Trabajo Práctico n° 1

Instituto de Formación Docente y Técnica N° 71, Profesor

Ceferino Artigas de Pellegrini.

Materia: Arte y Educación

Docente: Proetto, Silvina

Alumnas: Feith, Gisela Lorena, Seijas Bernardi, Lucila.

Carrera: Profesorado en Educación Especial, 2° año.

Año: 2019

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 El arte es un conjunto de las creaciones del ser humano, para
expresar mediante sus habilidades, su entorno, sus ideas, sentimientos y
sensaciones, ya sea literalmente o utilizando su imaginación para recrear su
visión particular de la realidad mediante recursos plásticos, lingüísticos o
sonoros.

ARTE PREHISTORICO

Arte Rupestre

Paleolítico superior:

 Animales
 Interior de cuevas
 Naturalista
 Policromas

Mesolítico y Neolítico

 Escenas de caza y danza

 Abrigos y aire libre
 Esquemáticas y simbólica
 Monocromos

Esculturas

 Monumentos megalíticos
 Menhir
 Dolmen
 Cromiech

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 ARTE PRECOLOMBINO

ARTE MAYA (320-1527

Se refleja en este arte el estilo de vida y la cultura del pueblo

maya.

Pintura

 Uso en fresco
 Rico en colores
 Utilización de tintas vegetales y minerales
 Pinturas de ceremonias religiosas
 Escenas de guerra y vida cotidiana

Escultura

 Relieves acompañados de escrituras jeroglíficas.

 Figuras humanas robustas
 Planas y angulares

Cerámica:

 Supieron unir representaciones pictóricas y la escritura

jeroglífica, para crear complejas composiciones en cerámica en las que es
evidente su dominio de la cosmogonía y la historia de su pueblo.
 Los ceramistas matas modelaban a mano las vasijas
añadiendo pequeños rodillos de barro a una base con forma de tortilla hasta
obtener piezas simétricas de paredes muy delgadas.

Arquitectura:

 Construyeron imponentes palacios y templos, que

consistían en pirámides escalonadas de gran altura, desde cuya cima se
puede apreciar el paisaje selvático que rodeo el hábitat del pueblo maya.

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  Las pirámides de Chichen Itzá, Tikal y Uxmal, fueron
centros de poder religioso, comercial y político.

ARTE AZTECA ( 1325-1521)

Escultura:

 Realizaban esculturas en todos los tamaños, diminutas y

colosales, en ellas plasmaban temas religiosos o de la naturaleza

Pintura:

 El color fue fundamental en la pintura azteca, se trata de un color

plano, sin matices ni sombras y posiblemente con connotaciones
simbólicas.

Arquitectura:

 Caracterizados por su monumentalidad y grandeza, más la

veneración de la divinidad
 Tenochtitlan, capital del imperio, fue construida sobre pequeñas islas
y tierras pantanosas.
 Llegaron a albergar 200 mil personas
 El tipo de construcción arquitectónica azteca, fueron los templos
gemelos, con doble escalinata de acceso.

ARTE INCA (1440-1532)

Se ubicaron en Perú, extendiéndose desde Colombia hasta chile

y sur de Argentina.

Pintura:

 Se hacía sobre mantos o murales en las paredes

 Se enlucían con barro para poder pintar sobre ellas
 En los tejidos, las pinturas se hacían sobre mantos de lana

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  Se usaban colores vivos

Textileria:

 Fue una de las tradiciones más desarrolladas durante el apogeo

inca.
 Obtenían el material a partir de cabuya, algodón y lana

Técnicas:

 Tapicería
 Anudado
 Brocado
 Cara de urdimbre

Diseño:

Resaltaron los colores rojo, amarillo y negro, estos podían

combinarse en diseños

 Tacapu
 Geométrico
 Iconográfico
 Zoomorfo

Orfebrería y metalurgia:

 Trabajaron cobre, bronce, oro, plata, siendo repujado y calado de

láminas el procedimiento más utilizado

Cerámica:

 Caracterizada por sus superficies pulidas, su fina decoración pictórica, el

uso de colores como el amarillo, rojo, blanco, negro y anaranjado.
 Solían pintar rombos animales y frutos estilizados, así como plantas y
flores

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 Predilección por los diseños geométricos, predominando los rombos,
barras, círculos, bandas y triángulos.

Escultura:

 En su mayoría eran trabajos hechos en piedra pero también

abundaban estatuas y esculturas hechas en oro y plata
 Representaron animales como el puma, serpientes en
relieve y en forma de aves como el cóndor y muchas otras
piezas.

