PICASSO

TEMA 1: Acabando el siglo XIX

La situación de Cataluña en el fin del siglo será el punto de partida de la personalidad de Picasso.

Empezamos viendo como aquellas ideas de la revolución francesa, mitad del XIX, llegan a su
madurez. Cuaja la idea de que Arte y literatura deben ser reflejo de la realidad. Deben reflejar la
sociedad. Quieren ver en el artista a un interprete de la vida. Al arte se le exige claridad. La realidad
será el problema central de la idea estética.

Arte que sea real: Courbet.

Asi que desechamos la temática mitológica, y de historia.
tenemos artistas como Courbet, Millet, que tienen obras realistas.

1871: comuna de Paris. Tragedia. Surgen contradicciones en la unidad social.

De la crisis del momento nace el arte DE VANGUARDIA.

1874: Primera exposición de los impresionistas. Querían ser fieles a la percepción óptica de la
realidad. Busca un realismo científico. Estos artistas se criticaran mucho por parte de la burguesía.
La técnica: la luz. Se tiende a sustituir los problemas de CONTENIDO (realistas y románticos) que
esta siendo aparcado, tiene menos protagonismo.

1876: ultima exposición impresionista. Ahora estos artistas estaban situados dentro de la realidad,
en la ciudad: en el café, en el circo, en la merienda. Ademas liberan al color. El cuadro comienza a
convertirse en un campo de experimentación.

En el SXIX París era foco de arte. Tienen un deseo de crear un arte nuevo. Art nouveao, estilo 900,
modernismo....todos son términos para hablar de arte, literatura, de este momento de fin de siglo.

Ejemplo: Alexandre de Riquer. Pintor catalán.

Se proclama una lucha contra los estilos academicistas. En su evolución se funden:
-deseo de recuperar la tradición autóctona.
-Voluntad de elaborar una cultura cosmopolita.
Ambas para acabar con la crisis. Vemos unas actitudes
semejantes en esta generación de '98:
Deseo de buscar nuevos campos de expresión con
nueva libertad.
Se recibe una INFLUENCIA de simbolistas y
prerrafaelistas, junto con una eclosión del color.

Revistas como “luz” o “España moderna” serán un

medio de difusión para el modernismo.
El modernismo responde mas a una actitud, por esto se
presenta en varias corrientes artísticas.
Euforia con el cambio de siglo. El arte sale a las fachadas.

Ej: “casa bruno cuadros”.

Se dignifican no solo palacios, también parques, e incluso panaderías.

(Antonio Gisbert), gusto por el historicismo.

También vemos pintura de paisaje muy realista, también regionalismo.
80-90: realismo, pero no hay interés de crear imágenes reales, sino combinar elementos tratados de
forma muy realista.

Obras de casacón: José llovera hace escenas típicas del s. XVIII.

(ej. “el bautizo”)

Miralles. Está mas relacionado con el impresionismo francés. Se acerca a sus técnicas.

Otro realismo que no es tan “gustoso” [Link].

Paisajista catalán. El paisaje fue un tema importante para
la burguesía catalana. Cierta carga romántica. Redescubre
el paisaje del lugar, del entorno de Cataluña.
Urgell conoció a Courbet cuando viaja a Paris.
En sus paisajes vemos sentimientos románticos: de
soledad,de melancolía. Cementerios, aldeas en ruinas,
iglesias inhóspitas, barcas solitarias...
Síntesis entre realismo con poetica subjetivista. Vision mística del paisaje. Metafísico.
Es un mundo en vías de desaparición. Ahora colapsa el bullicio de la ciudad a estas escenas rurales

joaquim Vayreda. Viaja a Paris y conoce la obra de realistas

como Courbet o millet.
Poéticas visiones del paisaje, placidez bucólica del mundo
rural. Pincelada gruesa, visible. NO quiere hacer una pintura
política.
RESTO DE LA PENINSULA: Fuera de Cataluña, los gustos oscilan en una pintura academicista

Regoyos. Expone con pintores extranjeros, pertenece al

grupo de los '20. En los primeros años vemos
puntillismo, impresionismo...
busca el camino de la pintura como protagonismo en si
misma mas que un argumento de fuerte contenido.
“Que la pintura camine por si misma”.

Sorolla. Temas de luz. Pertenece a la escuela valenciana. Es

la evolución del realismo rural que hemos visto. Hace pintura
de historia, después temas sociales, en los años iniciales del
[Link] su realismo incorpora el tratamiento luminista
característico. Sorolla baña las figuras de luminosidad, sin
contar con la escena
Tuvo muchos seguidores en la zona valenciana.

Zuloaga. Cercano a Manet. De origen vasco. Viaja a Roma , París, Inglaterra, Venecia, Berlín..... El
simbolismo de tinte lírico y misterioso fue lo que mas le marcó. En Andalucía toma una forma de
arte propio. Con referencias al Greco. Influjo en la manera de abordar temas de Goya. Dosis de
simbolismo(misterio) El paisaje intenta hacer un paralelo con la personalidad del retratado.
1897-98. tuvo mucho éxito con estos cuadros mí[Link] Gusto parisino de lo español lo que
beneficia la entrada a París de
otros artistas, como PICASSO.
Gracias a Zuloaga picasso
expone en 1901 en París.

Regoyos critica a Zuloaga por la

venta de la imagen de España
como si fuera algo viejo, lo que
colapsa la regeneración que se
buscaba de España en estos momentos.
Ramido de Maeztu lo defiende. Diciendo que sus imágenes son como una invitación al
regeneracionismo. Reconociéndonos como las imágenes de Zuloaga nos invita a la innovación.
Ortega y Gasset dice que sus cuadros vienen a ser una especie de ejercicios espirituales.

Zuloaga cierra un camino para el desarrollo del arte posterior. El camino que sigue no puede seguir
mas allá. Una vez hecho, no puede avanzar.
En paralelo con una obra de Matisse vemos el salto que ha sabido dar este pintor. Las nuevas
generaciones tienen otras búsquedas ( Picasso pintó Las señoritas de Avignon un año antes que la
obra de Gregorio de Sepulveda).
Se dinamiza el eje Barcelona-Paris. Ya se había rechazado en Barcelona el realismo que se da en el
resto de la península. Hay que representar la “realidad viva”

R. Casas : sus obras intentan incorporan la emoción, ir mas allá de la apariencia de las cosas.
Quiere introducir elementos trascendentes.
“montmatre”. Rechaza el impresionismo( no
entiende una pintura sin temática).
Vemos tonos fríos. Son muy modernistas, ya
que intenta mover a la emoción. No se limita a
registrar opticamente lo dado.

Se vincula a la ilustración de revistas, como

“pel y ploma”:Utrillo y Casas fundan la
revista
Muestra la trayectoria grafica de Casas

“a los toros” es una obra muy española, pero está cercana a las
ilustraciones japonesas que circulaban por Europa
en la época.

Casas conoce a Rusiñol (Picasso lo

retratará.).Exponen juntos. Organizan “fiestas
modernistas”con idea de renovación. comparten
taller en parís. Se unen a ellos varios artistas
catalanes.

Bar“Quatre gats”.P. Romeu propicia la creación de este bar, como un lugar donde se reuniera la
bohemia catalana como hacían los franceses en el “gato negro”. Utrillo, Ramón casas y Santiago
Rusiñol fueron los que ayudaron
económicamente a la apertura del local.
El propio Picasso realizó el diseño para la
carta de menú para este local.
En este local se realizan exposiciones
temporales. Pero no son exposiciones muy
afamadas.En1903 cerró el local.

Revista quatre Gats. Nace con la vocación

de dar a conocer los premios que se habían
concedido en la exposición que había tenido lugar. Se hacen pocas. ( de
febrero a Mayo del 1899)
Muchos artistas jóvenes colaboraron a la ilustración de esta revista
Momento de mayor creatividad: 82-07. “garrote vil” vemos una instantánea. Patetismo de la obra
que no procede de la verosimilitud. La multitud acude a ver la ejecución como si fuera un
espectáculo. Importa el
cromatismo y la composición.
“la carga” reflejo de las
agitaciones sociales. La
anécdota se deja en el
minimo. Solo en el primer
plano. El centro de la
composición nos muestra un
espacio vacio. Aboceta los fondos.
“tandem” apreciamos la influencia del cartelismo: vinculacion con el mundo de la grafica.

Rusiñol. Comienza con el realismo.

A partir de 95 aparecen influencias del simbolismo y del prerrafaelismo.
Sus obras van a ir adquiriendo un tono mas intimista que caracteriza el
resto de su producción. Que se centra en los Jardines. Enfáticamente
sentimental que se articula con respecto a las leyes del modernismo.
“grand bal” 91.

“erik satie”9. Aquí vemos una imagen de la

bohemia soñadora y pobre. Es un retrato del
musico. Era cliente habitual del gato negro de
paris. Fue precursor del minimalismo musical.
Trabajará para el ballet a partir del 15, Picasso
realizó el vestuario para este ballet.

“maria rusiñol en cau ferrat” lugar donde se

hacian estas fiestas modernistas. Vemos tras las
vidrieras el mar. Las vidrieras con elementos medievales del emplomado.

“palacio abandonado” vocación regeneracionista.98. Temática nueva.

Nadie se ha preocupado de quitar las malas hierbas del camino: esta es la
situación de españa; en crisis, sin preocupacion por el patrimonio.
Persigue crear una sencación. Simbolos. Incertidumbre. Rusiñol dice que
hay que dar nuevos motivos “espirituales” a esta nueva sociedad.

En su obra literaria vemos el protagonismo que adquiere la figura del artista: su manera de vivir, su
peculiar mirada sobre el mundo. Su forma de interpretar....esta idea la cogerá Picasso.

Anglada Camarasa
1894 va a parís. Cumple su gran sueño de ir. En el 87 hace su
2º viaje. Hasta 1914. El acoge a los pintores de España que
llegan a paris en estos años.
En 1900 adopta una actitud renovadora. Conoce a Picasso. En
una entrevista posterior dice que era un pintor extraordinario.
Vemos en Francia en los años 1890 un debate sobre la
decoración de las obras. Noción de Confort estético. Matisse
dirá: “quiero que mis obras sean como un sillón confortable” .
En este contexto, dentro del mundo decorativo. Se entiende la
obra de Camarasa. “la novia valenciana” vemos una pintura de
decoración vistosa sobre vestimentas tipicamente españolas.
“la gata rosa” vemos que entronca con los Nabis.. decoración de estampados . Importancia del
cromatismo.
Es también otro de los artistas que mayor fama internacional tiene.

Joaquim mir
Considera que no hay belleza en la vida de Cataluña. Ni en
la ciudad ni en el proletariado. Comienza con paisajes de la
Cataluña de aquel momento.”alrededores de Olot”
también pinta los mendigos “la catedral de los pobres” Al
fondo la Sagrada familia( templo como símbolo de la
ciudad. Es un lugar donde todos tienes cabida.

Posteriormente viaja a Mallorca. Ahora vemos un paisajismo muy luminista. Sus pinturas se
convierten en “pintura pura” el color es protagonista y donde perdemos el punto de referencia del
natural(abstracción)

Ramón Casas.
A caballo entre neocentisme(especie de mediterranismo, vuelta a lo clásico visto desde el
mediterráneo) y el modernismo.
Nace en una familia de escasos recursos. Pintor bohemio. Forma parte de la escuela del
azafrán(porque utilizan colores terrosos) Abandonara al resto de modernistas y se relaciona con los
gitanos y mendigos. Hace una pintura “feista”
“cretinos de Boi”Pinta las gentes del lugar en esta serie. Publicados por “la vanguardia”. Estimulan
a los jovenes artistas. Caldes de Boi es una zona aislada del pirineo catalán. Se practica la
endogamia lo que produce que los descendientes padezcan “cretinismo” (faltos de luces)
japonesismo en su obra. Linea clara. Hace una exposición en los “quatre gats”.

Nonell
“cantante de cabaret”
“gitana” la mayoría de su producción sigue esta temática. Picasso hereda
su estudio.
Imágenes directas que tienen valor de generalidad. No parece pretender
hacer cuadros de critica social.
Sus figuras son masas de color. Delimita bien los contornos de la masa.
Rotundidad. Arquitectónicas. Narración ausente. Las sensaciones emergen
de lo PLASTICO, NO DEL TEMA
“cabeza de mujer”

YOUTUBE: isidre Nonell ( 1872-1911)Protagonismo de la pincelada en cuanto a

materia.”Voluminosa”.
como enlaza con la obra de Picasso: periodo Azul y Rosa.
Picasso estaba en parís cuando Nonell está en Barcelona.
Muere en 1911.
PICASSO (1881-1973)
Aprendiendo a mirar, aprendiendo a pintar.

Periodo de formación.

Nace en Málaga el 25 de octubre, Su padre era pintor. Su salario era escaso.

Crece en un ambiente típico andaluz: La educación era de mano de las mujeres; esta atmósfera
como ideal de misoginia de Picasso. Por esa cultura andaluza se convierte en un hombre malcriado,
con libertad para exigir todo.

“dibujo infantil libre” es un concepto actual. A finales del [Link]. Se les enseñaba a dibujar de
acuerdo a las reglas de la creación artística profesional.
Richarson: de los mayores estudiosos de Picasso: Se acostumbró a trabajar desde cualquier punto
de partida.
Picasso dibujaba muchas espirales en la escuela primaria de Málaga.
“Metodo Pestalozzi” este método se basa en utilizar como punto de partida el juego lineal, de
manera que se hacía al niño a pensar, creando con formas geométricas. Después se adiestraban para
hacer figuras abstractas y luego objetos reales. ESTO SERÁ EL FUNDAMENTO DE SU
APRENDIZAJE POSTERIOR

1890: año duro para Málaga: crisis económica.

Su padre cesó en su puesto de conservador del museo. La familia ya no podía ayudarle. Así que
solicita un puesto que estaba vacante en Cataluña ,

Picasso se consideraba exiliado por estar separado de su ciudad original.

A partir de los 11 años asiste en el “instituto de la guarda”. Aquí realizó el curso de dibujo
ornamental y luego el dedicado a la figura humana. También cursó 3 clases dedicadas a la copia de
objetos en yeso, dibujo de la forma humana en yeso y la copia y pintura según modelos naturales.
En 1895 fue admitido en la escuela de [Link] de Barcelona.

IMG. Corrida de toros y Palomas .

para las palomas vemos la forma de esquematizar geométricas.
Vemos óvalos ensamblados. Esto será el origen de su seguridad
técnica.
(La familia sabia de su talento y por eso se guardaron todos sus
dibujos .se donaron en 1970 al museo picasso.)

En esta formación:
Se ejercitaban con los modelos gráficos impresos que uno iba
copiando.
Después se copiaba a pulso figuras geométricas.
Después a modelos de yeso,
Después a modelos del natural.
Curso de dibujo ornamental,
curso de la figura humana en las primeras clases se hacían estudios de partes del cuerpo).
Copia de modelos de yeso.
Copia de pintura del natural...

estricta formación. Vemos en sus cuadernos modelos que copia una y otra vez. Son ejercicios que
adiestran el ojo y la mano de picasso.
En este método también se tenía “el dibujo de un solo trazo”. Era un ejercicio constante dentro de
las academias: persigue ayudar a comprender la estructura formal de los objetos: cada objeto tiene
su estructura específica. Se requiere un gran entrenamiento y habilidad para hacer estos trabajos.
Esta captación academicista fue un apoyo de su calidad plástica. Importante el dibujo en cualquier
obra.
Este proceso de trabajo es característico por severo racionalismo. Esta formación”artesanal” ha
creado en él un habito de trabajo.
el ESQUEMATISMO geométrico será el eje y punto de apoyo de toda su actividad plástica.

Es admitido en la academia de Bellas Artes de Barcelona en Septiembre de 1895.

aquí retomó los pasos que ya había dado en la Coruña.

El manejo del color: solo después de aprender a dibujar. Cuando dibujas con exactitud. Cuando
aprendes a analizar las condiciones de la luz como fundamento del modelado: se aprende el tono
base para después trabajar los pormenores. Numerosas pinceladas a un mismo color y encima
colores mas claros/oscuros.
Todas las pinturas académicas de picasso siguen estas premisas, ya sean paisajes o retratos.
esta educación finalizaba con la copia directa del modelo desnudo en oleo

Ignorancia del valor estético del color: queda en un segundo plano. No era autónomo con carácter
expresivo. Así apoyaba la sugestión del dibujo, ya que el color no le restaba importancia.

Para picasso el color es a posteriori. El color no es instintivo, sino calculado. Recurre a Puvis de
chavanes, El greco. Y sobre todo Cezanne.
Se refugia en las monocromias.(los azules, los rosas)
SU METODO ACADEMICO PUSO EL VALOR EN LA FORMA: en el mundo clásico el dibujo
era la expresión del ideal.
Es practicante del dibujo de esbozos, del esquemático.
En los ejercicios libres, el padre intentó modelar el gusto de picasso hacia el RETRATO; EL
CUADRO DE HISTORIA,y HACIA EL CONTENIDO ANECDOTICO.
IMG hombre con
boina(etapa en la
coruña)
IMG: bocetos
IMG. Cantera de
malaga(96) viajaba a
málaga de vez en
cuando.
IMG: playa de la barceloneta(96)
IMG: madre del artista
IMG:retrato de su tía
pepa(96)
vemos colores de
academia,muy terrosos,
oscuros. presencia
velazqueña
Admiración por goya.
IMG:autoretrato como
gentilhombre del [Link]
el autorretrato es algo muy
personal. Aquí aflora la parte
del subconsciente que uno no es capaz de plasmar.
Dos de sus primersas obras importantes:

a-La primera comunion(96)

b-Ciencia y caridad(97)
aquí recibió la mención de
honor. El padre posa de
modelo, siendo el doctor

En estas obras vemos la

presencia orientadora de su
padre. El núcleo en el que se
está formando había sido
superado en el resto de Europa

El problema de la atenta educación impartida por su padre es que era muy retrograda; este
academicismo había sido superado en toda Europa. Se inicia en un arte muy conservador y estático

en '97-'98 lo llevan a la academia de “San Fernando” en Madrid. Está ya

hastiado al llegar aquí de modelos académicos. Prefiere ver los grandes
maestros del prado.
Abandonó la academia en Junio del ’98, porque no podía aprender nada que
no hubiera aprendido en la Coruña o Barcelona.

Se dibuja a si mismo dibujando a su amigo pintor argentino : IMG

bernareggi

IMG:cabeza al estilo del greco. Antes de viajar a Madrid. Picasso tiene gran
capacidad de absorción.

Se queja del atraso de Madrid, dice que preferiría estudiar en Munich (academia MUY
conservadora) así que con este comentario vemos que no busca la vanguardia, como en Francia y su
puntillismo (Así que no nace revolucionario, se hace revolucionario.)

Él negaba haber ido al prado a copiar a los maestros, pero está claro que fue. Él solicitaba copiar a
Velazquez, goya y el greco.
Es un momento de recuperación de la figura del greco, había revistas en relación de esto. Pero no
estaba bien visto en los círculos academicistas. El Greco es catalogado
por el director del prado de “raro caricaturista”
Picasso adopta del greco la acentuación de la expresividad por el
estiramiento de las formas. También la expresividad de la línea
nerviosa agitada.

Imagen de la alcahueta de los “caprichos de goya”

En los años de Madrid fueron difíciles para Picasso. Esta entre los 18-
[Link] en el que ha adquirido formación técnica.

