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Conceptos básicos sobre

La Música.
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Índice.
Pág. Tema.
3 Música.
5 Nota y Tríada.
6 Alteración.
7 Figura Musical.
8 Afinación.
10 Armonía.
12 Acorde.
15 Sonido.
18 Silencio y Pentagrama.
19 Solfeo y Rítmo.
20 Melodía y Entonación.
21 Compás.
23 Semitono.
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Música.
La música (del griego: μουσική [τέχνη] – mousikē [téchnē], “el arte de las musas”) es el arte de
organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los
principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de
complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen
en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte
unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no
es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas
fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites
de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es
suscitar una experienciaestética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo;
así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, etc.).

Parámetros del Sonido.

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por
el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que
generalmente es el aire de laatmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque
es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

 La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la

cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De
acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como “graves” y “agudos”. Cuanto mayor sea
la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en
la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es
idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
 La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La
duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda
por los segundos que ésta contenga.
 La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La
intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
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 El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar
de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos
que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos
simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido
fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga
un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre
se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o
cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es
la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales
repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides
correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al
sonido resultante.

Elementos de la música.
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da
los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera
en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay
variaciones temporales).

 La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular

— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe
con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la
melodía, poniendo pausas al “discurso melódico”. El resultado es como una frase bien
construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia
dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías
simultáneas se denomina contrapunto.
 La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es
el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con
sonidos vecinos.
 La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones
irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
 El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy
notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste
en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos.
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Nota.
El término nota se refiere a un sonido determinado por una vibración cuya frecuencia fundamental es
constante.

Esacala Musical.

El ejemplo anterior muestra una escala de do mayor. Actualmente la escala musical diatónica (sin

alteraciones ni cambios en la tonalidad) está compuesta por siete sonidos.
En el caso de la mencionada escala mayor de do, las notas son las siguientes:

 Do, re, mi, fa, sol, la, si (según el sistema de notación musical latino)

 C, D, E, F, G, A, B (según el sistema de notación musical inglés, también
llamado denominación literal)
 C, D, E, F, G, A, H (según el sistema de notación musical alemán. La B equivale
al si bemol).

Tríada.
En armonía moderna se denomina tríada a un acorde formado por tres notas.

Una tríada es un acorde de tres notas, usualmente en intervalos de tónica, tercera y quinta. En contraposición

encontramos las cuatriadas, acordes de cuatro notas que se forman añadiendo una nota extra (usualmente
una séptima) a una tríada.

Existen cuatro tipos de tríadas principales, determinadas por las relaciones interválicas entre las notas que forman el
acorde. Son las denominadas tríadas comunes:1

 Acorde mayor, formado por un intervalo de tercera mayor con otro de tercera menor.

 Ejemplo, C/E/G (tónica, tercera mayor, quinta justa)

 Acorde menor, formado por un intervalo de tercera menor con otro de tercera mayor.
 Ejemplo C/Eb/G (tónica, tercera menor, quinta justa)
 Acorde disminuído, formado por dos intervalos de tercera menor.
 Ejemplo, C/Eb/Gb (tónica, tercera menor, quinta disminuída)
 Acorde aumentado, formado por dos intervalos de tercera mayor.
 Ejemplo, C/E/G# (tónica, tercera mayor, quinta aumentada)
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Aleteración.
En el ámbito de la música, las alteraciones son los signos que modifican la entonación (o altura) de
los sonidos naturales y alterados. Las alteraciones más utilizadas son el sostenido, el bemol y
el becuadro.

Las alteraciónes y sus efectos.

 El bemol: baja el sonido un semitono cromático y se presenta con el signo ♭.

 El sostenido: sube el sonido un semitono cromático y se representa con el signo ♯.
 El becuadro: cancela el efecto a las demás alteraciones. Se representa con el signo ♮.

Notación, lectura y solfeo de las alteraciones.

En la escritura, las alteraciones accidentales se colocan a la izquierda del óvalo de la figura que
representa el sonido que se altera. En cambio, en la lectura, la alteración debe decirse después del
nombre del sonido, por ejemplo: do sostenido. En el solfeo, las alteraciones no deben ser
pronunciadas.
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Figura Musical.
En el ámbito de la música, una figura (también llamada «nota») es un signo que representa
gráficamente la duración de un sonido determinado. Cuando aparece situada en
un pentagrama conclave establecida, determina también la altura del sonido.
Las figuras más utilizadas son siete y se denominan de la siguiente
forma: redonda, blanca, negra,corchea, semicorchea, fusa y semifusa.

Figuras Compuestas.
Las figuras compuestas son aquellas que están acompañadas de uno o más puntillos que
prolongan su duración.
Los silencios también pueden llevar puntillo.
En el caso de los valores compuestos, se utiliza el puntillo y cada uno equivale a tres de figura
inmediata:

 Una redonda con puntillo equivale a tres blancas.