Arquitectura:

 Fue y es la más sobresaliente de toda América

 Carente de adornos
 Colosales dimensiones y de aspecto sólido y grandioso
 Los muros encajan perfectamente entre si, sin necesidad del uso de
argamasa, que el conjunto parece una sola pieza
 Tiene diferentes tipos de templos, civiles, religiosos y militares.
 Macchu Picchu, fue la ciudad incaica más deslumbrante, la obra más
asombrosa por su grandeza escénica y su origen arqueológico
 Se encuentra en la ladera, un laberinto de plazas y un conjunto de
estructuras magnificas formando terrazas que están unidas entre sí por
escalones tallados en la misma piedra sólida.

ARTE EGIPCIO

Pintura:

 Utilizaron los colores, azul, verde, blanco, rojo, amarillo y negro

 Caracterizado por su rigidez, falta de perspectiva, ausencia de volumen,
idealización, escala de tamaños.

Escultura:

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  Tuvo un buen desarrollo caracterizado por la rigidez, forma cubica,
perspectiva única, simetría y relieve.

Arquitectura:

 Los egipcios fueron grandes constructores en al antigüedad, utilizaron la

piedra, el barro y el granito.
 Sus edificaciones se caracterizaron por la enormidad y proporción
matemática.
 Los materiales utilizados eran piedra y sillería (aparejada)
 Los elementos sustentantes, los muros gruesos en talud y columnas.
 Tipologías arquitectónicas: funeraria (mastabas, pirámides, hipogeos)
 La tumba (pirámides, mastabas)
 Templos religiosos (esfinges en las avenidas, obeliscos, salas hipóstilas)

ARTE GRIEGO CLASICO (SVI a.C a IV a.C)

Antropocentrismo: “el hombre es la medida de todas las

cosas“

Frente al teocentrismo oriental: prevalece al ser humano

Arquitectura

 Monumental, pero no colosal, como en Egipto, sino a escala humana.

Todas las medidas se basan en el ser humano.
 El cuerpo humano como principal representación escultórica y con
fundamento de toda belleza y proporción
 Humanización de los dioses.
 Establecieron varios modelos artísticos que posteriormente pasaron a los
romanos.
 El arte griego manifiesta un acusado interés por los temas religiosos
(templos, esculturas de dioses)

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  Representación proporcionada y realista del ser humano, rasgo especial
del mundo romano.
 Búsqueda de la belleza y la armonía: un edificio o escultura respondían a
la conjunción de cálculos o medidas equilibradas, canones que definían
el concepto de belleza.
 Columnas griegas, unas de las características más importantes del arte
griego. Los 3 tipos principales eran: dóricas, jónicas y corintias.

Pintura:

Cerámica pintada, decorativa, de las cuales se carece de las

originales, solo perduran hallazgos arqueológicos

ARTE ROMANO (750 a.C-476 d.C)

Con un claro procedente en el arte etrusco, el arte romano recibió

una gran influencia del arte griego.
Gracias a la expansión del imperio romano, el arte clásico
grecorromano llego a casi todos los rincones de Europa, norte de África y
Próximo Oriente, sentando las bases del arte occidental.
Grandes ingenieros y constructores, se destacaron en la
arquitectura civil, con la construcción de carreteras, puentes, acueductos y
obras urbanísticas, así como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos,
termas, arcos de triunfo, etc.
La escultura fue inspirada en la griega, se centra también en la
figura humana, aunque con más realismo, no les importaba mostrar defectos
que eran ignorados por la idealizada escultura griega.
La pintura es conocida sobre todo por los hallazgos en Pompeya,
y se destaca principalmente el mosaico, y los frescos, además de que las
principales pinturas son, retratos, paisajes o escenas mitológicas.

ARTE BIZANTINO (S VI a XV)

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 El arte bizantino engloba todas las obras de pintura, arquitectura y
otras artes visuales que fueron producidas en el Imperio Bizantino, el cual se
centraba en Constantinopla. Además, incluye obras de arte creadas en otras
áreas, pero directamente afectadas por la influencia del estilo artístico bizantino.

Las imágenes y representaciones creadas en pinturas y en

edificios eran de un carácter bastante homogéneo a lo largo de todo el imperio.
Esto era especialmente sorprendente, dada la gran extensión de terreno que
ocupaba esta civilización.

Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental,

principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes
aspectos culturales.
Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.
Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del
cristianismo).
Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.
En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las
iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante
el uso de arcos y capiteles decorados.
En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.
La influencia persa fue notable en época del emperador
Justiniano.
Durante los siglos VII a IX  el arte bizantino empezó a
tener  influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el
año 674, durante el reinado de Justiniano II

Pintura bizantina

En la pintura bizantina destacan los frescos, que son pinturas en

las paredes, principalmente de iglesias, las miniaturas para ilustrar libros e
iconos, pinturas en paneles. Predominó el tema religioso, como las  imágenes

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de Cristo y la Virgen María. Las principales técnicas fueron el mosaico, el
temple sobre tabla, el fresco y la iluminación de manuscritos. Se distingue la
pintura bizantina al mosaico por la riqueza de materiales, con abundancia de
oro y fastuosa ornamentación con una  pobreza en el movimiento artístico. Las
figuras de los personajes  se presentan muy  alargadas, en pie y con los brazos
en una  actitud de movimiento o llevando algún objeto.