Vuelve en el '98 a Barcelona, un poco hastiado. Años de crisis general

en España. Fin de los productos que vienen de cuba y filipinas. En el
ambiente hay una profunda inseguridad económica, social, política: en este panorama las zonas del
país vasco y Barcelona estaban más seguras.
Va a Horta del Duero, después de una pequeña estancia en Barcelona. Aquí vive manuel pallares.
Aquí está con él 9 meses. Después vuelve de nuevo a Barcelona.

Emprende su propio camino. Se independiza. Comienza a Firmar con su segundo apellido: Picasso
Tenía cierto reconocimiento su arte. Lo que le facilita la entrada a ciertos círculos.
Barcelona en esta época será su lugar de trabajo hasta 1904, cuando va a Francia. (Viaja
repetidamente aquí) en 1901 tanteó la idea de instalarse en Madrid, pero la idea no cuaja.

Estar en Barcelona será importante para el artista. Aquí se juntó un grupo de artistas “modernistas”,
entre ellos el prestigioso Antoni Gaudí
además en Barcelona se discutía y asimilaban las más actuales corrientes europeas.

Picasso entró en contacto con el círculo de pintores pertenecientes al “quatre Gats”.

Los “quatre Gats”: casa neogotica construida en [Link] como centro de exposiciones, un
poco a imitación del ¿cau ferrat? (las fiestas modernistas)
aquí también se hacían espectáculos. Se publicó incluso una revista.
Diseñó el menú de de les 4 gats. Estética de la Alemania de 1830.
Conoce la obra de grabadores ingleses a partir de revistas.
Picasso trabajó un poco como Ramón Casas con las obras gráficas.

IMG“ estudio para cartel de la caja previsión y socorro.”

Se integra perfectamente en este círculo de reunión.
Trabaja como ilustrador de revistas (yuvventu, cataluña artistica) y periódicos(el liberal)
Picasso está integrado en el que hacer del momento.

1899: año en el que Picasso hace retratos elegantes al estilo de la sociedad de la época(como casas
y sorolla); presta atención a los contornos del art nouveau: estilizada composición, sombreados,
En estos momento zigzaguea en la onda modernistas que vemos en casas y rusiñol. Ellos dos
fueron una INFLUENCIA FUNDAMENTAL: rusiñol en imaginación (preocupado por el lado
oscuro de la existencia, atmósferas melancólicas)y casas en estilo(virtuoso dispuesto a captar el lado
brillante de la bohemia)

violinista callejero

primavera 1899: conoce a Carkles Casagemas, que se

convierte en un personaje Inseparable de picasso. fue muy
decadente, alcohólico. Era de familia adinerada, culta.
Intentó ser poeta y pintor. Su obra es muy dura y con
expresión propia de fin de siglo. Se acerca a la caricatura.
Por diversas razones. Viaja a Málaga con su amigo.
Abandona la temática anterior ya ahora vemos escenas de
toros. Gitanas. Referencias a Andalucía

IMG: la chata
IMG: paseando

características Modernistas de los colores, forma y línea

Tiene verdadero empeño en convertirse en verdadero modernista.
Centra su atención en la vida de los marginados, de prostitutas. Reproduce la obra de Toulouse
lautrec. Pero no llega a nada. Deberá esperar a ir a Francia.
Picasso busca una identidad artística. Intenta absorber los” poderes” del resto de artistas
octubre1899: Sala parís de Barcelona: exposición de Ramón Casas. 132 retratos que suponen para
Picasso ve en su exposición un desafío:
retratos combinados a carboncillo y pastel que él decía que puede superar. De manera que Picasso
asume el reto dedicando los 3 meses siguientes a retratar a todo el que pudiese hacerle un encargo.
Richarson dice: desde el primer momento supera a casas en flexibilidad, agudeza,... logra una
imagen que resume la individualidad del individuo, ofrecido desde nueva perspectiva: “le petit
goya”
La primera exposición de Picasso en quatre gats de retratos. De los 150 solo se conservan 20
Su obra expone su forma de trabajar:
cuando el cuadro que tiene en mente se convierte en una obsesión, lo trabaja en serie. Hasta agotar
la idea. ”Picasso estaba obsesionado con la idea de “vaciarse”
IMG: “yo”
IMG: j. Sabates.
En todas estas obras vemos simplicidad y esquematismos, de grandes contrastes. Conforma los
fondos con grandes superficies planas( pensemos que en la Academia aprendió a reducir el motivo
a sus aspectos más elementales), pudiendo adaptarse sin esfuerzo al arte del contorno y la línea que
vemos en el “modernismo”.
Seleccionan una obra de Picasso para la exposición de Paris del 1900. Al reconocido Ramón Casas
le echan para atrás su obra por la temática política (guardia civil y obreros)
En 1901 casas y Picasso exponen juntos.
La influencia de estas relaciones se ve claro en el hecho de que Picasso acude a París.
Acudió primeramente en 1900, con motivo de la exposición Mundial.

Picasso Paris 1900

fotografías de Eugene Atget. Fotografió París.

Picasso en la exposición de París de 1900. Presenta:

“últimos momentos” (perdida porque se reutilizó el lienzo) se cuelga en el “pabellón español”
va a Francia con su amigo Casagemas.

En París se ve arropado por el círculo de quatre gats.

Nonell les ofrece su apartamento. Se instalan en su estudio.
Se unirá a ellos su amigo “Pallares”
Su amigo Casagemas acaba en las drogas y el alcohol. Picasso dice que no hay que sumirse en la
tristeza. Más adelante se suicidará.
La gran admiración de Casagemas a Picasso nos hace pensar en la homosexualidad. A Picasso lo
que le interesaba era la actitud servil de admiración del amigo.

Cuando comienzan a trabajar en París en el estudio de Nonell sigue ese color vivo y modernista en
el uso de la línea. Además resultaba muy adecuada de cara al mercado francés.
En este viaje vio a muchos amigos de Barcelona, que como él acudieron a la Exposición Universal
de París.
Su preocupación fue ponerse al día en la pintura moderna francesa: estudia a los realistas, a los
impresionista, va al museo de Luxemburgo (aquí se guarda la pintura francesa contemporánea,
hasta que fallecía el artista y se llevaban al Louvre)
Hizo una ronda de todas las galerías comerciales de París.

En este momento no vemos rastro de los impresionistas, ni de Cezanne ni de Gauguin…Si hay una
atracción por Degas y Van gogh
Se interesa por el trabajo de los ilustradores por encima de los pintores. Estos trabajos impregnan su
obra, como Bottini ---> son mujeres de mucho maquillaje, con grandes sombreros, también
bebedores de absenta...que serán precedente de tu opera azul

A Toulouse Lautrec ya lo conocía, pero ahora ve sus obras originales.

Le atrajeron las formas de su obra y los temas (el cabaret, los bailes, la sociedad del momento, las
ensimismadas mujeres...)

“Le moulin de la Galette”

será el culmen de esta temática. Local de diversión. Ya lo trabajó Renoir.
Al igual que Toulouse Lautrec. Que nos introduce en la noche, en un lugar cerrado. También lo
pintó Casas durante el día.(así pierde el glamour) o también “una cuadrilla”

IMG” le moulin de la Galette” de Picasso 1900

Aborda el tema jugando con amplias manchas de color.
Ignora los detalles superfluos. Se pierde la individualidad.
Copia tanto la composición como la temática de Tousoue
Lautrec de 1889, que había reelaborado una representación
de Renoir de 1876, aportándole una atmósfera nocturna.
Picasso acrecenta el efecto nocturno valiéndose de una
guirnalda de lámparas de gas sobre los personajes que
quedan reducidos a una serie de manchas de color.
Picasso no se vale de la mera imitación, sino que trata de
modificar sus modelos
Picasso se aproxima al “salón de baile en Arles” de Van gogh. Personajes anónimos con llamativas
vestimentas. Se ha eliminado la explosiva mujer del can-can.
Picasso saca de la intimidad a las lesbianas de Toulouse Lautrec. En un primer plano de modo
desafiante:
Richarson dice: la sexualidad de la mano del arte.
En París lo sexual estaba dentro de la obra; tema que no se vio en Barcelona.
Théophile Alexandre mantiene este tema de los abrazos, de los besos en público.
Picasso también lo pintará (“el abrazo”, “frenesí”)

También la temática de lo cotidiano de forma impresionista “escena de Montmatre” tiene una

atmosfera melancólica. De seres empobrecidos, abandonados.

Los amigos del Quatre gats le presentan a Pedro Mañach; se fue de Barcelona a París como
marchante de arte. Este le procura su primera
compra: “corridas de toros”
era lo que se vendía en París.
Los dos, Picasso y Mañach firman un
contrato, se obliga a que a cambio de un
salario mensual le entrega sus pinturas. Así
hace en la Galleria Bolard, en 1901 junto
utorrino, su primera exposición parisina
Virenque le compra la “bailarina azul”
son dos personajes de la comedia italiana.

Retrato de Mañach.1901
la figura es un estudio de contornos. Fondo ocre-amarillo poco estructurado,
muy plano. Fondo que contrasta con el cromatismo de la piel y vestimenta,
sobretodo la corbat roja. Relación con la escuela tardía de Pont-Aven.
Picasso y Casagemas vuelven a Barcelona.
Pasan aquí una semana y luego marchan a malaga.
Picasso no aguanta las borracheras y caprichos de Casagemas, lo lleva a Barcelona, y será la última
vez que lo vea.

Está en un momento de confusión. Se va a Madrid.

MADRID 1901

Su decisión de partir a la capital se basa en el ofrecimiento de Fº de Asis Soler para hacer una
revista como “pel y ploma”. La llamaran “Arte joven”
explota sus dotes para el dibujo a partir de la ilustración.
Esperaba que el trabajo le diera tiempo a hacer los cuadros a Mañach.
En Madrid se dedica de lleno a la revista.
La revista no tuvo éxito, sólo se editaron 5 numeros.
No le atrae para nada la capital, prefiere París. En este momento le llega la noticia de que se ha
suicidado su amigo.

Richarson: fue pensando en casagemas cuando se le ocurre pintar en azul. No será inmediata la
introducción de este color, color de la melancolia.

“mujer en azul” 1901.

Lo presenta en la exposición nacional de bellas artes en 1901.
pero no llama la atención de los críticos.
La obra quedó abandonada en Madrid,
retrata en la mujer a una gobernanta maquillada como las mujeres de la gallaet.
Vestido con miriñaques del [Link], vestimenta del [Link].....Mezcla entre
Velázquez y Goya, con ciertos toques de modernismo.
Se presenta como una excepción de la obra de Picasso. Picasso suele pintar en
lo que vive inmerso en ese momento.
“mujer con sombrero”
“mujer con sombrero azul”
“mujer con joyas”
La bailarina“la nana”
se aprecia lo grotesco de Goya.
Juega con los diferentes rasgos aprendidos.
A través de sus viajes se va
componiendoelimaginario visual de Picasso.

En Madrid son mas fríos que en su local de

quatre gats. No hace amistad con ninguno de
los personajes que conoce. Se siente desubicado.
Mañach, desde parís esta preocupado por la falta de obras de Picasso.
Va a Barcelona y marcha a París.
Picasso quería triunfar económicamente. Pinta numerosas corridas.
También paisajes marinos y escenas de Cabaret.
Caracterizado por un grueso empaste, por la reutilización de lienzos.
“corrida de toros”
caballo blanco corneado por toro negro: ANIMALES CON GRAN SIMBOLOGIA DE SU OBRA.
En un primer momento no tienen mucho valor, pero poco a poco madurarán estos símbolos,
mostrando lo que esconde de su alma y mente
 Teñido de azul y tristeza: inicio de la epoca azul

Idea que aflora, es el intento de exortizar, protegerse, escapar de la muerte a

través de la obra.
1902 regresa a Barcelona, para ir a Paris en 1904

“autorretrato: yo picasso”
[Link] en el que va a París después de su aburrida estancia en
Madrid.

Tenía unos 15/20 cuadros para la exposición del marchante. Debía hacer más y tenía un mes.
3 obras diarias: ya que se colgaron más de 60 obras (entre pasteles, acuarelas y dibujos)
no son obras muy pensadas
Caracteristicas:
-Prisa de la ejecución., Descuidada pero vigorosa
-Originalidad en algunas obras.
-Obras escasamente resueltas, con una AMPLIA VARIEDAD
TEMÁTICA. Por el deseo de triunfo:
Naturalezas muerta s(que no era su tema favorito), los niños,
prostitutas...

“mujer del palco”

“retrato de “bibi la puree”

“pierreuse” la mano al hombro 1901

Mujer absorta, se inclina hacia el margen izquierdo generando una
diagonal. Gracias a la inclinación de la mesa parece que la mujer avanza
hacia nosotros.
Vemos claros contrastes cromáticos y formales. Pincelada amplia y
rectangular. Podemos decir que juega con un “puntillismo exagerado” en
el fondo superior, como el trabajo de mosaico de la “secesión vienesa”.
Da la sensación de que la mujer está atrapada en el soporte.
Mesa con pincelada mas homogénea y el fondo multicolor que están en
contraste.
la mujer se inclina hacia nosotros y da dinamismo

“la enana” contorneado de formas planas al estilo de Gauguin (como en “la cortesana”)
“mujeres”(como la madrileña)
o se inclina por lo sintetismo de Gauguin o por la pincelada empastada de Van gogh.
Importante la retrospectiva de van gogh, que le lleva a pensar en plasmar lo interior del artista.

Coquiot: personaje bromista, crítico de arte, autor de la primera biografía de

Toulouse.
A partir de un retrato, Coquiot hace la introducción del catálogo de la
exposición de Mañach. Y también pone nombre a los cuadros de Picasso
retrato de coquiot
con temática de mujeres al fondo (hace dos).
Revista:
La revue blanche articulo” la invasión española” por elisian fabus
habla de Picasso como el “brillante recién llegado” diviniza la esencia de las cosas.
También vemos artículos del asombro por Picasso: “la veu de catalunya” Y “l'ermitage”

“bebedora de absenta”
Conexión con VAN DONGEN. Posturas
recurrentes.
“El can can”,
“las carreras”
con toques de Anglada,
“naturaleza muerta”
con resonancias a Cesanne

Max Jacob:
relación con Picasso.
Feliz y duradera amistad. Tenía una personalidad encantadora. Juntos atravesaron la mala racha
después de la exposición.
Creencia en la capacidad MAGICA del arte: en su poder transformador.

Jacob es su “guía” en el mundo de la cultura francesa. Fue el responsable de abrir a Picasso en el

placer de la poesía francesa.
Apollinaire, Breton...tendrán también influencia de la obra de Picasso

IMG retrato de Max jacob.

Además de formar su gusto, despierta el interés por lo oculto. Interés por

el esoterismo, por la magia.
Era un obsesionado con la magia, adivinación, practicaba el ocultismo.
MISTICISMO+POESIA comienzan a iluminar la obra de Picasso
exorcizar la muerte con la obra: el AZUL ENTRA EN SU VIDA.

Arlequín acodado. 1901.

Retrato de Mateu fernandez de soto.1901
a modo de instantanea, casual. Aparece una esquina de un cuadro.
Niña con paloma.
Impresiona la planitud del
color” como si de naipes se
tratara”. Color vivo
Niño glotón. El contorno tiene
gran importancia.
Mujer bebedora de ajenjo.
Cercana a Gauguin.
jaume Sabartés. 1901
Savartes habla de su obra cuando va a parís.
lo retrata en las esperas de que él (picasso) llegara a las quedadas con Jaume.
Capta el espectro de la soledad

La linealidad del modernismo no es lo que le interesa. Todo lo del color, el sintetismo está ya
pasado para él.

Comienza entre 1901 1904 una búsqueda más personal: periodo azul
Las obras que vemos en el periodo tienen como característica común el estudio científico de la
creación artística. Sigue los principios creativos de todas las corrientes consideradas progresistas y
de vanguardia.
Era capaz de captar las virtudes y debilidades de las nuevas corrientes, utilizándolas para sus
propios fines.
En el trascurso del año 1901 Picasso será capaz de reaccionar contra el modernismo y el
simbolismo y crear algo nuevo: la obra conocida como “periodo azul”
Lo que más une a estas obras va a ser el colorido monocromático(es la cuestión formal)
Pero lo importante de estas obras no es el lenguaje formal y el sentido armónico de las obras.
Son la suma de muchas tendencias europeas del siglo XIX, pero renunciando al color.
se opone a la tendencia fauvista.
en un principio su obra fue criticada.

los fundamentos de este periodo fueron desarrollados en París, pero Barcelona tuvo el peso de
desarrollo de las obras hasta su traslado definitivo a París en 1904.

características a parte del azul

-hieratismo volumen: cierto carácter escultórico. Retorno al clasicismo.
-Las figuras son monumentales, están aisladas (suelen) incluso cuando son varias, porque no vemos
relación. Repertorio simbolista
-Grandes contornos que vienen de herencia modernista.
-Observamos las constantes alusiones al greco ya sea por la estilización (miembros muy alargados)
que por la composición. Es una línea inquieta. También los colores ácidos de sus pinturas o sus
juegos de monocromías. juegos fuertes de luces-sombras
-Las figuras cuando se integran en las composiciones, nos encontramos que resultan cerradas,
estáticas.
-Perdida de la estructura espacial.
Picasso ahora y siempre va a “fracasar” cuando aborda composiciones de numerosas figuras.
Cuando son obras de pocas figuras lo resuelve mejor. Es mejor el vendedor de muérdago que el
entierro de casagemas.(hay muchos personajes, pero están aislados)
-El azul con su significación personal. Pero es una gran restricción de la pintura. Austeridad
-Puede invitar a una profunda reflexión social, pero sus protagonistas no parecen que se quejen,
vemos una soledad por ausencia de satisfacción, o por falta de recurso.
-En este contexto exalta los sentimientos mas íntimos, tristes, melancólicos. Intenta solemnidad
(aunque no siempre lo consigue.)
-En esta búsqueda va mezclando la pericia técnica que posee con un sentimentalismo manipulador,
que es deudor del modernismo.
-Se percibe el FIN DEL PERIODO con un parón, en el que intenta salir del círculo que ha entrado:
de callejeros, de músicos, del azul.
-Carácter melancólico: nos conduce a lo sombrío. Sensación de estar al borde del abismo.
Acompañamos a los personajes en sus últimos momentos.

Estamos en el momento en el que triunfa el fauvismo, los nabis, se da interés a lo decorativo.

Es una valentía al abandonar el “camino fácil”. Con los arlequines hubiera conseguido la fama. Pero
los rechaza.
Picasso vive en la miseria, por su osadía. Es un momento de aislamiento del mercado del arte. Hasta
[Link] se sienten atraídos por sus pinturas.

-Temática de pordioseros. Gente en los límites de la sociedad. Esta forma de pintar choca menos en
Barcelona que en París. No debemos pensar que estas obras son el reflejo de la pobreza en la que
vive Picasso en estos años, sino que por estas obras Picasso entra en una situación de miseria.
Realistas como Courbet trabajaron este tipo de temática, pero como un elemento mas de la vida
cotidiana.
los impresionistas si trataron estos temas de forma mas parecida a lo que Picasso hará. Serán los
descubridores de las imágenes de la ciudad moderna. No reconocían ningún tipo de jerarquía
temática, ni tenían tabues. En otras palabras, se ocuparon de la realidad social.
Picasso continuará con esta tendencia.
vemos en sus obras las temáticas de Toulouse Lautrec y Degas.
a parte de las artes plásticas, tenia gran peso la literatura de autores como Baudelaire y Zola.