 Una blanca con puntillo equivale a tres negras.
 Una negra con puntillo equivale a tres corcheas.
 Una corchea con puntillo equivale a tres semicorcheas.
 Una semicorchea con puntillo equivale a tres fusas.
 Una fusa con puntillo equivale a tres semifusas.
Como antes se mencionó con los valores simples, también en los compuestos se pueden
establecer otras relaciones teniendo como patrón a las recién mencionadas, por ejemplo:
una redonda con puntillo equivale a seis negras.
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Afinación.
Los sistemas de afinación buscan construir una serie de relaciones de frecuencia vibratoria que
dan lugar a las notas de una escala. Estas relaciones se estudian de forma independiente de la
altura absoluta de cualquiera de las notas, y se describen exclusivamente como intervalos entre
ellas. Los apartados que siguen hacen relación a los estándares de altura absoluta, no a los
sistemas de afinación de la escala.

Particularidades de los instrumentos.

Además de las discrepancias en cuanto a la frecuencia del la, incluso cuando en un grupo de
cámara o en una orquesta se ha fijado un diapasón, cada familia instrumental presenta
peculiaridades en cuanto al modo de producción de los sonidos, que pueden provocar diferencias
en la frecuencia de las mismas notas correspondientes.

 Los instrumentos de sonidos fijos que son afinables de forma relativamente sencilla, con
teclado o sin él, como el piano, se suelen afinar por el sistema temperado.
 El clave, en cambio, se suele afinar por un temperamento histórico como Valotti, Kirnberger
III o Werckmeister III.
 Los instrumentos como el órgano de tubos, que tienen sonidos fijos pero no se afinan de
manera frecuente ni con facilidad, si son antiguos es posible que tengan una
afinación mesotónica, Valotti o incluso pitagórica. Actualmente los órganos se afinan según el
estilo del órgano. Los órganos emplazados en sitios donde se suele tocar con otros
instrumentos, como los auditorios, se afinan en temperamento igual.
 La guitarra y otros instrumentos de cuerda con trastes en el mástil, afinan sus cuerdas por
cuartas o quintas perfectas en el caso de las cuerdas al aire, y por semitonos temperados la
colocación de los trastes. En música popular, si se utiliza un afinador electrónico, éste seguirá
el sistema temperado para la afinación de las cuerdas.
 Los instrumentos de cuerda frotada sin trastes en el mástil, como el violín, gozan de libre
albedrío en cuanto a la altura de los sonidos de las cuerdas pisadas, aunque en la práctica los
ejecutantes aplican una técnica fija para la producción de las notas. La consigna en este caso
es hacer los tonos grandes y los semitonos diatónicos pequeños, como en el sistema de
Pitágoras, y en cambio hacer las terceras armónicas pequeñas como en el sistema justo.
 Los instrumentos de viento-metal con llaves, válvulas o pistones afinan por el sistema
temperado en lo que respecta a estos mecanismos, y según la serie armónica en lo que
respecta a los sonidos conseguidos como armónicos de una nota base correspondiente a una
posición dada de los mismos. También siguen estrictamente la serie armónica los
instrumentos sin ningún mecanismo que altere la longitud real del tubo, como las trompas o
trompetas naturales. La serie armónica presenta una gran variedad de intervalos entre sus
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notas: quintas y cuartas justas, tonos grandes y pequeños, terceras justas, varios tipos de
semitonos e incluso notas “prohibidas” como los múltiplos de 7, 11 ó 13.
 Los instrumentos de viento-madera tienen sus llaves o agujeros dispuestos según el
sistema temperado, pero algunas notas pueden hacerse como armónicos de otras, lo que da
lugar a intervalos justos que son algo diferentes.
 La voz humana goza de libertad total en todos los sentidos, pero los coros entonan las
escalas mayores según un sistema semejante al de Pitágoras y los acordes mayores con
terceras pequeñas como en el sistema justo, cuando el coro está adiestrado para la correcta
entonación de la música antigua. En la música moderna (sobre todo cuando está acompañada
de piano) se tiende más hacia el sistema temperado.
Así pues, en estos conjuntos se puede llegar a un “acuerdo” en el caso en que cualquier
desafinación vaya a percibirse con claridad (como en el cuarteto de cuerda o en un conjunto vocal
reducido) o bien se confía en la tolerancia del oído humano respecto a las desafinaciones, sobre
todo en conjuntos grandes como la orquesta o las masas corales, donde la estadística
desempeña un papel nada desdeñable en el resultado final.