Las vestimentas  con que aparecen cubiertas los personajes

suelen ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales, solo el  manto o capa
los representaban con movimiento y  recogido  sobre el brazo izquierdo de la
figura. El rostro de las personas se representaba con una expresión
majestuoso, tranquilo y honesto con una mirada, de frente o a la derecha del
espectador y sus ojos, grandes y abiertos y por último sus pies, pequeños o
estrechos y terminados en punta.

Arquitectura bizantina

En la arquitectura bizantina  podemos destacar la construcción de

iglesias grandes e imponentes, cuya principal característica fue la presencia de
cúpulas sostenidas por columnas, utilizando  decoraciones y pinturas religiosas,
dentro de las iglesias. 

Es muy diversa y grandiosa, utilizando un plano de la basílica que

se heredó de los romanos, un plano circular que se heredó de los martiria y la
cruz se heredó de los griegos. Esta Arquitectura se caracteriza por multiplicar
los arcos, las cúpulas, las columnas y las bóvedas para conseguir un tamaño
mayor. La obra más destacada de la arquitectura bizantina es la Basílica de
Santa Sofía  que está en Estambul.

Escultura bizantina

La escultura bizantina tiene como caracterizada una  influencia

oriental, siendo un referente de la degeneración del imperio romano occidental,

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siendo también era importante en este tipo de arte. Existían dos tipos la grande
y la pequeña. Estas esculturas eran formales, hieráticas y frontales. 

Todas ellas se caracterizan por que tenían los ojos mirando hacia
arriba y muy grandes. Todas las esculturas son de piedra o de mármol y los
pequeños relieves eran creados de marfil. Podemos citar como características
principales: uniformidad, rigidez, falta de naturalidad, presencia de líneas
geométricas y follaje estilizado.

Mosaicos

Este tipo de arte estaba muy generalizada en el imperio bizantino,

especialmente en la edad de oro, la época del reinado del emperador Justiniano
(526 a 565).

Las imágenes de mosaico estaban formadas por artistas que

utilizaban  los pedazos de piedra pequeños y coloridos pegados en la
pared. Imágenes religiosas y del emperador fueron los temas principales. Estos
mosaicos son característicos por tener abundante color y luz, ejerciendo
funciones didácticas y sobre todo simbólicas.

La técnica que se utilizada es la de opus tesselatum y

prácticamente se basa en mezclar vidrios de color con piedras. Este tipo de
mosaicos se pueden observar en muchas cúpulas y muros interiores. En los
muros el espacio es simbólicamente dividido en tres partes: inferior para las
representaciones terrestres, media para las representaciones de transición y
superior para el cielo.

Cúpulas Bizantinas

Este tipo de cúpulas  es el elemento más destacado en la

arquitectura bizantina. Las cúpulas son numerosas, amplias y con forma
circulares. Estos elementos de la arquitectura fueron evolucionando con el paso
del tiempo hasta tener forma de cebolla.

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 Arcos Bizantinos

Los arcos eran un elemento esencial de este tipo de arte.

Podemos encontrar varios arcos el arco ciego que normalmente era un
elemento decorativo.

El arco medio punto que sostenía las paredes. Las arcadas

paralelas que se utilizaban para los muros externos. Estos arcos buscaban que
los muros se vieran más amplios y las iglesias pudieran contar con varias
ventanas para que entrara la luz natural  y diera un simbolismo espiritual.

Columna Bizantina

Las columnas bizantinas solían ser decorativas y colaboraban con

el juego de colores y de luces que caracterizaba a las obras bizantinas. La gran
mayoría de ellas eran color mármol, pero también se pueden encontrar de color
rojo.

Su decoración estaba compuesta por una gran variedad de

decoración pero destacaban los intricados con motivos vegetales.

Iconoclastas

Este movimiento surge en Bizancio en el siglo VIII, fue  debida la

discrepancia de  una parte del clero que  se indigna al ver que los fieles
adorando imágenes y por otro lado otra parte del clero que  considera
indispensables las representaciones para la educación religiosa del pueblo.