También tenemos que pensar en la situación cultural de España. A consecuencia de la revolución de

1868 y a la creación de la república, surgieron estos temas de flaquezas e injusticias a la pintura y
literatura españolas. El anarquismo fue de las corrientes mas influyentes del momento.
En años anteriores si podemos ver obras relacionadas con el anarquismo. son de carácter narrativo.
sin embargo en el periodo azúl vemos que se refleja la miseria humana en escenas individuales, en
pleno aislamiento.

En este periodo se repiten los mismos motivos y formas que Picasso trabaja: hombres y mujeres
sentados a la mesa, solos o en parejas, personajes comiendo, figuras en cuclillas o que se abrazan,
de pie o sentadas, que sostienen la cabeza con sus manos o cruzan los brazos ante el torso.

La bebedora de Ajenjo:
vemos que la obra se constituye de “bloques” ( la mujer, la botella y la copa) de distintos tonos del
color base. Son estas formas lo que generan la leve espacialidad del cuadro
los brazos entrelazados denotan el aislamiento del personaje, el aislamiento.

sus trabajos de este momento tienen caracteres diversos: puede realizar una figura constituida por
bloques, casi planos, y estas se contraponen con otras fragmentadas, con pinceladas nerviosas.
Picasso nos muestra que no busca una temática, sino formas diferentes de representarlos, son
experimentaciones.

Del tema del “ajenjo” no solo interesa la individualidad del personaje, también vemos la
independencia de los medios formales de expresión.

Vemos en las obras de este periodo que las figuras están centralizadas, para aumentar la sensación
de aislamiento.
en este periodo vemos que se repiten constantemente motivos y formas. Pero emplea la sugestión a
través de los distintos modelos formales y técnicos para conseguir de manera eficaz diversas obras.
La extrema delgadez la asimilo del Greco, pero esto no es suficiente para dar el carácter apropiado a
las obras picassianas: se vale de un amplio contorno rescatado de su “pasado modernista” y lo
combina con la graduación del color en sus pinturas, las formas y el juego de relaciones de los
motivos.
vemos figuras monumentales que por medio de actitudes y gestos patéticos aumentan este carácter
de soledad.

Las monocromías llegaron a Picasso a través del conocimiento de autores como Pierre Puvis de
Chavannes, Carrières o Whistler.
El valor del color azul siempre ha estado en relación con sentimientos tristes y melancólicos.
rusiñol: el patio azul.
en la revista de “arte joven” vemos un breve relato simbolista El patio azul: Donde el personaje
protagonista es un pintor que intenta captar la atmósfera melancólica de
una plaza cercada por unos edificios.

poco después Picasso pintó

“la habitación azul”. En sus pareces
cuelga un cartel de toulouse. Y un marino
catalán que no vendió. Referente directo a
Degas.

El color azul también se relaciona con el EROTISMO, y en el mundo cristiano tiene una gran
vinculación con lo CELESTIAL.

entierro de casagemas
En el momento en el que Picasso llega a París, vive a base de
vicios y prostitución. A la muerte de Casagemas, se replantea la
dudosa conducta que había vivido en estos momentos.
Parecía que era normal en la época lo que le sucedió a su amigo
en el mundo del arte.

que estaba en el estudio de picasso.

Hay un entierro, pero también connotación erótica, en el
superior(que suele ser lo celestial en la iconografia cristiana). El
azul era el color del manto de la virgen. Era lo trascendental. La
figura de la virgen está sacada de “el verones”
Utilización que hace picasso del arte: cree en la magia y en el
poder exorcizador
(por eso la coloca en su estudio)
hay burla mezclada con lo sagrado. La culpa es raíz de querer
demostrar por la burla que no le “afecta” la muerte de
casagemas(es una actitud muy humana)
dos mitades: dolor, el abrazo.
Aparece un templete clásico. Grupo de dolientes ante el cuerpo de casagemas.
En la parte superior. Placer, de las alegorías religiosas del siglo de oro, que aparece cuajado de
ángeles, todo sagrado. Aquí picasso pinta mujeres en posición amorosa.
Sobre otra nube, grupo de prostitutas (con medias de colores) arriba, casagemas en un caballo que
se despide de Germaine(es el beso de despedida o de judas)
referencia clara al entierro del conde de orgaz. O la adoración del nombre de jesus (greco)
mismo esquema de composición.
CUADRO-RESUMEN. Recoge todo lo que le ha ido preocupando en un tiempo: soluciones
recogidas de distintas fuentes, que funde como un rompecabezas.
Ahora utiliza la ALEGORIA: gran influjo en el GRECO. Lo vemos en el
tratamiento expresivo de las figuras y también en los juegos de tonalidades
de color.

IMG retrato de Germaine

la mujer que estaba atraida por casagemas.

En todas las pinturas que Picasso dedicó a su amigo Casagemas vemos el

profundo simbolismo.

IMG muerte de casagemas.

Ve que se muerte es una herida aun sin cicatrizar.
Utiliza un color denso, que recuerda a Van gogh
Richarson, ve en la enorme llama una vagina incandescente.

IMG retrato de casagemas.

Esta vez no se ve el disparo de la cabeza: es mas comedida, tanto en la
forma de tratarlo como en el color. En esencia vemos el azul está triste,
pero no violento.
Esta obra junto con el entierro.
Son los primeros cuadros del periodo azul.
el velatorio.
(primera obra junto con la cabeza azul)
idea del cortejo fúnebre, los dolientes....

A finales de verano, picasso consigue un pase del doctor, para visitar la prisión de mujeres y pintar.
No era “prisión del todo” también era hospital:se recogen a mujeres con enfermedades con sífilis,
que se diferenciaban porque llevaban cofia. El doctor estaba relacionado con las enfermedades
venéreas. Iba aquí porque decía que no necesitaba pagar a las mujeres.
Pero Richarson dice:“en que otro lugar encontraría un lugar en el que se liga lo tierno del sexo y lo
mortal”?
Esta temática cobra fuerza en el periodo azul:
mujeres de aspecto burdo. Parecen las bretonas de Van gonh y de Gauguin.

IMG la mujer de la cofia

muchas aluden al tema de la maternidad

Picasso idealizó a estas mujeres porque las mujeres rudas no

parecen muy melancólicas

Aparecen figuras vestidas al modo del greco,. En espacios

indefinidos y atemporales.
Observamos un punto de partida rudo, pero que en el pincel de
picasso los lava, pareciendo hasta dulces, pudiendo referirnos a un
“dolor sublimado”. Alivian la posible culpabilidad.
Resulta mas coherente cuando él había sido cliente habitual del
mundo de la prostitución desde la adolescencia.
De manera que encontramos más imágenes de agonía romántica que de crítica social.

IMG: las dos hermanas

Le costó dar forma a esta obra: tiene muchos dibujos preparatorios. Relación
con una visitación del greco. Deriva claramente de la iconografía cristiana.
Las mujeres llevan la cofia. Que era signo de las mujeres que padecias sifilis.
Eran parte del uniforme de las internas del hospital de St Lazare. Las
recluídas tenían permiso de estar encarceladas en compañía de sus hijos.
aquí quiso representar la relación de una prisionera y una monja en situación
de igualdad, eligiendo el tema simbólico de la visitación.

la vida 1903
acabó de conjurar ese fantasma de casagemas. Es el culmen de este periodo
azul
la composición trajo de cabeza a Picasso, como vemos en los numerosos
estudios que restan de esta obra para poder hacer una correcta lectura de la
obra.
en los estudios se deja claro que la parte importante de la obra es la pareja
semidesnuda, ya que aparece en todos, y la madre va variando.
en la pareja se retrató primeramente Picasso. Pero finalmente retrata a su
difunto amigo Casagemas.
Se enfrentan dos grupos: una joven pareja casi desnuda y una madre con su
hijo en brazos.
entre ambos grupos vemos dos pinturas apoyadas en la pared (la inferior una persona en cuclillas,
plenamente encorvada sobre si misma y la superior de una pareja también encorvada).
todo esto puede hacer pensar que se trata del atelier del pintor.
en esta pintura expone todos los aspectos importante de su biografía.

el abrazo.
Pastel en el que comienzan a definirse las piezas del puzle de “ la vida” .
Aborda figuras con cariño, que nos atrae en vez de distanciarnos. aquí la mujer
parece que está embarazada
Los bocetos nos muestran como intenta plasmar lo que no sabe cómo hacer. La
mujer abraza al hombre. No esta embarazada. Esta desconsolada.
En los dibujos, el rostro con el que trabajaba era el suyo.
En el caballete aparece una maternidad. Con un personaje Barbado:¿su padre?
busca una alegoría con relevancia personal. Pero lo suficientemente disimulada
para que pareciera universal.
En un dibujo aparece Picasso con un gesto CARACTERISTICO DEL
TAROT: EL MAGO que representa la voluntad, la capacidad, la creatividad, la astucia.
El gesto señala arriba y a abajo: paso del poder de arriba al plano inferior.
Los rayos X han dejado ver que la figura central del lienzo tenía la cara de Picasso.
Renunció a la parte del gesto que señala arriba, porque estropeaba la composición, pero mantiene el
gesto hacia abajo.
La madre solo es una función de apoyo. añadida posteriormente(no aparece en los dibujos
preparatorios)
Relación con el arcano de los enamorados: en la eleccion del amor profano y del sacro.
Nos aproxima a las obra de gauguin los lienzos del fondo. También relacionada con la obra ”de
donde venimos quienes somos a donde vamos”
no tienen una accción comun entre los personajes(será habitual en la obra de Picasso )
además aparece el tema del estudio del pintor como “teatro del mundo” y por tanto el artista como
hermes trismegisto (tres veces sagrado) . Obra importante: muestra las preocupaciones,
frustraciones de picasso. Como se ve el en el mundo y en el arte.

Poco antes de llegar a Barcelona, hace un

IMG autorretrato
Se retrata con el dolor de la tristeza.
Dibujo preciso. Rasgos en azul con finísimo pincel.

1902 va a Barcelona. Continuidad con su obra parisina.

Realizó 8 o 10 pinturas de madres, mendigas, prostitutas, que evocan a las
mujeres de san lázaro.

madre con niño a la orilla del mar.1902

Simbolista.

1902. otra madre con niño

Esta con una flor roja.
Para un ginecólogo. Prostituta con flor=menstruación

IMG mujer junto a bidé.

Esta manchada. Idea de purificación.

Una de las primeras piezas escultóricas de picasso:

Mujer sentada.
Interés por Rodin.
Además descubre el modelado de la espalda: la sensualidad de esta curva, su profundo carácter
erótico.
Comienza a prestar atención a las espaldas.

madre e hija junto al mar.

A parte de erotismo es vulnerabilidad. Espalda que puede
hablar de dolor. De soledad.

Rameras en un bar 1902.

De los mejores ejemplos de la proximidad de picasso y
gauguin.
Simplificación. El único detalle es un vaso vacío.
Influjo de Gauguin.
El tiempo en Barcelona:

El quatre gats se da cuenda de que ahora era demasiado conservador, aquellos que le habían servido
de referente también estaban en parís.
En este momento Picasso tiene noticia de que Mañach ha expuesto la obra que dejó en la galería en
París y que se había vendido.(y no podía recibir nada) ahora depende de sus padres.
El ambiente de Barcelona ahora no le convence. En octubre cumplía 21 años. Se tenía que enrolar
pero consigue la redención por dinero
Acompañado de julio gonzalez y ¿?

20 de octubre de 1902 hace su tercer viaje a París. Y esta visita será desastrosa. Intenta sacar algo
de dinero con las obras de Barcelona. Aceptó un trabajo para hacer un álbum de mujeres hermosas.
Pero no le gusta y abandona el proyecto

En estos días penetra en su obra la obra de Chavannes.

Realizó grandes frescos para el panteón. Santa Genoveva abasteciendo parís. Y la copia.
Amalgama de romanticismo y clasicismo que queda compacta con el periodo azul.
No la pinta hasta su regreso a Barcelona:

la sopa
Fondo que no nos sitúa. Trabajo de monocromía: retoma la forma de
“las dos hermanas”. La madre envuelta en el manto clásico.
Penuria,
el tema de la negación de la caridad está muy presente en su obra.
Vive, experimenta la sensación del artista oprimido, soledad del artista
no reconocido.
En estos momentos de abandono, las obras que dejó en la Galería de
¿perpeil? Quedaban sin vender.

Aparece en escena un personaje, llamado Charles Morice, que escribe una crítica favorable de
Picasso en “el mercurio de Francia”
a través de Paco durrio, Picasso conoce a este poeta. Le regala una copia de “noa noa” una obra de
gauguin: es una obra que mezcla el folclore, fabulas, recuerdos de gauguin en Taití... en la que el
pintor pretendía mostrar parte de lo que se escondía detrás de sus pinturas.
Picasso ilustró el libro con sus dibujos.
Aprecio por este pintor.
También importante por la creencia del poder de los objetos (convierte este libro en un talismán) el
libro desaparece con su muerte
pinta con tinta y acuarela
Autorretrato con desnudo tumbado
Composición copiada de manao tupapau (el espectro la vigila). Más allá de la composición. De lo
que el pintor quiere apropiarse es del significado: para gauguin quiere transmitir el miedo. En
picasso él se autorretrata como la muerte que asusta a la chica.

Vendedor de muérdago. Obra inspirada en el greco (que vio en la capilla de san

jose en toledo). Puede ser una alegoría hacia su padre.
(la pinta antes de ir a barcelona con su padre)

El greco, luis de morales, poussin, chavannes y gauguin: esto son los orígenes
de su estilo.
Desamparados.
Pone proximidad con luis de morales. Más próxima a la
realidad. Suavidad y redondez.

mujer con mechón.1903

De nuevo busca a alguien con quien compartir estudio. Y lo encuentra en Angel de Soto.
El se quedó con el estudio que compartió con casagemas y que entre los dos habían decorado.
Busca remover la culpabilidad para vomitarlo en sus lienzos.
Allí encontró almacenado el cuadro que le llevo a parís “ultimos momentos” una obra que le
pareció desfasada y no merecía la pena conservar. Esto sumado a la escasez del momento de
material, lo reutiliza: que de la muerte volviera a la vida

la comida del ciego

el fondo importante, Porque es el germen de las hornacinas que
veremos en su pintura posterior. Encierra al personaje en un pequeño
espacio.
se inspira del greco para la delgadez cilíndrica de los brazos, los dedos
exageradamente largos, las huesudas figuras en quebrados contornos,
partes de intensa sombra y luminosa claridad. Pero también
apreciamos los gruesos contornos y furor monocromático claramente
inspirado en el modernismo. La soledad de sus figuras se puede poner
en relación con un simbolismo como el de Chavannes (quien trató
también el tema de la pobreza)

viejo guitarrista ciego.

Figuras muy alargadas, estilizadas, como el greco.
No hay un deseo de estudios anatómicos.
El ritmo está marcado por las tonalidades gélidas del
anciano.
Es una obra de gran tensión.
el viejo judio.
Pone de manifiesto sus temores: el padre estaba quedando
ciego. Es una de las secuelas de la sífilis(que padeció
picasso)

En los últimos meses en Barcelona

retrató a sus amigos
Ambicioso trabajo de retratos
conjuntos.
señor y señora soler
familia soler
a lo manet(desayuno en la hierba) lo
admiró en el museo Luxemburgo y lo copió mucho
rostros sin sombras.
A pesar de ser escena silvestre, anula el fondo. Así que después soler pide a Vidal
que pinte el fondo.

alcahueta. La celestina.
De las ultimas que pinta antes de ir a paris.
Ya lo introdujo en su estancia en Madrid. Al final de su vida, se convierte en el viejo y el mirón.
Le encanta este personaje y lo aborda varias veces en distintas facetas.
Una mantilla negra le otorga un aire cercano. Como haría Velázquez en el siglo de oro.

A finales de 1903, picasso decidido a ir a Paris. Pero le retiene algo en Barcelona. Tiene que irse del
estudio de soto. Se va a otro estudio. En soledad.

Abril 1904 vuelve a parís.

Al estudio vacio de un amigo. Bateau
lavoir será donde se instale.
No vuelve más a Barcelona de forma
permanente

Mujer desnuda con piernas cruzadas.

dos amigas
pareja

almuerzo frugal
Grabado: la quinta esencia de la época azul(richarson)
grabado de raya con el mismo estilo que en su pintura.
Miembros delgadísimos, huesudas. Contornos quebrados. Intensa
sombra y luminosa claridad

Poco a poco este azul de los cuadros va aclarándose en beneficio de toques rosados. Lo que
analizamos por separado(rosa y azul) debemos de pensar que constituían una unidad. El empleo del
rosa no justifica disociar los trabajos de la actividad
precedente. Encontramos diferencias, pero también
paralelismos, tanto en forma como en contenido.

la planchadora
las caracteristicas antes vistas(intensa sombra luz,
alargamiento, quebrado)

mujer con camisa.

Mujer que aparece en su obra. aire delicado, comienza a
decirnos que agotada una etapa, está seguro de hacer otro camino nuevo.
Aborta la mujer. Aparece en escena otra modelo.

A finales de 1904-1905 Madeline debía de haber tenido el hijo que abortó. Y en esto momentos
pinta maternidades muy tiernas.
DEL AZUL AL ROSA: hacia un mayor esteticismo

El carácter lúgubre del periodo azul, por una serie de circunstancias se pierde esta monocromia:
entran los ocres y rosas. Colores mucho más cálidos.
Después de tres años representando personajes indigentes, solitarios y miserables, Picasso nos
muestra nuevas formas y temas.
Comienza a mirar hacia EL ARTE FRANCES, que despuntó en el rococó. Que está muy ligado a lo
bello, a lo agradable.
Vamos a observar como la belleza se coloca por delante de los aspectos INTELECTUALES,
religiosos, morales.... todos los aspèctos quedan por detras de la busqueda de la FORMA y COLOR
Cambio delos protagonistas:
-TEMA DEL ARLEQUIN. Ya no vemos los judios, o [Link] los artistas callejeros, el
pueblo transumante, el cabaret. Acompañado de un CAMBIO DE COLOR
-Viaje a Holanta en 1905. en verano
-Acaba de arrancar con una mirada hacia la escultura arcaica de grecia, los jovenes atletas.
-IMPORTANTE : verano en GOSOL en [Link] que da un salto adelante.

mujer con corneja. 1904.

Es un cuadro de contrastes: del negro de la corneja al blanco calcáreo del
rostro de la joven. Formas estilizadas
antepone lo bello a lo intelectual. Intenta hacer un discurso. hablar de lo que es
para él el arte y artista; un concepto que está evolucionando.
Busca su lugar dentro del arte del momento
Sugerencias de esta obra: Formas equilibradas y armonicas. Color.
revalorización de la decoración(ej: Matisse)
la modelo de la obra será la hija del dueño del establecimiento “el conejo agil”, pero no aparece
individualizada, es mas bien un prototipo de mujer

madre e hijo.
Aquí tiene cierto enfoque de la época azul.
El espacio sigue desestructurado. Cierto toque de lo visto
en sus “maternidades”
maternidad
está claro que remite a elementos del pasado
IMG 2mujer desnuda serntada”
con la misma anatomia huesuda, alargada.

