ACADEMIA DE DANZAS

GERALDINE DOLDAN

Ballet

Alumna: Sofia Cubilla

Profesora: Liz Báez
Curso: 6º
Año: 2021
 ACADEMIA DE DANZAS

GERALDINE DOLDAN

Baile Español

Alumna: Sofia Cubilla

Profesora: Liz Báez
Curso: 6º
Año: 2021
 BALLET

Historia

El ballet, danza académica, danza clásica o balé es un tipo de danza y también el

nombre de la técnica correspondiente. Según las épocas, los países o las corrientes y el
espectáculo, esta expresión artística puede incluir: danza, mímica, y teatro (de orquesta
y coral), personas y maquinaria.
El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos están
basados en el control total y absoluto del cuerpo, se recomienda empezar desde
temprana edad debido a su grado de dificultad. A diferencia de otras danzas, en el ballet
cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza,
pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y
mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.
También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a
propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las artes
escénicas.
La palabra ballet, retomado del latín ballo, ballare, ‘bailar’, a su vez retomada
del griego  (ballizo), ‘bailar’, ‘saltar’.
El término ballet fue utilizado por primera vez en 1582 por el compositor
francés Balthasar de Beaujouelx (también conocido como Balthazar de Beaujoyeulx) en
el Ballet comique de la reine.
La historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde
la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con
movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros
movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes
(nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente ritual,
celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa,
donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una
primera cadencia a la danza.
El ballet , tal y como lo conocemos hoy, surgió en la Italia del Renacimiento (1400-
1600). Fue en Francia durante el reinado de Luis XIV, apodado Rey Sol que surge la
necesidad de la profesionalización y en 1661 se crea la primera escuela de baile: la
Académie Royale de la Dance. En 1700, R. A. Feuillet publicó Choréographie ou art
de noter la danse donde por primera vez se reproduce la totalidad de los pasos
codificados y se funda un primer intento de transliteración o notación de las figuras. En
1725, Jean-Philippe Rameau con su Traité Maître à danser perfeccionó toda la técnica
hasta entonces planteada.
Balthazar de Beaujoyeulx no solo fue el primero en utilizar la palabra ballet, sino que
también se dio a la tarea de definirlo como ‘una mezcla geométrica de personas que
bailan juntas, acompañadas por varios instrumentos musicales’. Sin embargo, Bastiano
di Rossi logró darle una mejor definición, y dijo que el ballet es ‘una pantomima con
música y danza’.
En el nacimiento del ballet romántico fueron de vital importancia las reformas
realizadas por G. Magri con su Trattato teorico-practico di ballo (en 1779), que
proporcionó un repertorio intacto de figuras y por J. G. Noverre con su tratado Lettre
sur le ballets et les arts d'imitation donde da vida al ballet d'action (el ballet
pantomima). En 1713 se creó la segunda Académie Royale, que hoy se conoce como la
Ópera de París.
Toda esta reforma fue experimentada y puesta en práctica por F. W. Hilferding en 1735
al regresar a su ciudad natal Viena. Fue nombrado Maestro de Ballet y en 1740
emprendió la tarea de introducir el Realismo en el propio ballet.
La popularidad del ballet bajó después de 1830, pero continuó practicandose en países
como Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada de los ballets rusos, introducidos en Europa
por Serguéi Diáguilev, dieron paso a un creciente interés durante la Primera Guerra
Mundial.

Primeros Maestros y Bailarines

 Jean Dauberval (1742-1806): Maestro francés de ballet, reconocido como el

padre del ballet cómico1
 Louis Gallodier (1734-1803)
 Jean-Baptiste Landé (d. 1748)
 Filippo Taglioni (1777-1871): Bailarín italiano y maestro de ballet
en Estocolmo.2
 Jean Coralli (1779-1854)
 Carlo Blasis (1797-1878)
 August Bournonville (1805-1879)
 Paul Taglioni (1808-1883)
 Jules Perrot (1810-1892)
 Christian Johansson (1817-1903)
 Marius Petipa (1818-1910), Maître de Ballet, fue un maestro de ballet para
los Teatros Imperiales en San Petersburgo y Moscúentre 1862 y 1903.
 Arthur Saint-Léon (1821-1870)
 Enrico Cecchetti (1850-1928), fue el creador del método que recibe su nombre.
 Lev Ivánov (1834-1901)
 Nikolái Legat (1869 - 1937),
 Agrippina Vagánova (1879-1951)
 Michel Fokine (1880-1942),
 George Balanchine (1904-1983)
 Frederick Ashton (1904-1988)
 Aleksandr Ivánovich Pushkin (1907-1970)
 María de Ávila (1920-2014) fue la creadora del Ballet de Zaragoza.
 Kenneth MacMillan (1929-1992)
 Vera Shvetsova (1929- )
 Rudolf Nuréyev (1938-1993)
 Anthony Dowell (1943- )

Ballet - Técnica 

La base de la técnica del ballet es la rotación externa de piernas y pies: cada pierna gira
hacia afuera desde la articulación de la cadera de manera que los pies formen un ángulo
de 180° sobre el suelo.

Esta posición girada no es exclusiva del ballet; también se utiliza en la danza de otros
lugares, como ocurre en la Bharatanatya, la danza clásica de la India.

El ballet comprende cinco posiciones específicas y numeradas de los pies, las cuales
constituyen la base de casi todos los pasos posibles. También existen las posiciones
correspondientes para los brazos, que generalmente se mantienen con los codos
suavemente curvados.

La técnica del ballet acentúa la verticalidad. Puesto que todos los movimientos de los
miembros del bailarín proceden del eje vertical del cuerpo, todas las partes del mismo
deben estar correctamente centradas y alineadas para permitir la mayor estabilidad y
comodidad del movimiento.