ARTE ROMANTICO. (S XI a s XII)

Se conoce como Romanticismo a un movimiento artístico
y filosófico que surgió en la Europa de finales del siglo XVIII. Fue una reacción a

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los paradigmas imperantes de racionalismo y Neoclasicismo que trajo consigo
la Ilustración.
El Romanticismo se opuso a la fe en la razón humana y al espíritu
ordenado de la época, que sostenía reglas más o menos fijas y racionales para
el arte y el pensamiento. Por el contrario, valoró la subjetividad y los
sentimientos humanos, las libertades creativas y el genio, es decir, la
originalidad.
Este movimiento fue fundamental en la historia cultural
de Occidente y con el paso del tiempo dio pie a nuevos movimientos,
especialmente musicales, pictóricos y literarios. Sus valores se vieron revividos
y llevados al límite en el siglo XX, con el surrealismo. Sin embargo, su huella
aún permanece en nuestro modo de concebir el arte, la vida, las pasiones y
el amor.
La pintura romántica abandona los motivos clásicos para
comprometerse con la realidad política y social de las naciones. Es un arte
inspirado por los ideales de la Revolución Francesa de 1789. Se impuso
además la recuperación del folklore y las tradiciones nacionales.
La pintura romántica se extendió durante casi cien años, durante
los cuales se distinguieron tres grandes períodos:

El Prerromanticismo.

Fuertemente influenciado por el Rococó, exaltaba las ruinas y

poseía una visión idílica del paisaje. Se representan escenas nocturnas,
cementerios y otros paisajes en los que se exaltaba la pasión y el
sentimiento.

Apogeo romántico.

El momento cumbre de la pintura romántica se da entre 1820 y

1850, con un predominio de temas relativos a la historia moderna, así como

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una nueva concepción del paisaje. Francia fue el escenario principal de este
período.

Post-romanticismo.

De 1850 a 1870 se dio el último período de la pintura romántica,

en que se debilitó el movimiento y cedió paso a un cierto manierismo, o en
América Latina al costumbrismo.

Arquitectura.

La arquitectura del Romanticismo cobró relevancia más que

nada en el siglo XIX. Recuperó el gusto por las edificaciones medievales,
sobre todo en Inglaterra, con las obras de John Ruskin (1819-1900), William
Morris (1834-1896) y Edward Pugin (1834-1875).

En Francia, en cambio, las obras reflejaron los gustos de la

nueva burguesía fruto de la Revolución, que adoptó el tren como principal
símbolo de modernidad. Sus principales cultores fueron Charles Garnier
(1825-1868) y Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879).

ARTE GÓTICO (s XII a s XV)

Se considera arte gótico a un movimiento artístico que se

desarrolló y surgió en Europa Occidental a finales de los siglos que
comprende la Edad Media, es decir, duró en una gran parte de Europa
desde mitad del siglo XII hasta que surge el renacimiento en el siglo XV
donde en Italia desapareció este arte, sin embargo en otras zonas este este
estilo de arte duró hasta que llegó el siglo XVI.

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 Como se puede observar, es un estilo artístico que tiene un gran
periodo temporal, esta clase de arte aparece en el norte de Francia y poco
a poco a lo largo del tiempo se va desplazando hacia el Occidente.

Además dependiendo del tiempo cronológico en el que se

desarrolló este estilo de arte en diversas regiones y países se pueden ver
unas diferencias entre un arte gótico en una zona y en otra. Esta diferencia
se puede observar en qué el arte gótico se muestra mucho más limpio en
una gran parte de Francia, pero en Italia se puede observar que este estilo
de arte tenía influencia del arte clásico.

Arquitectura

Cuando hablamos de la arquitectura gótica tenemos que

mencionar que esta disciplina surgió más o menos en el año 1140 en
Francia. Uno de las primeras obras de arte y por ello una de las primeras
construcciones de esta corriente artística fue la basílica de la abadía real de
Saint Denis.

Sin embargo, al arte gótico se le ha denominado como un estilo

artístico muy superficial, está denominación se dio por el uso de uno de sus
elementos más comunes, el arco apuntado (que común mente se le llama
ojival), del que después le sigue la bóveda de crucería que proporciona el
desplazamiento de los contrafuertes del exterior y que separa los muros
mediante la utilización de arbotantes.

Escultura

Dentro de la escultura gótica era común tallar con uno de los

materiales más usados en este estilo de arte, la piedra, este material se
utilizaba para la decoración de muchos elementos de la arquitectura.

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 Se podría decir que la disciplina que más se desarrolló y
evolucionó fue la escultura que fue de un estilo rígido y alargado hacia un
estilo naturalista y espacial a principios del siglo XIII.

Una de las influencias más destacadas en la escultura fue la

del arte griego que en este siglo aún se guardaba las técnicas del
procedimiento de las telas y las expresiones del rostro.

Pintura

La pintura gótica no hizo su presencia hasta el año 1200 ya que

hasta entonces la pintura que se realizaba no se podía considerar “gótica”.
Además el paso del arte románico al arte gótico no es del todo preciso ya que
no se puede ver con claridad un corte entre un estilo y otro sin embargo, se
puede observar un cambio de estilo más oscuro y frío.

