Presentación:
Nombre:
Christopher Guerrero capellán
Matricula:
2016-1320
Asignatura:
Historia del Arte y La cultura
Profesor:
Carlos Lora
Fecha:
14/06/2021
Arte de China
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural
y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como la
mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa y de comunión con la
naturaleza. Al contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la caligrafía, la
cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura, la pintura o la escultura, a la vez que el arte
está plenamente integrado en su filosofía y cultura. En estos asentamientos se han hallado
igualmente tumbas con ricos ajuares de armas, joyas y diversos utensilios en bronce, jade, marfil
y otros materiales.
fragmentó el imperio en pequeños reinos, periodo en el que sin embargo florecieron la
agricultura y la metalurgia, apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo
de los Reinos Combatientes. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo, que influenciarían
enormemente al arte. Destacó el trabajo en jade, decorado en relieve, y apareció la laca. Destaca
el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian, situado en el interior del
Mausoleo de Qin Shi Huang.
Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural, incluidos
varios caballos y carros, con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles. Destacó
por sus capillas funerarias, con estatuas aladas de leones, tigres y caballos. La pintura se centró
en temas de la corte imperial, nobles y funcionarios, con un sentido confucianista de la
solemnidad y la virtud moral. Junto a esta nueva religión, y gracias a la ruta de la seda, se
recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático.
En pintura se formularon los seis principios, enunciados por Xie He a principios del siglo VI, y
comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi. Colores del otoño en
las montañas Qiao y Hua, de Zhao Mengfu. La figura más representada siguió siendo Buda, así
como los bodhisattvas, destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin , de 2,41
metros de altura. En arquitectura la tipología principal fue la pagoda.
En pintura apareció el paisaje, género inicialmente de signo elitista, destinado a reducidos
círculos culturales. Desafortunadamente, los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días, y
sólo se conocen por copias, como Templo budista en las colinas después de la lluvia, de Li
Cheng. Apareció el grabado sobre madera, impregnada de tinta sobre seda o papel. En
arquitectura continuó la construcción de pagodas, como la pagoda hexagonal de Kuo-Hsiang-
Su, o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu.
En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. En pintura proliferaron los temas
religiosos, especialmente los taoístas y budistas, destacando las pinturas murales del templo de
Yonglegong , y artistas como Huang Gongwang, Wang Meng y Ni Zan. El Palacio de la
Suprema Armonía, en el centro de la Ciudad Prohibida de Pekín. El tercer emperador de la
dinastía, Yongle, trasladó la capital de Nankín a Pekín , construyendo un Palacio Imperial , con
tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros, y un amplio complejo de edificios
donde destacan la Sala de la Suprema Armonía y el Templo del Cielo.
Arquictetura china
La arquitectura china se caracteriza por distribuir el espacio en unidades rectangulares que se
unen para formar un todo. En la arquitectura tradicional china, la distribución de las unidades
espaciales se rige por los principios de equilibrio y simetría. El eje constituye la estructura
principal. Las estructuras secundarias se sitúan a ambos lados del eje formando el patio central
y las habitaciones principales.
La arquitectura china se caracteriza también por el uso de una estructura de vigas y pilares de
madera y un muro de adobe que rodea tres de los costados del edificio. La puerta y las
ventanas principales se sitúan en el frente. Los chinos llevan usando la madera como uno de
sus principales materiales de construcción desde hace miles de años. La madera representa la
vida y ésta es la principal idea que la cultura china, en sus múltiples manifestaciones, trata de
comunicar.
La Pintura China
La pintura de esta época era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia, como en la obra
de Lü Ji, Shen Zhou, Wen Zhengming, etc. También destacó la porcelana, muy ligera y de tonos
brillantes, generalmente en blanco y azul, y comenzó la decoración de vasijas de bronce en
esmalte cloisonné. Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas, especialmente
ebanistería, porcelana, tejidos de seda, lacas, esmalte, jade, etc. Cabe mencionar que las
manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo. El triunfo de la revolución
comunista impuso como arte oficial el realismo socialista, si bien recientemente la nueva política
aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas, ligadas a las nuevas
tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia, en la Galería
Nacional China de Pekín, que mostraba las últimas creaciones del momento, incluyendo tanto
obra pictórica como fotografías, instalaciones y performances.
Como complemento tanto la diversificación de las formas como la iconografía con la que se
adornaban correspondían a los principios de jerarquización social y uso ritual que caracterizó los
inicios de la civilización china con la Dinastía Shang y la Dinastía Zhou. En esta última dinastía
surgen las escuelas de filosofía que profundizando sobre la relación del individuo con su entorno
y la consideración social del mismo, establecerán los fundamentos teóricos sobre los que siglos
más tarde se desarrollaría la teoría china del arte. Nos referimos fundamentalmente al taoísmo y
al confucianismo, sin por ello afirmar que existe una clara división entre lo que algunos
consideran arte taoísta como manifestación disgregada de un supuesto arte confuciano.