Armonía.
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En música, la armonía es la disciplina que estudia la percepción del sonido en forma «vertical» o
«simultánea» en forma de acordes y la relación que se establece con los de su entorno próximo.
Como otras disciplinas humanas, el estudio de la armonía presenta dos versiones: el estudio
descriptivo (es decir: las observaciones de la práctica musical) y el estudio prescriptivo (es decir:
la transformación de esta práctica musical en un conjunto de normas de supuesta validez
universal).
El estudio de la armonía sólo se justifica en relación a la música occidental, ya que la Occidental
es la única cultura que posee una música «polifónica», es decir, una música en la que se usa
ejecutar distintas notas musicales en forma simultánea y coordinada. De modo que, a pesar de
que el estudio de la armonía pueda tener alguna base científica, las normas o las descripciones
de la armonía tienen un alcance relativo, condicionado culturalmente.
En la música occidental, la armonía es la subdisciplina que estudia el encadenamiento de
diversas notas superpuestas; es decir: la organización de los acordes. Se llama «acorde» a la
combinación de tres o más notasdiferentes que suenan simultáneamente (o que son percibidas
como simultáneas, aunque sean sucesivas, como en unarpegio). Cuando la combinación es solo
de dos notas, se llama «bicordio». Esto también puede ser considerado un acorde.
El estudio de la armonía se refiere generalmente al estudio de las progresiones armónicas y de
los principios estructurales que las gobiernan.1
La armonía se refiere al aspecto «vertical» (simultáneo en el tiempo) de la música, que se
distingue del aspecto horizontal (la melodía, que es la sucesión de notas en el tiempo).2 La idea
de vertical y horizontal es una metáfora explicativa, relacionada a la disposición de las notas
musicales en una partitura: verticalmente se escriben las notas que se interpretan a la vez, y
horizontalmente las que se interpretan en forma sucesiva.
En la escolástica musical, el contrapunto es una disciplina complementaria a la armonía (y que se
confunde con ella), pero que se centra más en la elaboración de melodías que sean combinables
simultáneamente que en los acordes resultantes de tal combinación. Es decir: se centra más en la
percepción de las partes que en la del todo. Como disciplina creativa (y no como disciplina
académica), el contrapunto tuvo su auge durante el Barroco, particularmente con la figura
de Johann Sebastian Bach.

Armonía tonal o funcional.

Aunque resulta incómodo intentar una definición de tonalidad, podemos decir que es un sistema
de organizar las alturas de los sonidos, que imperó durante unos tres siglos como sistema único,
siendo usado por barrocos, clásicos y románticos.
Pero esto no nos dice lo que es la tonalidad. Lo que caracteriza fundamentalmente la tonalidad es
que en este sistema las alturas de los sonidos están sometidas a una jerarquía en las que hay un
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sonido principal del que dependen todos los demás que, a su vez, no tienen especial significación
salvo por su relación con el principal.
Pero hay algo importante además, y es que el sonido principal puede ser en principio cualquiera.
Esto es, una altura dada puede corresponder a un sonido principal en una obra y esa misma
altura ser un sonido subordinado a otro principal en otra obra. Es decir, el sonido principal no es
tanto un sonido sino una función que recae sobre un sonido.
Por ello el nombre de armonía funcional (de la función que cumple cada sonido) es más idóneo
que el de armonía tonal («armonía de los sonidos»).

Tensión y reposo.
Desde hace varios siglos se descubrió que algunas combinaciones de acordes producen una
sensación de tensión y tendencia al reposo. Algunos acordes, en un determinado contexto, tienen
un sentido conclusivo y otros un sentido transitorio (aunque en realidad esto es relativo y depende
de su relación con el conjunto de la composición ). En la música académica europea, desde el
final del siglo XVII hasta comienzos del siglo XX, hasta el oído menos cultivado puede distinguir
cuándo está próximo o distante el final de una frase musical.
La armonía tradicional de parte del estilo prebarroco, barroco, clásico y romántico se conoce
como armonía tonal, ya que está basada en el sistema tonal, teniendo una fuerte función
estructural, siendo determinante en la forma musical de una determinada composición.
A partir del romanticismo musical (siglo XIX), empieza a utilizarse con más fuerza el valor
colorista de la armonía, debilitando paulatinamente la función estructural de la armonía tonal e
introduciendo cada vez más modalismos (proceso que culmina con la aparición de
compositores impresionistas, nacionalistas ycontemporáneos neoclásicos que utilizarán una
armonía más libre y modal).

Acorde.
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En música y teoría musical, un acorde consiste en un conjunto de dos o más notas diferentes que