Dentro de la pintura gótica existían ciertas técnicas destacadas

que solían usarse en la gran parte de los países donde este tipo de arte se
asentó. Dichas técnicas de representación de las imágenes eran:

 Vidrieras
 Miniaturas y manuscritos.
 Pintura sobre tabla.
 Frescos
 Pintura en óleo: esta pintura no se hizo famosa hasta el siglo XV que fue
el principal punto de apoyo del arte del renacimiento

RENACIMIENTO (s XV a s XVI)

El Renacimiento Fue un movimiento importante en el orden artístico, cultural

y científico que provocó el paso de la Edad Media a la Edad moderna.

Surgió en Italia en el siglo XIV y continuó hasta el siglo XVII en toda Europa.

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 La principal característica del renacimiento fue el humanismo o también el
Antropocentrismo donde por primera vez el hombre paso a ser el centro de todo.

Mientras que en la edad media fue el teocentrismo donde Dios era el centro
de todo y el creador de todo.

De acuerdo con algunos autores, fue un movimiento de ruptura, que surgió

en oposición a la oscuridad cultural e intelectual de la Edad Media. 

Es conocido como el período de transición entre la Edad Media y la Edad

Moderna, que se produjo sobre todo en Italia y se extendió por toda Europa.

Importantes acontecimientos artísticos y culturales marcaron ese momento,

e invadieron el occidente del siglo XV. El desarrollo de las artes, de la ciencia, de la
economía y de la política hizo adormecer en la eternidad los pensamientos
medievales.

Arquitectura

La arquitectura buscaba el orden y el equilibrio, un ejemplo de esto es

la iglesia de San Pedro, en Roma. Ellos querían deshacerse de la grandiosidad
buscada por las catedrales góticas. Se estableció, por lo tanto, principios
matemáticos, que hacían que el observador veía el arte de cualquier punto que
observara.

Además, que empezó a basarse en la simplicidad de las

construcciones, en esta época la escultura y la pintura se desprenden de la
arquitectura y pasan a ser autónomas.

A través de la geometría y sus reglas, una nueva arquitectura puede

mostrar la armonía y la constancia en el hombre producen su arte.

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 La arquitectura formada en los mismos principios de la geometría
armoniosa en que se basaban la pintura y la escultura, la arquitectura recuperó el
esplendor de la Roma Antigua.

Pintura

Tal vez ninguna época artística haya sido igualmente rica y tan
talentosa con grandes pintores como la época Renacentista.

En la pintura renacentista, el hombre, mediante las técnicas que se

habían hecho en el arte gótico comenzó a hacer uso de realismo, la perspectiva y el
claro-oscuro. Lo hacían a través de los principios de las matemáticas y de la
geometría y, a través del volumen y las técnicas anteriormente citadas.

La pintura se acercaba al realismo. Cada artista poseía su estilo e

individualidad y no estaban presos a las reglas como los artistas de la Edad
Antigua.

ARTE BARROCO (S XVII a mediados S XVIII)

El Barroco es un movimiento cultural, un estilo  artístico desarrollado

entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando  diversas disciplinas
como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la característica que
más de define es por la ornamentación excesiva.

Representación de sentimientos y emociones más que por la mera

imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.

Las obras en el arte barroco  incluyen temáticas religiosas que habían

sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera
altamente expresiva.

Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.

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 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos
escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de

éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.

La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y

escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores
pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la
perspectiva.

El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras

no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera
individualizada, con su personalidad propia.

Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores,

las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de
sus personajes.

La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco

hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la

majestuosidad y la monumentalidad de la obra.

Escultura

En el arte barroco los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en

donde el desnudo adquiere particular importancia, la escultura se vuelve
urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

La escultura en el periodo barroco toma una gran importancia decorativa,

esa importancia se da al gran dinamismo y movimiento que sufre. Las obras de
arte representan pasiones lentas, violentas y exaltadas, con estas

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representaciones se da gran importancia a los temas heroicos y además se
introduce nuevos temas como los temas morales y religiosos. 

Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento

compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones
diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. 

Su principal material para escultura será la madera policromada y

además se caracterizarán por un gran realismo, aunque los principales clientes
de los artistas serán las Iglesias y es por eso por lo que predominarán los temas
religiosos.

Los artistas del barroco plasma la realidad tal y como la ven, con sus
límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano
intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones
diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Los temas más usados eran los religiosos, escenas de santos,

mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema
nuevo el bodegón.

En el arte barroco hay  dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el

eclecticismo.

 El tenebroso que consiste en el choque violento de la luz contra la

sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena queda
en primer plano.

