Educación Artística
Lineamiento histórico: Cubismo
Profesora: María Valladares
Alumnas:
Daniela Recalde;
Johana Alvarito;
Magdalena Barbero;
Sofía Mosbruker
Fecha de presentación: 18/04/2017
Carrera: 2° año de Educación Primaria
Establecimiento: I.S.F.D Y T. N° 40
Carrera: Educación Primaria 2° año 2017
Materia: Educación Artística
Profesora: María Valladares
I.S.F.D. Y T. N°40 Alumnas: Daniela Recalde; Johana Alvarito; Magdalena Barbero; Sofía Mosbruker
LINEAMIENTO HISTÓRICO: CUBISMO
PABLO PICASSO:
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor
español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.
Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en
muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros
grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y
colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la
ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes
teatrales.
Biografía
En 1891, la familia se vio obligada a abandonar Málaga, debido a la poca estabilidad económica de la que
disfrutaba. José Ruiz Blasco había comenzado a pedir reiteradamente el traslado a la ciudad de La
Coruña, –donde se había creado una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes– tras su cese como
conservador del Museo de Bellas Artes de Málaga en 1888. El cambio no fue para nada agradable para su
familia, como queda plasmado en la expresión que Picasso recordaba de su padre en esta etapa: «Ni
Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada». «Solamente para mí fue una fiesta el traslado a Galicia.» En
Galicia, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años.
Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los
personajes populares. En La Coruña hizo su primera exposición con 13 años y publicó caricaturas y
dibujos en las revistas auto editadas a mano "La Coruña", "Azul y Blanco" o "Torre de Hércules".
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y
en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde el joven
Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por
complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía
tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña.
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de
ingreso en la Escuela de la Lonja, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de
las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al
contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a
pintar en su vida.
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Profesora: María Valladares
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GEORGE BRAQUE:
Biografía
Georges Braque fue un pintor y escultor francés. Junto con Pablo Picasso fue uno de los iniciadores del
cubismo.
Fecha de nacimiento: 13 de mayo de 1882, Argenteuil, Francia
Fecha de la muerte: 31 de agosto de 1963, París, Francia
Cónyuge: Marcelle Lapre (m. ?–1963)
Períodos: Cubismo, Fovismo, Arte moderno, Cubismo analítico
Padres: Charles Braque, Augustine Johannet.
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Profesora: María Valladares
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ETAPA AZUL:
Entre 1901 y 1904 Picasso pintó una serie de obras en las que predomina el color azul, un dibujo preciso
de figuras humanas distorsionadas y alargadas a la manera de El Greco y unos temas llenos de
melancolía, dolor, pobreza y soledad. Es la época azul.
Picasso dijo que “no era suficiente con conocer las obras de un artista. También hay que conocer cuándo
las hizo, por qué, cómo, en qué circunstancias…”. Las circunstancias de la época azul comienzan con el
suicidio de Carlos Casagema, uno de los amigos más queridos de Picasso. Picasso se traslada poco
después a vivir a París, al estudio dónde vivió Casagema e intenta, sin mucho éxito, triunfar en la pintura.
Pobre, extranjero, solo, rememorando al amigo muerto, es fácil entender que Picasso se sumiera en la
tristeza, que comenzara a ver el lado duro de la vida, la miseria, la soledad, la desesperación. Y que
fueran ésos los sentimientos que reflejara en sus cuadros.
ETAPA ROSA:
A partir de 1905 y de manera gradual, el trabajo de Picasso evoluciona y vuelve a darse un nuevo
cambio temático y cromático. Esta nueva etapa durará hasta 1906 y coincide con su estancia en
París, allí conocerá a su primera compañera. Los colores fríos y azules de la etapa anterior van
dejando paso a tonalidades más rosáceas y cálidas, es lo que se conoce como la época rosa. En esta
nueva fase la temática también evoluciona, dejando en un segundo plano los personajes marginales
de la etapa azul y centrándose en el mundo del circo y la figura de la mujer. La presencia del circo en
sus nuevas obras no es casual, durante esta etapa Picasso está viviendo en París, en el barrio
Montmartre, allí está instalado cerca de un circo. Este ambiente circense le servirá de gran
inspiración en sus trabajos pictóricos. En esta etapa también hay que destacar la importancia que da
a la figura de la mujer, ya sea sola o en compañía.