suenan simultáneamente o en sucesión y que constituyen una unidad armónica.1 2 En
determinados contextos, un acorde también puede ser percibido como tal aunque no suenen
todas sus notas.3 Pueden formarse acordes con las notas de un mismo instrumento o con notas
de diferentes instrumentos (incluyendo la voz humana) tocados a la vez. Formalmente, un acorde
consta de entre tres y siete notas de las doce que componen unaoctava; las notas pueden
pertenecer a la misma o a diferentes octavas. La distancia entre dos notas musicales se conoce
como intervalo musical; los intervalos musicales, combinados, determinan los diferentes tipos de
acordes. Cada tipo de acorde puede presentar como tono fundamental cualquiera de las doce
notas musicales (do, do♯, re, mi♭, mi, fa, fa♯, sol, la♭, la, si♭, si). Este tono fundamental (también
conocido como «nota fundamental», «fundamental», «nota tónica» o «tónica») determina la
tonalidad del acorde y constituye la referencia para los intervalos del mismo.
Las combinaciones de dos notas suelen llamarse díadas, las de tres, tríadas, las de cuatro,
cuatríadas, las de cinco, quintíadas, las de seis, sextíadas, y las de siete, septíadas.
A una sucesión de acordes se la denomina progresión armónica. En una canción, o un tema
instrumental, las progresiones armónicas determinan en líneas generales el camino que debe
seguir la música de acompañamientoy, el que, en bastante medida, suele seguir
la melodía principal, que por razones de armonía debe y suele adaptarse en cierto grado al fondo
musical. Además, constituyen normalmente un elemento invariable entre diferentes versiones
o variaciones, con los mismos o con diferentes instrumentos, de un mismo tema musical. Por ello,
es típico «resumir» el acompañamiento de una canción en sus acordes básicos para luego poder
interpretarla libremente al piano o la guitarra con dichos acordes como guía, sin perder la esencia
de la composición, es decir, sin que esta deje de ser identificable. En sentido inverso, también es
típico componeruna canción para uno o varios instrumentos partiendo de la creación de una
progresión de acordes.
Los acordes más complejos, de 5 o más notas, se utilizan con frecuencia, además de en
la música orquestal, en géneros musicales como la canción melódica contemporánea, y, con
especial frecuencia, en el jazz.

Intervalos en la notación anglosajona.

La notación anglosajona para los acordes, de uso muy extendido, está basada en la escala
mixolidia, que equivale a la escala diatónica en modalidad mayor y con la séptima nota subtónica:

 do - re - mi - fa - sol - la - si♭ para la tonalidad de do;

 do♯ - re♯ - mi♯ - fa♯ - sol♯ - la♯ - si para la tonalidad de do sostenido;
 re - mi - fa♯ - sol - la - si - do♯ para la tonalidad de re;
 mi♭ - fa - sol - la♭ - si♭ - do - re♭ para la tonalidad de mi bemol;
 mi - fa♯ - sol♯ - la - si - do♯ - re para la tonalidad de mi;
 fa - sol - la - si♭ - do - re - mi♭ para la tonalidad de fa; etc.
La secuencia de intervalos utilizada en esta notación, cuando no se indica ninguna alteración,
equivale a una serie de terceras superpuestas ―una a continuación de la otra― que abarca de 3
a 7 notas de entre las de la escala descrita. La serie de terceras es la siguiente:
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 (Fundamental) - tercera mayor - tercera menor - tercera menor - tercera mayor - tercera
menor - tercera mayor.
Y, por lo tanto, la secuencia de intervalos resultantes es la siguiente (entre corchetes se indica
la distancia interválica ensemitonos):

 (Fundamental) [4] tercera (mayor) [3] quinta (justa) [3] séptima (menor) [4] novena [3]
undécima [4] decimotercera.
De tal modo, un acorde de fa novena constará de las siguientes notas:

 fa - la - do - mi♭ - sol (las 4 primeras terceras de la serie descrita, en la tonalidad de fa).

Y un acorde de fa decimotercera constará de las siguientes notas:

 fa - la - do - mi♭ - sol - si♭ - re (las 6 terceras de la serie descrita, en la tonalidad de fa).

Cada alteración, aumentando o disminuyendo en un semitono, de uno o más de los intervalos
anteriormente descritos, produce un tipo de acorde diferente dentro de la misma tonalidad (en
nuestros ejemplos, tonalidad de fa). Así pues, si en el ejemplo anterior disminuimos la tercera en
un semitono y aumentamos la quinta en otro semitono, obtendremos el acorde de fa menor
decimotercera con quinta aumentada, que constará de las notas siguientes:

 fa - la♭ - do♯ - mi♭ - sol - si♭ - re (compárese con el ejemplo anterior del fa decimotercera).

Por regla general, el propio nombre del acorde indica directamente las alteraciones de la serie de
terceras que este presenta. No obstante, existen algunas excepciones de nombres menos
intuitivos: acorde menor (presenta la tercera menor), acorde aumentado (quinta aumentada),
acorde disminuido (tercera menor y quinta disminuida), con cuarta suspendida (tercera
aumentada, o, dicho de otro modo, la tercera sustituida por una cuarta), novena mayor (es a la
séptima a la que se refiere ese «mayor», es decir, presenta la séptima mayor), undécima mayor
(ibídem), decimotercera mayor (ibídem), etc. En la sección Tipos de acordes posibles y su
nomenclatura anglosajona se explica esta notación con mayor profundidad.

Modalidades o modos.
Acordes mayores

Un acorde es mayor (también se dice que es de modalidad mayor o de modo mayor) cuando, estando en
estado fundamental, es decir, no siendo ninguna inversión, la distancia interválica entre el tono o grado
fundamental del acorde y la tercera corresponde a una tercera mayor, es decir, a dos tonos. Ejemplos de
acorde mayor:

 Acorde de do mayor = do - mi - sol (entre el do y el mi hay una tercera mayor).

