Historia de la Música Universal I
Examen extraordinario
César Axel Hernández Yañez
No. de cuenta: 316196880
Canto gregoriano, tropos y secuencias
Los registros más antiguos que se tienen de música en occidente son de música sacra.
Desde los inicios del cristianismo se consideró que los textos sacros tenían que cantarse.
En la antigüedad ya existía notación musical, pero se perdió y no se volvió a escribir música
hasta el siglo X. En el siglo IX surgió el canto gregoriano. Las melodías fueron tratadas de
formas ingeniosas.
Cristianismo
La historia de la música en occidente está ligada a la historia de la Iglesia. Fue hasta el
siglo IX cuando empezaron a surgir las primeras maneras de escribir música, que se
enfocaría en conservar los cantos sacros. Los primeros años del cristianismo fueron duros,
siendo perseguidos en muchas ocasiones. fue con el emperador Constantino que pudieron
ejercer su culto.
Constntino no adoptó la nueva religión desde el principio, pero reconoció a la iglesia como
institución, le dio educación cristiana a sus hijos y al final también se convirtió. Fue
responsable de darle a Constantinopla, antigua Bizancio. Otro factor de gran importancia
fue la división del imperio en sus partes Occidental y Oriental.
Los padres de la Iglesia
El periodo entre el siglo IV al siglo VI está marcado por los escritos de una serie de
pensadores cristianos, conocidos como los padres de la iglesia.
● San Jerónimo: Traductor de la Biblia hebrea y el nuevo Testamento del griego al
latín. Esta Biblia fue usada durante toda la Edad Media hasta el siglo XX.
● San Ambrosio: Importante obispo de Milán, a quien se le atribuye el repertorio de
cantos del rito milanés.
● San Agustín: Recibió educación clásica antes de convertirse al cristianismo. Fue
nombrado profesor de retórica de Milán cuando esta era capital del Imperio Romano
de Occidente. Fue escritor prolífico, y entre sus escritos sobrevive un tratado, De
musica.
Fin del Imperio Romano de Occidente y las primeras liturgias
En el siglo V, el Imperio Romano de Occidente se vio asediado por tribus germánicas que
lograron penetrar el territorio romano. El Imperio romano es entonces tomado y dividido por
diferentes tribus germánicas.
Durante los primeros años de la iglesia se desarrollaron dos tipos de servicios religiosos.
Uno estaba basado en la última cena y se le llamó “misa”. El otro surgió de la vida en
monasterios, que derivó en una serie de pequeños servicios a lo largo del día, llamado
oficio.
En Occidente se desarrollaron dos tipos de liturgias, la romana centrada en Roma como
cabeza del imperio y las demás liturgias.
Carlomagno y el canto Gregoriano
El canto gregoriano se remite a los siglos VII-VIII, al reino de los francos, quienes crearon
uno de los reinos más grandes de la Edad Media.
El reinado de Carlomagno se conoce como Renacimiento Carolingio, por el florecimiento de
la cultura y las artes. Tuvo gran interés en impulsar la educación, fomentó la creación de
escuelas y la población en general era letrada, con la cultura siendo oral.
El ímpetu de Carlomagno por lograr la unificación lo llevó a una reforma litúrgica, cuyo
objetivo fue unificar el rito en el reino de los francos. Se decidió que la liturgia romana era la
“verdadera” y se intentó desplazar al ritual romano al reino de Carlomagno.
en el siglo IX surgieron los primeros manuscritos. Estos no tenían precisión en los intervalos
entre notas y se conocen como adiastemáticas, por carecer de líneas.
San Gregorio y el canto gregoriano
El canto gregoriano se difundió por el reino de los francos. El nombre gregoriano se refiere
al papa Gregorio, a quien la tradición le adjudica la creación del canto. Elevó el poder de la
iglesia hasta rivalizar con el del emperador y es considerado uno de ls cuatro padres de la
iglesia.
Es dudoso que Greogrio haya tenido algo que ver con la creación del repertorio, pues en
sus tiempos no existía notación musical que permitiera registrar la música.
