ARTE EN EL

SIGLO XX
ESTHER SHAW
ÍNDICE

PRESENTACIÓN……………………………………………………………………………………………….

INTRODUCCIÓN……………………………………………………………………………………………….

CONTENIDO ……………………………………………………………………………………………………

 SIGLO XX REVOLUCIÓN DEL ARTE………………………………………………………………..

 ESTÉTICA EN EL ARTE………………………………………………………………………………..
 LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX………………………………………………………………………
 ARGUMENTOS…………………………………………………………………………………………
 ESTÉTICA TRADICIONAL……………………………………………………………………………
 ESTILOS…………………………………………………………………………………………………

CONCLUSIÓN…………………………………………………………………………………………………..
 PARTE 1

INTRODUCCIÓN AL ARTE DEL SIGLO XX ESTÉTICA

DE ARGUMENTO Y CATEGORÍA TRADICIONAL
 INTRODUCCIÓN
El presente portafolio ha sido elaborado con la intención de lograr los objetivos de aprendizaje
en la asignatura. En este portafolio estudiaremos los argumentos de estética de los creadores
del siglo xx, que es la parte del arte dedicada al estudio de la sensibilidad, la percepción, lo
bello, el gusto, etc.

Abordaremos los problemas de la Estética moderna y la contemporánea para tratar de

comprender cómo las categorías estéticas se han transformado, particularmente en
nuestra época, entre otros factores, debido al desarrollo científico tecnológico.

Pretendo lograr una actitud crítica respecto a las diferentes teorías estéticas a partir del análisis
sobre el origen y desarrollo de la Estética como disciplina del arte, a través de la reflexión
sobre los fenómenos estéticos y su vinculación para desarrollar tu sensibilidad, explorando
distintos fenómenos estéticos y cuestionándolos, a fin de que alcances una comprensión más
amplia acerca del mundo.
 SIGLO XX REVOLUCIÓN DEL ARTE

El Arte del Siglo XX se divide en dos grandes etapas, la que comprende desde principio de Siglo XX hasta el
año 1942 y una segunda que comprende desde el año 1942 hasta el fin del siglo, esta última etapa se inserta
dentro del Arte Contemporáneo. Se incluyen en este siglo al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte
Abstracto. El nacimiento de estos importantes movimientos artísticos cambian el concepto de arte: lo que es el
arte, y hasta lo que se considera o no obra de arte.

El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. Es un arte que no escapa
a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis.

Luego de la Ilustración, que había creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia,
estos valores entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable, lleno de horror y
destrucción. La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando
movimientos artísticos de protesta.

Es una época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances
impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la luna, etc. Todo esto provoca
un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como el futurismo. Se pueden distinguir dos
grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y luego el arte postmoderno.

La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte, el caso mas curioso de esta etapa es el
movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la, aquel entonces, nueva técnica de la fotografía.
El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo en el arte
pop
ESTÉTICA EN EL ARTE

El arte del siglo XX supone una reacción contra el concepto tradicional de belleza. Algunos
teóricos (Hal Foster) llegan a incluso a describir el arte como moderno como «antiestético”.
Evoluciones como la aparición de la fotografía, capaz de reproducir con fidelidad absoluta su
modelo, o los medios mecánicos de reproducción de las obras, que las introducen en el conjunto
de los bienes de consumo de nuestra sociedad, suponen a principios del siglo XX una verdadera
convulsión para la teoría y la práctica artísticas. Así no sólo el campo de estudio de la Estética
sino el propio campo de trabajo del arte se orienta hacia un profundísimo corriente auto
reflexivo que ha marcado todo el arte del siglo veinte: ¿qué es el arte?, ¿Quién define qué es
arte? Él es arte?

Características

 El siglo XX: la estética de la modernidad. Los nuevos medios de reproducción

mecánica de la imagen: Fotografía y cine. Las vanguardias y la ruptura de la idea de
arte. La modernidad en el diseño y en la arquitectura: forma y función.