 Acorde de la mayor = la - do♯ - mi (entre el la y el do♯ hay dos tonos).
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 Acorde de si séptima (si mayor séptima) = si - re♯ - fa♯ - la (el si y el re♯ están separados por

cuatro semitonos).
 Acorde de re con decimotercera (re mayor decimotercera) = re - fa♯ - la - do - mi - sol - si (de
nuevo encontramos dos tonos entre el re y el fa♯).

Nótese que no dejan de ser acordes mayores las inversiones correspondientes, como, en el caso del
acorde de do mayor, mi -sol - do o sol - do - mi.

Acordes menores

Un acorde es menor (también se dice que es de modalidad menor o de modo menor) cuando, estando en
estado fundamental, es decir, no siendo ninguna inversión, la distancia interválica entre el grado
fundamental del acorde y la tercera corresponde a una tercera menor, es decir, a un tono más
un semitono. Ejemplos de acorde menor son:

 Acorde de do menor = do - mi♭ - sol (entre el do y el mi♭ hay una tercera menor).

 Acorde de la menor = la - do - mi (entre el la y el do hay un tono y un semitono).
 Acorde de fa menor novena mayor = fa - la♭ - do - mi - sol (el fa y el la♭ aparecen separados por
tres semitonos).
 Acorde de la♭ menor sexta = la♭ - do♭ - mi♭ - fa (hay un tono y medio entre el la♭ y el do♭).

Nótese que no dejan de ser acordes menores las inversiones correspondientes, como, en el caso del
acorde de la menor, do -mi - la o mi - la - do.

Típos de tríadas.

 Tríada mayor: formada por la fundamental, su tercera mayor y su quinta justa (tercera mayor y
tercera menor superpuestas).
 Ej.: do mayor = do, mi y sol.
 Tríada menor: formada por la fundamental, su tercera menor y su quinta justa (tercera menor y
tercera mayor superpuestas).
 Ej.: do menor = do, mi♭ y sol (acorde de do menor); la menor = la, do y mi (acorde
de la menor).
 Tríada con quinta disminuida: formada por la fundamental, su tercera menor y su quinta
disminuida (tercera menor y tercera menor superpuestas).
 Ej.: do disminuido = do, mi♭ y sol♭; si disminuido = si, re y fa.
 Tríada con quinta aumentada: formada por la fundamental, su tercera mayor y su quinta
aumentada (tercera mayor y tercera mayor superpuestas).
 Ej.: do aumentado = do, mi y sol♯
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Sonido.
El sonido, en física, es cualquier fenómeno que involucre la propagación en forma de ondas
elásticas (sean audibles o no), generalmente a través de un fluido (u otro medio elástico) que esté
generando el movimiento vibratorio de un cuerpo.
El sonido humanamente audible consiste en ondas sonoras que producen oscilaciones de la
presión del aire, que son convertidas en ondas mecánicas en el oído humano y percibidas por el
cerebro. La propagación del sonido es similar en los fluidos, donde el sonido toma la forma de
fluctuaciones de presión. En los cuerpos sólidos la propagación del sonido involucra variaciones
del estado tensional del medio.

El Sonido en la Música.
El sonido, en combinación con el silencio, es la materia prima de la música. En música los
sonidos se califican en categorías como: largos y cortos, fuertes y débiles, agudos y graves,
agradables y desagradables. El sonido ha estado siempre presente en la vida cotidiana del
hombre. A lo largo de la historia el ser humano ha inventado una serie de reglas para ordenarlo
hasta construir algún tipo de lenguaje musical.

Propiedades
Las cuatro cualidades básicas del sonido son la altura, la duración, el timbre o color y
la intensidad, fuerza o potencia.

Cualidad Característica Rango

Altura Frecuencia de onda Agudo, medio, grave

Intensida
Amplitud de onda Fuerte, débil o suave
d

Depende de las características de la fuente emisora del

Armónicos de onda o forma de la
Timbre sonido (por analogía: áspero, aterciopelado, metálico,
onda. Análogo a la textura
etc)

Duración Tiempo de vibración Largo o corto

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La altura.
Indica si el sonido es grave, agudo o medio, y viene determinada por la frecuencia fundamental
de las ondas sonoras, medida en ciclos por segundo o hercios (Hz).

 vibración lenta = baja frecuencia = sonido grave.

 vibración rápida = alta frecuencia = sonido agudo.
Para que los humanos podamos percibir un sonido, éste debe estar comprendido entre el rango
de audición de 20 y 20.000 Hz. Por debajo de este rango tenemos los infrasonidos y por encima
los ultrasonidos. A esto se le denomina rango de frecuencia audible. Cuanta más edad se tiene,
este rango va reduciéndose tanto en graves como en agudos.