Es cierto que la poesía, pintura y caligrafía representan todas ellas a través del pincel, la esencia
misma del pensamiento artístico taoísta, pero no hay que olvidar que incluso estas artes sublimes
tuvieron su función social, su jerarquización y en consecuencia participaron del pensamiento
confuciano. Desde la primera escritura tratada artísticamente y convertida en arte de la caligrafía
por Wang Xizhi en el siglo IV d. hasta los últimos heterodoxos de la Dinastía Qing, los pintores
Zhuda y Shitao, la caligrafía, pintura y poesía han estado unidas en unos mismos principios
técnicos y estéticos. La palabra, el carácter es considerado como una imagen, como la
abstracción de una idea y concepto, y la imagen pictórica en la que se reconoce tanto a un
carácter como a un paisaje se lee como una palabra, fusionándose así el pensamiento artístico en
poesía-caligrafía-pintura.
Algunos de estos materiales se desarrollaron de una manera casi única en un contexto histórico
determinado, mientras que otros se adoptaron a nuevos usos y formas. La laca y la seda
coinciden en asociarse con el momento histórico de expansión política y cultural del imperio
chino durante la dinastía Han, siendo también los primeros materiales sobre los que se diseña
pensando únicamente en la belleza del objeto y no en su uso ritual. La carestía de otros
materiales, hizo que a través de los barnices se intentará buscar los efectos cromáticos y plásticos
de otros materiales. Esta técnica decorativa conocida en China desde la Dinastía Han perduró
hasta el siglo XX, siendo rebautizado el color verde de estas piezas por los europeos con el
nombre de celadón.
Las piezas en cerámica funerarias encontraron en la Dinastía Tang su mejor expresión con la
aplicación, mediante inmersión y goteo, de tres colores o sancai. En la Dinastía Song, se
transformaron totalmente los usos y las formas de la cerámica. El cambio del siglo XIII se vio
reflejado en el campo artístico en su industrialización y su distribución en el exterior del país. El
tipo cerámico azul y blanco, es el más característico de esta transformación, siendo sinónimo de
él el nuevo repertorio iconográfico y el paulatino cambio en su distribución y concepción
espacial que afectaría a todos los materiales.
La última dinastía mostró al mundo un gusto por la ornamentación, la exuberancia técnica y el
alarde formal, en una variedad de formas y materiales, que reflejaban el nuevo gusto y estética de
la Dinastía Manchú.
Arte Japones
Es una expresión de la cultura japonesa, desarrollado a lo largo del tiempo en diversos
períodos y estilos que se han ido sucediendo de forma cronológica, en paralelo al devenir
histórico, social y cultural del pueblo japonés. La evolución del arte nipón ha estado marcada
por el desarrollo de su tecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso de materiales
autóctonos. Como en el arte occidental, las principales manifestaciones artísticas han tenido su
origen en la religión y el poder político. El origen de estos pobladores es incierto, barajando los
historiadores diversas hipótesis, desde una raza uralo-altaica hasta un posible origen indonesio
o mongol.
En todo caso, su cultura parecía corresponder al paleolítico superior o mesolítico. Así, a la
cultura ancestral nipona derivada de las sucesivas oleadas inmigratorias se añadió la influencia
foránea, forjando un arte ecléctico y abierto a la innovación y el progreso estilístico. El arte
japonés es pues reflejo de estas distintas culturas y tradiciones, interpretando a su manera los
estilos artísticos importados de otros países, que asumen según su concepto de la vida y el
arte, reinterpretando y simplificando sus características peculiares, como los elaborados
templos budistas chinos, que en Japón sufrieron un proceso de reducción de sus elementos
superfluos y decorativos. Ello da muestra del carácter sincrético del arte japonés, por lo que
siempre ha asumido con naturalidad cualquier innovación procedente de otros países.
El arte tiene en la cultura japonesa un gran sentido introspectivo y de interrelación entre el
hombre y la naturaleza, representada igualmente en los objetos que le envuelven, desde el
más ornado y enfático hasta el más simple y cotidiano. Esto se pone de manifiesto en el valor
otorgado a la imperfección, al carácter efímero de las cosas, al sentido emocional que el
japonés establece con su entorno.
Arte Plástico
Estas sociedades tenían una elaborada organización del trabajo, y estaban preocupadas en la
medición del tiempo, como lo demuestran diversos restos de disposiciones circulares de
piedras en Oyu y Komakino, que actuaban como relojes solares. Al parecer, tenían unidades de
medida estandarizadas, como dan fe diversos edificios construidos según determinados
patrones. En los diversos yacimientos Jōmon se han hallado instrumentos de hueso y piedras
pulimentadas, cerámica y figuras antropomorfas. Estos vestigios corresponden a un período
denominado prejōmon, al que sucedió el Jōmon arcaico o temprano, donde se elabora la más
típica cerámica Jōmon, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de
cuerda, sobre una base de un tipo de vasos profundos en forma de jarra.