Sus amigos llamaban a esta pintura: “periodo del arlequín”

Este tema no era nada nuevo de Picasso, pero ahora aparecían con mas frecuencia en calidad de
tema aislado.
el mundo del circo se ofrecia como imagen tan melacólica como la de los mendigos de su periodo
azul. LA MELANCOLÍA SIGUE SIENDO UN RASGO ESENCIAL, PERO CAMBIANDO
FORMA Y MENSAJE.

Es importante el verano 1904. Conoce a FERNANDE OLIVIER.

Aparece un pintor aleman wiegels, homoxesual, sirviente...es el “nuevo casagemas”
Consumo de drogas (sobretodo el opio). El opio, dicen los estudiosos, ablandan los temas y el
ánimo de la ultima época azul y principio de la rosa.
En1953, habló sobre su consumo de drogas. “a parte de la rueda es lo mejor que ha hecho el
hombre”
Fernande dice que cada amigo con el opio tiene una obsesión. Y picasso dice que “ya no podrá
avanzar más en la pintura” se preocupa por si se topa con algo que le impidiera seguir avanzando.
En estos momentos tiene una mejora económica, relación estable con Fernande, muchos amigos que
rompen el marco de los hispanoparlantes: lo que hace que entre en contacto con la vanguardia
parisina literaria: todo ayuda al continuo cambio de su pintura.

arlequín con copa (1904-1905)

Los saltimbanquis son del circo, de algún modo marginados. Pero

su arte los redime de la marginalidad plena: ASOCIA
ESTRECHAMENTE EL SALTIMBANQUI Y EL ARTE/ARTISTA
Son personajes contrastantes con la pasividad de los personajes de
su periodo azul.

“lapin agile” el agil conejo, es uno de los locales que frecuenta.

Le dice el dueño que pinte algo: se retrata junto a la hija del
propietario. El propio propietario aparece encarnado en el músico. Picasso se retrata como arlequín.
El pintor creador posa como artista e intérprete. Por tanto, el tema central es la FIGURA DEL
ARTISTA Y SU MARGINALIDAD.
Vemos cierta relación con sus “bebedores de ajenjo” de su anterior periodo: la mirada perdida con
melancolía.

Apollinaire y André salmon. Eran escritores y críticos a parte de amigos. Ambos literarios
radicales. Coincide con ellos y con más figuras de la literatura parisina en las tertulias del café
“closerie des lilas”.
Apollinaire se dedica sobre todo como crítico de arte. Comentó mucho la obra de Picasso, lo que
contribuye al reconocimiento de la obra por parte del público.

Alfred Jarry: literato radical. Se convirtió en el prototipo del marginado creador tendente a la
extrema izquierda
Escribe “ubu rey”: satira que arremete contra el burgués que se convierte en salvaje. Con su poder
sume al mundo en el caos. Pone patas arriba el concepto de la sociedad prospera y segura. Obra
radical que sirve de modelo al dadaismo y surrealismo.
Picasso hace buenas migas en este círculo de literatos y pintores que están orientados a la extrema
izquierda. Rechazan los modelos convencionales de orden social y se sumen en la marginalidad
La obra de Picasso cobra esta impronta rápidamente
Elige los saltimbanquis, que ya en la época eran reconocidos como figuras simbólicas del mundo
artístico (no es solo simbologia de picasso)
En las revoluciones francesas, se crea la figura del payaso triste. Baudelaire escribió sobre el
payaso miserable y triste. Goncourt publicó una alegoría de la vida del artista en una novela de
ambiente circense.
La influencia de este tema no le viene solo del ámbito francés, también viene de España: Rusiñol
escribe la ora de teatro “la alegría que pasa”. Él mismo la ilustró en la revista”arte joven”, y de
aquí saca la obra de “el actor”.
Igual que en el periodo azul vimos una serie de estudios y bocetos que desembocó en su obra “la
vida”, en el periodo rosa también pasa con su obra La familia de
saltimbanquis

familia de acrobatas con mono

Es una maternidad. Una especie de sagrada familia.
Las primeras obras con un carácter más rococó.
Remite a las sagradas familias del renacimiento italiano: muestra un ideal del
arte post renacentista.
Verlaine: cortege: aparece copiado en un cuaderno. Mujer del siglo XVIII con
un paje negro y un mono.
Muchas obras con este tema de la familia de circo.

Familia de arlequines: la mujer que aparece se repetirá mucho

El arlequín se hace cargo del bebe y la mujer se peina.

madre peinandose.

Acróbata y joven arlequin

las formas deben mucho al pasado. muy simplificadas.

Organillero y pequeño arlequin.

La familia de saltimbanquis.
Tardó 9 meses en hacer esta realización. lo inicia en 1904 después
de muchos dibujos y estudios.
Las reflexiones sobre la vida del artista encuentran aquí su
definitiva realización plástica

LA PRIMERA VERSION podemos verla gracias a los exámenes

radioscópicos, está debajo del actual: se corresponde con la versión
de acuarela de la familia de saltimbanquis: en esta versión incluía a
las mujeres e hijos de los acróbatas. Aparece el joven en equilibrio
sobre el balón y el adulto que le observa: este tema lo repitió
simultáneamente en el grabado.
Se proponía resumir el tema de los arlequines.
Pero Picasso no quedó satisfecho y lo repintó. Puso en su lugar a
dos saltimbanquis ( que también pintó en otras ocasiones). Pero de
igual manera lo repintó.
Antes de volver a trabajar sobre el lienzo realizo una serie de estudios.: bufon y joven acrobata,
saltimbanquis con perro, muchacho con perro. Mallorquina
A la cuarta versión encontró la definitiva. Un grupo de 4 hombres con una niña y en el margen
inferior derecho colocó a una mujer. Esta si es la síntesis de los experimentos formales y temáticos
del periodo rosa.
las 6 figuras están sobre un fondo indefinido en dos grupo claramente contrapuestos con un frágil
equilibrio: el pesado grupo frente a la ligera mujer sentada al extremo del cuadro. Ausencia de la
comunicación entre los personajes
trabaja con una paleta de 3 colores básicos.
Intenta hacer una pintura lo mas plana posible. Se mueve en el simbolismo. Entre el academicismo
y vanguardismo.
Tradicion clásica francesa de pierre puvis de Chavannes.
Picasso parece decidido a hablar del problema de la relatividad de la
percepción artística. Nos sorprende al decirlo a través de pintura
anecdótica. Gentes de viaje, que deambulan
Vigorosas pinceladas en el inferior.
Los colores tienen tonalidad mate. Que nos hace recordad la pintura al
fresco. es una obra que no acaba hasta su regreso del viaje a holanda.

acrobata con balon.

Interes por las formas. Son una prueba de la experimentación formal. Está
investigando sobre los equilibrios de la composición. Ligereza frente
pesadez, esfera frente al cubo.
el tema es una escusa para jugar con las formas.

Muchacho con pipa.

De un poema de verlaine:”crimen amoris”
Un palacio en ectabana donde unos satanes practican los
pecados capitales. Salvo uno que es el que retrata
picasso.
Él tenía un retrato de un joven. Al escuchar el poema
que su amigo Jacob recita, corre a su estudio a coronar
este retrato del joven (algo parecido acontece con el
guernica)

muchacha joven con cesto de flores.

Solo ella. Es una imagen compacta. Nada que ver con la instantanea(a el le gusta el hieratismo)

VIAJE A HOLANDA: verano 1905.

Invitado por Tom Schilperoort. Este nuevo personaje no era muy distinto
a Casagema
A través de este viaje abre sus fronteras. Encuentra una cultura nueva para
él.
Los pocos dibujos y cuadros que realiza se diferencian de sus predecesores
en que ESTÁN TEÑIDOS DE LA HERENCIA CLÁSICA Y DEL
CONCEPTO ANTIGUO DE LA FORMA: está buscando una nueva etapa
pictórica. Deja de lado la temática de los juglares y saltimbanquis.

tres holandesas
Muy similar a las tres gracias. Era un motivo que Picasso pudo conocer en
su aprendizaje en Madrid, además de ser motivo de gran popularidad en
España.

La bella holandesa con cofia.

Es un desnudo grande, que prefiguran los robustos desnudos del año
siguiente y de su época neoclásica. No tiene nada que ver con lo visto antes.
Nada mas regresar, Picasso da por acabado este trabajo de los arlequines y pinta
La muerte del arlequin:1906
afirma que se inspiró en un suicidio que hubo en su casa.

NUEVO COMIENZO FIGURAS ARCAICAS GRIEGAS Y REFERENCIAS

ESCULTORICAS.

Comienza a trabajar el desnudo masculino, a través de los kuroi que se conservan en el louvre.
Siempre trabajándolas de forma abstraída y simplificada hasta constituir estructuras básicas.
Además realiza estudios de grabados y de modelado en cera y arcilla que serán importantes para el
desarrollo formal en este periodo.
Vemos el uso del rojo monocromático
utiliza el guache y la aguada, que aplica sobre el lienzo y a veces combina con tinta y pastel.
Está en el momento en el que los fauvistas habían generado el escándalo. Picasso conoció a Matisse
y Derain gracias a Gertrude Stein.
En estos momentos se vuelve a profundizar con la confrontación del arte de Ingres, Gauguin y
Cezanne.
Picasso Absorbe en estos momentos la independencia del color, la
importancia del dibujo en la obra de Ingres y

1905, a parte del bombazo del fauvismo, hubieron “monografias” de artistas.

Le gustó mucho la de MANET. El dijo que fue el primer artista moderno.
¿Que admira? La fácil elocuencia de las pinceladas. El modo en el que estos
clavan su mirada en el espectador. Además, la celestina, su tía pepa.... de
algun modo esta admiración que tenia Picasso por Velázquez se plasma en su
admiración por Manet.
También le importó la obra de Ingres. Maestría lineal, invención formal de
sus cuadros. Insólitas libertades de sus apariencias (deformidad
anatómica para cumplir con expectativas estéticas). Serenidad
glacial. Erotismo…estarán presentes en la obra de picasso.
El baño turco será importante para Las señoritas de Avignon.

Mujer con abanico.

Relación con ingres y Velázquez.
Se aproxima a la escultura arcaica griega. Al mismo tiempo
atraido por la cerámica ática(por terracotas y bronces)

abrevadero.
A principios de 1906, picasso emprende un proyecto que no termina.
Quería conseguir el reconocimiento del público.
Cuando iba a realizar la composición definitiva, con fijación a Gauguin, al Partenón, ve la “alegria
de vivir” de Matisse. Abandona el proyecto. Por no aceptar el reto con Matisse.
En los años siguientes se centra en los adolescentes desnudos:
muchacho guiando al caballo (mientras pinta el retrato de
Gertrud Stain)
La textura de fresco. Mira la obra del greco.
Recupera sus enseñanzas de un efecto luminoso globalizador.
Le ayuda a configurar la composición.
Tiene presente una visión apocalíptica de Zuloaga. Vista de las
estatuas Griegas
mira los modelos de Constantin guys de caballos.

los dos hermanos

adolescentes.
Color terroso de las terracotas. Con presencia de cerámicas al fondo.
El modelado de la luz no tiene un único punto

Otoño 1905 con Gertrude Stein. Le pregunta si puede retratarla.. tiene unas 90 sesiones.
Picasso sintió una gran consideración hacia ella, al margen de su mecenazgo. Veia una
reencarnación de las diosas de la [Link] lesbianismo la convertia en una especie de
androgino(tema que le gustaba).
Gertrude era americana. Apreciada como mujer moderna sin remilgos de la figura europea de la
mujer.
Con este modelo femenino se coloca en las antipodas de las bellezas a la moda: talle de avispam
cuello de cisne: le gusta por su sexualidad desfemenizada.

Picasso no era capaz de plasmar su imponente personalidad.

No consigue ponerse por delante de Matisse y superar a Cezanne.
Matisse fue el unico pintor al que picasso consideró rival. Se miraban con recelo y aceleraron su
ritmo creativo por tener el primer puesto. Cuando en el salon de otoño de 1905 Matisse consigue la
atención del publico. En 1906 muestra la alegria de vivir, y picasso ve que es un gran desafio.
Era una obra muy avanzada en cualquier campo que piocasso habia hecho. Tiene sensación de
segundon, hasta que dos años mas tardes, con las señoritas de avignon recupera su animo.
No será hasta el verano en gosol cuando termina el retrato de gertrude

falta dia 5/03

TEMA 5. DEL AZUL AL ROSA

Nos quedamos hablando del verano de 1906. Nos encontramos con un Picasso
que llevaba mucho tiempo realizando el retrato de Stein, un retrato que no
llegaba a resolver, de hecho su desesperación le llevó incluso a borrarlo.
Anímicamente no se encontraba bien y la obra de Matisse, Alegría de vivir, le
produjo un fuerte impacto, le preocupaba quedarse atrás y que su obra pudiera
parecer retardataria.
Por ello salió de París para encontrarse a sí mismo, hecho que consiguió
después viajar dos años por España. Este viaje pudo hacerlo gracias a la venta
de sus 20 primeras obras adquiridas por Apollinaire.
Estuvo cerca de Andorra, en el pirineo de Lérida en el pueblo de Gósol y pensó que podía ser el
lugar donde fuera capaz de sacar de sí mismo algo nuevo.
Pasó por Bcn, no había ido antes porque el orgullo le impedía ir a la ciudad condal sin dinero. Sin
embargo tenía una necesidad imperiosa de salir de París.

-Retrato de Fontdevilla
Llegaron en le mes de julio al pueblo que guardaba restos
medievales y que se encontraba en el valle, en la ladera de un
frondoso paisaje. Se instalaron en la posada de al aldea.
Joseph Fontdevilla era el propietario de esta posada. Éste contaba
con 90 años (Picasso lo retrató). Este personaje ejerce una fuerte
influencia sobre Picasso puedes a partir de este momento se rapó el
pelo y parece querer ser identificar con esta persona admirando la
energía que derrochaba esta persona a pesar de su edad.
El envejecimiento fue un tema que siempre le preocupó.
Tal es así que Picasso guardó este retrato y lo dispuso en su cuarto de
estar, de hecho puede influirle en sus últimas obras
cadavéricas.

-Retrato de Fernande Olivier

Es curioso que en medio de tanta naturaleza no pinte paisajes. Sigue pintando mujeres,
pero mujeres orgullosas y trabajadoras que distan de las mujeres objeto de Montamtre
que el había representado o de las mujeres indigentes retratadas en Bcn.
No debemos olvidar en este caso la inf del noucentisme así como la Monserrat,
emblema del Mediterráneo que posee esa fuerza de quien trabaja el campo y saca
adelantes las familias. Un ejemplo sería el retrato de Fernander Olivier con pañuelo en
1906.
Estuvo 10 semanas en Gósol que le fueron muy fructíferas.

-El Aseo
Fernand sostiene el espejo y se peina delante del mismo. Vemos pálidos
cuerpos desnudos, color terracota, fundiéndose en luces un tanto difusas.
Vuelve el tema del aseo (ya visto en los arlequines). Según Picasso ella
siempre estaba acicalándose y arreglándose la melena.
Estamos ante una fig desnuda idealizada y rinde homenaje a la pintura como
instrumento de idealización y embellecimiento de la realidad.

-Desnudos
Picasso realizó otras obras de desnudos y es posible que por su buena
memoria se acordara de la producción de Ingres en este momento.
Mujer con niño y cabra pude recordar a Venus de Ingres o los bañistas de
Gaugin.
Tben tenemos otras obras que nos recuerdan a los kurós pero con una
cierta deformidad de la anatomía clásica, con rostros que se están
convirtiendo en máscaras.

-El Harén.
Consigue una composición -cuadro-resumen de influencias y búsquedas
que ha iniciado hace algunos años y que reúne en la obra. Como ocurrió
en el entierro de Casagema.
Rebosa un inocente erotismo. Otra vez vemos, en la disposición de las
figuras, la influencia de Ingres. Una de las diferencias más llamativas será que pierde la rebosidad y
carnalidad de Ingres, las de Picasso son sutiles y etéreas. Destacamos el borrón que lleva el eunuco
en la mano (símbolo fálico) que aparecerá en los bodegones de Picasso.
Tben vemos la influencia del Greco, una vez que “agota” la influencia de Ingres.

-El Florista ciego.

Es una obra experimental que inicia a través de los bocetos de Gósol y que termina en París. El
pretende una síntesis que abarque desde el manierismo del Greco hasta la compasión de la época
azul o el encanto más decorativo de la época rosa, así como el decorativismo que están imponiendo
los nabis. El tema de la niña guiando al ciego lo tendrá en cuenta y puede simbolizar a un marchante
que conocía Picasso que se quedó ciego.
Aquí utiliza un esquema superficial de facetas rítmicas del Greco para articular la superficie
pictóricas y cohesionar todos los elementos (no hay curvas), marcando las líneas de estos colores
contrastados. Este será uno de los ptos de partidas de los recursos desarrollados en el cubismo.

Consecuencias de su visita a Gósol:

-Trabajará soluciones formales prácticas, técnicas y en el aspecto volumétrico de las mujeres.

-Durante esta estancia en Gósol afianza su autoestima
-Destacamos la inf de una talla románica presente en la Iglesia de Gósol, con los arcos del rostro
marcados y ojos almendrados con la pupila negra. Se trata de una talla de madera policromada de la
segunda mitad del s. XII. Los mismos rasgos que utiliza para un autorretrato suyo en París en 1906
y finalizar el retrato de Stein.
Hay autores que consideran que se han infravalorado la influencia de la producción románica en
relación con la ibérica.

A mediados de Agosto Picasso y Fernand recogen sus cosas y huyen de Gósol por unas fiebres y
regresan a París, sin pasar por Bcn.

Encontró un pueblo aislado, con ejemplo de esc románicas.

Otra influencia notoria escultura ibérica: que Picasso había llegado a venerar. En este momento se
produjo un importante descubrimiento en el Cerro de los Santos, ubicado en Sevilla, fue la gran
aportación de España a esta cronología.
Influencia de estas obras en Picasso:
-Escultura tosca que marca la distancia con la obra clásica. Este aspecto le hacía intuir a Picasso que
existía un camino distinto para él en la Historia del Arte.

Alois Riegl afirmó que estas obras marcaron una apertura del arte hacia
otros tiempos y otras zonas geográficas.
No olvidemos que las cuatro grandes influencias de Picasso, que le llevaron
al nacimiento del cubismo, fueron: la escultura ibérica, la escultura
románica, las máscaras africanas y las tallas helénicas.
Las consecuencias fueron unos rasgos marcados, simplificados fácilmente
siendo reconocibles para el espectador, el
desarrollo del volumen, la contundencia y la
vinculación hay un camino evolutivo anti
naturalista.
Esta influencia puede reducirse a pocos elementos
sin perder la originalidad. Son una alternativa al
fauvismo y al liderazgo de Matisse. Plenitud, mínimo uso del color y del
modelado, su efectividad reside en la ausencia de expresividad.
 -Mujer desnuda sobre fondo rojo, París finales del 1906. Aquí vemos la ev desde la obras de Gósol
de su amante (Fernand) hacia rostros-máscaras como vemos en el Peinado que podemos considerar
una obra de transición.

-Mujer desnuda sentada, con las piernas cruzadas. Parecen seres telúricos, primigenios, surgidos de
la Tierra, con enormes pies que los sustentan. Esta idea puede aparecer en obras de Miró, en
concreto con una figura que aparece acompañada de un algarrobo (árbol que hunde sus raíces en la
tierra). Tben recuerda a las divinidades primitivas de fertilidad que aunque solían ser de pequeña
dimensión, de tenían esta rotundidad y vol considerable.