La verticalidad implica resistencia a la gravedad, un concepto que es ampliamente

desarrollado en los pasos de elevación, como los saltos. El ballet posee mucha variedad
de pasos, incluyendo los que exigen a los bailarines, mientras están en el aire, girar,
batir las piernas o los pies al mismo tiempo, o cambiar la posición de las piernas.
Tradicionalmente se ha considerado que los pasos de elevación más exigentes eran
competencia especial de los bailarines masculinos, pero, en realidad, pueden ser
ejecutados por virtuosos de ambos sexos.

El empeño por eliminar la gravedad culminó con la invención de la danza de la punta

del pie, también llamada danza sobre las puntas o trabajo de puntas.

La danza de puntas se desarrolló en los comienzos del siglo XIX, pero no llegó a ser
ampliamente utilizada por los bailarines hasta 1830, cuando la bailarina italo-sueca
Maria Taglioni demostró sus posibilidades de expresión poética. El trabajo de puntas es
patrimonio casi exclusivo de las mujeres, aunque los hombres pueden emplearlo en
algunas ocasiones.

El término línea en ballet se refiere a la configuración del cuerpo del bailarín, ya sea en
movimiento o en reposo. Una buena línea es en cierto modo producto del físico con que
nace el bailarín, pero, además, puede desarrollarse y mejorarse mediante el
entrenamiento.

En el ballet, determinadas conexiones entre los brazos, las piernas, la cabeza y el torso
se consideran particularmente armoniosas, mientras que otras no, a pesar de que puedan
ser perfectamente aceptables en otras formas de danza.

Se opta por amplios movimientos del conjunto de los miembros en lugar de

movimientos cortos y aislados de partes individuales del cuerpo. A veces se habla del
ballet en términos de movimiento hacia arriba y hacia afuera; idealmente, podría parecer
que los miembros del bailarín se extienden hasta el infinito.

Compañías de Ballet

Ballet de la Ópera de París.

Es una de las mejores compañías de ballet de la historia y su origen se remonta

a 1669 con la Académie Royale de Danse fundada por el rey de Francia Luis XIV.
Como explicamos en nuestro post de la Historia de ballet, fue la primera compañía
profesional de ballet. En ella se desarrollaron las bases de la técnica del ballet clásico,
por ejemplo su director Pierre Beauchamp codificó las 5 posiciones básicas de ballet.

En 1832 abrió la era del ballet romántico con La Sílfide, y le seguirían títulos como

Giselle del que os hablamos en detalle en el post sobre los mejores ballets de todos los
tiempos.
Su sede actual es el Palais Garnier u Ópera de París. Su escuela de danza, la Escuela
de Danza de la Ópera de París, es una de las mejores escuelas de danza del mundo.

Ballet Mariinski

Los inicios del Ballet Mariinski se remontan al siglo XVIII, originalmente y hasta
principios del siglo XX fue conocido como Ballet Imperial. Durante la época comunista
fue conocido como Ballet Kirov, hoy en día sigue conociéndose por este nombre. Tiene
su sede en el Teatro Mariinski de Sant Petersburgo. El famoso coreógrafo Marius
Petipa, del que os hablamos en los posts sobre Tchaikovsky y los mejores ballets de
todos los tiempos, realizó sus famosos ballets para este Ballet, tales como El
Cascanueces, Don Quitote, La Bella Durmiente, y las revisiones de Giselle, El Lago de
los cisnes o El Corsario.

La Escuela del Ballet se llama Academia Vaganova de Ballet. A muchos de los

alumnos de ballet os sonará el nombre Vaganova. Fue la maestra Agrippina
Vaganova la que desarrolló el método de instrucción de ballet clásico para el Ballet
Imperial y de ahí que se le pusiese su nombre a la escuela. Hoy en día es una de las más
importantes escuelas de ballet clásico del mundo y el método Vaganova es uno de los
más importantes métodos de enseñanza de ballet clásico.

Algunos de sus alumnos y posteriores bailarines más importantes fueron Anna Pavlova,
Rudolf Nureyev, Tamara Karsavina o George Balanchine. En la Guerra Fría enfrentó el
problema que muchos de sus bailarines no querían regresar a la Unión soviética tras sus
giras en países occidentales. Este fue el caso de Rudolf Nureyev.

Ballet del Bolshoi

El Ballet del Bolshoi de Moscú, es una de las compañías de ballet más famosas, se

fundó en 1776. La palabra “Bolshoi” significa “grande” o “gran” en ruso. Sería a partir
de principios del siglo XX cuando Moscú devino capital y con el fichaje de Alexander
Gorsky como director del Ballet cuando empezó a desarrollar su identidad única.

Competencia directa del Ballet Mariinsky de Sant Petersburgo, ambos ballets han
desarrollado distintos estilos: el Bolshoi se caracteriza por un enfoque más atrevido y
colorista mientras que el Mariinski tiene un estilo más clásico y refinado.

Su sede es el Teatro del Bolshoi, también cuenta con la Academia del Ballet del
Bolshoi. También es uno de los ballets con la plantilla más amplia, con dos cuerpos de
baile completos.
La Scala Theatre Ballet

La Scala Theatre Ballet es la compañía de ballet residente del teatro La Scala en Milán,
Italia. Oficialmente se fundó en 1778, si bien sus orígenes se remontan a las cortes
italianas del Renacimiento.

Su escuela asociada es La Scala Theatre Ballet School de dónde provienen buena parte
de sus bailarines. Su repertorio incluye tanto los clásicos como piezas modernas.

Royal Ballet

El Royal Ballet es una compañía de ballet inglesa que tiene su sede en la Royal Opera
House, en Covent Garden de Londres. Sin duda se trata de una de las más importantes
de la lista.

