la mazurca, el vals, la rapsodia o el preludio. Esta época verá también
el nacimiento del concierto para piano en su forma moderna, generalmente una
pieza que necesita un dominio completo del instrumento.
Compositores destacados de música clásica[editar]

Frédéric Chopin fue un destacado pianista y compositor romántico de obras para piano.

Véase también: Compositores para piano
Las primeras composiciones específicas para piano aparecieron en torno al
1732, entre las que destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico
Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di
martelletti.
En el período barroco hubo muchos compositores destacados que
compusieron obras y conciertos para instrumentos de teclado. Por ello no se
les puede considerar compositores para piano pero muchas de sus obras han
sido interpretadas posteriormente con dicho instrumento. Entre ellos destacan
los alemanes Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel,
los franceses Jean-Philippe Rameau y François Couperin,
los italianos Domenico Scarlatti y Tomaso Albinoni y el español padre Antonio
Soler.21
En el clasicismo destacan las obras para piano de compositores
como Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van
Beethoven, Muzio Clementi y otros menos conocidos como Friedrich
Kuhlau, Jan Ladislav Dussek y Anton Diabelli. En dicho período también
existieron otros compositores que crearon gran cantidad
de sonatinas, rondós y variaciones, en ocasiones con fines didácticos.21
El piano fue un instrumento representativo del romanticismo musical, no solo
en el ámbito musical sino también en el técnico ya que gracias a los avances
logrados gracias a la Revolución industrial su mecanismo fue mejorado
sustancialmente. De la misma forma que el capitalismo influyó en el modo de
organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó como
herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la
composición.22 En dicho período hubo importantes compositores como Félix
Mendelssohn-Bartholdy, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz
Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que realizaron
obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores
como Aleksandr Skriabin, Sergéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.21
Son pocos los compositores para piano que puedan ser
considerados impresionistas. Destaca principalmente Claude Debussy que
compuso una amplia variedad de obras para piano y para orquesta y grupos de
cámara, además de 24 preludios, varias suites, estudios y otras obras.
La sinfonía o la sonata para piano fueron composiciones muy usadas por los
compositores románticos y posrománticos, pero Debussy nunca compuso
ninguna obra de este tipo. Otro compositor francés que realizó obras de este
estilo fue Maurice Ravel, aunque es considerado un compositor neoclásico más
que impresionista. Compuso un elevado número de obras para piano que
orquestó en su mayoría y también transcribió para piano obras propias ideadas
para orquesta.21
En la música contemporánea compositores como Béla Bartók, Ígor
Stravinski, Sergéi Prokófiev, Aaron Copland, Dmitri Shostakóvich, Arnold
Schönberg y Dmitri Kabalevski, entre otros, compusieron una amplia literatura
pianística.21

Pianistas destacados[editar]
Franz Liszt al piano en 1886.