 La relaciones arte/política y arte/mercado: la estética crítica de inspiración marxista.

Las posiciones de Benjamín, Horkheimer y Adorno. El diseño como estatización de la
mercancía.

 De los años 50 a los años 70: Arte informal y expresionismo abstracto. Estética pop y
arte como “experiencia”.

 Finales del siglo XX: estética y postmodernidad según Baudrillard, Lyotard y Jameson.
El arte de la Transa vanguardia y la arquitectura postmoderna.

 La situación actual: la obra de arte, el artista, el nuevo espectador, el mercado del arte.
Teorías del arte contemporáneo. La estetización difusa.

 Otras estéticas: kitsch y camp.

ESTÉTICA SOBRE
LOS ARGUMENTOS
DE LOS CREADORES
DEL SIGLO XX
LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX

En la modernidad, la relación de la belleza con las formas sensibles se desconecta de los

modelos ideológicos impuestos extendiéndose, hacia finales del siglo XX, un descrédito del
uso de la belleza en las producciones artísticas así como un rechazo al uso del concepto en la
Estética y como medida del arte. La "muerte de la belleza" en los tiempos modernos es resultado
de la crisis histórica de la existencia de un principio estético uniforme propugnando la
fragmentación cultural con la diversidad de las representaciones humanas.

Como la originalidad se volvió un motor creativo, desde entonces han aparecido gran cantidad
de movimientos, muy diferentes entre sí. Por eso, en este artículo presentamos una lista
orientadora sobre los más importantes movimientos artísticos del siglo XX y sus autores más
conocidos, ordenada cronológicamente.

AUTORES DE LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX

 Foucault
 Didi-Huberman
 Danto
 Adorno
 Barthes
 Formaggio
ARGUMENTOS

ERIC HOBSBAWM

Un tiempo de rupturas, en el que el mundo se fragmentó y se volvió a unir; la tecnología fue

un parte aguas en la comunicación y logró conectar a todo el mundo en instantes. La estructura
de los países se definió a través de los conflictos bélicos y poco a poco Estados Unidos logró
colocarse como el epicentro del mundo económico, político y hasta cultural.

KANDINSKY

Definió el arte como total

VAN GOGH

Que a través de sus pinturas expresa subjetivamente su propia psicología.

IVOR ARMSTRONG RICHARDS

Filósofo inglés del siglo XX, sostuvo que el arte tenía la capacidad de reconciliar aspectos
conflictivos de la realidad. Esta idea ha tenido mucha influencia, pero a la vez es
ideológicamente sospechosa. La "civilización" que intenta proteger no es cualquier cultura sino
una estrecha porción de una privilegiada tradición occidental.

EL NEW CRITICISM

Influyente en varias oleadas desde la década de 1920 hasta la de 1960, concebía a la obra de
arte como unificada estructura de significado que debe entenderse en y por sí misma, sin
referencia a las intenciones de su autor o a su impacto emocional sobre el espectador; creían
que la obra de arte debía verse como complemente autónoma
Novelas de Beckett y Kafka, las pinturas de Munch, las esculturas de Giacometti, para dar unos
pocos ejemplos al azar, muestran claramente esta tendencia

ROY LICHTENSTEIN

Trabajó con las técnicas de la cultura masiva para producir algunas de sus imágenes más
famosas. Seleccionó cuadros de historietas y los reprodujo en óleo sobre tela. Estas pinturas
eran tan semejantes que parecía que el pintor no había puesto nada de su propia imaginación

ANDY WARHOL

Ejemplo destacado son las obras quien usaba objetos comunes como latas de sopa, botellas de
gaseosas, paños y dinero como temas de sus pinturas.