Su origen se remonta a 1931, cuando la bailarina y coreógrafa Ninette de Valois fundó

una pequeña escuela-compañía hasta que en 1956 recibió el reconocimiento de la
corona inglesa. Una compañía diversa con bailarines de todo el mundo. Cuenta con la
Royal Ballet School, uno de los centros académicos de ballet clásico más grandes del
mundo.

American Ballet

Su origen se remonta a 1937 cuando el bailarín y coreógrafo Mijail Mordkin creó el

Mordkin Ballet, tras varias reorganizaciones en 1956 se convertiría en el American
Ballet Theatre.

Su sede se encuentra en la Ópera del Metropolitan de Nueva York. Su escuela asociada

es la Jacqueline Keneddy Onassis School también ubicada en Manhattan.

En su repertorio siempre ha buscado de incluir los clásicos como El Lago de los Cisnes
o Giselle como importantes obras de ballet contemporáneo.

Ballet Nacional de Cuba

El Ballet Nacional de Cuba se fundó en 1948 con Alicia Alonso como fundadora y
primera bailarina bajo el nombre Ballet Alicia Alonso y adoptando su denominación
actual en 1959. Es el referente del ballet latinoamericano 

Destaca el rigor técnico de sus bailarines, así como la diversidad en la concepción

estética de sus coreógrafos.
Otras de las mejores compañías de ballet:

National Ballet of Canada

New York City Ballet
Australian Ballet
Dutch National Ballet
English National Ballet
San Francisco Ballet
Vestimenta del Ballet

Vestimenta de mujeres

 Una bailarina lleva primeramente medias

 También usa leotardo, (o payasito, como le decimos tiernamente) que es la pieza
que parece traje de baño.
 tipos de faldas: puede ser el clásico tutú (faldita recta en forma circular) que es
como ves a las bailarinas en los dibujos, o faldones largos o medianos.
 Las zapatillas son "puntas" o "medias puntas" con las primeras bailas con la
punta de los dedos, con las segundas, no

Vestimenta de hombres
  En cuanto a los hombres, ellos usan "mallones", que son esos pantalones muy

ajustados:

 usan camisas sueltas, o cualquier tipo de ropa, no es muy exacto Ellos solo

utilizan zapatillas de media punta, no bailan sobre los pies.

 Esto claramente es en las presentaciones, en los ensayos o entrenamientos las

mujeres usan solamente mallas, payasito y algún short pequeño o faldita

 Los hombres usan los mallones y playeras, o enterizos.

Zapatillas de punta

Las zapatillas de puntas son un tipo de calzado de ballet similar a las zapatillas

anteriormente descritas pero con refuerzo en la parte anterior de las mismas. Su objetivo
es que las bailarinas de ballet se eleven sobre ellas apoyando el peso de todo su cuerpo
sobre la punta de sus dedos. El peso corporal debe ser repartido entre todos los dedos
del pie, ya que poner el peso sobre el dedo pulgar o sobre el meñique terminaría en
perder el equilibrio. El objetivo de las zapatillas de puntas es proporcionar una
apariencia ligera y estilizada de la bailarina durante la representación, que parezca
levitar sobre el suelo o que no haga ruido al caer tras un salto.
Su origen se remonta al nacimiento de los ballets románticos en el siglo XIX. Se
considera que una de las primeras bailarinas en emplear este tipo de zapatillas fue Marie
Taglioni en el ballet La sílfide en 1832 utilizando la técnica de puntas. En un principio,
las bailarinas introducían algodón para reforzar la punta mientras que en la actualidad la
zapatilla cuenta con una estructura rígida en la que se apoyan los dedos. Además para
que los dedos de los pies no se lastime se utiliza una puntera de silicona o dedales del
mismo material , especialmente hechos para usar en este tipo de zapatillas.
Las zapatillas de puntas no se utilizan hasta el segundo o tercer año de enseñanza. En
los ensayos, se emplean al final de los ejercicios de barra y su uso es progresivo para
reforzar los músculos del pie y adquirir el equilibrio necesario para posarse sobre ellas.
Existen zapatillas con diferente nivel de rigidez en su suela. La elección de una u otra
dependerá de la bailarina en función del grado de fortaleza de su pie. Para ello tiene que
practicar todo un año con las ½ puntas (las zapatillas nombradas anteriormente).

Punteras
Las punteras son una "funda" (de silicona u otro material) que se utiliza entre las medias
o pantis de ballet y las zapatillas. Se utilizan únicamente con las zapatillas de puntas y
estas no deben sobresalir con respecto a la capellada.
Ballets más famosos del mundo
LAGO DE LOS CISNES. Coreografia: Julius Reisinger. Música: Piotr
Tchaikovsky.S e estrenó en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1877 y para 1895 con una
nueva concepción de Marius Petipa y Lev Ivanov. Es considerado como la obra maestra
del ballet clásico y moderno. Es una obra de cuatro actos.

ROMEO Y JULIETA. Coreografía: Leonid Lavrovsky. Música: Sergei Prokofiev.

Se estrenó por primera vez en 1938 en Checoslovaquia. Su primera representación no
fue popular, pero después realizó una serie de cambios que hizo que se convirtiera en un
verdadero éxito en 1940, en Leningrado, Rusia. Este ballet es considerado como un
epitome. Esta obra genera cantidades de halagos al grado de que muchas personas lloran
al ver esta obra. Se basa en la novela de Shakespeare Romeo y Julieta.

GISELLE. Coreografía: Jean Coralli. Música: Adolphe Adam. Obra maestra absoluta

del teatro de la danza del Romanticismo. Es una de las obras más condecoradas de todos
los tiempos y es basada en un poema de Heinrich Heine, Fue estrenada en 1841 en la
Ópera de París constituyéndose en pieza pura y fundamental de la danza clásica.