 El eclecticismo que se  trata de salvar el gusto clásico dentro de la

nueva norma, siendo  una estética decorativa efectista y teatral.

La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en

cuanto a las figuras mostradas y por la intensa diferencia claroscuro. Recurrirá
a la intensidad de los colores y al uso de las sombras y luces que genera una

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distinción potente en los espacios, a las figuras complejas y hasta caóticas, a la
intensa expresión de las miradas.

La pintura tomó un papel importante y homogéneo que se fue

desplazando a diferentes países y con esta extensión se dio lugar a la
manifestación de dos ideas contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos
al barroco cortesano, teatral, lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco
burgués que en sus obras manifestaría una vida normal y real.

En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al

urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el palacio, un
típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas; el hotel que era
un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada de jardines; el templo
que era un lugar del sermón y la eucaristía.

El arte barroco  desarrollará un estilo claramente recargado y

detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. La
característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas curvas
que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la utilización de
todo el espacio disponible con elementos como la curva y la contra curva,
además de las increíbles decoraciones escultóricas que no dejaban espacio sin
rellenar.

Con esta nueva característica en esta etapa las fachadas toman el

papel principal en la arquitectura y con ello aparecen numerosas columnas y
cornisas, de forma que en esta etapa la arquitectura se podría considerar un
estilo de decoración arquitectural. Por ello, en este periodo la arquitectura
destaca por sus superficies de forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y
sus plantas ovaladas.

ROCOCÓ (S XVIII)

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 El Rococó fue un movimiento artístico que tuvo lugar en
Francia para luego extenderse por diferentes lugares de Europa entre los años
1730 y 1770. El movimiento estuvo presente en las
diferentes artes (música, cultura, escultura, arquitectura) y representa la vida
aristocrática de aquella época.

El Rococó se caracterizó por una elección de colores claros (en

especial el blanco), colores luminosos y suaves. Intenta reflejar el aspecto
agradable, exótico, sensual y refinado de las cosas y casi no utiliza los
contrastes.

El movimiento se presenta en casi todas las expresiones artísticas

ya que buscaba mostrar la vida aristocrática del momento, y las relaciones
sociales eran el eje principal de su estilo de vida ostentoso.

Se caracterizó por una elección de colores claros (en especial el

blanco), colores luminosos y suaves. Intenta reflejar el aspecto agradable,
exótico, sensual y refinado de las cosas y casi no utiliza los contrastes.

Se inclinó por expresar temas de la vida cotidiana y las relaciones

humanas. Posee un estilo recargado que expresa el sentimiento de libertad de
la sociedad aristocrática.

ARQUITECTURA

Se caracteriza por marcar una diferencia entre los interiores y

exteriores. Así los interiores son cargados, ostentosos y representantes de
fantasías mientras que las fachadas exteriores son sencillas, lisas, en forma
circular y rodeada de jardines o parques naturales

PINTURA

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 Tuvo su auge en la década de 1730. Las temáticas específicas de
la pintura rococó rondan temas como el amor, mitos, paisajes, aventuras
amorosas y reuniones sociales.

También se pueden ver figuras mitológicas que surgen en

tonalidades suaves de color pastel en contraste con la vida cotidiana también
representado en los mismos cuadros. Esto otorga un aspecto sensual y
delicado a la pintura.

NEOCLASISISMO (S XVII y principios del XIX)

El neoclasicismo fue un movimiento artístico que se originó en

Francia durante el siglo XVII, aunque su auge se presentó en los siglos XVIII.

A este siglo se le conoce como “El siglo de las luces”, entendiendo

a las luces como la razón. Este período marca un cambio entre el antiguo
régimen y el nuevo de características liberales.

Arquitectura

La arquitectura del neoclásico tiene como características

generales la sobriedad y la elegancia. Utilizaron la división tripartita y la
ausencia del color. Sentían una atracción y  agrado por la utilización de los
arcos y las columnas de tipo conmemorativas.

Pintura

La pintura se basaba en una completa simetría y estática. Se

intenta llevar la razón al arte, intentando expresar la lógica y el escepticismo de
la época en las obras. No obstante no toman los modelos clásicos de la
antigüedad (como sí se hizo en la arquitectura y en la escultura).

Utilizaban luz clara y muy poco color. Los paisajes se ponen de

moda, así como las ciudades muestran las costumbres de la época.

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 Escultura

La escultura neoclásica tiene como principal interés los ideales

estéticos de la antigüedad. Es una especie de “mirada hacia el pasado”. Las
esculturas se realizaban en mármol de color blanco

REALISMO (1840-1880)

Por realismo se entiende una tendencia estética y artísticas,

fundamentalmente literaria, pictórica y escultórica, que aspira a la
semejanza o la correlación lo más exacta posible entre las formas de arte y
representación, y la realidad misma que las inspira. Es decir, una tendencia
que valora el parecido de una obra de arte para con el mundo real que
representa.