La intensidad.
Es la cantidad de energía acústica que contiene un sonido, es decir, lo fuerte o suave de un
sonido. La intensidad viene determinada por la potencia, que a su vez está determinada por
la amplitud y nos permite distinguir si el sonido es fuerte o débil.
La intensidad del sonido se divide en intensidad física e intensidad auditiva, la primera esta
determinada por la cantidad de energía que se propaga, en la unidad de tiempo, a través de la
unidad de área perpendicular a la dirección en que se propaga la onda. Y la intensidad auditiva
que se fundamenta en la ley psicofísica de Weber-Fechner, que establece una relación
logarítmica entre la intensidad física del sonido que es captado, y la intensidad física minima
audible por el oido humano.
Los sonidos que percibimos deben superar el umbral auditivo (0 dB) y no llegar al umbral de
dolor (140 dB). Esta cualidad la medimos con el sonómetro y los resultados se expresan
en decibelios (dB) en honor al científico e inventor Alexander Graham Bell.
Ejemplos:

Nombre Intensidad

piano más suave que pianissimo

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pianissimo(ppp)

Pianissimo (pp) muy suave

Piano (p) suave

Mezzo Piano (mp) medio suave

Mezzo Forte (mf) medio fuerte

Forte (f) fuerte

Fortissimo (ff) muy fuerte

forte fortissimo (fff) más fuerte que fortissimo

El timbre.
Es la cualidad que confiere al sonido los armónicos que acompañan a la frecuencia fundamental.
La voz propia de cada instrumento que distingue entre los sonidos y los ruidos.
Esta cualidad es la que permite distinguir dos sonidos, por ejemplo, entre la misma nota (tono)
con igual intensidad producida por dos instrumentos musicales distintos. Se define como la
calidad del sonido. Cada cuerpo sonoro vibra de una forma distinta. Las diferencias se dan no
solamente por la naturaleza del cuerpo sonoro (madera, metal, piel tensada, etc.), sino también
por la manera de hacerlo sonar (golpear, frotar, rascar).
Una misma nota suena distinta si la toca una flauta, un violín, una trompeta, etc. Cada
instrumento tiene un timbre que lo identifica o lo diferencia de los demás. Con la voz sucede lo
mismo. El sonido dado por un hombre, una mujer, un/a niño/a tienen distinto timbre. El timbre nos
permitirá distinguir si la voz es áspera, dulce, ronca o aterciopelada. También influye en la
variación del timbre la calidad del material que se utilice. Así pues, el sonido será claro, sordo,
agradable o molesto.

La duración.
Es el tiempo durante el cual se mantiene un sonido. Podemos escuchar sonidos largos, cortos,
muy cortos, etc.
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Los únicos instrumentos acústicos que pueden mantener los sonidos el tiempo que quieran, son
los de cuerda con arco, como el violín, y los de viento (utilizando la respiración circular o
continua); pero por lo general, los instrumentos de viento dependen de la capacidad pulmonar, y
los de cuerda según el cambio del arco producido por el ejecutante.

Silencio.
Silencio es el signo que se utiliza en música para medir la duración de una pausa.
Cada figura musical tiene su silencio, y el valor de éste está en correspondencia con la que
representa. Se puede considerar que el silencio es una nota que no se ejecuta. El silencio tiene
dos funciones: La primera es separar las frases musicales, y la segunda es dar tiempo de
descanso (y de respirasionada con mamarias , en el caso de cantantes e instrumentos de viento)
al intérprete.

Relación entre las notas y sus silencios.

La ilustración que sigue, representa las figuras de silencios musicales empleadas en la
actualidad.

La relación entre las notas y sus silencios respectivos es la misma que corresponde a sus
duraciones temporales.

Pentagrama.
En el sistema de notación musical utilizado comúnmente en los países occidentales, el pentagrama (del
griego: penta: cinco, grama: escribir) es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos
musicales. Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las líneas son
horizontales, rectas y equidistantes.

La música se escribe por medio de signos que se colocan en el pentagrama. Los signos principales son:

 Las figuras como representación de la nota musical: cada una de ellas indica duración de sonido y,
situada específicamente en una de las líneas o de los espacios, corresponde a un tono
musical determinado. La invención del pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica del
mismo. Cada vez que la melodía supera el ámbito de nueve tonos que cubre el pentagrama, se
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utilizan espacios y líneas adicionales, que se dibujan tanto encima como bajo el pentagrama, según sea
necesario.
 Las claves.
 Los silencios.
 Las alteraciones.

Solfeo.
El solfeo, tras el estudio teórico-práctico de los signos de la notación musical, es la técnica de
entonar una melodía —haciendo caso de todas las indicaciones de la partitura— gesticulando la
marca del compás y —por lo común— pronunciando los nombres de las notas
musicales entonadas.
También se refiere a la habilidad de reconocer los signos de la notación musical representados en
una partitura, y la vocalización que se hace de su interpretación, entendiendo esto como
la lectura musical, de la misma manera en que alguien leería en voz alta un texto escrito.
El solfeo de una pieza musical, desde el punto de vista estrictamente técnico, no implica
solamente la lectura del nombre de notas (do, re, mi, fa, sol, la, si), porque quien solfea debe, en
el mejor de los casos, prestar atención a todos los signos sobre la partitura (matices, tiempo,
carácter, etc.). Sin embargo, en un contexto más amplio, leer los nombres de las notas con su
respectiva figuración rítmica, incluso omitiendo aspectos tan importantes como la entonación,
debe considerarse como práctica del solfeo (en un nivel muy básico).