EL CASCANUECES. Coreografía: Marius Petipa y Lev Ivanov. Música: Poitr

Tchaikovski. Se estrenó en el año 1892 en San Petersburgo Rusia. El acto se basa en la
obra “El cascanueces y el rey ratón” la cual trata de una niña que se encoje y su
cascanueces se va a la guerra para vencer al rey ratón. En el año en que fue estrenada
fue mundialmente criticada.

LA BAILARINA DEL TEMPLO. Coreografía: Marius Petipa. Musica: Ludwig

Minkus. Trata sobre la historia de Nikiya y Solor, que han jurado ser fieles el uno al
otro. Una historia llena de celos intriga y amor. La obra se estrenó en San Petersburgo
Rusia en el año 1877. Es un ballet de 4 actos y algunos consideran como una de las
obras más grandes del coreógrafo Marius Petipa. Se dice que tiene los movimientos más
famosos del ballet.

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA. Coreografía: Vaslav Nijinski.

Música: Igor Stravinsky. Este es uno de los más importantes ballets de la historia.
Tiene una duración de 30 minutos pero esto no le invalida el acceso a ser uno de los
ballets más populares. Fue estrenado por primera vez en París Francia en 1913. Trata
sobre la historia de una joven que es sacrificada al Dios de la primavera.

SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO. Coreografía: Frederick Ashton. Musica:

Felix Mendelssohn. Basado en la novela William Shakespeare “Sueño de una noche de
verano”. Su creación fue en 1962. Esta obra se ha convertido en uno de los ballets más
populares de todos los tiempos en América del Norte.

LA BELLA DURMIENTE. Coreografía: Marius Petipa. Música: Piotr Tchaikovsky.

Basado en el cuento La bella durmiente del bosque de Charles Perrault. Se estrenó en
1890 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Este ballet está considerado por tener
en su producción alguna de las piezas musicales más hermosas de todos los tiempos.

DON QUIJOTE. Coreografia: Marius Petipa. Música: Ludwig MinkusLa premiére

mundial del ballet se efectuó el 26 de diciembre de 1869 en el Teatro Bolshoi de Moscú
a solicitud de los Teatros Imperiales de Rusia. Se basa puramente en la historia de Don
Quijote de La Mancha de Miguel de Cervantes. El acto sigue la historia de Don Quijote
creyendo ser un caballero en búsqueda de matar bestias míticas y salvar doncellas. El
ballet se compone por 4 actos y 8 obras.

CENICIENTA. Coreografía de Rostislav Zakharov, Música: Sergei Prokofiev. El

ballet fue estrenado en el año 1945, en Moscú, Rusia, en el teatro Mariinski de San
Petersburgo por Prokofiev, autor de varios temas reconocidos. Se divide en tres actos.
El ballet se caracteriza por su excepcional puntuación y su tono humorístico. Tuvo la
inhabitual coreografía de tres importantes figuras: Petipa, Lev Ivánov y el maestro de
baile italiano Enrico Cecchetti.
BALLET
Don Quijote
Don Quijote (Ballet). Es una adaptación de un episodio de la famosa obra El Ingenioso
Hidalgo Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra, coreografiado
por el francés Marius Petipa, instalado durante largos años en Rusia, quien también fue
el autor del libreto, y musicalizado por Ludwing Minkus, aunque ha sido versionada por
distintos coreógrafos y músicos. A solicitud de los Teatros Imperiales de Rusia, el
montaje se estrena el 26 de diciembre de 1869 en el Teatro Bolshoi de Moscú. El
ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en 1900 obteniendo un gran éxito. Es uno de
los ballets más representados en el mundo. Su famoso Pas de deux forma parte del
repertorio obligatorio de los grandes bailarines. La versión cubana de Don Quijote ha
sido aclamada por el público y la crítica internacional.

Antecedentes
El nacimiento del ballet romántico parece darse con la obra La sílfide, presentada por
primera vez en París en 1832. En esta época de controvertidas sinfonías de Beethoven,
cuadros de Delacroix y creaciones literarias de Víctor Hugo, el ballet llevará al límite
estas características románticas. Por esta misma época, el coreógrafo Marius Petipa,
quien pasaba una temporada en España, aprehende elementos españoles para la técnica
del ballet. De esa estadía, surgen varias danzas y unos cuantos ballets que muestran los
aspectos que tanto cautivaron al coreógrafo: de allí surgirá Don Quijote.

La influencia de las danzas españolas se percibe claramente en casi todas las obras de
Petipa. Generalmente, hacia el final de sus coreografías, en los actos tercero y/o cuarto,
que en su mayoría son de celebración, hay un espacio para una o más danzas españolas.
Aunque no incluyó zapateos, sí son bailes, que sin dejar de ser ballet, Petipa muestra
espacios, colores, accesorios y vestimentas típicos
españoles: abanicos, castañuelas, flores en la cabeza, personajes como toreros, majas,
taberneros, colores intensos, rojos, amarillos, naranjas, etc., que logran trasladar, por un
momento, incluso dentro de obras de gran complejidad como El lago de los cisnes, este
ambiente español que tanto cautivó a Petipa.

Los elementos mencionados están presentes casi en su totalidad en el ballet Don

Quijote, que nació bajo el amparo de la alegría de las danzas españolas, la coquetería de
las majas, siempre relucientes en vestidos de colores llamativos e imponentes, y la
diversidad de personajes y situaciones (majas, taberneros, mesoneros, toreros,
bailadoras, músicos, etc.) que se podían encontrar en medio de una plaza en Barcelona.