La misa
Desde el inicio de la iglesia cristiana se consideró que el canto era la manera más adecuada
de alabar a Dios. En el siglo IX, la misa era el servicio principal de la iglesia cristiana. La
primera derivada del rito judío y la segunda llamada eucaristia recreaba la última cena.
Guillaume de Machaut: motetes isorrítmicos y misa
Introducción
Guillaume de Machaut es uno de los más grandes compositores de Francia del siglo XIV,
perteneciente a la corriente conocida como ars nova. Es más conocido por los sus motetes
isorrítmicos, los cuales se usaban con fines conmemorativos y ceremoniales.
Machaut es el primero en componer música para un ciclo completo del ordinario de la misa.
Guillaume de Machaut
Guillaume de Machat es la figura más grande del ars nova en Francia, ya que nos ha
llegado casi toda su producción musical.
De la vida de Machaut se sabe poco, pero se cree que nació alrededor de 1300 en el
poblado de Machaut. Se sabe que sus últimos años los pasó en Reims, pero no se sabe en
qué momento se estableció ahí.
Machaut era considerado un gran poeta, siendo que escribió poemas sin música y los textos
de sus canciones. Es el último gran compositor en tener una producción importante de
monodia, pero a su vez es el primero e tener una producción importante de canciones
polifónicas.
Formas fijas
En la historia de la música, la palabra chanson se refiere a una canción secular en francés
de los siglos XIV, XV y XVI. La producción de chansons de Machaut es la parte más
cuantiosa de su obra.
Compuso 19 lais, piezas monódicas de versos irregulares. Todas las demás canciones
están en forma de virelai, rondeau o ballade.
El motete isorrítmico
Machaut compuso más de 20 motetes. Casi todos están construidos sobre un tenor
isorrítmico con dos voces superiores activas. En la isorritmia intervienen dos elementos
musicales que se consideran independientes uno del otro: el color (la melodía) y la talea (un
patrón rítmico). Estos dos elementos pueden interactuar de muchas maneras, de acuerdo
con el compositor. Un recurso muy común es repetir la talea pero modificando
proporcionalmente sus valores rítmicos. En cuanto a la relación entre talea y color, no
suelen tener el mismo tamaño entre sí, sino que uno puede durar más que el otro, así
dando variedad a la pieza.
El efecto de la issorritmia, sobre todo a cómo la usa Machaut, es que la isorritmia da forma
a la pieza entera.
La misa
En el siglo XIV ya existía la costumbre de reunir en manuscritos los movimientos del
ordinario en versiones polifónicas. Hasta donde se sabe, Machaut fue el primero en
componer música para los cinco movimientos del ordinario como si fueran movimientos de
una sola obra musical.
La misa de machaut se cree que fue compuesta entre 1350 y 1360. Toda la polifonía es a
cuatro voces con la designación triplum, motetus, contratenor y tenor para las diferentes
voces.
Se puede dividir el estilo de composición de misa en dos; movimientos de texto corto (kyrie,
sanctus, agnus Dei e Ite missa est) y movimientos de texto largo (gloria y credo).
Se pede decir que el kyrie, el sanctus y el agnus Dei de Machaut tienen las mismas
características de un motete isorrítmico. La polifonía no siempre se canta. Los movimientos
de estilo isorrítmico hacen uso de recursos rítmicos tipicos de Machaut como la síncopa y el
hoquetus.
Esta misa es única en la Edad Media. Pasaría mucho tiempo antes de que se inventara la
convención de hacer ciclos completos del ordinario de una misa.
Machaut murió en 1377 pero su influencia perduró. El último estilo que floreció en la edad
media, llamado ars subtilior, se basó en los rasgos característicos de Guillaume de
Machaut.
La chanson
Introducción
La chanson es una de las formas musicales principales de la Edad Media tardía y el
Renacimiento. Todas son grandes obras, desde las disonantes, contrapuntísticas de
Machaut, pasando por las de Dufay, con sonoridad a partir de terceras y sextas, hasta las
canciones de Josquin, donde se percibe una nueva relación entre texto y música.
Formas fijas
En la historia de la música, la palabra chanson se refiere a una canción secular en francés
de los siglos XIV, XV y XVI.