-Dos mujeres desnudas. Tenemos distintas versiones en lápiz con carboncillo y tinta china. Aquí
vemos la inf de Cézanne.
Muchas de estas obras se expusieron en el Salón de Otoño de 1905, un año después se expusieron
otras obras en homenaje a la muerte de Cézanne, en 1907 se realizó una importante retrospectiva de
su obra, por lo que es lógica la influencia del autor en estos años. Esto potenció la familiaridad con
Cézanne y a Picasso incluso a definirlo como“el padre de todos nosotros”.
Picasso le tenía una gran rivalidad a Matisse.
Esta obra fue su último lienzo antes de las Señoritas de Avión, aquí experimenta el tema del harén,
del aseo de Venus…que se percibe más en las poses y el color y menos en el tratamiento.
Quizás juegue con la idea del doble (se mire en un espejo) pero no se correspondería en la obra. En
cualquier caso se nos muestra una mujer que descorre una cortina (inf Señoritas de Avinón). Así
como el mencionado carácter escultórico y una tosca aplicación de la pintura.
La obra podemos compararla con las dos hermanas del período azul, que ahora queda tan lejos.

Nuevas consecuencias de la estancia de Picasso en Gósol:

-Abandono de la poesía, del virtuosismo…
-Llegó a entender que el primitivismo (aquella mirada hacia los orígenes del arte) le iba a llevar a
manifestar su manera de entender el arte.
-Nos encontramos con un Picasso que se siente capaz de romper con lo anterior y de crear un arte
nuevo.
-Otra visita que le impactó fue la que hizo al Museo Etnológico.

TEMA 6. 1907-8. BUCANDO UNA SALIDA, UNA NUEVA PERSPECTIVA.

Apartados:

-El pintor de la vida moderna y la magia primitiva.-Matisse, Derain,

Cézanne y el Greco.
-Contemplando a “las señoritas”.
-Tras “Las señoritas de Aviñon”.

6.1. EL PINTOR DE LA VIDA MODERNA Y LA MAGIA

PRIMITIVA

-1907 Autorretrato. Picasso le había otorgado una enrome imp a la obra

de Baudelaire “El pintor de la vida moderna”. No sabemos si lo había
leído o si la influencia le llegó a través de otras monografías. Sin
embargo sabemos que si le influyó esta obra pues existen apuntes de la misma en los cuadernos de
notas del pintor. Sobre las monografías destacamos la obra de Gustav Gerfoid? Un autor conocido
como pintor de caballos que había incluido citas Baudelarie.
En los cuadernos de Picasso tenemos ejemplos de estas ilustraciones, fragmentos que estaban en el
libro de Gustav Gerfoid? y que los había manejado.
Estas alusiones son imp porque cuando Picasso aborda el cuadro considera que las alusiones propias
de los artistas modernos.

Baudelaire aporta dos temas propios del pintor moderno, el popular desfile de carrozas por el
bosque de Bologne y el cabaret. Y Picasso parece moverse por ambos temas hasta que decide este
segundo camino: el burdel.
Picasso parece poner img a fragmentos del autor “salvajismo, un tipo de belleza que le viene le
pecado, todos los seres tiene la marca de su comercio, una especie de belleza profesional, reflejan
en sus descarados ojos la vivencia de estar vivo, a veces adoptan poses que harían las delicias de los
escultores más exigentes, en este nebulosos caos, horripilantes ninfas cuyos ojos de niñas lanzan
destello siniestros, se mueve y se contorsionan”.
Este comentó esta vinculado con la psiquiatría de este momento a través de la cual se realizaron
auténticas clasificaciones de personas, atendiendo, en algunos casos, a su profesión. De hecho se
habló de algunos de los rasgos de las prostitutas en este momento.
Dice Richardson que esto pudo “picar a Picasso”. Picasso niega sus fuentes y las vincula con
Matisse, muy pocas veces confesaba sus influencias.

-Otra de las influencias destacadas fue su visita al Trocadero (donde se ubicaba el museo
Etnológico). Esta visita ha sido un tanto polémica y ha llevado a los autores a establecer distintas
cronologías. Carsen Peter sitúa la visita al Trocadoro en el verano de 1907, intentando demostrar
que la influencia de las máscaras no fue tan importante en Picasso.
Sin embargo Malraux recogió “quería marchadme pero no me fui, comprendí que era imp, las
máscaras no eran como el resto de esc, eran cosas mágicas. Las máscaras primitivas eran piezas de
magia, obras interés sobre las y mediadoras. Estas máscaras negras estaban en contra de los
espíritus malignos, los fetiches eran armas para ayudar a las personas. Estaban por tanto vinculadas
a los espíritus, el inconsciente, la emoción por lo desconocido... según nos cuenta el autor fue un
momento vital para Picasso pues llegó a comprender, al ver estas máscaras, por qué era pintor.
Recordemos que las señoritas de Aviñón llevaban tiempo en su mente y que fueron a partir de estas
influencias cuando se dieron a conocer.
Richardson sitúa la visita del trocadreo en Marzo.
En 1939 la obra de las señoritas de Aviñón fue adquirida por el MOMA, Alfred Barr afirmó que
era la obra maestra del período negro (también está a favor de la influencia de las máscaras
africanas).

Rubin? sin embargo niega la existencia esta influencia mencionando unas palabras que Picasso le
dijo: “Hace poco tiempo Picasso me comentó que los críticos nunca habían estudiado nada a cerca
su pintura. La obra no deriva de la obra negra”. “Según otras fuentes la obra procedería de la
influencia del arte africano, un arte extendido a través de las exposiciones como propaganda de los
respectivos imperios coloniales y que llegaron a los distintos países europeos de mano de los
misioneros”. “No hay arte africano en las señoritas de Aviñón” y cambió de idea de Rubin de la
vista al Trocadero es anterior a la elaboración de las dos últimas figuras

El problema sobre la vida de Picasso es que este tiró muchos balones fuera y nunca afirmó nada,
por lo que tenemos distintas suposiciones del resto de historiadores.

Aquí surge la idea de la pieza como intercesora y el pintor como mediador, recordando la anécdota
del regalo de la chaqueta vieja al jardinero y el robo dentro del círculo de Apollinaire. Para él eran
los arqueólogos que lo habían saqueado del patrimonio español.
Otros justifican que la influencia las máscaras no se produjo puesto que Picasso no tenía ningún tipo
de máscaras en su taller. Sin embargo cada profesora esto no estaría justificado pues con la enorme
memoria visual del autor es que no necesitaba disponer de dichas cabezas en su taller. De hecho en
caso de que las tuviera sería por extraer de alguna forma la energía de las mismas, una energía de la
cual podría apropiarse. Las poseía más como talismán que como modelo.

6.2. MATISSE, CÉZANNE…

A través los hermanos Stein conoció Picasso a Matisse y posteriormente le fue presentado uno de
sus seguidores: Derain. Quien había reflexionado sobre las innovadoras propuestas de Cézanne y
había abandona esa pint ilusionistas para descubrir la expresividad del color puro.
Este abandono del tema al color (y al deseo de los poderes de la pint) rozan la abstracción. La
necesidad de encontrar respuestas fuera de la tradición de ahí que la supuesta búsqueda de estas
obras se aleje de la civilización y se aproxime a la abstracción, como ocurre en el caso de estos
autores entre 1906 y 1907. Vemos como los tres, de forma independiente, dirigen su mirada hacia
otros tiempos.
En el caso de Matisse y Derain el encuentro no provoca un giro sino más bien una inspiración.

Esta influencia se cuenta presente en la obra de

Cézanne las grandes bañistas (1906) o en las tres
bañistas de Derain. Esta última la llevaron al salón de
los independientes en 1907.. LAuren? Nos dice que se
trata del primer cuadro en el cual el autor afirma de
forma consciente de la influencia del primitivismo.
Picasso se inspira la misma obra para la composición
general de sus señoritas así con la obra de Matisse.

-En Marzo 1907 se expuso el Desnudo azul de Matisse

y los bañistas de Derain causando una importante influencia, no olvidemos que en este momento
Picasso se hallaba realizando la primera versión de la señoritas de Aviñón y que antes del mes de
marzo Picasso pensó en plasmar el tema del burdel como primera visión de la obra (influencia de
Baudelaire).

Desde junio y principios de julio se observa, en la

realización de los distintos conceptos, que aparecen ya
figuras de ángulos redondos, donde se acentúa el
movimiento y la extensión de las figuras y aumenta
considerablemente el primitivismo de las mismas.
De hecho en el salón de los independientes de 1907
Picasso se ocupa de la geometría y lleva al límite las
deformaciones.
Los tres (P, M y D) recogen los que se leía en las bañistas
de Cézanne, los contrastes de formas y de ritmos para
expresar el volumen en movimiento, un volumen en
movimiento presente en las señoritas de Aviñón.
Estas obras han sido de vital importancia pues permanecieron ocultas, a la mirada del público,
durante muchos años al encontrarse en colecciones privadas. Cuando han salido a la luz hemos
podido trazar una evolución más clara hacia el cubismo en la producción de Picasso.
Las obras salieron a la luz gracias a la acción de Bretón el cual consiguió que Dougel? las
comprara en torno a 1921. De hecho la primera vez que se difundieron fue a través de la revista "la
revolución surrealista" en 1925. Para la profesora la obra no está clara que fuera proto cubista, en
ella se observa un mundo de delirio, de Sony de pesadilla que estaría vinculado con el movimiento
expresionista.
Barr la calificó en 1936 como la Primera obra cubista.
En 1916 la obra fue expuesta pero por hallarse en un contexto más próximo a los debates sobre su
creación, el lienzo pasó desapercibido.

-Tben destacamos la obra desnudo con paño, que desapareció de la vista del público al ser
comprada por los Stein o las tres mujeres (tben de una crono similar) salió vista pública al ser
adquirida por un coleccionista ruso.

-El cuadro de Dearin ya había sido olvidado por entonces porque había sido comprado por un
coleccionista suizo. Salido a la luz en 1936 así como el desnudo azul de matiz que fue enviado a
Estados Unidos también en el ámbito privado. Son obras trabajadas en paralelo pero que durante
muchos años no se había tenido en cuenta la relación de las mismas.
PIcasso llegó a dominar la formas y profundiza en el contenido espacial tomando la influencia de
Cézanne y la influencia de la fase que irían desde El joven desnudo con el caballo, pasando por el
retrato de Stein y concluyendo con el desnudo con paño.

3. CONTEMPLANDO A LAS SEÑORITAS DE AVIÑÓN

Nos damos cuenta que cuando Picasso abandona Gósol:

-Concibe la figura del hombre a través de su volumen plástico

-Viola las proporciones y las formas naturales: elimina la perspectiva y las relaciones entre las
distintas partes del cuerpo, el contorno y los colores no
se amalgaman para dar una ilusión sino que están
desvinculados.

Consecuencias:
-pone de relieve el carácter autónomo de la pintura.
Picasso comienza en Otoño del 1906 su camino a esa
gran obra que ansia a realizar y con la que esperaba
convertirse en el líder indiscutible de la vanguardia.

Versiones y estudio previos de las Señoritas de Aviñón:

a) En Marzo de 1907 realiza una primera composición general,

un estudio que se conserva en Basilea, donde las 6 mujeres
aparecen acompañadas de dos h, identificándose la escena con
una escena de burdel.
b) esbozo general, conservado en Filadelfia. 5 mujeres de
contornos angulosos.
c) julio de 1907, realza la pintura en su versión actual.
Tenemos al rededor 800 estudios previos y un imp trabajo, que
incluso dio la traste con la relación con F. Olivier.
Fue un proceso de trabajo racional que impresiona por sus
consecuencias. La investigación de los estudios permite
distinguir dos fases de desarrollo, que transcurren por separado
pero con un objetivo común: la síntesis de las formas y el tema.
Picasso busca desarrollar un lenguaje formal que tanga los
mínimos para que sea entendido pero que subraye y potencie la
anatomía de los recursos plásticos, sin llegar a caer en las abstracción, porque Picasso es un pintor
figurativo.
Por ello ensaña, experimentalmente con algo comprensible a cualquier espectador y juega con las
dificultades, encontrando un equilibrio, lleno de virtuosismo.
Un ejemplo de estos estudios de Picaso lo tenemos en el
marinero, que era un personaje de la composic. Otro ejemplo
sería la tendencia simplificadora que observamos en muchas
de sus obras: pocos rasgos, líneas de sombreados (que acaban
siendo campos gráficos autónomos) y cómo ensaya la
modificación de los componentes imitativos mediante
contrastes de partes con luces y sombras.
Utiliza colores básicos, extraños a la realidad del objeto.

Los resultados de esta larga experiencia son las Señoritas de

Avignon, una obra que parece presentarse como la conclusión de esta intensa investigación y de la
síntesis de estos estudios previos.
La obra ha sido calificada como implosiva (todo queda configurado en el lienzo). Los espacios
claros sirven de respiración a la obra. Se trata de una obra aglomerada y apiñada. Siguiendo la
estética del renacimiento, en ella se consideraba que el arte debía ser armonía, una armonía que no
vemos en la obra.
En ella, por último, destacamos la creciente influencia de las deformaciones del arte africano,
sugerencias para llevar a su propio lienzo.

06/03
continua “Buscando una salida: una nueva perspectiva”

IMG las señoritas de Avignon.

Las teorias del renacimiento que buscan la belleza ante todo no están descartadas del todo en esta
obra:
composición geométrica, la naturaleza muerta a pie de composicion(a mitad del cuadro)
composicion axial simétrica, que responde a las normas del arte clásico. Juega con los equilibrios
entre la roptura y la continuidad.
RASGO DEL CLASICO: renuncia a la construccion de la perspectiva. En el tratamiento dado a las
figuras vemos la vista transversal que frontal: mujer de espaldas a la que vemos la cara.

El tema básico de la obra: parece ser el de un grupo de mujeres que muestran sus encantos. Canon
clasico¿? La figura de la izquierda nos podria recordar a la venus de milo: que tiene medio cuerpo
cubierto por un paño. La copió muchísimo, porque está en el Louvre.
Picasso descartó las figuras del estudiante y del médico. Porque distrían del auténtico ser de la
pintura.
La composición recurda a la división de la visión apocalíptica del Greco
el tema: pudiera ser el juicio de paris, en el que los jueces serían los espectadores. Que busca el
ideal de belleza.
Zeuxis: a él se le encargó pintar a Helena. Según la leyenda,para poder pintarla, se sirvió de 5
modelos para elegir las partes mas hermosas de sus cuerpos y crear una belleza inexistente.
Ademas pintaba fruta tan real que los pajaros probaban comerla.
Podía ser un “compendio a Zeuxis” intenta mantener este vinculo con el pasado. Con busquedas
formales para encontrar un nuevo lenguaje
las conclusiones extraidas en este lienzo le permiten articular una nueva pintrua con obras de arte
distintas, coherentes, durante su periodo cubista.

Los amigos de picasso criticaron esta obra. Picasso demuestra que no tiene interes por el fauvismo.
Parece que no siente el respeto sacro a Cezanne(asi lo entienden sus contemporaneos) como sus
bañantes
tiene cierto toque mágico de lo primitivo, africanizado.

4 o 5 meses despues, Braque pinta gran desnudo. Distorsión de las formas como en las señoritas de
avignon. Ademas braque solo pinta figuras cuando picasso le incita.
Para picasso, el arte es exortizador. Los africanos, para evitar la venganza de los difuntos recientes,
apaciguaban su espíritu con una talla africana que no se pareciera a nadie conocido. Sobre la
estatuilla se imponian las fuerzas sobrenaturales del hechicero africano. La figura puede canalizar
la potencia de los espiritus para la protección de la comunidad: talla protectora de la comunidad.

¿porque de 1907 a 1916 las señoritas de avignon estuvieron escondidas en el estudio del pintor?
Se ve como intermediario entre lo alto y lo bajo.

Tras las señoritas de avignon ,¿que ocurre?

Con la critica de su obra, titubea, pero intenta dar pasos firmes
desnudo con paño(“la danza de los velos”)1907
estilo africanizado. Utiliza estriado como unión de la figura y el fondo. Asi niega la perspectiva:
unifica todo en un unico plano. Destaca la figura por el colorido.
La bailarina de avignon
va suprimiendo el rallado e intenta consolidar el volumen de la igura
seguirá trabajando con el tema de lasbañistas de Cezanne
en primer plano coloca una barca que parece que avamza hacia nosotros

las mujeres se van haciendo hombres: marca mucho la musculatura.

Amistad
desmenuza las partes de las bañistas y las trata por parejas.
Shchukin (primer dueño) es el que pone el tí[Link]ón que tiene mucho que ver con la
escultura negra, con cortes muy marcados, curvas “acuchilladas”
nos remite a unas imagenes de africanas: una especie de totem que remite a la unión de los vivos y
los muertos. Como mediadora.
Desnudo de pie.
Cada vez es mas geométrica. Consigue sensación de fuerza, de potencia latente que se desprende de
las hieráticas representaciones de los antepasados.

Hizo varias obras jugando con la composición de 3 mujeres. En ellas puede ver la evolución de la
facetación cubista.
Los volumenes se convierte en la articulación de planos segmentados. Los estudiosos de picasso
ven como si el artista quisiera huir de Cezanne.
Cada vez volumen mas segmentado, son mas compuestos

Derain trabajará igual que Picasso con grandes mujeres, y también Braque(aunque hace un rallado
distinto, vemos que están cada vez mas conectados): es algo que se palpa en el ambiente, se miran
los unos a los otros.

Mujer con abanico

va simplificando las lineas, geometrización. Añade un carácter sosegado.
La granjera 1908
observamos una imagen voluminosa, que tiene gran fortaleza,
es el retrato de la dueña de una granja en la que [Link] recoger la dureza del trabajo
agrícola. Como una driada vestida a lo rústico

driada
es la encarnación de una deidad en la naturaleza
Muestra de la deidad la corporeidad, como paralelo al poder
hay un estudio de esta imagen, pero como si estuviera en un trono encastrada, de carácter vizantino,
en la septima lámina del libro de Andrea Vesalio , dedicada a la anatomía humana. “de humani
corporis fabrica: aparece en la misma posición.
Apollinaire seria seguramente quien le puso en contacto con esta fuente

Desnudo sentado
rostro que recuerda a las esculturas de la polinesia.

A lo largo del 1908, supera todos los problemas que establecieron cezanne y matisse.
Se enfrenta a Cezanne.
Braque se está enfrentando a los mismos problemas que él, a traves de Cezane.
Da el paso decisivo para fragmentar completamente las formas y el espacio

EL CUBISMO ANALÍTICO: 1908-1912

EL CUBISMO SINTÉTICO: 1912-1915

Cezanne hizo mención a la geometrización de las figuras para poder sintetizar cualquier cosa que
llevas al lienzo.
El uso arbitrario del tratamiento natural, de la forma y de la perspectiva cromática daba numerosas
posibilidades artísticas.
Materializa en las señoritas de avignon un nuevo estilo: sirviendosse de los medios tradicionales de
las artes plasticas puede conseguir algo nuevo.
Este nuevo lenguaje, sobre el va construyendo el lenguaje cubista(primero analtico y luego
sintético)
Picasso no parte del color,(matisse si) se guia con la FORMA. Demostrará entonces:
-la autonomia de las estructuras de lineas y colores que posee el mismo valor que la reproduccion
de la realidad, mas convincente esteticamente.
-puede superarse la distribución convencional de un cuadro en los planos delantero, central y
trasero. El los subdivide.
-supera la delimitación entre motivo y entorno

1908 comienza el cubismo analitico. Y llega a su culmen el año 10, con el retrato de vollard.
Sensación de pixelado.
Profusión de lineas, campos de color que se entremezclan.
La cabeza es lo que mas respeta. Se notan sus rasgos naturales. Ademas del color . Consigue lo mas
dificil: hace un retrato de la fisionomia exterior del retratado haciendolo de forma diferentes.
Lineas continuadas aleatoriamente. Color alarbitrio según sus necesidades plasticas: no son
imitativas. Distinto al mimetismo.