CHARLES PERCY SNOW

en 1964, en su ensayo Las dos culturas, describía dos comunidades bien diferenciadas la de
los científicos, por un lado, y la de los artistas por otro caracterizadas por haber perdido sus
raíces comunes, así como la capacidad de comunicarse entre sí. El origen de este divorcio,
según Snow, se remonta a la llegada de la ciencia como paradigma de interpretación de la
realidad

ANDY WARHOL

El Arte, en cambio, parece menos abierto y activo. Las vanguardias que lo estimularon en la
primera mitad de siglo XX ya no existen; bien porque ya todo está dicho, bien porque el valor
de las obras a menudo es "10 que alguien está dispuesto a pagar por ellas"
PAUL BROWN

Artista y educador, ve además una invasión en toda regla: "Creo que e/ historiador de arte del
futuro, al analizar este fin y comienzo de milenio, verá que los principales impulsos estéticos
han provenido de la ciencia y no del arte,Quizá la ciencia esté evolucionando hacia una nueva
ciencia llamada arte, quizá el propio arte, al menos el arte que hemos conocido en este último
cuarto de siglo.

LEONARDO DA VINCI

Representa una culminación espléndida de la síntesis de los dos oficios. La distancia entre

ciencia y arte se acorta pero ¿cuándo se creó esta separación?, y ¿qué artistas la han cruzado?
Durante la antigüedad, no había ninguna separación entre artistas y científicos. Los griegos no
hacían distinciones, todo era teche (arte, habilidad, técnica, destreza).

NAUM GABO

Constructivista y primer autor de una escultura cinética, señalaba: "La única meta de nuestro
arte pictórico y plástico ha de ser la realización de nuestra percepción del mundo en las formas
de espacio y de tiempo. La plomada en nuestra mano, los ojos tan precisos como una regla.
Debemos construir nuestras obras de la misma manera que el universo construye las suyas, de
la misma manera que el ingeniero construye puentes y el matemático fórmulas". Otros artistas,
como Lazlo Moholy-Nagy, crearían obras originales basadas también en el movimiento, la luz
o el cine.
GINO SEVERINI

Planteo una visión alternativa ejemplo, los futuristas. Decía: "Yo preveo el fin del cuadro y de
la estatua. Estas formas de arte, incluso empleadas con el espíritu más genuinamente innovador,
limitan la libertad creativa del artista. Ellas mismas contienen sus destinos: museos y galerías
de coleccionistas, en otras palabras, cementerios". Los futuristas planteaban la búsqueda de
nuevas formas artísticas; en esa búsqueda, la tecnología —y su símbolo, la máquina— no era
un enemigo, sino un aliado y hasta una obra susceptible de valoración estética.

HUYSSEN

Es sugerente, entre otras cosas, "por la manera en que se aleja de la un tanto asfixiante tradición
francesa, por un lado, o la insistentemente obvia modernidad habermasiana, Marx lo había
realizado en el siglo XIX, o Berman lo propone para el siglo XX, Huyssen se propone rescatar
la posmodernidad tanto de sus "campeones" como de sus "detractores" "Así como Marx analizó
dialécticamente la cultura de la modernidad en sus dos aspectos, progresivos y destructivos, la
cultura de la posmodernidad debería ser captada en sus logros y sus pérdidas, en sus promesas
y perversiones", dice este autor.

WALTER BENJAMÍN

Ha mediado de los años 30, había pronosticado que la reproducción tecnológica destruía el
"aura de la obra de arte y en esta pérdida Benjamín veía las condiciones para una futura
integración del arte a la vida en una sociedad emancipada. Contrario a las predicciones del
crítico alemán, lo que la destronación del valor cultual aurático produjo fue, en realidad, que
la producción estética ingresara de lleno al ámbito de la industria de la cultura
 PERCEPCIÓN PERSONAL SOBRE LOS ESTILOS

Los artistas modernistas se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen

natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.

-Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como
en la decoración.

-Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos en su representación

realista.

-Se utilizaron imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en
las ondas de los cabellos de las mujeres y en los pliegues de sus vestidos.

-Los cuadros modernistas, tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de

los sentidos, llegando incluso al erotismo.

-Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de
estampas japonesas.