Rítmo.
El ritmo en la música se refiere a la frecuencia de repetición ( es en ciertas ocasiones irregulares
de sonidos fuertes y débiles, largos y breves, altos y bajos) en una composición. El ritmo se
define como la organización en el tiempo de pulsos y acentos que perciben los oyentes en una
estructura. Esta sucesión temporal se ordena en nuestra mente, percibiendo de este modo una
forma. El ritmo está muy asociado a los estados de ánimo. En un sentido general, el ritmo es un
flujo de movimiento controlado o medido, sonoro o visual, generalmente producido por una
ordenación de elementos diferentes del medio en cuestión. El ritmo es una característica básica
de todas las artes, especialmente de la música, la poesía y la danza. En la
música folclórica caribeña el ritmo es muy rápido, intenso y excitativo, teniendo como fin alcanzar
estados de euforia. Así también como la música africana contiene ritmos instintivos y básicos,
la música clásica (docta) contiene ritmos lentos y relajantes.
El ritmo tiene mucho que ver con definir el compás, el tipo de compás que define al acento y a
las figuras musicales que la componen. El ritmo no se escribe conpentagrama, sólo con la figura
musical definitoria de la duración del pulso. Si al pentagrama se le agregan notas
musicales aparece el sonido. Al sumar los acentos, figuras y un compás definido por el ritmo,
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surge la melodía. En otras palabras, el ritmo se apoya en los acentos, dando la estructura. La
melodía da forma a todo esto.

Melodía.
Una melodía es una sucesión de sonidos que se desenvuelve en una secuencia lineal y que tiene
una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una
base conceptualmente horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo, y no vertical, como sería
en un acorde donde los sonidos son simultáneos. Sin embargo, dicha sucesión puede contener
cierto tipo de cambios y aun ser percibida como una sola entidad. Concretamente, incluye
cambios de alturas y duraciones, y en general incluye patrones interactivos de cambio y calidad.
La palabra llegó al castellano proveniente del bajo latín «melodia» que, a su vez, proviene del
griego «moloidia» (‘canto coral’), formada por «melos» (‘canción’, ‘tonada’, ‘música’, ‘miembro de
una tonada’) y el griego «oidía» (‘canto’), de «aeídein» (‘canción’).

Entonación.
Término que hace referencia a ajustarse al tono de voz por parte del intérprete.

Cuerdas.
En instrumentos de cuerda, la entonación es también una preocupación al igual que en otros
instrumentos. Como muchos instrumentos de cuerda son inpreocupados, si un dedo es
demasiado alto o demasiado bajo por aún una fracción de un centímetro, la nota será fuera de la
melodía. Debido a que muchos instrumentos de cuerda pueden desafinar, si un dedo es
demasiado alto o demasiado bajo incluso de una fracción de centímetro, la nota va a estar fuera
de sintonía. El proceso de obtención de una buena entonación suele tardar muchos años de
preparación y podría decirse que es la parte más difícil de aprender en un instrumento de cuerda.

Entonación de Traste.
Los instrumentos con trastes directos como guitarras requieren la compensación especial sobre la
sillín y la tuerca. Cada vez que una cuerda es trasteada, también se estira. A medida que la
cuerda se estira, se nota cada aumento de tono. Por lo tanto, todos los tonos que se trastean se
parecen a un sonido agudo. Sin embargo, con la posición derecha del sillín y las colocaciones
exactas de los trastes, al trastear todos los apuntes tocarán agudos por la misma cantidad.
Con el derecho de compensación de frutos de cáscara, el tono de la unfretted (es decir, abrir) las
cadenas se incrementará la misma cantidad que señala el fretted hacer (porque de la correcta
posición de silla). Por lo tanto, estos ajustes en combinación con la reducción de la tensión de la
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cuerda de la que se requiere de un unfretted instrumento permitirá a todos los tonos para ser
exactos.
Con la compensación de tuerca derecha, el tono de los cuerdas trasteadas (p. ej., abierto) se
elevarán la misma cantidad que los notas trasteadas hacen (debido a la posición
del sillín apropiado). Así, estos ajustes combinados con la reducción de la tensión de la cuerda de
la que se requiere un instrumento trasteado permitirán a todos los tonos para ser exactos.