Tras las señoritas de avignon, se ACENTUA EL DIBUJO., mismo tratamiento fondo y figura. Linea
y color están muy relacionados.
Naturaleza con calavera.

Entre primavera-otoño:
el dibujo no es tan indepentiente del motivo
luces y sompras sin orden de principio espacial
lineas y colores hacia la geometrización

bodegones:
jarron vaso y libro
mas facil de trabajar que un retrato.
Garrafa y trwes copas
simpliicación.
Frutero
intenta que todo quede empastado, haciendo un uno: unas veces con las formas y otras con el color.
Son obras experimentales.

El paisaje: en el verano del '08

adopta el principio de estructura espacial autónoma
los motivos a primera vista se describen como cubos puestos en fila.
Casita en un jardin
tenemos en mente los paisajes de Cezanne. El gran maestrosigue presente.
La rue des bois.
Geometrización, sintesis, experimentación de color..

Braque, en aquel momento llega a resultados parecidos:

l'estaque. Consigue a partir del '08 una solución como picasso.
Vauxcelles,
matisse hace referencia al termino de cubismo, y a partir de entonces se generaliza.

EN INVIERNO Del'08 VEMOS LOS INTERCAMBIOS PICASSO BRAQUE.

Ambos aportan su creatividad y experiencia.
'09'10, va picasso a españa y braque va a la roche-¿? En el valle del sena

La reina isabel.
Libertad para cuaquier recurso plastico
mujer con abanico

en 1911 viajan juntos al sur de francia. Desarrollan conjuntamente una nueva tendencia estilística
Picasso: Bañista1909
Braque:gran desnudo1908.
Vemos una bañista diferente a lo visto antes. Trabaja con fondo en bandas, muy primitivo, haciendo
del cielo, agua, arena.

Braque estudió en Paris decoración, por eso consigue las texturas de materiales diversos. Tambien
idea una nueva gama de sensaciones tactilas por la cual se enriquecen sus pinturas. Transmite esta
pericia a Picasso, que ninca mostró itnerés por la materia(transmisión de efectos táctiles).
Sus superficies pictoricas cobran refinamiento. Y el color cobra importancia como elemento
estructural.
Picasso sigue trabajando sus temas de mujer, retrato. Con un lenguaje con el que va experimentando
retrato de Pallarés.1909

1909 estancia en la Horta del ebro. Verano

Sus cuadros son un entramado de formas geométricas y de diversas gradaciones del color
dominante.
Depósito de agua de Horta de Ebro.
La fábrica
picasso practico dierentes posibilidades de la fragmentación de las formas. No solo el paisaje como
braque. También el retrato.
El retrato era lo mas arriesgado de fragmentar
Fretrato de Ferndande: mujer con peras
Las zonas del rostro humano se descomponen en luces y sombras. Estructura de superficies que se
mezclan y chocan.
Tratado como un cesto de frutas: no hay una jerarquia según que tema, se trata tordo por igual:
paisaje, fruta, persona.

Estos juegos de volúmenes lo trabaja también en la escultura

fernande
parece que en escultura pierde el sentido que tenia su tecnica en pintura: porque la escultura es puro
volumen.
La manzana

continua pintura
desnudo en un sillón.
Todo se entremezcla: fondo sillon y persona.
Naturaleza muerta con betella de anis del mono agosto 1909
desfacetación extrema
el espacio pintado deja de ser un lugar ficticio.
Ahora el papel es un plano en el que distrubuir los trozos resultantes del estudio de un objeto.
Pero no de forma aleatoria, sino siguiendo las leyes de la naturaleza.
Sigue unas leyes plásticas en cuanto al color.

Mujer desnuda sentada en un sillónb'10

muchacha con mandolina '10
mujer con mandolina '10
retrato de vollard
retraro de uhde
guitarrista
paisaje de Ceret (en la estancia conjunta picasso-braque)

1911-12 surge un cambio en su obra conjunta

braque en el '09 habia introducido alguna letra en sus composiciones, ahora aparecen palabras
enteras.

Picasso coge esta idea de braque, pero sin que conserven el significado. Las usa de forma arbitraria.
Ademas braque conocía ciertas tecnicas decorativistas.
Comienzan a aparecer elementos como cortinajes, borlas, cordones, en la obra de braque. Imita las
vetas de la madera.
Pero si rechaza la estética

El hombre del mostacho. Se hace imposible reconocer el cuadro por la arbitratriedad de los planos.
Naturaleza muerta española

20/03

el cubismo sintético. '12-'15

ya no era en el '12 la tendencia estetica oculta. Era la sensación de la época. Después de la primera
ruptura que surgió con el cubismo, las sucesivas rupturas eran mas fáciles. Asi se podian hacer
nuevos lenguajes plásticos.
En 1911, un grupo de pintores llamados “cubistas” expusieron en el salón de octubre y en el salón
de otoño. En este grupo no participaron picasso ni bracque.
En 1912. gleizes y metzinger escribieron sobre el cubismo.
Sarmo/ sardo escribe tambien sobre el cubismo.

En 1913 apolinaire escribe: “los pintores cubistas”. Donde intenta caracterizar las vertientes del
movimiento(siendo picasso y Braque los innovadores)

En 1912, braque con recursos de decoración, rompe con la técnica. Asi que ensaya con los
procedimientos tipicos de la decoración de las paredes.. mezcla el pigmento con arena para
conseguir diferentes texturas.
IMG violin partitura y periódicos: son alusiones a elementos reales.
IMG Picasso: guitarra “j'aime eva” a partir del rastrillado simula la madera del violí[Link]
[Link] utiliza arena. Materialidad de las obras: ya no es mera reproduccion de real.
Tiene capacidad expresivsa
IMG Braque: escultura de papel intenta llevar el cubismo sintetico a las 3D. Loas primeras son del
'11. aunque no nos restan. Sabemos que a principios del '12, tras una estancia con picasso, le
muestra estas obras.
PICASSO a finales de 1912 COPIA A BRAQUE.
IMG guitarras
hace varias. Es una copia de un cuadro de una guitarra, no una guitarra de primeras. No es una
guitarra es la INTERPRETACIÓN DE SUS PINTURAS DE GUITARRAS.

IMG Papier collè: mete la partitura en el [Link] es el sentido de la partitura en si: Es el valor
que desempeña.
Para picasso las innovaciones de braque son un estimulo para ampliar el idioma cubista.
En una carta: 9/oct./1912 : “empleo tus ultimos procedimientos

IMG violin '13-14

recorta y pega sobre el lienzo, y agrega lineas que descomponen las formas del violín.
El texto del periodico no tiene sentido funcional. Envejecimiento del papel, que recuerda al color de
la madera de los propios violines.
El papel no da sensación de volumen. Ha conseguido planitud.

IMG botella en una mesa. 1912. papiers collés y carboncillo. Representa aspectos de un objeto que
no se verian si no hicieramos un movimiento simultaneo.
El circulo y el rectangulo(culo y cuerpo de la botella) estan en la percepción que tenemos del
objeto. Prima la plastica frente a la rigurosidad de la composición.

IMG otra botella en una mesa diciembre 1912.

todas estas obras son para la experimentación.

IMG guitarra (ceret)1913.

Tambien utiliza papel pintado

IMG naturaleza muerta con trenzado de silla, collage

esto no es papier colle: porque aparecen mas materiales aparte de papel. Mete un hule que simula la
redecilla de la silla. Enmarca la obra una soga.
El motivo de la silla se representa de manera realista. Pero no por el pincel, sino por el recorte del
hule. Introduciendo la rejilla nos quiere decir que se pueden añadir otro tipo de materiales con la
misma calidad expresiva o mas que con la mano propia
EL TEMA: el problema del espacio como ilusión visual.
Referido a esto, hace los ENSAMBLAJES: del paso por la pintura, aquí los objetos se vuelven a
componer. De esta recomposición no implica que las piezas se recompongan al modo original. Crea
una obra que no tiene que imitar de modo fiel a un objeto precedente.
Con estas ensambladuras se llega a unos juegos. Es una sintesis muy refinada.
IMG mandolina con clarinete
IMG bodegón.
IMG vaso, periódico y dado.
Utiliza lata y maderas y las pinta imitando un periódico. La hojalata se despega de la
bidimensionalidad.

Una vez llegados a este punto, no se puede llegar sin trasponer los limites de la fugura.

El lenguaje del cubismo se internacionaliza: gris, duchamp, mondrian... todos ellos arrancan del
cubismo. Podian romper las formas de la tradición.
El cubismo se convierte en instrumento catalizador.

IMG hombre con pipa y hombre con guitarra:

en estas obras mezcla lo ya trabajado: el analitico y el sintetico.
IMG ma jolie

cuando aparece la “ulzura” en la obra de picasso es porque aparece la ternura en su vida

sentimental.
Todo se representa con notas de sensualidad.

IMG naturaleza muerta verde. Avignon. '14.

Picasso hasta este momento no estaba interesado por el color. Contacto con Juan gris.¿?

IMG hombre con sombrero hongo.

IMG alequin y mujer

IMG: ensamblaje en su estudio.

1917 1924: su pincel se vuelve clásico.

En el 14 se desplaza a un pueblo cercano a Avignon. No muy lejos de braque(pero si): el da el
cubismo por acabado y tambien su colaboración.
Una nueva amante. La mujer de derraine
se embarca en un experimento que acabaria en un cambio radical. Este experimento salió a la luz
solo después de su muerte:
se trata de una pintura cuadrada sobre el estudio del artista:
el pintor y la modelo. El personaje masculino sentado dibujando a lapiz, y la modelo cuya
consittución recuerda a su amante Eva. A óleo.
Richarson dice que esta obra no está innacabada, sino que subraya el contraste pintura-dibujo: para
picasso ya estaba acabado.
El tema del “pintor y la modelo” es absurdo. El hombre está atabiado como el vividor frances:
picasso combina el modelo cezanniano campesino y el desnudo ingresco: como la disparidad de los
grandes del [Link].
Picasso está formulando/expresando su nuevo reto.
Sin relación entre los personajes. Refuerza la idea que su única relación es picasso.
En el '14, todos van a la guerra menos Picasso. Que era pacifista. Van a París para tratar a Eva de su
cancer. Ademas su mercante se exilió y perdió su obra.

IMG: retrato de max jacob. 1915.

se critica, l'elan. Sus seguidores le condenan de contrarevolucionario. Que ha ocurrido?? parece que
decide ver la importancia del dibujo como ingres.
Simultaneamente hacia desnudos, retratos, cubismo sintético,... mientras trabajaba un lenguaje que
ya domina, retoma un camino a su vuelta de goso, toma el camino que descató años atrás.

La vuelta a los arlequines (1917)

estos son experimentaciones. Porque del 18 tenemos de nuevo el [Link] cubistas.
(1918). Esto es lo que puede vender.

Jean copto entra en la esfera de Picasso. Intenta acercar dos mundos alejados: pomposa estética del
ballet y la vanguardia pictórica. También homosexual.
Picasso entra en el entorno del ballet. Se relaciona con la alta sociedad. Viaja. Entre el 16 y el 24
colabora en ballet.
Las bañistas Biarritz: '18.
ingres

Telon de PARADE '17

picasso lleva a cabo la decoración de la escenografía. Espectáculo circense. Ademas de unos
amantes y un marinero.
Enfasis en el uso de la linea.
Traje diseñado por picasso para bailarin.
Mientras que el telón es la vuelta a la figuración, con cierto tono de su periodo rosa, en los disfraces
vemos todo lo contrario:un cubismo sintético tridimensional
vestido de americano y de francés.
El frances con parques y el americano con rascacielos.

Vestimentas para el sombrero de tres picos.

Mujeres corriendo en la playa'22:

era el telón para el ballet” el tren azul” es de las obras mas grande de picasso.

Se casa con la bailarina olga kokhlova: en el '17. con ella va a todos sus espectáculos, que lo llevan
a conocer todas las obras clásicas.

En el '17 le llaman ”sucio alemán” el cubismo se asoció con algo antifrancés, y lo mas antfrancés es
lo germánico.
Francia tienen un retorno al pasado, pero no solo francia, es muy común esta vuelta a la figuración
por parte de europa. Como en barcelona el neucentisme(que picasso conocerá en el '17).

hasta el momento no habia descubierto la fotografia mas que como apoyo para la memoria. Ahora
descubre nuevas posibilidades. En el periodo clásico, pintará directamente sobre la fotografía:
copia todo. Nos fijamos en el sombreado, en la iluminación fuerte de los rostros.

Retrato de olga
lectura de la carta '21
mujer con vestido español 17. “la salchichona”. Mira hacia el puntillismo: es raro porque antes no
lo tocó. Simula la nitidez de los granos de la película. Intenta entender el proceso de la fotografía.
Dibujos del matrimonio sisley según la pointura de renoir.
Descuida el volumen y gradaciones de color. Final del '19. todo para investigar los juegos de lineas
quiere hayar la esencialidad que retirada deshace el dibujo. Llegar al limite.
Bañistas. Denudos femeninos
prueva diferentes tintas para explorar.
El jinete'21.
Tiene las deformaciones propias del emfoque del la cámara.
Mujer sentada
las manos son erormes frente al rostro.
Estas caracteristicas de la fotografía son un estímulo para picasso. Piernas y brazos las proyecta al
expectador. Y las agranda como se ve en la fotografia: no hace las correcciones opticas que se
hacian antes.
A partir del '16, warncke dice, que sus obras se basan en las leyes de composición fotográfica.
No hay Diversas variaciones de conformación de la linea. Todas igual
mujer desnuda de pie.

En gran parte de las obras de este momento, impoirtancia de la linea. Formas suaves. La linea tiene
mayor importancia.

Estudios,Paris. 20. muestra como convivne sus dos formas de ver.

Las bañistas

el baile aldeano.

Mujer desnuda secandose el pie

Vemos sombras muy marcadas. Son los mismos temas que habia tratado antes, pero la forma de
tratarlo es diferente.

Me falta el dia 26 de marzo. El 27 no hubo clase.

Sustitución de Antonio 10 /04

el surrealismo y picasso. La década de los '20

tras su periodo cubista y clásico, a partir de 1924-'25 comienza su periodo surrealista.

Destacamos el alto aprecio y valoracion que su obra despertó entre los surrealistas (franceses y
españoles) a pesar de ser un artista que no se sometió a ninguna disciplina ni a rigidos principuios
doctrinales del “Surrealismo ortodoxo”.
Los gerifaltes(jefes) como bretón no se lo pidió.
Se le elogió en la revista “revolucion surrealiste” 4# en el “surrealismo y la pintura” 15 julio 1925.
“por estas multiples razones por lo que revindicamos con vehemencia como uno de los nuestros”
breton reconoce como a uno de los suyos, y de modo alguno está en su intención cometer la
impridencia de hjacer una critica rigurosa de la obra de picasso. Le dejan que haga lo que quiera.
Picasso está por encima del bien y del mal. El surrealismo si tiene que asignarse una linea moral de
conducta, no tiene mas que pasar por donde picasso ha pasado o pasará. Se opondrá a que una
etiqueta llegue a tener un carácter restictivo. La etiqueta cubista tenia ese inconveniente.
La revista”documents”, #3. dedica una imagen a picasso: un caballo de juguete, un reloj...
son elementos que picasso utilizará.
Pero ya hemos visto que picasso no abandona los elementos con las que ha ido trabajando. Sigue
planteando obras de la estética cubista mientras trabaja el surrealismo: es un tratamiento surrealista
del cubismo.

Giulio Carlo Argan habla de que el guernica es la primera obra de arte que asume una
responsabilidad ideologica como propaganda política.

Circunstancia: cuando nace picasso le dan por muerto. Su tío se acercó sobre él y le dió una
bocanada de humo de su puro, y empezó a respirar. Por eso picasso tiene la necesidad de cada X
tiempo “renacer”. Tener la experiencia de sentirse vivo. Esto le permite un continuo cambio y
metamorfosis. De ahí el encargo de Skira(fundador de la editorial)de la “ilustración de una edición
de la metamorfosis de ovidio”(de esto nos hablará Serraller) y otro gran encargo es la “suite
bollard” de la novela de Balzac.

Picasso muy tratado por los surrealista. En 1930, homenaje de “documents” del grabado con el
caballo de juguete. Gombrich tiene un artículo llamado “un caballito de juguete”.
Reproduce un texto de jaque preveer.?¿? Que son elementos que veremos en el guernica.
Michele leiris?? en este año exalta la figura de picasso.
Breton, como asesor artistico de un personaje rico del momento, un frances, le sugirio que
comprara y adquiriera las señoritas de avignon,ese cuadro tenia que estar en francai porque era un
gran icono.

Trata el tema surrealista pero sin ser doctrinal. No acudia a las veladas surrealistas donde marcaban
las pautas politicas y estéticas.

Un gran testimonio. Fotogradia. Grupo destacado de miembros del surrealismo y del

existencialismo; por una parte el ambito artistico literario y por el ambito filosófico. Los dos
grandes momentos intelectuales de francia del mundo contemporaneo.
J. Lacan, discipulo de Freud. C. eluard.....
Picaso aparece en el centro, como formando el eje. Se le reconoce asi en esta foto como la union
entre ambos movimientos. Se ve esto en su obra “el deseo atrapado por la cola”

Principios de los '20. epoca marcada por la guerra. Esteticamente, la vuelta al orden, que el propuio
picasso ya practicó. Momento de su matrimonio con la bailarina olga poklova. Comienza a tener
relación con los ballet rusos. Asi que se relaciona con la musica, tema que mantiene hasta el final de
sus dias.

El clasicismo mediterraneo le acompaña hasta el final de sus dias.

El matrimonio con olga le da estabilidad emocional. Nacimiento de su primer hijo pablo. Disfruta
de vida familiar feliz, con tono burgués, asiste a reuniones de la alta sociedad francesa. Picasso en
este momento se considera una parte mas de la cultura francesa
1925, para el cuarto cumpleaños de su hijo:
IMGpablo como pierrot o el hijo del artista
retorna a lo que estaba haciendo [Link] recuperar caminos iniciados anteriormente para
tomarlo desde otra perspectiva
asimila todo lo que los artistas han realizado pero pasado por el tamiz de su propia factura.
Similar al retrato del arlequin que pintó el año anterior.
Muestra una vida alejada de la vida vanguardista anterior. Se permite el lujo de ser “conservador”.
Esta apariencia de orden, se esconde una tormenta que va a irrumpir de forma “volcánica”
IMG; mujer sentada con sombrero1923. De factura ingresca, clasicismo.
Esto nada tiene que ver con
IMG la danza 1925.
donde la distorsion y violencia se muestran de forma clara y contundente.
Está en deuda con ambos estilos practicados anteriormente: cubismo y expresionismo
marca la ruptura con su momento de naturalismo.
Dislocamiento de las partes anatómicas: la boca, los pechos como ojos, lenguas convertidas en
cuchillos... esto tendrá importancia decisiva a la hora de enfrentarse a la obra política del guernica.