Virelai
El virelai es una forma con orígenes en el siglo XII y que se encuenra de forma recurrente
en las cantigas de Santa Maria. Machaut compuso más de treinta virelais, la gran mayoría
monódicos.
Las formas fijas son estructuras músico-poéticas y los esquemas que se usan para
describirlos incorporan tanto la música como el texto:
● El virelai tiene la forma “AbbaA”; la letra indica que sección es, la mayúscula indica
que el texto se repite igual que la otra sección denotada por la misma letra
mayúscula, y la letra minúscula indica un texto nuevo.
● Los virelais de machaut generalmente están conformados por tres estrofas, por lo
que la forma final es “AbbaAbbaAbba”.
Rondeau
El rondeau es una forma que se usó desde finales del siglo XIII. Machaut compuso unos
veinte rondeaux.
La forma del rondeau es “ABaAabAB”. Sólo hay dos secciones musicales, pero la sucesión
de repeticiones entre la música y el texto es más enredada que en el virelai (para recordar
mas fácil es útil tener en mente que se cuentan con ocho secciones en el rondeau).
● La pieza empieza con música de principio a fin en secciones 1 y 2 (AB).
● Las secciones 3, 4 y 5 (aAa) son repeticiones de la primera mitad con texto
diferente.
● Termina con las secciones 7 y 8 de la misma forma de la que empieza, enunciando
toda la música con los primeros textos.
Ballade
La forma fija que más interesó a Macahut fue la Ballade;compuso 42 con música y casi 200
poemas sin música.
La forma más común de la ballade es “aabC”:
● Se tienen tres estrofas (aabCaabCaabC), donde C es un estribillo corto.
● Las dos primeras secciones tienen diferentes terminaciones.
Las ballades de Machaut son sus canciones más sofisticadas. Todas menos una son
polifónicas. La gran mayoría de las canciones seculares de Machaut son escritas para un
cantante y las demás voces para ser interpretadas por isntrumentos.
La chanson del ars subtilior
Al final de la Edad Media se dio un estilo de gran sofisticación conocido como ars subtilior,
el cual floreció en la ciudad francesa de Aviñón. el ars subtilior toma de referencia la música
de Machaut, con características como la independencia rítmica de las voces. Se distinguen
tres etapas del periodo del ars subtilior:
● Durante la primera etapa, se concentran y exageran rasgos de la música de achaut.
● Durante la segunda etapa se llega a un máximo de complejidad rítmica con gran
independencia entre las voces.
● La útlima etapa se distingue por una tendencia hacia un lenguaje más simple.
El estilo de Aviñón fue el resultado del contacto de compositores franceses e italianos,
aunque prevalecieron las formas fijas francesas. De esta segunda etapa, es Beaute parfaite
del compositor italiano Antonello da Caserta.
Beaute parfaite es una ballade francesa con el texto de un poema amoroso de Machaut.
La chanson de Johannes Circonia
Johannes Circonia es un compositor que marca el final de la Edad Media. Es un compositor
originario de lo que hoy s Bélgica, vivió en italia y compuso tanto en las formas francesas
como en las italianas.
Toda la música de Circonia tiene una propensión a la homogeneidad entre las voces en vez
del contraste entre ellas. Para lograr esto, se observan recursos como secuencias
melódicas y rítmicas.
La retórica
La retórica es el arte de hacer discursos. Con el humanismo se empieza a ver un paralelo
entre lenguaje y música. La visión retórica de la música se observa en la construcción de un
nuevo vínculo entre la música y su texto.
La chanson de Guillaume Dufay
A principios del siglo XV Francia dejó de estar a la cabeza de las innovaciones musicales, y
ahora eran los compositores del ducado de Borgoña los que se volvían las figuras
principales en los sucesos musicales. guillaume Dufay fue uno de ellos y de los más
significativos de su tiempo.
En la época de Dufay seguían en uso las formas fijas, y la que más le interesó fue la
rondeau.
La textura contrapuntística predomina en la música de Dufay. No usa mucho el contrapunto
imitativo. Algunas de sus piezas han llegado a nosotros en manuscritos donde no se tienen
claras algunas de las indicaciones.