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INFLUENCIA AFRICANA
Período africano o negro
Sobre el año 1907, cuando Picasso ya era un pintor famoso con más de 200 obras tras de sí, comienza su
etapa negra o africana. Las manifestaciones fundamentales en esta época son las procedentes de la
cultura negra, debido a que la escultura africana le había impactado mucho. Además está muy
influenciado por lo romántico y lo ibérico.
Todo este conjunto de influencias dará lugar a su obra las Señoritas de Avignon, obra que a su vez supone
el punto de partida del cubismo en 1909.
En este período hay pocas obras importantes, una de ella es “las grandes bañistas”.
CUBISMO
Movimiento artístico europeo de principios del siglo xx caracterizado por la descomposición de la realidad
en figuras geométricas.
"Pablo Ruiz Picasso es, junto con Braque, el fundador del cubismo; el cubismo no es un movimiento más,
sino que representa la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional".
El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la
utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo proviene del
vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Luis Vauxcelles.
Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo
Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del cubismo.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que revolucionaron el
panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado como una vanguardia pionera
ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último principio renacentista que seguía vigente a
comienzos de siglo.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas
que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un
rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en
la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
Cabe destacar que, más allá de la pintura, el cubismo llegó a la literatura. Los caligramas combinan la
poesía con los dibujos, al organizar el texto de una manera particular. El poeta francés Guillaume
Apollinaire fue uno de los principales creadores de caligrama.
Entre otros nombres fundamentales del movimiento podemos citar a Juan Gris, Jean Metzinger, Albert
Gleizes y Fernand Leger.
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Diferentes fases del cubismo
Como punto de partida del movimiento podemos señalar “Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, en
1907. Desde entonces, el cubismo planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva,
movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la
hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se desliga de la interpretación o la
semejanza a la naturaleza.
Es importante señalar que fue esta la primera vanguardia que apareció en el arte gráfico, que se opuso
rotundamente al movimiento en auge del momento, el Renacentismo donde se le daba una importancia
fundamental a la perspectiva. En el cubismo, esta desapareció y se fragmentó en líneas y superficies; esta
nueva forma de comprender la perspectiva recibió el nombre de perspectiva múltiple. Ya no existe un
único punto de vista ni tampoco hay sensación de profundidad ni detalles.
ETAPAS DEL CUBISMO
En este movimiento existen dos fases bien diferenciadas:
* Cubismo Analítico: (1909-1912)
Se lo conoce también como cubismo puro y es el más complejo de comprender. Se basa en la
descomposición de formas y figuras geométricas para analizarlas y reordenarlas de una forma diferente y
descompuesta. La pintura es casi monócroma (gris y ocre).
* Cubismo Sintético: (1912-1914)
Le siguió a la corriente anterior y se basó en la recomposición de los objetos, es decir ya no en el análisis
detallado de sus formas, sino en captar la esencia de su fisonomía. Estos artistas resaltaban a través de
colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura. En esta etapa surgió la técnica
del collage y el uso de elementos de la vida cotidiana permitiendo ofrecer una imagen global ofreciendo un
referente concreto.
Por último cabe añadir que la aparición de la fotografía en escena fue fundamental para la liberación
absoluta del arte gráfico. Al representar de forma más exacta que la pintura la propia realidad, permitió que
ésta pudiera volverse más abstracta, al quitarle el peso de tener que representar las cosas tal cual
aparecen en la realidad para transcribirlas.
ACONTECIMIENTOS IMPORTANTES QUE SUCEDIERON EN EL LINEAMIENTO CUBISMO EN EL
AMBIENTE POLITICO Y SOCIAL
La Revolución Industrial, Revolución Rusa y la Primera Guerra Mundial fueron los acontecimientos que
enmarcaron el contexto social y político del cubismo.
El contexto en el entorno social en el que se desarrolló el cubismo fue muy agitado, ya que aún
había consecuencias de la revolución industrial por la razón de que Europa se estaba industrializando, y
todavía quedan las secuelas de la revolución Rusa en el momento que inicia la Primera Guerra Mundial.
En el ámbito económico Europa sufría la peor de las crisis; por esto, se efectuaban variedad de cambios y
en entre ellos la búsqueda del arte por algo nuevo, por comenzar a descubrir nuevas formas de expresión
y así pretendía tener una injerencia social en el arte, con la intención de que una obra no estuviera
destinada solamente a la contemplación sino a reflejar estos cambios.
El cubismo se considera como una revolución dentro de la pintura, ya que replante el arte y desde ahí
siguen unos esquemas rígidamente geométricos, y así reflejando estos cambios en el arte quería dar a ver
con características específicas que el cubismo reflejaba la realidad de esa época.