Esta doctrina estética surgió formalmente en Francia en el siglo

XIX, bajo la influencia del racionalismo y la tradición de
la Ilustración francesa, que privilegiaba el intelecto humano y el
conocimiento de la realidad por encima de las emociones y el mundo
subjetivo.

La pintura

La pintura realista es una manifestación artística basada en la

experiencia de los pintores y el entorno que los rodea, principalmente los
escenarios populares

Este movimiento consagra al hombre con su realidad, como por

ejemplo donde vive, su habitación, la vida cotidiana, el pueblo o la
naturaleza, todo esto representado como realmente se aprecia en la vida
real, sin incurrir en idealismos.

La pintura realista y el paisaje

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 El arte realista aplicado en la pintura encontró una de sus más
significativas expresiones en el paisaje, un género que es catalogado de
escala menor dentro de la pintura tradicional.

En los inicios de esta manifestación artística, los pintores

reflejaron  una visión precisa de la naturaleza, libre de factores
sentimentales y simbólicos del romanticismo.

Esto implica que la pintura realista se enfocaba en la exploración

de los elementos completamente plásticos del paisaje.

IMPRESIONISMO. (Fines del S XIX)

Se conoce como impresionismo a uno de los principales

movimientos artísticos del siglo XIX, especialmente en el género de
la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la “impresión” vital del
mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el momento
exacto en que observaban el mundo.

En esto rompió con sus predecesores, que favorecían las

figuras plenas e identificables y fue un movimiento clave en el desarrollo de
las artes en Europa y sobre todo en Francia y sentó las bases para
movimientos posteriores como el postimpresionismo y las vanguardias.

El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas,

mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y
siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como
“pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en
solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la
imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad
bien definida, con mucha luminosidad y vibración. Esta técnica inspiraría
posteriormente a los neo-impresionistas o puntillistas.

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 Otro de los avances del impresionismo fue la creación de
nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los
pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la época,
entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con
ellos generan. Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra
rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de sombras
hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a
la obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un

segundo plano, prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas
abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.

POSTIMPRESIONISMO (1880-1905)

Se llama así a la tendencia que vino inmediatamente después

del impresionismo, a finales del siglo XIX e inicios del XX, englobando
diversos estilos personales que al mismo tiempo constituían una
continuación del impresionismo y un desafío a las limitaciones del estilo
impresionista acostumbrado.

Este estilo nace en Londres en 1910 en una exposición de tres

de sus más representativos autores y de los más aclamados pintores de la
historia, como son Paul Gauguin y Vincent Van Gogh.

CONTEXTO SOCIAL

En esta época aparecen las ciudades modernas que se conocen

hoy en día, se producen nuevos inventos, cambios que causaron una
transformación en la sociedad y potenciaron el crecimiento de la clase social
burguesa, la cual a su vez favoreció la masificación de formas artísticas
tradicionalmente ligadas a clases altas, como la ópera y el ballet.

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  El arte pictórico por su parte experimentó un fenómeno diferente,
comenzaron aparecer artistas que de una forma reivindicativa tomaban los
cánones existentes y los transformaban a su gusto, de una manera sumamente
personalista.
Los pintores impresionistas son testigos y algunos partícipes de
estos cambios, después de unos pocos años la mayoría se asientan en el
postimpresionismo. Plasman los ideales de individualismo y objetivismo, que
propugnan las corrientes intelectuales del momento.
El postimpresionismo consiste en una liberación de las formas
clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de
finales del 1800.
Las barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a
una cultura inclusión e igualdad que hasta hoy perdura.

Panorama de los movimientos artísticos del siglo XX

Contexto histórico

Primera guerra Mundial, Revolución Rusa, Teoría Psicoanalítica

de Freud, Teoría de la Relatividad de Einstein, Guerra Civil Española, Segunda
Guerra Mundial, Guerra Fría, Caída del Muro de Berlín, Neoliberalismo y
Globalización.

FAUVISMO (1905, Francia)

No buscan la copia ni la imitación de la realidad, se trabaja en

exaltaciones en el uso de los colores, los dibujos son sintéticos, utilizan el
arabesco lineal

CUBISMO (1907-1914, Francia)

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 Abandona la representación renacentista del espacio, los puntos
de vista se multiplican y superponen fundiéndose entre si, se descompone la
forma en pequeños planos, la paleta de colores se limita a los grises y tierras.

Se hace uso del collage, y se utiliza en la escultura diferentes

materiales ensamblados entre si.