Primeras adaptaciones
No son pocas las obras coreograficas basadas en argumentos extraídos de la célebre
obra de Miguel de Cervantes, entre ellas: Don Quijote chez la Duchesse, ballet cómico
de Favart con música de Boismortier, estrenada en la Opera de París en 1743; Don
Quijote, de J. G. Noverre, creado en Viena en 1750; el llamado Las bodas de Camacho,
con coreografia de Nilou, que se estrenó en la Opera de París en 1801; otro Don
Quijote, de Didelot, así como el de igual título, coreografía de Taglioni, que se
representó por vez primera el año 1850 en Berlín.

Adaptación de Petipa
La historia de la coreografía de Don Quijote pasa por numerosas adaptaciones de la
famosa obra de Cervantes. Desde Jean-Georges Noverre (1786) hasta la de Alexei
Fadeyechev (2005). A lo largo de doscientos años, coreógrafos de diferentes partes del
mundo, con diferentes técnicas y escuelas, han interpretado a través del lenguaje de la
danza, del lenguaje corporal, un lenguaje universal, su propia interpretación de El
ingenioso hidalgo. La versión que entró con paso firme y para quedarse en la historia
del ballet, fue la creada por Petipa autor tanto del libreto como de la coreografía, que
consta de prólogo y cuatro actos. La adaptación de Petipa se basa en el episodio de Las
bodas de Camacho que se encuentra en la segunda parte de El ingenioso hidalgo en los
capítulos XIX, XX y XXI.

Música
El compositor de origen austriaco, Ludwig Minkus, comienza a colaborar con el
coreógrafo Marius Petipa en 1869, año en que surge, fruto del trabajo conjunto, el ballet
Don Quijote, que luego de su estreno en Moscú, fue repuesto en la ciudad de San
Petersburgo. Minkus adaptada la música de los ballets a los requerimientos de los
coreógrafos que encargaban la obra. La característica principal de las piezas eran mucha
rítmica, fácil comprensión y temas muy melódicos.
Argumento
La obra consta de un prólogo y tres actos, y está basada en Las bodas de Camacho, del
capítulo XIX del segundo libro de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha” de
Miguel de Cervantes Saavedra.

Prólogo
Al levantar el telón, el ballet Don Quijote se inicia con el prólogo mediante el cual se
introduce al público en la trama del argumento:

Don Quijote, un hidalgo anciano y excéntrico, alberga alocadas ilusiones de

caballerosidad y una visión de una mujer amada ideal llamada Dulcinea. Además,
contempla a los personajes principales del ballet: Kitri; la heroína; Lorenzo, su padre;
Gamache, su pretendiente acaudalado y necio; Basilio, el hombre que la ama, y Sancho
Panza, el sirviente de Don Quijote.

En este pequeño prólogo se informa a la audiencia de las acciones claves de la

circunstancia vital del personaje creado por Cervantes y prepara al público para ver su
posterior participación en el desarrollo de la historia de amor entre Kitri y Basilio.

Primer Acto
En la plaza hay una fiesta. La hija del tabernero, Kitri, coquetea con Basil pero su padre,
Lorenzo el tabernero, despide a Basil, pues no desea que éste sea el marido de su hija.
Kitri no quiere cumplir la voluntad del padre. En mitad de la fiesta llegan Don Quijote y
Sancho. Al ver al tabernero Don Quijote le imagina como el dueño de un castillo y le
saluda respetuosamente, como corresponde a su alcurnia. El tabernero le corresponde en
la misma línea y le invita a entrar en su taberna. Cuando Don Quijote ve a Kitri la toma
por la maravillosa Dulcinea, la dueña de su corazón. Kitri se escapa con Basil y el
tabernero y el noble Gamash les persiguen.

Segundo Acto
1º cuadro: Kitri y Basil están escondidos en una taberna, cuando Lorenzo, Gamash y
Don Quijote aparecen. El padre de Kitri desea anunciar la boda de su hija con Gamash,
pero Basil escenifica una escena de suicidio que surte los efectos deseados de tal manera
que Don Quijote interviene para favorecer el matrimonio del barbero con Kitri. Basil ya
está feliz.
2º cuadro: En las proximidades de los molinos de viento se encuentra el campamento
gitano en el que se escenifica un número de marionetas. El jefe del campamento invita a
Don Quijote a ver el espectáculo. Quijote, emocionado, sigue el desarrollo de los títeres
e interviene en la acción destruyendo el teatrillo. Viendo los molinos, los toma por
gigantes a los que debe enfrentarse. En el fragor de la acción, se engancha con uno de
los molinos y cae por tierra.

3º cuadro: Don Quijote y Sancho Panza están en un bosque. Nuestro héroe

piensa que está rodeado de seres fantásticos, pero Sancho está durmiendo. En
esto aparecen unos nobles de cacería que al contactar con Quijote y Sancho y al
verles tan pintorescos deciden invitarles a su castillo para holgar con ellos.

Tercer Acto
En el castillo de los nobles todo está preparado para recibir a nuestro caballero andante.
El maestro de ceremonias deja entrar a Kitri y Basil. La primera debe interpretar el
papel de Dulcinea y Basil el del caballero desconocido. Don Quijote y Sancho ocupan
los lugares privilegiados para ver cómo, Dulcinea, la dama de su corazón, aparece
encantada y, nuestro héroe, para librarla del embrujo, debe vencer al caballero
desconocido. Comienza el combate, pero en medio del fragor de la batalla, Don Quijote,
que tropieza en sus propias espuelas, cae derrotado por lo que el caballero desconocido
se lleva a su amada.