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Los comienzos de la Primera Guerra Mundial generaron un cambio fulminante para el cubismo, porque la
mayoría de pintores de esta vanguardia fueron convocados al servicio militar. Exponentes importantes
como Braque y Derain habían sido llamados para incorporarse a las filas, generando así un gran vacío en
la vanguardia. Teniendo en cuenta que grandes exponentes como Braque se vieron afectados por este
suceso.
Influencia industrial
Los artistas, inmersos en una Europa que estaba viviendo una etapa de desarrollo industrial alienador, que
se reflejaba incluso en el carácter "industrializado" de la enseñanza artística que se impartía en las
academias, encontraron, en el simplismo de Rousseau y en el vitalismo fauvista primero, y más tarde en el
estructuralismo cezanniano y en la rotundidad de las esculturas negras, una solución liberadora del mundo
que les torturaba. Picasso y Braque traducen al movimiento cubista estos deseos de revolución estética. El
hombre se encuentra ahora sometido a un mundo racional, rodeado de máquinas y cemento, ajeno a la
naturaleza. El cubismo parece una parodia de este mundo industrial y suprarracional: los objetos cobran
en sus manos un valor mecánico y se organizan los unos con los otros en virtud de complicadas
articulaciones de carácter lógico. Parece también un ensayo de estructurar el mundo en unas perspectivas
geométricas puramente racionales, no visuales: nuestros sentidos no coinciden, la geometría que vemos
no es la que comprendemos, la geometría de Euclides no es la que ven nuestros ojos. Los cubistas
quieren corregir este error sensorial: rompen la perspectiva tradicional y destruyen un mundo amable al
mostrarnos un mundo natural que nosotros hemos convertido en una ecuación de intereses. El cubismo
nos presenta un mundo que no vemos, pero que sentimos; es, por lo tanto, una vivencia, una forma de
expresionismo: la sensación de vivir en un mundo mecanizado, caótico, de ciencia-ficción... es una
respuesta a la angustia de la incomunicación.
La primera guerra mundial
Para los artistas, el comienzo de la Primera Guerra Mundial supuso un cambio fulminante de la situación.
Como todos los pintores cubistas, excepto Picasso, eran relativamente jóvenes, muchos de ellos fueron
llamados al servicio militar. El 2 de agosto de 1914, Picasso acompaña a la estación de Aviñón a Braque y
a Derain, que habían recibido la orden de incorporarse a las filas.
Algunos pintores como Braque sufrieron heridas graves en la cabeza, teniendo que ser operados y
tardando más de un año en recuperarse, lo que afecto a su pintura
En la posguerra, los protagonistas, sobre todo Pablo Picasso y George Braque, superaron los logros del
cubismo, recuperaron en sus obras la figura humana y la objetividad. Picasso recuerda su adiós al
cubismo: “se quiso hacer del cubismo una especie de cultura física. Así aparecieron personas débiles
presumiendo con un solo cuadro. Creían que reducir todo a cubos equivalía a dotar la obra de fuerza y
grandeza. De esta manera surgió un arte amenazante, sin una relación auténtica con el trabajo lógico que
yo trataba de llevar a cabo’’.
Entre sus influencias podríamos mencionar al arte tribal: máscaras, estatuillas, y escudos, producto del
intercambio cultural con las colonias y un mundo aún virgen, y que exaltaba la imaginación y daba por
tierra con todo lo establecido hasta el momento. Es por dicha influencia que a este incipiente movimiento
se lo bautiza Fase Negra, con un claro exponente en Les Demoiselles d’Avignon, de Picasso, obra en la
cual dos mujeres portan máscaras africanas.
Asimismo incorpora de los italianos del Trecento como Giotto, Simone Martín y Tadeo Gaddi, las técnicas
del punto de vista alto, presente en los edificios, al retratar tanto sus paredes como tejado. Y también
estableciendo múltiples puntos de fuga divergentes, no orientados al interior del cuadro sino fuera de él,
hacia el espectador, trasladando la imagen desde el plano pictórico al mundo físico. Esto se conoce como
perspectiva inversa.
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PINTORES CUBISTAS
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas
tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El
título se refiere a un burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de
Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados
sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro,
y retrato de Ambosio Vollard. En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza
muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo
reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de
1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la
simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.
George Braque (1882-1963)
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se
pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas
muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las
formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.
También introducirá en sus pinturas los collages.
Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del
pintor.