Véase también: Pianistas

Un pianista profesional puede actuar en solitario, tocar con una orquesta u

otra agrupación musical o tocar en compañía de cantantes u
otros instrumentos. En la música occidental existen muchos estilos de música
donde se toca el piano. Consecuentemente, los pianistas tienen una amplia
variedad de formas y estilos para elegir, incluyendo jazz, música clásica y todo
tipo de música popular.
Pianistas de música clásica[editar]
Categoría principal: Pianistas de música clásica
Los pianistas clásicos solían comenzar su carrera musical tocando el piano
desde edades muy tempranas, incluso a los tres años. En los XVIII y XIX, los
compositores solían interpretar sus propias obras, como es el caso
de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Franz
Liszt, Félix Mendelssohn-Bartholdy, Carl Maria von Weber, Charles-Valentin
Alkan y Johannes Brahms entre otros. La pianista alemana Clara
Schumann interpretaba las obras de su esposo Robert Schumann.
El ruso Antón Rubinstein destacó a finales del siglo XIX como compositor e
intérprete, al igual que su compatriota Aleksandr Skriabin. A principios del
siglo XX muchos pianistas realizaron interpretaciones por Europa
Occidental y Estados Unidos, entre los que destacan los polacos Ignacy Jan
Paderewski, Józef Hofmann y Arthur Rubinstein, los españoles Isaac
Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla, así como el italiano Ferruccio
Busoni o el suizo Alfred Cortot.
En el que período entre la Primera y Segunda Guerra Mundial destacaron por
encima del resto el compositor e intérprete ruso Sergéi Rajmáninov,
el austriaco Artur Schnabel, la inglesa Myra Hess, los alemanes Walter
Gieseking y Wilhelm Kempff, los españoles José Cubiles, Ricardo Viñes y
la brasileña Guiomar Novaes. En 1945, pasada la Segunda Guerra Mundial,
aparecieron pianistas soviéticos como Sergéi Prokófiev y Dmitri
Shostakóvich, Emil Gilels y Sviatoslav Richter. El chileno Claudio Arrau destacó
por ser maestro en un amplio repertorio. Junto a ellos sobresalieron el
intérprete y pedagogo checo Rudolf Serkin, el virtuoso soviético Vladimir
Horowitz y los españoles Rafael Orozco y Alicia de Larrocha. Igualmente, el
cubano Ernesto Lecuona fue un pianista destacado, además de un reconocido
compositor de piezas para piano. En dicha época además destacaron el anglo-
austriaco Alfred Brendel, protagonista varias controversias estéticas por su
enfoque musicológico, el canadiense Glenn Gould, que grabó la obra de Bach,
los estadounidenses Van Cliburn y Murray Perahia, el soviético Vladímir
Áshkenazi, y los argentinos Daniel Barenboim, Bruno Gelber y Martha Argerich.
A finales del siglo XX y comienzos del siglo XXI, la calidad técnica ha ido en
aumento, lo que ha propiciado la proliferación de concursos internacionales que
han servido como plataforma a artistas jóvenes.523
Pianistas de jazz[editar]
Artículo principal: Piano de jazz
Categoría principal: Pianistas de jazz

Art Tatum en un fotograma de la película The Fabulous Dorseys de 1947

El ragtime, estilo musical de finales del siglo XIX, es considerado uno de los

precursores del jazz. La popularización del ragtime ocurrió entre los años 1895
a 1915 aproximadamente y los pianistas y compositores clásicos más
destacados de dicha época fueron Scott Joplin, James Scott y Joseph Lamb.
Otros músicos, como Jelly Roll Morton y James P. Johnson, sirvieron de
transición entre el ragtime y el jazz. El mencionado James P. Johnson fue el
primer pianista importante del barrio de Harlem y destacó por el uso del piano
como instrumento de acompañamiento en el jazz. El barrio de Harlem, situado
en Manhattan, fue durante la década de 1920 el centro del florecimiento de la
cultura negra, conocido como Renacimiento de Harlem, y un lugar de
confluencia de numerosos pianistas de jazz, los cuales tocaban según el estilo
denominado stride piano. Dicho estilo consistía en alternar permanentemente
una nota tocada en el bajo en los tiempos nones y un acorde tocado en los
pares.24
En esa época también destacó Earl Hines, por su novedosa aportación de
ritmos y acentos y la influencia que ejerció en los pianistas coetáneos, 25 y Fats
Waller. En la década de 1930, dentro del estilo swing, se hizo famoso Art
Tatum por su virtuosismo y la creatividad de sus interpretaciones. Muchos le
consideraron el «mejor pianista de jazz de la historia». 26 En esa época también
destacó Count Basie, que incluyó en el jazz elementos del swing y el blues,
y Fletcher Henderson.27 El estilo bebop del piano, surge en la década de los
40 por invención de Thelonious Monk y otros músicos.28 En dicho estilo
destacó Bud Powell como una de las figuras principales y creador de escuela
en el jazz moderno.24
Bill Evans perteneció al género hard bop y revolucionó el género del trío de
piano en el jazz tal y como se conocía hasta entonces, ya que anteriormente el
piano dominaba y dirigía la música y el contrabajo y la batería marcaban el
ritmo y él cambió esta forma de concebir la música para dar igual importancia a
los tres instrumentos del trío, pudiendo desempeñar el papel de director del
conjunto cualquiera de ellos. En esa época, Milt Buckner incorporó a la música
de jazz para piano gran cantidad de elementos de la música clásica
europea desde Johann Sebastian Bach hasta Darius Milhaud. En el estilo jazz
rock, que surgió a comienzos de los años 1970, destaca Chick Corea, líder del
grupo Return to Forever. McCoy Tyner es la figura más destacada
del mainstream jazz aunque se ha aproximado a una amplia variedad de estilos
jazzísticos a lo largo de su carrera como el jazz progresivo, jazz modal y hard
bop, entre otros. Su estilo ha influido a numerosos pianistas, entre los que se
incluye la estadounidense Joanne Brackeen.24 Otros pianistas
de jazz destacados son Geri Allen, Ray Charles, Nat King Cole, Duke
Ellington, Egberto Gismonti, Herbie Hancock, Ahmad Jamal, Keith
Jarrett, Norah Jones, Diana Krall, Tete Montoliu, Oscar Peterson, Michel
Camilo, Enrique Villegas y Michel Petrucciani.27
Pianistas en otros géneros musicales[editar]
También se emplea el piano en el rock and roll, usado por Jerry Lee Lewis, por
ejemplo; el rock, con Queen, Pink Floyd y Lynyrd Skynyrd, Evanescence, Paul
McCartney y John Lennon, entre otros; el blues, con figuras como The Blues
Brothers; el rock en español con intérpretes como Charly García y Fito Páez y
el pop, con grupos como ABBA. Sin embargo y cada vez más a menudo es
reemplazado por el sintetizador o el teclado electrónico. En el siglo XXI, ciertos
grupos como Keane, han desterrado el uso de la guitarra en provecho del piano
en el género musical conocido como piano rock.