Porque, si hemos dicho que a veces han evitado astutamente la argumentación, cierto es
que ofrecen opiniones. Pero una teoría y una filosofía que se dejan dirigir por el triunfo
de quien mejor ha sabido defender sus intereses, en lugar de competir por alcanzar la
verdad, pronto acaba apartándose de esa verdad por haberse perdido en el mundo de la
fantasía.
ESTÉTICA
TRADICIONAL
Apareciendo en el siglo 20, son los principales movimientos de la estética contemporánea.
Encajan especialmente en el contexto de las preocupaciones sobre el lenguaje (cuestión central
de la filosofía del siglo XX) en relación con el surgimiento de nuevas ciencias (lingüística,
neurociencia).

FENOMENOLOGÍA

Heidegger define la estética como “la ciencia del comportamiento sensible y emocional del
hombre y lo que lo determina”. Fue después de 1933, en las conferencias sobre “El origen de
la obra de arte”, sus estudios sobre la poesía de Hölderlin y la pintura de Van Gogh, que
Heidegger abordó la cuestión del arte. Mueve toda la pregunta ontológica ¿Qué es? Sobre las
artes. En su enfoque fenomenológico, designa la obra de arte como una implementación de una
revelación (alètheia) del Ser. Oponiéndose a la corriente objetivista (que establece la verdad
por una relación con la idea de la realidad), Heidegger define el arte como el medio privilegiado
de una “implementación de la verdad” por parte de la mente:

Este enfoque es desarrollado más tarde por filósofos como Jean-Paul Sartre, Maurice Merleau-
Ponty, Mikel Dufrenne y Jean-François Lyotard.

ESCUELA DE FRANKFURT

Los filósofos de la Escuela de Frankfurt están fuertemente marcados por un pensamiento

materialista, inspirado en el marxismo y el estudio de las crisis del siglo XX. Su estética se
basa en un análisis crítico de las ciencias sociales y un estudio de la cultura de masas. Para
Theodor W. Adorno (1903-1969), especialmente en su Théorie esthétique (1970), el arte sigue
siendo un área de libertad, contestación y creatividad en un mundo tecnocrático. El arte tiene
un papel crítico frente a la sociedad y sigue siendo un lugar de utopía, siempre que rechace su
propio pasado (conservadurismo, dogmatismo, serialismo). Adorno también se opondrá a las
instalaciones de la cultura de masas (industria cultural), condenando el paso del jazz.
“POSMODERNISMO” FRANCÉS

Entre los años 1960 y 1980, varios filósofos franceses impulsaron nuevos enfoques de la
estética. Sus teorías dispares tienen una fuerte influencia en los Estados Unidos en la crítica
literaria y artística, donde se les conoce como “teoría francesa”. Estos autores, a veces adscritos
a una filosofía posmoderna o postestructuralista, persiguen una crítica del sujeto, de la
representación y de la continuidad histórica, bajo la influencia de Freud, Nietzsche y
Heidegger.

ESTÉTICA ANALÍTICA

Apareció en la década de 1950, la estética analítica es la corriente de pensamiento dominante

en el mundo anglosajón. Resultante del empirismo y el pragmatismo, esta estética se basa en
una búsqueda por lógica – instrumentos filosóficos y análisis del lenguaje, en la extensión de
la filosofía analítica. Esta estética está constituida por un conjunto de teorías homogéneas,
esencialmente relacionadas con el análisis de las preguntas y definiciones del arte. Estas teorías
se afirman independientes de la estética “tradicional”, tanto por la restricción de sus objetos
(quedan excluidos: la cuestión de lo bello, la historia de la estética) que por la especificidad
analítica de sus métodos de investigación (refiriéndose a la lógica y no especulativo). El
enfoque metafísico sigue esta tendencia, especialmente en la “verdad de las formas”.