Los nobles y sus invitados se ríen y Don Quijote, solo y triste se retira con su fiel
escudero.
 Conclusión
El ballet es un arte muy completo, ya que requiere de mucha delicadeza y gracia pero
por otra parte también requiere de la fuerza y la colocación completa del cuerpo. Te
brinda una gran cantidad de ventajas, las cuales podrás adquirir mejor si lo comienzas a
practicar desde una edad temprana. 

Aprende a valorar esta danza que no es tan fácil como parece, ya que de igual manera
las bailarinas están expuestas a sufrir lesiones, entre las que están principalmente las de
tobillo. Es exigente, requiere de mucha disciplina y de muchas horas y días de práctica,
en fin, requiere de mucha entrega y dedicación, pero al final de esto, el resultado
obtenido vale la pena.
 BAILE ESPAÑOL

La idea de baile español se acompaña inmediatamente de imágenes de un rasgueo de

guitarra, taconeo y trajes brillantes. A pesar de que mucha gente establece esta conexión
inmediata entre España y el flamenco, un amplio número de bailes tradicionales de las
distintas regiones de España se entrelazan en la larga historia del baile español. Por
ejemplo, no hay mucha gente que imagine visitar España y escuchar música de gaitas y
de panderetas, aunque es la música tradicional que acompaña el baile español en el
norte de España.

Desde que existe la raza humana, el hombre ha usado la danza como una forma de
comunicación y de expresión personal. España no es una excepción. Danzas rituales que
conmemoran batallas y otros logros bélicos fueron los primeros en aparecer y, siglos
más tarde, durante la Edad Media, empezaron a tomar forma las danzas rituales
estructuradas en torno al tema religioso.

En el siglo XV se produjo la distinción entre los distintos géneros. Bailes serios y con
una métrica se volvieron anticuados con la popularidad creciente de bailes más libres y
festivos. En el Renacimiento, los bailes populares y folclóricos siguieron
desarrollándose a pasos agigantados en la historia del baile español, e incluso tuvieron
reconocimiento internacional. Estos bailes regionales se desarrollaron por sí solos y se
mezclaron con otros para crear nuevos estilos. Ya puedes imaginar cuántos surgieron:
¡solo en la región de Cataluña existen más de 200 bailes tradicionales distintos!

Durante el Barroco, los gitanos llegaron a la Península Ibérica y la popularidad de la

música y el baile gitanos, el flamenco, fue en aumento lo que hizo que se incorporara a
la historia del baile español. El resto es historia -o historia del baile español, más bien-,
puesto que el flamenco se ha convertido desde entonces en una sensación nacional e
internacional. Con la fama creciente del flamenco, los bailes regionales sufrieron una
decadencia -intensificada durante el siglo XX, cuando el dictador Franco prohibió todo
tipo de manifestación regional, incluyendo el baile, la música y los idiomas-. Hoy en día
ha habido un resurgir en el orgullo y en la práctica de estos bailes tradicionales, ¡y la
historia del baile español continúa!
Bailes españoles tradicionales

Jota Aragonesa. Esta danza típica es originaria del norte de España, concretamente de

Aragón, y tiene un ritmo rápido en el que las parejas bailan con los brazos sobre la
cabeza tocando las castañuelas.
Sardana. Varias parejas se toman de las manos y bailan en un círculo cerrado en este
baile tradicional de Cataluña.
Muñeira. Se baila de dos en dos, o uno solo, al son de las gaitas. Esta "Danza del
Molinero" es típica de Galicia y Asturias.
Zambra. La zambra era en origen un baile árabe, pero con la Reconquista de España de
los Reyes Católicos los árabes pudieron conservar este baile adaptándolo a las
costumbres de baile españolas.
Bolero. Uno de los más antiguos y más tradicionales bailes de la historia del baile
español, el bolero es una danza rápida con pausas repentinas y giros arriesgados.

Fandango. En su momento uno de los bailes más famosos de España, el fandango es un

baile alegre y animado que se baila en parejas.
Pasodoble. Un rápido baile de un solo paso.
Flamenco. Un apasionado baile originario de los gitanos, el flamenco es famoso en
todo el mundo.
Sevillana. Baile típico de Sevilla, alegre e intenso, que recuerda al flamenco y tiene
cuatro partes bien diferenciadas.

BAILES REGIONALES

LA JOTA – VESTIMENTA

La indumentaria aragonesa es muy rica y variada

dependiendo de la zona en la que nos encontremos puede
variar. Dentro de cada zona podemos encontrar trajes de
gala, de faena. 
Hay que destacar las multiples capas de refajos que lleva el
traje de la mujer. Como prenda interior esta la camisa, las
enaguas y las medias. Y como prenda exterior esta la falda,
el jugón y los accesorios que tenga ese tipo de traje. 

Y en el traje masculino, como prendas interiores los calzones, la camisa y las medias.Y
en prendas exteriores el pantalón, la faja, el chaleco y el cachirulo. Y se pueden añadir
mas complementos dependiendo de la zona. 

SEVILLANA – VESTIMENTA
 La vestimenta típica para bailar flamenco es una de las
pocas que puede sufrir modificaciones y cambiar con la
moda, más en la mujer que en el hombre, aunque las
características del traje son siempre las mismas. También es
importante aclarar que el traje que podemos ver para bailar
flamenco en un tablao flamenco de Sevilla puede presentar
variaciones con el traje de flamenca típico para montar a
caballo y pasear la feria. 

En los hombres, las prendas básicas son un pantalón, normalmente negro, y una camisa,
negra o blanca, y a veces un chaleco o una chaqueta. Es decisión del bailaor si adorna
más o menos su indumentaria con complementos como un pañuelo al cuello. En las
mujeres, el traje suele ser ligero y con vuelo, que acompañe al movimiento del baile. No
pueden faltar los volantes, que para el baile se colocan en la parte baja de la falda. En
cuanto a colores y estampados hay total libertad, aunque el lunar es un acierto seguro. Y
en lo referente a complementos, un mantón con flecos, una flor, peinecillos y
pendientes.