La chanson de Johannes Ockeghem
Casi todas las chansons de Ockeghem son a tres voces. Una de sus chansons más
exitosas fue Ma bouche rit.
La música de Ockeghem comparte características con la de Dufay, como lo son la textura
contrapuntística, sonoridad sin interrupción, líneas sinuosas sincopadas, poca o nada de
imitación y una sonoridad muy consonante.
La chanson de Josquin Desprez
En la siguiente generación, la música sufrió un gran cambio que podemos ver en la obra de
Josquin Desprez y sus contemporáneos. De todos los compositores de Europa en la
segunda mitad del siglo XV, la figura más sobresaliente fue Josquin Desprez.
Josquin compuso chansons, motetes y misas. Toda su música está ligada a esta nueva
relación entre palabras y música.
En la generación de Josquin, el contrapunto imitativo se convierte en la técnica de
composición por excelencia. Ya no es necesario seguir una estructura, sino que el
procedimiento para ir dando forma a la pieza es la imitación.
Josquin murió en 1521 cuando empezaba a surgir un cambio en la chanson. Se llamó
chanson parisina al tipo de chanson que floreció de 1530 hasta 1600, la cual buscaba ser
más sencilla, homofónica y silábica.
El motete desde su origen hasta c. 1500
El motete tiene una historia que abarca muchos siglos. En un principio todas sus voces
tenían textos diferentes. El motete nació al ponerle texto a las voces superiores de una
sección de un organum.
En el siglo XIV, el motete se vuelve isorrítmico. Machaut es el gran compositor de motetes
isorrítmicos medievales, forma que perdura hasta mitad del siglo XV.
El nuevo motete florece al final del siglo XV y es una de las formas preferidas de Josquin
Desprez.
El origen del motete
El motete tiene su origen en las primeras décadas del siglo XIII en París, y nació cuando se
le puso texto a la voz o voces superiores de una cláusula. Es con el surgimiento de los
primeros motetes que se le empezó a llamar “tenor” a la voz inferior de un organum. El título
de cada motete se construye con el “incípit” (principio) de los textos.
el motete se convirtió en el género musical más popular del siglo XIII, y el motete a tres
voces, el tipo más común.
El motete c. 1250
Hacia mediados del siglo se pueden distinguir características rítmicas que comparten
muchos motetes: un tenor organizado mediante la repetición de algún patrón rítmico y una
diferente actividad rítmica de las tres voces.
La actividad relativa de los motetes nos ayuda a situar cronológicamente los motetes.
Motete petroniano
Conforme nos acercamos a 1275, los compositores de motetes comienzan a dejar a un lado
los modos rítmicos y adoptan la nueva anotación de Franco de Colonia. LOs motetes
incluyen cada vez más notas de valor rítmico pequeño y las combinaciones entre el ritmo de
las voces se vuelven más complejas. Los valores rítmicos aceptados en el sistema de ritmo
modal eran la longa y la brevis; ahora hay un valor rítmico más pequeño: la semibrevis. La
costumbre de mediados de siglo de componer motetes con voces con diferente actividad
continuó y se exageró con el paso del tiempo.
El motete isorrítmico
Este capítulo de la historia se encuentra en el siglo XIV en Francia, durante el periodo
conocido como ars nova. el primer compositr importante de esta corriente, Phillip de Vitry
compuso motetes creando estructuras rítmicas a gran escala.
Los motetes de Guillaume de Machaut están construidos sobre un tenor isorrítmico con dos
voces superiores más activas.
En la isorritmia intervienen dos elementos musicales que se consideran independientes uno
del otro: el color (la melodía) y la talea (un patrón rítmico). Estos dos elementos pueden
interactuar de muchas maneras, de acuerdo con el compositor. Un recurso muy común es
repetir la talea pero modificando proporcionalmente sus valores rítmicos. En cuanto a la
relación entre talea y color, no suelen tener el mismo tamaño entre sí, sino que uno puede
durar más que el otro, así dando variedad a la pieza.