Ahora vemos una caracteristica que empieza a verse: el doble perfil: sobre la figura, otra linea,
relacionado con un tema peculiar: o bien una ventana, o un espejo(algo muy clásico). ESTOS
APARECEN AHORA SIEMPRE.

Necesidad de picasso de ser boiger. En los lienzos pdrian verse estos perfiles que se asoman

la danza es el inicio del periodo expresionista. Constituye el inicio del surrealismo. Periodo desde
1925 hasta 1938. después del guernica, en plena guerra civil. Aunque ya no le abandona hasta el
final. Antitesis de sus dibujos clásicos de finales de la segunda década sobre la danza, inspirada por
los ballets, carácter expreionista de este cuadro. Creciente irritación, de convulsión que revelan los
problemas matrimoniales con Olga. Herido por la muerte de su amigo Ramón pichot?¿ pensaba que
fue por culpa de su amante germain=?¿ con la que estuvo hace tiempo. En momento de Casagemas.
Al dolor de la muerte de ramon se une la muerte de us amigo musico. ¿?
muchos criticaron a olga.
Si este cuadro fuera la irrupción de la muerte, esto podria ser una escena de burdel, como las
señoritas de avignon, pero con un sentido mas agresivo. Las señoritas era una obra para exortizar
un terror, como pudiera ser esta obra. Actúa como un mago. (según juan antonio ramirez)

obra de grandes dimensiones. Se reprodujo en la revolucion surrealista 4#. al lado de las señoritas
de avignon
los surrealistas vieron estas dos obras como la misma parte de una problemática estetica. Quisieron
ver una linealidad.
Las dos obras son epocas y planteamientos diferentes.
Mitad de los '20: ferocidad, que siguieron miro, mason, dalí, breton.
IMG busto de mujer 1929.
cabeza deformada. Parece mas u tiburon. Al fondo la silueta vista en la danza
rostro agresivo con lengua en forma de cuchillo.
IMGbañista sentada en la orilla de la playa
evoca a la mantis religiosa. Debora al macho en la copula. De ahí que las mujeres picassianas las
muestre asó.
IMG desnudo en un sillón
esto se verá mucho a finales de los '20. nariz como miembro viril. Se retuerce.
IMGcrucifixión segín grinelard=??
IMG la muerte de marat=???
chorro de sangre.

IMG maria teresa.

En 1927 la conoce. Frente a una galeria. Fue para el artista un amor prohibido: por estar casado y
por ser menor de edad. Mantuvo la relación en secreto, macabra morbosidad. En 1935 nace su hija
maya.

IMGmetamorfosis
el experimenta una propia metamorfosis a través de su obra. En todas estas imágenes

Primera intromisión de la minotauromaquia: dos piernas humanas con cabeza de toro. Esta fue la
primera manifestación de su gran tema que le vincula con lo mediterraneo.

IMGpintor y modelo
rotundidad de las formas.
Lo que hace en pintura, lo proyecta en la escultura.

Pinturas de mariateresa como [Link]

con la melena peculiar rubia. Figuras como las vistas antes.

A la par que esto, hace los proyectos para escultur,a como omenage a apolinaire. Entra en contacto
con julio gonzalez y coge interés por la escultura metálica.
IMG muchahca en el jardín.
IMG castillo que compra
paria teresa en escultura.
Escultura con forma falica. Responde a un interes: picasso en su periodo cubista se interesó por los
rayos X. Manda construir una extraña cámara fotográfica: y eso es lo que hace el cubismo, mostrar
lo invisible. Un craneo humano hasta el momento solo se podia ver cuando la persona moría.
La escultura oculta otra escultura interior. Solo se ve cuando se hace una radiografía.

IMGEscultor y su [Link] teresa, la modelo dormida...

en 1932 tiene muchas obras de la modelo dormida: es como si la modelo se diera cuenta.
Img maria teresa ante el espejo. 1932.
aquí ya hay un elemento amenazante. El espejo es un psiqué.(franceés)
IMG
aquí vemos el inicio con velazquez.
Unas meninas. Pero sin “velazquez”. No se sabe si el pintoro es maria teresa,

IMG: de la proyección de la sombra: “la sombra sobre la ujer” y la “sombra”.

Picasso proyecta su sombra sobre la modelo

(da una pagina web: onlineprojectpicasso que tiene de TODO.)

PARTE DEL PROFESOR SERRALLER

La vida bohemia de Picasso. Coincide su boda con Olga con el reconocimiento público y su fortuna
material.

A picasso siempre le acompañó una “estrella de éxito”. Nunca fue anónimo(es muy importante esto
en su personalidad). De pequeño ya era “el rey de la casa”. Un varón en familia de mujeres.
Su padre: profesor de Bellas Artes. Tenía capacidad técnica. Cuando se casó, fueron a vivir juntos el
matrimonio y las hermanas de ella. Picasso fue el único hijo. Tuvo dos hermanas. En su familia no
ha sido “segundon”. Además desarrolló gran talento para el dibujo.
Cuando va a Barcelona, picasso tiene 17 años. Y ya destaca.(en su estancia en A coruña expuso)
cuando se traslada a París, el pasa 15 años de dificultades económicas relativas(1900-1915)
estuvo siempre rodeado de un núcleo aristocrático que le respaldó.

En el primer tercio de siglo en la vanguardia, se ve una REVOLUCIÓN FORMAL DEL ARTE. En

el siglo pasado ya se había abierto a cualquier tema, así que ahora se abre a la “narración visual”:
desde el renacimiento, se habían valido de la PERSPECTIVA para crear el objeto artístico. A partir
del [Link], se cambia este concepto.
Entre 1900-1920 ya hay aceptación social hacia el arte de vanguardia( la palabra es de ORIGEN
MILITAR: son los primeros que van en el ejército, que vino cuando la sociedad no acepta las
nuevas formas artísticas, es una crítica, porque no comprenden este arte)
Picasso cambia la experiencia visual.

A partir del '15 se hace millonario.

A partir del año '25: es un año crucial. Razones(dos acontecimientos contradictorios)
-En Diciembre: primer número de “revolución surrealista”. El movimiento surrealista se da a
conocer con esta revista. Irrumpe rápico.
-Exposición en París: “exposición internacional de ARTES DECORATIVAS”(art decó):¿por qué se
glorificó? Porque fue la exposición que consagró a la vanguardia en todo tipo de diseño: fue la
exposición que consagró el DISEÑO CUBISTA; a partir de entonces el cubismo triunfa en todo tipo
de escenarios: mueble cubista, textil cubista...hasta una fisionomía cubista. Todo fue como la
apoteosis del triunfo público de lo moderno.
En este momento histórico(de diversos cambios sociales) nadie había experimentado antes una
expresión abstracta
las vanguardias de entreguerras giran torno al trauma

André Breton hace “ajustes de cuentas” contra el arte de vanguardia. Contra los artistas que se
estancaron en lo que hicieron(como Bracque, chirico)
no ataca a Picasso. ¿por qué? A pesar que retorna al clasicismo, picasso tiene un talimán. Seduce a
los surrealistas; les atrae una cosa que comienza a hacer de forma singular: acción de simultanear
estilos. A partir de la crisis del retorno al orden, simultanea varios estilos. Desestabilizacion del
estilo, polimorfismo que mantiene hasta el final de sus días

picasso inicia una etapa de innovación. Podría estar cebado de todos estos cambios

año '25:

-IMG su hijo pablo como pierrot

hijo que tuvo con Olga.
El hecho de vestirlo como payaso es muy importante. Muchos pintores lo hacen(como daumies???)
que significa?? simbolismo: los artistas lucharon desde el renacimiento por que se reconociese su
nobleza y seriedad.
Lo ideal para un artista es lo que ocurre con Velázquez(pertenecer a una orden de nobleza)
la idea del payaso es una perversión.
Picasso lo hace desde la época azul, es reivindicación.

Burla a la perspectiva
contraste entre el diseño del rostro(muy detallada) y la parte baja del sillón, que está sin terminar, a
parte de que muestra los arrepentimientos.
Como es un artista reconocido y cotizado, se puede permitir hacer este tipo de cosas

picasso es capaz de hacer esto, pero también hace otras

-IMGnaturaleza muerta
en estilo contrario al retrato de pablo.
Es mas bien un estilo cubista(cubismo sintético).
A partir de 1916.-'17. antes de entrar al “retorno al orden”.vemos PERFILACIÓN DE SOMPRAS
NEGRAS, es un poco violento.

Lo curioso es que pasa de lo “convencional” a lo cubista en obras coetáneas

-IMG fragmento de guitarra

se puede distinguir una “cabeza de yeso”
son cosas típicas que podemos encontrar en un bodegon: un instrumento musical, un busto
escultórico...
no hay posibilidad de diferenciar un fondo y primer plano
violento claroscuro: la parte derecha sombra parte izquierda fogonazo de luz. Este contraste tan
abrupto crea una sensación inquietante. Aporta una dimensión casi surrealista, de misterio, algo
inquietante
una cosa importante en años inmediatos; un momento en el que sufre un cambio radical, su recaída
en la monocromía.
Cuando usar y cuando no el color?
El color impide al dibujo? El dibujo siempre tuvo las cualidades conceptuales. A través del dibujo
se da la idea del artista, mientras que el color se añade cuando ya está todo pensado. Cuando un
artista se sustrae del color es porque está pasando por un periodo de reconocimiento.

En este cuadro está mas interiorizado, que es lo que los surealistas reclamaban en el arte. Un arte
mental.
El retorno a la zona de sombra de picasso hay que interpretarlo no solo como una manifestación
mas, sino como un paso mas allá

-IMGbodegón: naturaleza muerta

es otra variante dentro del mismo género. Aquí mas convencional. Aire mas de “collage”(pero no lo
es) es un cubismo sintético falso.

–
Naturaleza muerta

Esta pintando la figura de su hijo Paul como Pierrot, y después hace esta naturaliza muerta que entra
en colisión con lo anterior. Siempre podemos buscar afinidades.

Es un bodegón pero que esta hecho básicamente en un estilo cubista, hay una cosa que diferencia a
esta pintura con el cubismo anterior y es que a partir de 1917, antes de entrar en el retorno al orden,
empieza a introducir algo que es la perfilacion de sombras negras que le dan a los objetos un
aspecto misterioso, inquietante, incluso un poco violento a lo que podía parecer un bodegón
español, un bodegón amable y doméstico en el estilo español más sobrio.

Es curioso que estamos viendo un artista que a la vez que esta haciendo un retrato convencional esta
haciendo un bodegón cubista, y un bodegón que tiene las características de cubismo. el
aplanamiento, y ese elemento de sombreado muy agudizado,introduce una dimensión de misterio,
una dimensión que siempre se asocia a los tonos oscuros.
Vemos como hay una especie d tela que por la sombra se vuelve azul oscuro debajo de la
mandolina, toda esa gama cromática acentúa esta dimensión.

Lo vemos en esa naturaleza muerta, y siguiendo con el 25 lo vemos en la siguiente obra

Guitarra:

recoge un fragmento de guitarra donde después una imagen como si fuera abruptamente iluminada
con un rayo de luz, en el que puede uno puede quizás distinguir una cabeza de yeso. Eso es
importante, son dos elementos actuales dentro de la composición de un bodegón, la idea de un busto
de una cabeza de yeso , lo que pasa es que esto vuelve a estar recreando un lenguaje cubista, hay
una acento más radical que la anterior, porque el aplanamiento es de tal envergadura que lo
horizontal se convierte en vertical. Lo que vemos es la capacidad de no establecer ningún orden de
profundidad, todo esta en in primera plano.

Vemos un violento claroscuro, la mitad de la derecha esta dominad por lo sombrío, y la otra por un
fogonazo deslumbrante. Este contraste claroscurista sin transiciones, tan abrupto, crea una
sensación inquietante que de nuevo más allá de lo que llamamos una lectura formal aporta una
dimensión casi de misterio, como los surrealistas, de algo como onírico, de algo como realmente
inquietante, y una cosa que va a ser importante en los años inmediatos, en un momento que sufre
una trasformación radical en su trayectoria, que es su recaída es su constante en la monocromía, en
el blanco y negro.

Se esta produciendo esa recaída en lo monocromático, esa dimension diferente que se ve en Picasso.
Esa transformación debemos plantearnosla al pensar en que sentimos cuando, no solo en pintura
sino tambien en el cine, se usa el color o se usa el blanco y negro.

El color aproxima a la realidad de las cosas, y la ausencia del color te lleva a la esencia de las cosas.
Cuando estas en una visión de o esencial, tienes abierta la posibilidad de ver la materialización de
las cosas. Eso es interesante, el dibujo siempre tuvo las cualidades críticas en las que se destacaba
que la importancia del dibujo era conceptual, el artista plasmaba su idea más directa, el dibujo daba
la estructura, daba la idea del cuadro, mientras que cuando ya había dibujado la composición, habia
desarrollado su idea, había que darle vida, darle una concepción material.

Psicologicamente cuando vemos una foto en blanco y negro estamos viendo mas el alma, y en la de
color su cuerpo.

Cuando un artista se sustrae del color esta sufriendo un proceso de ensimismamiento de

conceptualización, o una visión mas fantasmal de la realidad que cuando explota cromáticamente.

Hay cuadros en los que Picasso se vuelve más ensimismado, mas de blanco y negro, mas
metiéndose en el mundo interior. Era lo que los surrealistas reclamaban, un arte mental, un arte en el
cual se diese cauce a los demonios interiores, un arte que canalizase la energía psíquica al exterior.

Este retorno a la zona de sombra de Picasso, hay que interpretarla como una forma mas de
simultaneidad del estilo, sino un paso más allá.
Y seguimos la secuencia con otro ejemplo de otro bodegón, este bodegón exactamente es
Naturaleza muerta de 1925, que es otra variante dentro del mismo género, pero es más
convencional, tiene un aire de collage, simulando un college que no es un college, esta jugando con
el tema, sigue presentando este elemento de sombras

Instrumentos de Música sobre una mesa.1926

Este nuevo bodegón es muy importante, hay dos versiones, una es monocromática, y esta que es
policromática. Es curioso porque vuelve otra vez al tema recurrente del bodegón, que tiene una
dimensión estética. Una obra que seinserta en una habitación, y un eje de profundizad con un balcón
y un cielo. Hay una parodia a del sistema de perspectiva con el enlosado del suelo como hacían los
quatrocentistas, como una visión irónica porque la perspectiva esta aludida irónicamente. Esta
jugando con la trampa de una falsa perspectiva.

Hay en ella una multiplicación de citas. Picasso que tiene una capacidad visual impresionante, una
“iconofagia”, todo lo que veía se lo tragaba, era de una capacidad de retener lo que veía, había visto
de todo. El paisaje visual de Picasso no era el mismo que un pintor como Velázquez, que aun siendo
un pintor cosmopolita, que se fue a Italia, y además se movio en Sevilla y Madrid, una trayectoria
que a nuestros ojos parece muy pequeña pero que es excepcional en este momento, además de
conocer la colección real en la cual podía tener una visión de la historia del arte, no es la misma que
pudo tener Picasso, que ya en su época tenia acceso a millares de imágenes.

Picasso ya desde una de una forma inconsciente, pude estar sacando, no de una forma deliberada,
elementos que el había asimilado, en sus cuadros puede remover odo tipos de estilos y de épocas.

Este es un ejemplo portentoso de lo que decimos. En la estancia en primera plano aparece una
volumetría fingida. En estas estancia todo se viene encima, no hay porfundiada real. Los
instrumentos tendrían que caerse, en el que volvemos a utilizar de una forma abrupta esta técnica
de claroscuro de fogonazo de luz y sombras, aquí es más asombroso, los contrastes de luz y sombra
son más paradójicos.

Aquí revela algo que va a sr más contundente, es la presencia de elementos como pueden ser frutas,
o formas orgánicas como puede ser una mandolina, estos elementos de formas orgánicas que tiene
importancia en su obra posterior.

Este cubismo tardío uno se da cuenta que hay algo que esta emergiendo y trasfigurando esa estítieca
en relación con los elementos que lo configuran.

Guitarra. Escultura. 1911

Hace esta guitarra que tiene un valor enorme para la escultura contemporana. Abre la posibilidad e
una escultura hueca. Vuelve sobre este asunto, recupera algo que abiar hecho. Es curioso que vuelva
sobre la idea con objetos cotidianos, material de desecho, crear una guitarra, puede ser una obra de
pedestal, de suelo, de pared, no tiene nada establecido.

Previamente a esto hace una revolución en la escultura, con trabajos con Julio Gonzalez, que le
enseña a forjar. Volver a la idea del objeto hueco es volver al ensimismamiento del blanco y negro.
Otra vez la imagen, todavía en el 25, de Paul como Pierrot, todo esto lo esta haciendo en el mismo
año.

Imagen interesante de naturaleza muerta del 25. en este caso con una dimensión más áspera, con
una paleta muy española, muy terrosa, con muchos marrones.
Aquí ya la identiicacion figurativa es mas dificil, la textura de los objetos, su plasmación material,
supone su simbolismo. Se puede reconocer la mesa al fondo, y una serie de elementos que se
apoyan, pero inste en la textura de los objetos, es lo que se impone a su significado.

Estudio con cabeza de yeso

Obra muy importante El estudio con cabeza de yeso. Es importante porque este cudro tiene una
cosa que obliga a los historiadores de arte, a percatarse como un o de los cuadros símbolos
antecedentes de guernica. Si recorremos esa fragmentacion corporal, hay un brazo con una lanza,
manifiesta en parte en las representaciones del guernica de una inmensa naturaleza muerta. El
genero de naturaleza muerta tenia un rasgo mortífero,que era visto como vanitas, como una
reflexión de la muerte.

24/04

la manifestación de los deseos que van un poco como “interfiriendo” la realidad. Incorporación del
inconsciente al consciente
se deja llevar por el surrealismo.
Elementos “sombrios” (referido a la sonbra).

Instrumento de musica sobre una mesa('25)

estilo cubista gama fria. Plantea esa mesa con varios instrumentos. Tonos azulados, grisaceos y
negros. Tema aparentemente trivial como lo es un bodegon lo convierte en algo inquietante por esta
monocromática.(pensemos que picasso ha sido siempre clasificado por sus gamas cromáticas;
periodo rosa, azul....)
reflexiones sobre el blanco, negro y el color: el color aproxima a la realidad de forma mas
inmediata, mientras que el blanco y negro apela a lo onirico, ensimismamiento, al mundo interior
una insistencia de los surrealistas: reivindican el mundo interior frente al exterior; no solo referido a
la realidad como nos aparece de manera subjetiva, se referian tambien a que lo racional y logico
constituía una parte de la arquitectura de nuestro ser es lo que reprime nuestro mundo interior
confrontación interior exterior.
Lo monocromático significaba que compartia esta vision con los surrealistas de la pintura

'26:bodegon
cambia de gama fria a calida, pero manteniendo el mismo sistema. Persiste la sombra negra
espectral, pero ahora utiliza rojos
composicion rojo negro blanco.