EXPRESIONISMO (1905-1920, Alemania y países del norte de

Europa septentrional)
Se privilegia la subjetividad y la emoción del artista, se refleja la
angustia del artista en sus obras, ya que el contexto era convulsionado.
Se hacen contrastes cromáticos utilizando formas distorsionadas.

FUTURISMO (1909, Italia)

Rechaza el pasado y proclama el advenimiento de una estética
nueva apropiada al mundo de la velocidad y de las maquinas.
Interpreta el movimiento como secuencias fotográficas.
Se hace uso de la superposición para denotar movimiento y
velocidad.
DADAISMO (1916-1922 Suiza y Alemania)
Juzga los valores culturales de manera agresiva e irreverente.
Utiliza la burla y la provocación, considera necesaria la
destrucción para construir un nuevo orden, además utiliza el azar para la
elaboración de sus obras.
Fusiona el teatro, la música, la pintura y la escenografía, además
hace utilización del absurdo, collages, fotomontajes y ensamblajes, forman
parte de las obras.

SURREALISMO (1924-1940 Francia)

Tiene su origen en la literatura, prescinde de todo control racional,
hace asociaciones libres y enigmáticas.

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 Utiliza técnicas nuevas en la pintura, como la novela collage y el
frottage.
NEOPLASTICISMO (1917, Holanda)
Es un tipo de arte no figurativo, donde el artista niega la
subjetividad, es de tipo racionalista, utiliza en su paleta de colores los primarios
y grises, se hacen series de pinturas que varían en un mismo tema.

BAUHAUS (1919-1933 Alemania)

Busca la unión entre el arte, la artesanía y la industria. Pretende
crear la obra de arte unitaria.
Toma como modelo de trabajo la estructura gremial del medioevo.
Las obras de diseño son funcionales, despojadas y de gran valor
estético.
Conforma talleres de pintura, fotografía, escultura, alfarería,
grabado, metales, tipografía, diseño de muebles, tejidos, publicidad y
arquitectura.
INFORMALISMO. (Década del ‘50 en Estados Unidos)
Arte contrario a toda forma, privilegia la materia, y rechaza la
construcción premeditada, tiene más importancia el proceso que el terminado o
resultado.
Las pinturas no figurativas son realizadas con un tratamiento libre
y rápido, se hace uso del dripping o chorreado y de grandes signos calígrafos.

POP ART (Fines de los ‘50 hasta los ‘70 en Europa y Estados
Unidos)
Utiliza los temas y motivos de los medios masivos de
comunicación como inspiración.
Propone unir el arte y la vida cotidiana, además utiliza símbolos de
la cultura de consumo americana.

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 HAPPENINGS (Década del ‘60 América Latina y Estados
Unidos)
Integra diferentes manifestaciones artísticas como al música la
danza, el teatro, la escultura, la pintura, entre otros.
se sirve de sucesos casuales, tiene carácter efímero, se opone a
la sociedad de consumo y critica a la política a través de intervenciones
simbólicas.
ARTE CINÉTICO (Década del ‘60 en Estados Unidos y Europa)
El movimiento es el motivo principal de la obra, genera la
participación del espectador en la concreción del hecho artístico, sus
construcciones son tridimensionales.
Hace uso de la luz, tiene carácter lúdico, y utiliza agentes
naturales para la producción de movimiento, como el agua o el viento.
También hace movimientos virtuales a través de las ilusiones
ópticas

BODY ART (fines de los ‘60 en Estados Unidos y Europa)

Es una variante individual de los happenings, toma el cuerpo del
artista como soporte de la obra, posee un carácter efímero y hace uso de la
fotografía y la filmación para documentar las acciones

HIPERREALISMO (década del ’60 en Estados Unidos y

Europa)
Sus imágenes so con precisión fotográfica, los medios pictóricos
son tradicionales, es decir sobre caballetes.
Utiliza grandes formatos, primeros planos y el tipo de arte es
anecdótico o descriptivo.

MINIMAL ART (mediados de la década del ’60 en Estados

Unidos y Europa)

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 Privilegia la idea del artista por sobre el trabajo artesanal, tiene en
cuenta el espacio donde se dispondrá la obra y la adapta al mismo, además
trabaja con formas provenientes del mundo de la industria y hace
combinaciones de pintura y escultura.

ARTE CONCEPTUAL (fines de la década del ’60 en Alemania,

EE.UU, Suiza y Argentina)
Utiliza el arte como conocimiento, predomina la idea por sobre el
objeto e investiga sobre el concepto del arte, además sustituye el objeto
artístico por el concepto.

LAND ART (década del ’70 en Europa, EE.UU, América Latina

y Asia).
Es un tipo de arte efímero el cual tiene como soportes la tierra, el
agua y/o el cielo.
Se desarrolla en amplios espacios geográficos y sus
intervenciones sobre la naturaleza se filman, fotografían o dibujan.

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