Compás.
El compás es la entidad métrica musical, compuesta por varias unidades de tiempo (como
la negra o lacorchea). Esta división se representa gráficamente por unas líneas verticales,
llamadas «líneas divisorias» o «barras de compás» que se colocan perpendicularmente a las
líneas del pentagrama. En una obra musical escrita, las notas y los silencios que estén
comprendidos entre dos líneas divisorias componen un compás. Un fragmento musical estará
compuesto por el conjunto de compases que lo conforman, los cuales tendrán la misma duración
hasta que se cambie el tipo de compás.
Los compases, según la cantidad de partes de las que constan, se pueden clasificar en binarios,
ternarios o cuaternarios.
El final de un fragmento musical u obra se señala por una barra vertical doble, que también se
usa para señalar partes principales (unidades formales) de un trozo de música, un cambio de
compás o un cambio de clave.

Pentagrama que muestra dos compases de cuatro cuartos, ocupados por silencios de redonda.

Compases binarios.
Los compases binarios se dividen en dos tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se puede
subdividir en dos o en tres corcheas, dando compases de subdivisión binaria o ternaria,
respectivamente.
En el solfeo, los compases binarios (de dos tiempos) se miden en dos tiempos:

 el primer tiempo con el brazo hacia abajo.

 el segundo tiempo con el brazo hacia arriba.
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Compases ternarios.
Los compases ternarios se dividen en tres tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se puede
subdividir en dos o en tres corcheas, dando compases de subdivisión binaria o ternaria,
respectivamente.

En el solfeo, los compases ternarios se miden en tres tiempos:

 el primer tiempo con el brazo hacia abajo

 el segundo tiempo con el brazo hacia afuera.
 el tercer tiempo con el brazo hacia arriba.
Compases cuaternarios.
Los compases cuaternarios se dividen en cuatro tiempos. A su vez, cada uno de estos pulsos se
puede subdividir en dos o en tres corcheas, dando compases de subdivisión binaria o ternaria,
respectivamente.
En el solfeo, los compases cuaternarios se miden en cuatro tiempos. Si se usa el brazo derecho:

 el primer tiempo se marca con el brazo hacia abajo

 el segundo tiempo con el brazo hacia la izquierda
 el tercer tiempo con el brazo hacia la derecha («afuera»)
 el cuarto tiempo con el brazo hacia arriba.

Compases irregulares
También se usa el compás de 8/8 (ocho octavos), que no es binario, ternario, simple ni
compuesto, ya que se utiliza cuando el compositor desea que se perciba un patrón de ritmo no
tan regular. Esta subdivisión arbitraria generalmente debe ser especificada al principio del primer
pentagrama de la obra. El compás de 8/8 más común es el 3+3+2 (utilizado en los tangos de
vanguardia de Astor Piazzolla, por ejemplo; mientras que los antiguos tangos de la «guardia
vieja» estaban siempre en compás de 4/4).
Otros compases «raros», utilizados en la música académica contemporánea (que más bien es la
música del siglo veinte), en la música folclórica búlgara, húngara, española, etc., o en la música
de los rockeros progresivos de los años setenta (o de Sting en los ochenta y noventa) son los de
5/8 (cinco octavos, o cinco corcheas por compás) y 7/8 (siete octavos, o siete corcheas por
compás). El compositor debe avisar al comienzo del pentagrama cómo quiere que los músicos
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enfaticen el compás: en el caso del 5/8 puede ser 3+2, 2+3 o 1+2+2 (llamado zorcico en España);
en el caso del 7/8 puede ser 2+2+3, 2+3+2, 3+2+2, etc.

Semitono.
En Música, un semitono es el menor de los dos intervalos que se pueden producir entre notas
consecutivas de una escala diatónica mayor o menor. Recibe su nombre del hecho de ser
aproximadamente (y en el temperamento igual lo es exactamente) igual a la mitad del tono, que
es el mayor de estos intervalos entre notas consecutivas de una escala. Resulta, pues,
equivalente al intervalo musical entre dos teclas adyacentes de cualquier instrumento de
teclado (como elpiano), o entre dos posiciones consecutivas sobre el mástil de un instrumento de
cuerda con trastes (como la guitarra).

Los semitonos de la justa entonación.

En el sistema pitagórico todas las quintas son perfectas o puras y su relación de frecuencias es
3:2. Aunque esto se considera una gran virtud del sistema, produce un inconveniente con las
terceras mayores y menores. Las primeras constan de cuatro quintas encadenadas (como [Link].
do-sol-re-la-mi) y que resultan demasiado amplias al oído e incluso disonantes. Estas grandes
terceras pitagóricas tienen una relación de 81:64 y reciben el nombre de ditono; constan de dos
tonos de 9:8. Por su parte, las terceras menores pitagóricas de relación 32:27 resultan demasiado
pequeñas y también poco consonantes.
Para conseguir terceras mayores puras de relación 5:4 se puede reducir una quinta de cada
cuatro en una coma sintónica de relación 81:80, lo que da lugar al sistema justo mayor en el que
todas las terceras mayores tienen una relación 5:4. En lugar de reducir una sola quinta de cada
cuatro también se puede repartir la coma reduciendo cada quinta en un cuarto de coma. Esto se
llama sistema mesotónico mayor.