La decoración básica consistía en impresiones hechas con cuerdas elaboradas con fibras de
plantas, que se presionaban sobre la cerámica antes de cocerla. En pocas ocasiones se han
hallado restos de escenas figurativas, generalmente dibujos antropomórficos y
zoomórficos, destacando una escena de caza presente en un vaso hallado en Nirakubo, al
norte de Honshū. Por último, en el Jōmon tardío, los recipientes vuelven a ser de formas más
naturales, menos elaboradas, con boles y vasijas de fondo redondeado, ánforas de cuello
estrecho y cuencos con asas, a menudo con pie o base elevada. Aparte de vasos, se
construyeron en cerámica diversas figurillas en forma humana o animal, construidas por
partes, por lo que se han hallado pocos restos de piezas enteras.
Parece ser que en esas sociedades tenía gran relevancia el adorno corporal, principalmente en
las orejas, con pendientes de cerámica de diversa manufactura, decorados con pigmentos
rojos. Igualmente, se elaboraban diversos tipos de abalorios de jadeíta verde, y conocían el
trabajo de la laca, como demuestran varias horquillas halladas en Torihama. También se han
hallado restos de espadas de marfil, hueso o astas de animales.
Entre otros periodos..
Arte Oceánico
La primera cultura desarrollada observada en la zona fue la lapita, originada en el entorno de
Nueva Guinea y extendida por la Polinesia occidental. En Micronesia se produjeron elaborados
complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. En Yap existen las piedras
rai, unos grandes discos de piedra con un agujero central, que algunos autores asimilan con un
tipo de moneda. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra.
En Hawái se construyeron grandes templos, con esculturas de madera de hasta tres metros
que representaban a sus dioses. En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de
casas megalíticas sobre plataformas de piedra, con grandes estatuas antropomórficas. En
Nueva Zelanda, los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes
políticos y religiosos, así como colgantes de nefrita tallada. Son figuras de 4 o 5 metros, que se
situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos de culto a los
ancestros.
En sus viajes por el Pacífico James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían
tejidos, esculturas, joyas, muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales, etc. En
Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus», dedicadas a
ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. También siguió la tradición de las
máscaras, especialmente en Nueva Guinea, Nueva Irlanda y Nueva Caledonia. En las islas
Salomón se dan estatuas de madera de figuras humanas o animales, con incrustaciones de
conchas. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres, así como las
churingas, piezas de madera, piedra o concha, decoradas con motivos geométricos.
El Arte de Oceanía comprende los estilos, técnicas y tradiciones que reflejan las distintas
culturas que jalonan este continente, marcadas por su insularidad, que ha provocado un sinfín
de rasgos culturales en las distintas islas y archipiélagos, que durante mucho tiempo estuvieron
aislados del mundo exterior. Desde la época prehistórica se desarrollaron distintas
culturas, producto de las distintas olas de migraciones de los pobladores primitivos. Cada etnia
generó distintas y variadas civilizaciones en los archipiélagos aislados que forman el continente
oceánico.
Arte mágico, Ritual y Religioso
El tatuaje, forma de ornamentación corporal, tiene una función social importante y es el
resultado de un arte ritual que es una creación estética en sí misma. Los motivos que se usan
son los mismos que en las esculturas de madera. Tan importantes eran los tatuajes rituales que
las cabezas de los jefes, después de muertos, eran vaciadas, horneadas y desecadas para
conservarlas. Los motivos no mostraban el rango o la función del tatuado.
En los casos del tatuaje corporal este podía ocupar todo el cuerpo y el resultado solo dependía
de la interdicción sexual rigurosa que respetaban antes y después de la operación. Solo los
hombres se tatuaban, a las mujeres les estaba vedado acercarse al lugar donde lo hacían. Los
tatuadores podían ser llamados desde lejos por su fama y cada uno dibujaba sus propios
motivos en la cara del paciente. El tiki, la imagen estilizada del cuerpo humano, tema esencial
del tatuaje, podría ser una representación divina.
Los bajorrelieves representando a los antepasados que aparecen en la puerta de la gran
cabaña de los hombres del clan son un monumento recordatorio de los muertos que afirma la
presencia de la colectividad de los antepasados. En las fiestas funerarias en honor de los jefes
muertos los parientes llevan a las casas de los muertos esos bajorrelieves. Cuando realizan un
sacrificio se dirigen al antepasado muerto y le rinden tributo solicitándole que deje en paz a los
muertos. Las estatuas y esculturas religiosas utilizan motivos de una compleja cosmogonía con
un claro formalismo intelectual, no son retratos ni figuras humanas esquemáticas, mientras que
las figuras humanas esculpidas se usan sólo en la magia negra.
Las representaciones de los dioses se podían hacer con rollos de tapa decorados con plumas
que sólo podían ver los sacerdotes, o con pértigas cilíndricas decoradas con motivos
geométricos y clavadas en la tierra, o con una caña con un friso de personajes esquemáticos
en la parte superior y con la parte inferior hundida en un rollo de tapa. Algunas placas votivas
de forma oval alargada que se guardan en las cabañas de los hombres, soporte material de los
espíritus acuáticos, están incididas y pintadas con motivos de rostros humanos. Existen
imágenes de la «serpiente del arco iris», figura clásica de la mitología australiana, mezcladas
con figuras de wondjina, ambas representantes de las potencias de los elementos
atmosféricos. El dios wondjina es señor de la lluvia, y la diosa wondjina provoca la llegada de
muchos hijos.