ESCUELA BOLERA

HISTORIA. TECNICAS

La Escuela Bolera es uno de los tesoros de la Danza Española . Este tipo de baile, forma
parte de La Danza Española y posee un carácter muy barroco, lleno de una gran
complejidad técnica.

La Escuela Bolera, tiene fuertes influencias de fuente de la danza clásica y de  los bailes
cortesanos franceses e italianos del siglo XVII ,obteniendo su máximo esplendor  en el
siglo XVIII.

En el XIX, a las boleras se las conoce también como baile español o nacional, pues se
convierte en una de las expresiones musicales y dancísticas representativas del
movimiento nacionalista de la época. Durante este siglo, este tipo de danza irá
experimentando cambios, al ponerse en contacto con los  bailes andaluces.

La Escuela Bolera está íntimamente relacionada desde su nacimiento con Andalucía,

siendo el principal foco de difusión del momento. En Andalucía, se abren academias
donde se imparten métodos de enseñanza de esta  danza, tan destacados como: Juan
Esquivel Navarro, Félix Moreno, Manuel y Miguel de la Barrera, Amparo Álvarez la
“Campanera”, Faustino Segura y la renombrada saga de los Pericet, radicada en Sevilla.
Estos artistas renovaron y ejercieron su influencia, manteniendo su estrecha conexión
con la danza clásica, si bien conjugándola con los bailes populares re-elaborados y el
repertorio de bailes teatrales o de escena de extracción popular.

El baile flamenco  también ejerció una gran influencia en la Escuela Bolera, siendo de
hecho el resultado del encuentro de dos escuelas de danza: la de las bailarinas boleras
y de las calés andaluzas. Un encuentro que se produce, hacia mediados del siglo XIX,
sobre las tablas de las academias de baile que ofrecían funciones o ensayos públicos. Un
diálogo en el que se fragua una fusión trascendental en la historia de la danza: la de los
bailes boleros andaluces y los bailes gitanos.

El repertorio de la escuela está formado por dos tipos de danzas con dos técnicas
diferenciadas:

 Los bailes boleros. En estos bailes, se ejecutan saltos, vueltas y complicados

trabajos de pies, trenzados y pasos de elevación de enorme dificultad
 Los bailes de palillos  Estos bailes, se interpretan con zapatos o chapines, se
bailan a ras de suelo y en ellos se suele zapatear.
El repertorio de pasos procede de fuentes diversas. La mayor parte de los bailes de esta
escuela, conserva su saber y técnica gracias a la contribución de la saga de los Pericet y
a las obras de documentación recopilatoria de personajes como Pierre Lacotte y Ann
Hutchinson Guest que rescató la Cachucha, y el Jaleo de Jerez y, de Flemming Ryberg
que recuperó el zapateado de María Cristina. Muy importante por supuesto, es la labor
de Mariemma, como principal representante de esta escuela y gracias a la cual,
conservamos muchas de sus obras, así como, el Ballet Nacional de España, que sigue
incluyendo esta danza dentro de su repertorio, y la Compañía de Danza de Aída
Gómez , que sigue cosechando éxitos con su espectáculo Permíteme bailarte.

VESTUARIO

En las mujeres se hace uso de peinetas, abanicos, mantillas y trajes de falda ancha y
cuerpo encorsetado.

En los hombres existe el uso de chaquetillas, sombreros de ala ancha.

Y en ambos casos usan zapatillas de media punta o zapatos con un tacón pequeño para
poder zapatear.

SEGUIDILLAS

El bolero, como forma musical, es básicamente una seguidilla. Un cambio en la forma

de bailar de las seguidillas populares, que hizo más lento su 'tempo' y ejecución, dio
paso al bolero. 
Las seguidillas, que algunos autores consideran de creación manchega en cuanto a los
pasos originales precursores, están extendidas por todas las regiones con sus peculiares
estilos y formas. En general, es un baile rápido y alegre, siendo su característica propia
el llamado «bien parao», o la postura que hay que adoptar al terminar el baile o al
acabar la copla.

Al igual que las «seguidillas sevillanas», conocidas ahora simplemente como

«sevillanas», siendo el principal y conocido estilo bailable de Sevilla, son variantes del
baile antiguo de las seguidillas. Las seguidillas fueron evolucionando y adaptándose a
diversos esquemas y variantes. En los estilos del flamenco puede rastrearse la evolución
de las mismas en sus formas de «serranas» o «livianas». 

OLÉ

Es un baile muy relacionado con el flamenco antiguo. En 1812 aparece haciendo

estribillo de la caña, y un año antes figura como baile nacional en un teatro sevillano. La
Escuela Bolera lo desarrolló en diversas coreografías como el "Olé Bujaque", el "Olé de
la Esmeralda", pero la variante que más se conoce es la que perfeccionó la bailarina
"Curra" y que adoptó su nombre, el "Olé de la Curra".

SEVILLANAS BOLERAS

Principal estilo del folclore bailable de Sevilla, descendiente directo de la seguidilla que

se practicó en la capital andaluza desde el siglo XVIII, inscrita dentro de los bailes de la
escuela española de palillos, la escuela bolera.

Llamadas también Sevillanas Dobles, presentan una especial dificultad en el baile, lo

que hace que sean muy poco ejecutadas.