NUEVAS CIENCIAS DEL ARTE

Los objetos de la estética también son abordados por ciertas nuevas disciplinas de las ciencias
humanas y sociales, enriqueciendo la búsqueda de nuevos enfoques teóricos y metodológicos.
SOCIOLOGÍA ESTÉTICA

Como continuación de la historia cultural del siglo XIX, la historia social del arte estudia las
fuerzas colectivas que trabajan en el arte. Oponerse al idealismo filosófico, esta sociología está
inicialmente influenciada por el pensamiento marxista (materialismo histórico); destaca
principalmente el contexto socioeconómico 40 y busca vincular la evolución artística con las
luchas y las clases sociales. Oponerse al determinismo marxista, diferentes enfoques del
estudio de los contextos sociales del arte, más atentos a internalizar el “mundo del arte”: un
estudio de la inscripción contextual de obras en el medio cultural, especialmente a través de la
historia cultural y la antropología del arte (Lévi Strauss, Boas); un estudio sociológico del
habitus del arte (Bourdieu); una sociología de acción e interacciones contextuales (Becker).

Estos nuevos enfoques del arte se enfrentan, por ejemplo, con la idea común de una obra, nacida
de una inspiración “libre” del artista, o de una lógica estética intrínseca al arte e independiente
del entorno social. De la misma manera, las redes sociales Se revelan los mecanismos de
recepción de obras (distinción, código). Sin embargo, estas ciencias sociales eluden el estudio
de las obras mismas, confiriendo tal vez un reduccionismo “social” al arte; es la razón de
nuevos enfoques que no solo abordan el medio ambiente, sino que la práctica, ver el trabajo en
sí mismo.
PSICOLOGÍA DEL ARTE

La psicología del arte tiene como objetivo el estudio de los estados de conciencia y los
fenómenos inconscientes en el trabajo en la creación artística o la recepción de la obra. El
análisis de la creación artística retoma la idea de una primacía del propio artista en la
interpretación del arte; idea desarrollada desde el Renacimiento y el Romanticismo, y ya
incluida en los planteamientos biográficos de algunos historiadores del arte del siglo XIX (ver
Kunstwissenschaft). Desde 1905, con la redacción de Freud de la teoría de los impulsos, el arte
se convierte en un objeto de psicoanálisis. Este enfoque no está dirigido a evaluar el valor del
trabajo, sino a explicar los procesos psíquicos intrínsecos a su desarrollo.

SEMIOLOGÍA DEL ARTE

Siguiendo las teorías de Ferdinand de Saussure y el estructuralismo, una semiología del arte
está tomando forma lentamente. Esta “ciencia de los signos” estudia no los motivos o los
significados de las obras, sino los mecanismos de significancia (cómo significa el trabajo); el
trabajo se considera aquí como un espacio de signos y símbolos cuya articulación debe ser
descifrada. El lenguaje de las obras (por ejemplo, el lenguaje pictórico) no se considera como
un sistema idéntico a los idiomas: de hecho, este “lenguaje” no está compuesto de unidades
carentes de significado (como fonemas lingüísticos), o por signos de pura convención. Este
lenguaje existe principalmente a través de relaciones analógicas. Si se pueden determinar
algunos códigos específicos del lenguaje del arte (papel de forma, orientación, escala), la
implicación de elementos estrictamente materiales (relacionados con el objeto: pigmentos, luz)
Sin embargo, no se completa reducir el arte a los sistemas de lenguaje.
ALGUNOS EJEMPLOS DE LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX
 EJEMPLOS DE
ALGUNOS ESTILOS
EXPRESIONISMO, 1905-1933 APROXIMADAMENTE

El expresionismo fue artístico, además de cinematográfico, musical y literario. No fue un estilo

unificado, pero sus artistas pretendieron ofrecer una mirada crítica sobre la realidad, percibida
como fuente de malestar individual y social. Se expresó en diversas corrientes y grupos como
El jinete azul y Nueva Objetividad. Entre sus máximos representantes se cuenta a su inspirador,
Edvuard Munch, así como a Emil Nolde, Kathe Kollwitz, Ernst Ludwig Kirchner y Franz Marc,
entre otros.