El motete en el siglo XV
El motete isorrítmico fue imitado por compositores europeos en diversas regioes y fue
adquiriendo más y más una función ceremonial. Al mismo tiempo que se usa el motete
isorrítmico, surge un nuevo tipo de motete. John Dunstable fue el creador de este nuevo tipo
de motete, cuyos contemporáneos veían como música nueva, y a la que se le llamaba como
“aire inglés”.
Después de c.1420 florece un nuevo tipo de motete con un solo texto en latín. Los dos tipos
de motetes coexistieron durante algunas décadas, pero el motete isorrítmico cayó en
desuso alrededor de mediados de siglo.
Guillaume Dufay
Dufay compuso toda una gama de piezas en latín que se consideran motetes. Es heredero
de la tradición medieval de los motetes isorrítmicos y con ella creó grandes obras
musicales.
Los motetes isorrítmicos de Dufay fueron compuestos para ocasiones ceremoniales y uno
de los más espectaculares de este compositor es Nuper rosarum flores.
Motetes nuevos de Dufay
Además de los motetes isorrítmicos, Dufay hizo muchas otras piezas en latín que también
se consideran motetes. El motete Ave regina caelorum señala las nuevas tendencas como
son sonoridad consonante a base de terceras y sextas, disonancias muy controladas,
texturas homogéneas en contrapunto y nuevos usos más flexibles del cantus firmus.
Los motetes de Johannes Ockeghem
Johannes Ockeghem compuso motetes para cuatro o cinco voces en los cuales utilizó
diferentes técnicas de composición. En sus motetes el texto es en latín y con un solo texto
para todas las voces. Ya no compuso motetes isorrítmicos.
No todos sus motetes hacen uso de un cantus firmus, y tiene a usar frases largas, sinuosas
y sincopadas que ocupan valores rítmicos diversos.
El madrigal italiano
Introducción
El madrigal surgió en las primeras décadas del siglo XVI, una pieza polifónica con texto en
italiano y generalmente de tema amoroso.
La historia inicia con los madrigales polifónicos de Phillippe Verdelot, quien resalta la
prosodia del texto, Jacob Arcadelt optó por más contrapunto imitativo. Adrian Willaert puso
de moda la poesía de petralca y elevó en calidad y seriedad el madrgial, mientras que
Cipriano de Rore llevó a nuevos extremos a idea de expresar el texto con líneas autónomas
de ritmos cambiantes que reflejaban la rítmica del texto. Al final de siglo, Luca Marenzio era
considerado el más grande compositor de madrigales. carlo Gesiualdo lleva hasta sus
últimas consecuencias el cromatismo.
El madrigal italiano
Se puede considerar una de las manifestaciones locales del siglo XVI y surgió en el
segundo cuarto del siglo.
● Floreció hasta finales del siglo XVI y las primeras décadas del siguiente.
● Apareció cuando todavía existía la frótola.
● Los compositores de madrigales tuvieron la intención de que la música sirviera para
intensificar la poesía.
Phillippe Verdelot
Sus madrigales son piezas básicamente homofónicas. Siempre el texto está musicalizado
con cuidado de que la música refleje el ritmo y acento natural de las palabras. Por lo general
la música se desarrolla a partir del texto. El tema preferido en madrigals es el tema amoroso
no correspondido.
Jacob Arcadelt
Sus madrigales suelen considerarse como representantes del madrigal “clásico”, de textura
homogénea. En comparación con Verdelot suelen incorporar más contrapunto imitativo.
Adrian Willaert
Willaert llegó a Italia en 1515 y ocupó diversos puestos usicales hasta que en 1512 fue
nombrado maestro de capilla de la basílica de San Marco. En 1559 publicó su colección de
motetes y madrigales titulada Musica nova.
Los madrigales de Willaert son sobrios y nunca excesivos en efectos expresivos. En ellos
predomina el contrapunto imitativo y en ocasiones hay algunas pocas secciones
homofónicas.
Los compositores de madrigal de la segunda mitad del siglo XVI
Cipriano de Rore
Este compositor empezó haciendo madrigales en el estilo de Willaert, pero fue cambiando.