BOLERO
El bolero es una derivación lenta de la seguidilla. El mallorquín es mundialmente
famoso. Este bolero de Valldemosa es quizás el más popular en las islas Baleares, y su
denominación de "parado" le viene del final brusco, que contrasta con la suave cadencia
de su ritmo. Se acompaña con violines, guitarras, castañuelas y el peculiar triángulo,
instrumento tan elemental como popular en España. El bolero de Valldemosa tiene un
aire señorial y distinguido, distinto de otros boleros más cercanos a los ritmos
populares.
BAILE FLAMENCO

Desde su origen hasta el momeno actual, el flamenco ha vivido una larga historia que lo
ha convertido en lo que actualmente es. Desde la intimidad de patios, fraguas y lugares
de trabajo, el flamenco llegó a los cafés cantantes y a los grandes recintos. Sufrió cierto
desprestigio por su masificación y porque comenzó a hacerse superficial. Desde
mediados del siglo XX, el flamenco se ha ido valorizando y en la actualidad pasa por un
momento de gran auge.

El arte flamenco es el resultado de una suma de culturas musicales que se desarrollaron

en Andalucía y se transmitieron de generación en generación. Su historia no es muy
antigua y cuenta con poco más de doscientos años de existencia. Sin embargo, en esta
música se pueden hallar huellas ancestrales de la música judía, la árabe, la castellana, la
antigua andaluza y la gitana, es decir, de todos los pueblos que pasaron por Andalucía.
Los que más influyeron sobre la base del folclore andaluz para el surgimiento del
flamenco fueron los gitanos. Llegaron a España en el primer cuarto del siglo XV,
aunque hasta mediados del siglo XIX no aparece la palabra flamenco en referencia a los
cantes y bailes de la región andaluza en España.

El flamenco es un fenómeno musical que, pese a sus raíces populares, sobrevive a los
tiempos y las modas y trasciende fronteras y nacionalidades. Es un arte vivo que ha
bebido de todo tipo de tendencias sin perder su personalidad. Pero su principal
característica es la conexión con el público que participa de forma emotiva y
sentimental. Aunque sea la primera vez que se acerca a esta disciplina, la sensibilidad se
despierta y llega al corazón. A este misterio característico se le conoce como duende.
Por eso el flamenco también recibe el nombre de arte jondo, porque ahonda en los
sentimientos. También hay quien le llama arte gitano por la influencia que ha aportado
esta etnia a su nacimiento y desarrollo.

El traje de flamenca es la indumentaria formada por varias piezas que se viste en

contextos festivos en Andalucía y en representaciones y actuaciones de arte flamenco y
que se ha convertido en un icono de la cultura andaluza y de la moda. El modelo más
común se compone de una prenda entallada y larga hasta el tobillo; se adorna con
varios volantes o faralaes que se pueden colocar tanto en la falda como en las mangas.
Se confecciona en alegres colores tanto en diseños lisos como estampados, siendo los
más típicos los trajes de lunares. Se complementa con algún tipo de mantilla o mantón,
siendo el más típico y emblemático el Mantón de Manila; también es tradicional llevar
el pelo recogido en un moño, flores en el pelo, pendientes grandes y zapato de tacón
ancho. En los hombres, las prendas básicas son un pantalón, normalmente negro, y una
camisa, negra o blanca, y a veces un chaleco o una chaqueta. Es decisión del bailaor si
adorna más o menos su indumentaria con complementos como un pañuelo al cuello.

ALEGRIAS
El baile por alegrías resulta ser el de mayor tradición flamenca y sirve de referencia
para otros palos flamencos a la hora de poner en marcha sus propias coreografías. Está
considerado como uno de los bailes flamencos más antiguos. El carácter intermitente
del compás de este género lo hace inconfundible, convirtiéndolo en uno de los bailes
más atractivos dentro del arte flamenco.
La estructura de este baile consiste en la salida, las llamadas, desplantes entre letras,
escobilla con zapateado y un silencio de cante en el que las castañuelas toman
protagonismo. Las alegrías finalizan con una salida en desplante o por bulerías en
jaleos.

TANGO
Hay mil variedades de tangos (de Málaga, del Piyayo, etc.) y es un palo muy bailable.
Los tangos son, como las alegrías o las bulerías, otro palo festero. Su ritmo alegre y su
compás medido permite que sea interpretado con movimientos de gran brillantez y
expresividad.

SOLEÁ

Es uno de los bailes más ejecutados por los artistas y por su tipo de movimientos se
adapta mejor a las mujeres. Es un palo triste, que se interpreta con movimientos de
brazos, ondulaciones de cadera y quiebros de cintura. Las letras hablan de penas, de
pérdidas, de amor, de muchos otros temas pero siempre con sentimiento profundo. Se
bailan las letras que el bailaor quiera, luego una escobilla de pies (zapateado) y suele
terminar por bulerías.

BULERÍAS

Es un cante festero por excelencia y se usa como culmen de otros bailes (como la soleá
o alegrías, por ejemplo). También suele ser el palo para lo que en flamenco se
denomina ‘fin de fiesta’, el bis tras un espectáculo. Es el más alegre y divertido de todos
los bailes y se distingue por su ritmo rápido, sin duda, hecho para bailar.  
 CONCLUSION
Sin duda alguna España ha sido el país que más ha cultivado el baile desde la
antigüedad más remota. De ello hay testimonios en los autores del mundo clásico y en
los de la Edad Media. Los romanos tenían a nuestras bailarinas gaditanas por las más
bellas y elegantes del mundo.

Fue el Renacimiento el que rehabilitó los bailes populares, dándoles tono y llevándolos
muchas veces a los salones elegantes. Resultó entonces que en el transcurso
del tiempo se habían ido perdiendo o confundiendo unos con otros, sin que por eso
dejaran de advertirse dos grandes grupos: de un lado, las danzas de ritos guerreros o
conmemorativos de grandes batallas, antiquísimos; y de otro, las danzas rituales
religiosas, más propias de la Edad Media.