1. Emil Nolde: La crucifixión. 2. Kathe Kollwitz: Los sobrevivientes. 3. Ernst Ludwig

Kirchner: Autorretrato como soldado
CUBISMO, 1907-1917 APROXIMADAMENTE

El cubismo fue un movimiento perteneciente a las llamadas vanguardias históricas del siglo
XX, aquellas que se manifestaron hasta el período entreguerras. Se caracterizó por la síntesis
geométrica de las formas y la representación de varios planos en uno solo. Incorporó también
elementos del arte primitivo, creó técnicas como el collage y le dio un lugar a la tipografía en
el lienzo. Sus representantes principales fueron Pablo Picasso, Juan Gris y George Braque.

Pablo Picasso: Las señoritas de Avignon. 2. George Braque: Violín y jarra. 3. Juan Gris:
Hombre en el café
FUTURISMO, 1909-1920

El futurismo fue un movimiento pictórico y literario nacido con un manifiesto escrito por
Filippo Tommaso Marinetti, uno de sus máximos exponentes. Se caracterizó por el culto a la
máquina y la representación del movimiento sobre la superficie pictórica y escultórica. Además
de Marinetti, destacó también Giacommo Balla y Umberto Boccioni.

1. Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con correa. 2. Umberto Boccioni: La carga

de los lanceros. 3. Umberto Bocciononi: Formas únicas de continuidad en el espacio.

ABSTRACCIÓN LÍRICA, DESDE 1910 EN ADELANTE

Más que un movimiento, la abstracción lírica fue una corriente que impulsó otros
movimientos, como el rayonismo y el expresionismo abstracto. En su origen, propuso
liberar al arte de la imitación de la naturaleza por primera vez en Occidente. Su técnica se
basaba en la libertad compositiva y los valores armónicos del color, haciendo del lenguaje
plástico el interés fundamental de la obra. Su impulsor más destacado fue Vasily
Kandisnky.
1. Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta. 2. Vasili Kandinsky: Amarillo, rojo y azul.

RAYONISMO, HACIA 1912

El rayonismo se considera un movimiento inscrito en la corriente de la abstracción lírica. Centró su interés

en la representación de la luz, los rayos y el color en secuencias dinámicas ordenadas. Sus principales
exponentes fueron Natalia Goncharova y Mijaíl Lariónov.

1. Mijaíl Lariónov: Rayonismo rojo. 2. Natalia Goncharova: Gatos (percepción rayonista en

rosa, negro y amarillo).
 ARTE CONCEPTUAL, DESDE 1960 EN ADELANTE

El arte conceptual fue una tendencia artística que se desarrolló a mediados de la década de 1960.
En esta tendencia, el concepto tiene preferencia sobre el objeto artístico real. En algunos casos
supuso la ruptura del concepto del arte como objeto coleccionable y la aparición de nuevos
recursos expresivos. Entre sus máximos exponentes se reconoce a Joseph Kosuth, Yoko Ono,
León Ferrari y Harriet Bart.

1. León ferrari: civilización occidental cristiana. 2. Joseph kosuth: una y tres sillas. 3. Yoko
ono: painting to hammer a nail.
 CONCLUSIÓN

En realidad, si la experiencia del hombre actual se limitara a esa enumeración caótica de vértigo,
shock, y esquizofrenia, la experiencia de vida sería muy pobre. Si bien es verdad que los modos de
percepción y sensación se han transformado, y muchas de las imágenes con las cuales se describen
esto cambios son ilustrativas, esto no quita que la experiencia reflexiva, la lectura racional y crítica
no tenga lugar. Es cierto que la crítica ideológica, la argumentación racional, tiene poco peso en una
sociedad saturada de información. En esto puede llegar a tener razón Lyotard en relación a Habermas,
cuando introduce la cuestión del poder, pero no por eso se debe abandonar el proyecto de una
sociedad emancipada, que ha sido uno de los discursos clásicos de la modernidad.