Sus madrigales son mucho más dramáticos, con recursos retóricos más extremos. Uno de
los madrigales más famosos de Cipriano de Rore es Anchor che col partire.
Con las innovaciones c.1600 los compositores de vanguardia vieron en los madrigales de
Cipriano el inicio de una nueva práctica.
Luca Marenzio
Fue uno de los más renombrados compositores de su tiempo. Marezio compuso la música
para los entreactos musicales de la obra teatral La pellerina.
Los madrigales tempranos de Marenzio se distinguen por el uso constante de
madrigalismos, muchas veces con textos de temas pastorales, mientras que sus últimos
madrigales son más armónicamente osados y expresivos.
Carlo Gesualdo
Él era de la nobleza italiana, príncipe de Venosa y conde de Conza. Publicó seis libros de
madrigales y llegó a ser considerado por sus contemporáneos como un verdadero
compositor y no simplemente un amateur. Uno de sus madrigales más famosos es Belta,
por che t’assenti. Gesualdo usa en sus composiciones la alteración cromática de acordes y
acumulación de disonancias. El ritmo de sus piezas también es muy cambiante y asimétrico.
Primera polifonía
Introducción
La primera polifonía de Occidente se llama organum y surgió por un afán de ornamentar un
canto litúrgico. Se construye sobre un canto gregoriano.
Ya en el siglo XII la polifonía empieza a ser más visible. En el sur de Francia se desarrolla el
organum florido, el cual tiene una voz superior con más notas que el canto gregoriano. Más
tarde, al ser Paris un importante centro de innovación musical, florece el organum de
n¿Notre Dame a dos, tres y hasta cuatro voces, creándose el conductus polifónico.
Organum
Desde la segunda mitad del siglo IX es evidente que se podía improvisar una voz nueva al
interpretar los cantos litúrgicos. La fuente más antigua con información para acompañar un
canto es Musica enchiriadis, junto con el comentario que lo acompaña, Scolica enchiriadis,
dos tratados de la segunda mitad del siglo IX.
Organum paralelo y organum paralelo modificado
Organum paralelo
En el organum paralelo, se canta una voz a un intervalo fijo del canto gregoriano usando los
intervalos “perfectos” de cuarta, quinta u octava. Este tipo de polifonía no se escribía porque
simplemente se usaban las reglas para interpretarla.
Organum paralelo modificado
Este tipo de organum es más sofisticado al implementar movimiento oblicuo y contrario de
las voces. En los primeros ejemplos de organum, el canto gregoriano está siempre arriba de
la voz nueva, pero esto cambia más adelante.
Organum libre
La monodia predominó pro mucho tiempo a pesar de existir la polifonía, y ésta no fue de
uso generalizado sino hasta el siglo XIII.
En el siglo XI el Microligus es el primer tratado en describir la práctica de canto llano como
de polifonía. La vox principalis sigue estando arriba, pero en ocasiones la voz nueva cruza
antes de volver a bajar. En los principios y finales de frase siempre se usa la octava o
unísono.
Organum florido
De 1100 en adelante, la vox principalis cambia d lugar y se encuentra siempre abajo Por
otro lado, se empieza a desarrollar un tipo de vox organalis que agrega pequeños grupos de
notas contra cada nota del canto original. A este tipo de canto con más notas se le llama
organum florido o melismático.
Escuela de Notre Dame
En el siglo XII, París se convirtió en un centro musical de importancia donde surgirían
innovaciones musicales que tendrían repercusiones de muy largo alcance. De la catedral de
Notre Dame se conocen los primeros nombres de compositores de música sacra: Leonín y
Perotín.
Conductus polifónico
Además de la música litúrgica, los manuscritos de Notre Dame contienen una serie de
piezas con textos poéticos en latín conocidos como conductus. Muchos son monódicos,
pero hay más de 100 conductus de dos voces, 63 de tres voces y 3 de cuatro voces.
Los temas tratados en estos poemas son muy variados.Algunos son religiosos, otros en
honor a alguna persona, etc.
Es el primer género polifónico que no usa material prestado gregoriano.