Juan Gris (1887-1927)
Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y
un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus
bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas,
diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del
bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.
Fernand Leger (1881-1955)
El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el
maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una
especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc.
Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.
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DESCRIPCIÓN DE OBRAS:
LAS SEÑORITAS DE AVIÑÓN
1) El bodegón: reconocimiento al legado de Cézanne, fallecido en 1.906, el bodegón de frutas
-sandía, uvas, manzana e higo o pera- desmiente las leyes de la gravedad apoyándose sobre un
triángulo a partir de cuyos lados se trazan las grandes líneas que ordenan la composición de la
tela.
2) Azul definitorio: aunque utilizó el color para distinguir planos, el pintor perfiló de azul algunas zonas
del cuadro. No lo hizo para evitar confusiones, sino para acentuar la composición geométrica. En
este caso, la línea agudiza la forma triangular de la rodilla.
3) La máscara: la influencia de la escultura negra es visible en este rostro-máscara. En la nariz,
Picasso forzó con líneas de color verde las convenciones pictóricas utilizadas para reproducir el
volumen. Utilizó el mismo recurso en el pecho de la figura.
4) El rostro imposible: premonitoriamente cubista, este extravagante rostro de ojos desalineados y
nariz torcida es el rasgo más sorprendente del cuadro. Con esta forma extraña bajo la cabeza
parece que Picasso pretendió aludir al giro repentino que sorprende al voyeur.
5) Sensualidad y geometría: frente al rigor geométrico que domina las figuras de los extremos de la
tela, las curvas suavizan las formas de las dos mujeres que se ofrecen sensualmente al espectador
desde el centro de la tela. La disposición horizontal de sus narices anuncia las dislocaciones de sus
retratos de los años 30. El ligero tratamiento del fondo sobre sus cabezas confirma al espectador la
afirmación del autor de que este cuadro es un trabajo inacabado.
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EL GUERNICA:
1) El toro: igual que la figura del caballo, la del toro ha sido siempre interpretada en términos
contradictorios. Representación del inocente pueblo español o de la brutal casta militar que lo
masacra, su situación de indemne ha vertido sobre él la sombra de la ambigüedad. Víctima o
agresor, en la cabeza del toro se mezclan los ojos del guerrero descuartizado, la boca perpleja d
los que huyen y la lengua de los que claman, lo que da a entender que no es ajeno al dolor de la
terrible escena que presencia.
2) El quinqué: basándose en el significado que la luz solitaria adquirió en otras obras anteriores de
Picasso, la presencia del quinqué ha sido interpretada a menudo como el símbolo de la esperanza.
3) La lámpara: como un estallido de luz, en lo más alto del lienzo brilla una lámpara, radiante como un
sol, con destellos en blanco y negro, cuya bombilla fue el último motivo que dibujo Picasso. Objeto
de significado ambiguo, semejante a un ojo divino su presencia es coherente con el espacio interior
donde transcurre la escena.
4) El caballo: réplica animal del dolor de la madre con el hijo muerto en brazos, la cabeza del caballo
presenta un curioso hocico de perro, que, junto con la boca desmesuradamente abierta y el óvalo
blanco que la llena y la lengua acerada acentúan la sensación de que vomita un alarido de dolor
profundo, visceral, salvaje y atávico.
5) La piedad dolorosa: Picasso realizó numerosas variaciones de la madre con su hijo muerto en
brazos. El rostro desgarrado de esta evocación de la piedad tiene ojos que se confunden con
lágrimas, una boca desencajada que muestra los dientes y una lengua afilada que transmite el
agudo dolor maternal.
6) El incendio: este es el único motivo reconocible que guarda relación con las fotografías que
motivaron la concepción de Guernica. Los grises que Picasso aplicó a las lenguas de fuego, que
consumen edificios y seres humanos, y a la ventana demuestran que no fueron un tema menor.
Las llamas son la única referencia real a la destrucción causada por el bombardeo.
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BIBLIOGRAFÍA:
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Picasso. Grandes maestros de la pintura. Editorial Sol 90. Clarín. Páginas (56, 57, 82 y 83)
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ANIQ_AUICCgB&biw=931&bih=427#imgrc=4ntDl3QTHtvKJM:
[Link]
q=el+guernica&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwixhc6RkZvTAhVEDZAKHbA5A1AQ_AUI
CCgB&biw=931&bih=427&dpr=1.1#tbm=isch&q=el+guernica+original&imgrc=2ywLdihd_qoHrM:
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