Fabricantes destacados de pianos[editar]

Véase también: Fabricantes de piano
Durante el siglo XIX se fundaron numerosas empresas de fabricación de pianos.
En 1828, Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria, La historia de Grotrian-
Steinweg se remonta a 1835 cuando la fábrica Steinweg fue creada por
Heinrich Engelhard Steinweg (más tarde conocido como Henry Steinway
después de emigrar a los Estados Unidos, donde fundó Steinway & Sons), el
checo Antonín Petrof fundó en 1864 la fábrica de pianos Petrof, como también,
en la misma época, Julius Blüthner hacen lo propio en Leipzig.
En la actualidad, las compañías de fabricación de pianos más destacadas se
encuentran en Alemania (como Blüthner, Steinway & Sons, Steingraeber &
Söhne, Grotrian - Steinweg y Bechstein), en Austria (Bösendorfer),
en República Checa (Petrof), en Estados Unidos (Baldwin, Chickering and
Sons y Steinway & Sons), en Japón (Yamaha y Kawai) y en Italia (Fazioli).
Ante el creciente aumento de los costes de producción, muchos fabricantes
han trasladado la producción de sus modelos de serie económica a países en
los que la mano de obra es más barata, como China o Indonesia. Otros han
simplificado el diseño exterior del instrumento y han suprimido prácticamente
cualquier adorno.
Otras compañías destacadas son Broadwood, la compañía de fabricación más
antigua del mundo y fundada en 1783; las francesas Boisselot, Érard y Pleyel,
las checas Weinbach o Scholze, la coreana Young Chang y las compañías de
pianos de juguete Schoenhut.

Papel social del piano[editar]

El piano en un centro social del siglo XIX (Moritz von Schwind, 1868).

Artículo principal: Historia social del piano

El piano es un instrumento fundamental en la música clásica europea, el jazz y
otros géneros musicales occidentales, así como en el cine y la televisión. Gran
número de compositores han sido habilidosos pianistas porque el teclado del
piano ofrece un medio sencillo para la interacción compleja melódica y
armónica. El piano a menudo ha sido una herramienta para la composición.
La historia social del piano es la historia del papel del instrumento en
la sociedad. Desde que se inventó el piano a finales del siglo XVII, su uso se fue
generalizando en la sociedad occidental de finales del siglo XVIII y sigue siendo
ampliamente interpretado en el siglo XX y comienzos del siglo XXI. En el
siglo XVIII, el piano y la mujer estuvieron muy ligados, hasta el punto de que se
tenía muy en cuenta si la joven tenía estudios de piano a la hora de formalizar
un matrimonio. El piano siempre fue un instrumento excesivamente costoso y
en sus inicios, solo la alta burguesía y la aristocracia podían permitirse comprar
uno. Con el paso del tiempo y el incremento del nivel de vida por parte de
algunos sectores de la sociedad, el piano se convirtió en un instrumento con
precio más accesible y en un elemento fundamental de entretenimiento dentro
de los hogares. Su uso generalizado comenzó a disminuir a partir de la
invención de aparatos mecánicos y electrónicos como la pianola, el fonógrafo y
la radio.