En estos años (del '25 al '30) sique con este sistema

el pintor y la modelo '26

encontramos cosas interesantes:

es monocromo(pero no en el sentido literal) beige, marron oscuro, grisaceo... pero el efecto que
produce es monocromo, que refuerza con una tecnica que utiliza en este momento: la
LINEALIDAD, GRAFISMO. Dentro del caos enrevesado de las lineas
(esta obra recuerda a pollock(porque el lo dice))

justo en estas fechas picasso recibe un encargo de bollard:

que ilustre una novela de Balzack: “la obra maestra desconocida”
trata sobre un pintor que triuna, pero no le parece suficiente. Se encierra en su taller para pintar “la
obra maestra”. Se encierra con la modelo “catherine”. Para pintar un desnudo que será definitivo.
En este aislamiento el pintor es olvidado
el pintor “nicolas” siente curiosidad por la desaparición del genio. Conjunto a otro pintor van a
buscar a felhopher¿? Para saber que obra maestra tenía.
El genio les recibe con tensión, es reacio a mostrar nada. Esto provoca mas la curiosaidad de los dos
visitantes. Despues de varias negativas, se le ocurre una idea para romper esa especie de situación
de rechazo: pussen tiene una novia muy hermosa. Provoca al genio diciendo que si deja que la pinte
le enseña el cuadro
cuando tiene que enseñar la obra maestra, descubre que el cuadro es un amasijo de lineas
irreconocible. Lo unico que pueden ver es un pié
después, el genio quema la obra y se suicida

picasso ilustra esto. Son una serie de viñetas para este cuadro.
Furor lineal laberíntico. Se abandona a la inspiración y enloquece.
El proceso de innovación había acabado en la abstracción, picasso hace este tipo de obra.
El laberinto casi de caligrafia.
Presencia de una figura masculina y femenina, un pájaro..es casi indescifrable.
Vemos la trama monocromática y la “bicromia” no es nada mas que el relampagueo del claroscuro:
juego de la luz y la sombra.
En obras anteriores hemos visto el “trazo único”, pero aquí no se ve

cabeza de mujer frontal y de perfil '26

idea de coger los dos planos del rostro no es novedad. Ya lo veiamos en el cubismo, con el
aplastamiento de planos.
La importancia del cuadro : nos revela una tipologia de una NUEVA MUJER en la vida de picasso:
MARIA THERESE.
La conoce por casualidad. De repente ve a una colegiala en unos grandes almacenes(15 años mas
menos)
picasso le dice que quiere que sea su modelo. Y la joven no sabia quien era Picasso. No sabia si le
iba a gustar a sus padres.
Tuvieron una relación amorosa bastantes años
la reconocemos por su tipologia:(cuando picasso conocía a una mujer cambiaba)
mujer grande, rubia, sexual, dulce
con ella tuvo una relacion muy cordial con picasso. Tuvo hijos con el.

Esta historia también va a atormentar a picasso, porque era menor.(gravemente penado por Francia).
Hasta que alcanzara la mayoria de edad(23 años) se veían a escondidas.
Le daba ansiedad el hecho de que pudieran descubrirle

taller del modista

cuadro inquietante
el trazo no está casi subrallado. Son fragmetos de cosas entrelazados..
la monocromía de este espacio laberintico, si nos damos cuenta, la clave vuelve a ser el claroscuro
podria ser una escena de trabajo
claustrofobico. Crea ansiedad

guitarra'26

Son simplemente dos agujas con un trozo de tela, en una especie de construcción collage al que
llama guitarra
sintético total, no tiene que ver nada con los collages anteriores.

Guitarra'26
otra versión. Tiene una composición menos”trágica”

mujer sentada'27
elementos recurrentes: la mujer sentada en sillón.
Es una postura típica de los retratos femeninos.
Pensemos que el pintor Ingres tuvo importancia en Picasso. Para todos los pintores de la época
¿que les fascinaba de ingres? Intentar dar las tres dimensiones en un plano
una de las cosas que lograba, la especie de desafío del aplanamiento de los volúmenes, lo hacía en
los retratos femeninos.
Brazos a la derecha, cara a la izquierda... esto atrajo a Picasso.
También está la idea de encajonar una [Link] de una mujer. Para juntar lo redondo y lo
cuadrangular
se ve la estética de marie therese.
Existe la obsesión por subrayar lo sombrío.
Hay una especie de sombra que la recorre entera.

La durmiente'27
es un poco “terrorífico”
enjundia histórica de retratar a una mujer dormida
un pintor, giorgione pintó la venus dormida, tiziano también.
La idea de la venus dormida se instala en la pintura a lo largo de siglos.
Ahora, que de venus este no tiene nada
se ve solo el rostro, está en el diván.
Se ven los dos ojos cerrado, la boca como las de lamprea.
A finales de los '20, muchas imágenes en las que encarga a través de la boca o del sexo femenino
representa el terror de la castración.
Lo representa mucho con un “sexo dentado”
vemos como surge en los “blancoscuro” emergencias de los deseos, instintos y terrores de picasso.
Esta idea de la mujer como paraíso de placer y terror es algo muy caracteristico de picasso
mancilla la belleza, pero no por querer herirla, sino para investirla con toda la serie de deseos
ocultos que provoca.
La idea de prohibido, lo que averguenza, lo que horroriza, era lo que estaban provocando un poco
los “surrealistas”.
Vemos un rostro y su cabellera.
Estructura deforme, parece que se convertia en ameba.
En el grito de much ya veíamos este tipo de personas deformes. Que grita, como la dentadura de la
durmiente
Arlequin '27
también monocromático.
Grita, con bigotes y antifaz. La imagen que podria ser circense, operística, en la monocromia se
convierte en algo horrible

composición beige y negra'27

sorprende es que esta composición la titula también” maria therese y picasso”¿?
Están las iniciales de maria therese.

Suite bollard: el pintor y la modelo '27

picasso era muy buen dibujante

el estudio.28

Composición cubista, está decantandose por una especie de sintesis figurativa. El rostro: pone los
ojos en vertical. Parece un polifemo. Y luego la boca.
Como convierte todo en algo puntiagudo, con aristas, como si estuvieses recortado
color plano, creando tensión entre el amarillo, el blanco, gris y rojo

entramos en una serie importantísima: “la serie de binard”¿?minard=?

Bañista abriendo la cabina

Localidad del litoral breton.
Estuvo aquí a finales de los '20.
iba a la playa.
En la cultura occidenta. Le tenía mucho al mar. A la gente no le gustaba el mar. Cuando se empezó a
ir a la playa era por salud.
La gente no iba al mediterráneo. Lo normal era ir a normandia, o santander.
Extravagancia artística: logra en cierta madera reunir dos cosas que estaba palpitando desde el '25:
mezclar la alegria de vivir con el horror y terror.
El lado sensual y el lado amenazante, la belleza con la extrema fealdad.

Vemos deformaciones de la mujer. Abre la cabina de mar. Tiene la llave en la [Link]á desnuda.
Estamos en un paisaje de azul claro.
La mujer ha sido animalizada. Tiene colocado los senos en las caderas. Vemos el sexo grotesco.
Está fijando como estigma el organo sexual.
Ya no es que parezca un muñeco sin pies ni manos, está esquematizado pero sabemos que es mujer
por su organo
está picasso extrayendo de su interior todos sus deseos mas ocultos. Comulga con las inquietudes
del surrealismo

balista jugando a la pelota

delante de un azul celeste, desnuda, ludico(juega a la pelota)
le señala el sexo,

rostro de maria therese '28

Adolescente, retrato naturalista. Placida belleza.
Figura geometrica beige gris. '28
en cierta medida, a pesar de toda la busqueda de estilos y maneras, en elfondo vemos que todo está
trenzado bajo un mismo patrón
todas las cosas que estamos viendo son en blanco y negro, o bicromias.
Siempre está el fenómeno del contraste
esta figura casi abstracta, no deja de jugar con lo lineal, monocromático

escultura'metamorfosis I28
nunca abandona la escultura
figuras en bronce, presentan las mismas característcas, monstruosas.
Otra versión en barro.

Figura, homenaje a apollinaire

revolución en la escultura del [Link].
Esta escultura viene porque en un momento dado, (sabemos que picasso en su juventud gozó de la
amistad del gran poeta)
recibió una herida de bala en la cabeza, estuvo a punto de morir. Se opero varias veces, lo
trepanaron..
Murió sobre los años '20. obtuvo reconocimiento del mundo militar frances. Le hicieron hasta una
estatua , la hace picasso

Picasso proyecta esta escultura(que fue rechazada)

esta primera versión:
en un momento determinado pasa a la literatura en la obra”el campesino de paris”: aparece un
escultor,que seria picasso, y un poeta, apollinaer. En un momento hablan de una escultura a un
poeta.
-como vas a hacer ese monumento?
+lo quiero hacer de NADA, de aire

es una escultura vacía, primera vez que sehace esto

ya no es la escultura como masa. Es como un conjunto de lineas que vibran, es como “resonante”
consigue este “dibujo en el espacio”: necesitaba varillas de hierro y necesitaba soldarlas. Un artista
español, julio gonzalez, había trabajado en la fabrica renault. Picasso le llama para que selle las
piezas.
Julio se queda fascinado. A partir de ese momento, empieza la carrera magnifica del escultor de
hierro
imaginar lo que hubiera sido esto en grandes proporciones.
En el año '28 hacer esta escultura es formidable. En entreguerras, julio gonzalez se da cuenta.
También David smith, el primer giacometi... a partir de eso, la escultura de hierro de después de la
segunda guerra mundial sigue esta linea.

Cabeza de mujer('29-30)
Otra obra de hierro.
Muchas versiones.

La mujer en el jardín('29-'30)
es mas compleja
ha conseguido ligereza. Incorpora elementos sacados del “ajuar doméstico”

(continúa la serie dinard)

el acróbata azul
esta vez es una figura masculina

mujer sobre un diván(29)

especie de odalisca.
Diseño grotesco. Como la maja desnuda.
Tiene un recuerdo muy oriental: recuerda a la obra de Ingres.
Muy cromático
sorprenden las deformaciones, la densidad cromática

mujer en un sillón rojo('29)

conversión volumétrica. Como si fuera de piedra

dibujo preparatorio

el beso
configuración muy escultórica. monocromático
picasso con notas discordante trata un tema “bonito”
la mujer con la nariz como un puñal y enseña los dientes

figurita de mujer sentada

pasa a estas figuritas de arcilla. Caricaturesco. Deformado, primitivo
versión en cerámica
versión en bronce

busto de mujer y autorretrato

el autorretrato lo vemos en el perfil . En rojo. Como si fuera o bien un espejo o bien un retrato
la mujer abre la boca de manera abrupta. Maria therese. Intimidante
idea de un elemento positivo y otro negativo.

CLASE DEL DIA 7/05

Bibliografía para el apartado Picasso y el surrealismo:

Rafael JACKSON, Alianza forma París 2003. Para el Picasso 1925-40, el Picasso surrealista.
Sobre la escultura ha generado un biblio extensa. El libro canónigo lo publicó el alemán SPIES, La
Escultura de Picasso.
CALVO SERRALLER, Picasso y la esc del fe, La constelación y el Vulcano. Picasso y la esc del
hierro del siglo XX. Madrid 2004.
Balçai? Publicó un libro apasionante q se denomina Conversaciones con Picasso. Editado por
Aguilar en 1966 la primera edición.

-El gran desnudo en el sillón rojo, 1929.

Ya está completamente volcado a esa visión monstruosa de la img fem, muy e el estilo de los
surrealistas q trataban de indagar en el fondo oscuro de los deseos, de los instintos. No es una
deformación expresionista gratuita, se pusieron en evidencia los instintos ocultos, las deformaciones
y los impulsos reprimidos. PIcasso aunq no fue surrealista (no formó parte del grupo), Picasso
tampoco quiso adscribirse nunca a nigú mov, cuando tenía seguidores los abandonaba. PIcasso
simpatizaba con el surrealismo,n aunq no pertenecía al grupo si hubo una especie de simpatía o
mutua estimulación.
Es interesante la obra porq vemos como es desnudo recuerda a las Odaliscas de Matisse. Img de un
desnudos tumbado o de pie, tipo Ingres. La idea de acotar la fig por delante y por detrás? Un
desnudo acostado en un sillón q tendrá un fuerte desarrollo en el siglo XX. Matisse cuando se retira
a Niza empiezan a realizar mujeres desnudas PIcasso lo trnsforma en mostruosidad, con una doble
visión de potenciar los órganos sexuales fem y uan figuración amenzante del rostro como una boca
abierta y dentada (el miedo a la castración). Alteraciones q ponen en evidencvia el deseo y la
sensulidad de la img.
De Ingres coge el ritmo lienal de cuerpo, q hace como un brazo rodee la cabeza, como hacía Ingres,
aquí está llevado a un nivel grotesco. Lo q contrsta más es la sensación de la monstruosidad del
cuerpo fem (q incluso tiene 3 piernas), lo más brutal es el contraste de esta representación con la
habitación matissiana.

-Desnudos de Dinard? 1929.

Playa de Bretaña q frecuenta a finales del siglo XX.
Playa q le inspira esta perversión, VS los desnudos clásicos de PIcasso, matronas, sensuales..una
exaltación clasicista, aquí aparece como un organismo pronunciando los rasgos de la anatomía fem,
la cabeza mostruosa q se organiza como un especie de boca dentada (más de un insecto q de una
persona, una animalización de lo salvaje). Sin embargo tiene como fondo una playa, un fondo
marino, una postura de placer sedentario. Una img interesante porq por un lado está señalando un
pint muy escultórica (inf por la esc del fe, llena de huecos), pero por otro lado vemos los senos y la
nalgas del desnudo vemos cierta tendencia al bulto redondo. Es como si quisiera pasar Picasso de la
escultura del fe otra vez a la piedra, una recuperación de la forma.

-El Acróbata, 1930.

Descoyuntamiento cerbical. Destacamos la total plenitud de la img, como si hubiera hecho un
collage de una silueta con un fondo coloreado. Apunta tben la tendencia a la monocromía o
bicromía de P q suele sacarla periódicamente, especialmente, es un momento de ansiedad o un
proceso donde se fragua un cambio.

-Mujer sentada, 1930.

Obra muy curiosa, es una img complet aplanada, vemos como a pesar de q aparece un amasijo de
formas se puede ver el perfil de una mujer. Vemos la fig de una mujer, vemos el cuarto q la rodea en
un cromatismo muy entretenido.

-Mujer con palomas, 1930.

Casi en unos meses de dif, vemos como PIcasso está dando pábulo a cosas. Está n un proceso de
crisis y cambio. Vemos como brota algo más sensual, lírico y dulce, algo más escultórico (pero de
bulto redondo). Vemos como simultanea estilos. La realción q tiene con Maria Teresa con la q tenía
gran dif de edad él tenía 49 y ella 16, esto era para el una fuente de angustia. La chica era joven y
era una mujer q no planteaba conflictos, era dulce y sensual, no tuvo nunca un conflicto con él, la
relación se extendió durante 15 años. No olvidemos la época en la q estamos, de los felices años 20
a los horripilantes años 30. Todo el cambio q se produce hasta el crack del año 29 era un época de
burbuja financiera y de relaciones sexuales libres…la alegría de los años 20 se acabó con el crack q
supuso un ruina total de todo el sistema occidental. Terrible porq no se tuvieron instrumentos para
combatirlos, hasta la llegada de Keynes. EEUU era un país relevante y hegemónico desde el pto de
vista político y hegemónico. Después de la victoria EEUU se consagró como la política
hegemónica cuando 30 cuando ganó las elecciones Roosvelt. Se propició el auge de la dictadura, la
política tomó un carácter revolucionario a través de la radio, pues en la época entreguerras muchos
no sabían leer, había una gran manipulación. Esa política mediática y la obsesión por la
movilización de masas, por no hablar de la inf del cine.

Los años 30 fue un época de ansiedad colectiva q tuvo q afectarle a los artistas. Picasso presenta
por tanto es un visionario. Vemos aquí la fig dorado (Maria Teresa q tenía el pelo rubio), la idea de
la paloma de la paz (tben vinculado con el ambiente familiar, pues su padre tenía mucha obsesión
por pintar palomas). La img de una mujer sensual, tiene una resonancia de ese espíritu agobiado y
atosigado de ese Picasso de los años 30.

-Crucifixión, 1930.
Vemos un jugando a los dados, una escalera…es una crucifixión, pero no una crucixfixión
deformada o circense. Vemos tben un caballero con una lanza q lancea el costado de Cristo…tiene
todos los elementos iconográficos. ¿Qué crucifixión es esta?
Está inspirada en la obra maestra de la Crucifixión de Grunewald en Isenheim. Si la ponemos al
lado vemos aunq no lo copia tal cual, aunq las dos son muy poderosas.
Está inspirado en el estado de ánimo de la época. Picasso encuentra la dimensión monstruosa q
vemos en su espíritu así como la violenta contracción del espíritu, se puede decir pero no se puede
hacer.
En medio de estos vemos un fogonazo, de colores frios y cadentes contiguos, una violencia
estremecedora…un rojo, con un azul con verde… Esta obra tben se considera un antecedente del
Guernica, no por la violencia sino por las fig del suelo q tben aparecerán después.

-El baño, 30.

Aquí unas fig de dos mujeres, una embarazada y otra q juega con un barquito. Una img bucólica y
una mujer a la q se le “dispara” un seno. La apareición del coloso q podía ser un bañista…La
mostruosidad está en una escena bucólica de playa, de nudismo, de edad de oro…un azul
encantador, un cielo despejado…incluso las mostruoas del primer término tiene la redondez y la
plenitud de los redondo, de lo henchío.

-Cabeza, 30.
Interesante porq completa las obras q realiza en fe. Aquí tben es un homenaje a Apollinaire. Vemos
un brutalismo, vemos como se soldan formas caricaturescas y grotescas. Así como la esc de
posguerra y del fe q se extiende hasta el 1975, como Julio González, Chillida u Oteiza.

-Mujer, 30.
Otro ejemplo de esc de fe. Vemos esc de filamentos, parece más un construcción, un montaje.

-Grabado dos mujeres desnudas, 30.

Hace la ilustración de la suite bollard pero tben realiza obras de corte naturalista, tiene un carácter
clásico q puede recordar a Maillol. Serían dos denudos q parece el P de los años 10 y 20.

-Bañista?, año 30.

Vemos como realiza varios estilos a la vez y desarrolla una exploración técnica, donde destacados
este relieve. Se aproxima al collage y trabaja mat recortables como el cartón y otros mat reciclables,
la utilización de mat desechables con la visión mostruosa.

-Bañista de pie, año 30.

Mezcla de cartón. La temática sigue pero en formatos y mat distintos.

-Composición con aguante, año 30. Esto tiene q ver con una obsesión de lso surrealista del “objeto
encontrado” q es distinto al ready-made, es como un ready-made al q tu cargas de intención
simbólica.

-Fig al borde del mar, 31.

En esta especie de extraña cópula o beso mortal, vemos la idea más idílica, más pastoril, donde
vemos la violencia del abrazo aunq el contexto hubiera sido el mismo, donde vemos la recreación
monstruosa del beso (desde Rodin y Brancusi en adelante).

-Mujer lanzando una piedra, 31.

Vemos como el cuerpo se rompe y se compone de elementos arbitrario, la forma del cuerpo tiene
forma de piedra, se confunde con el suelo, solo podemos dif a través del color. Es como si P
estuviese más atraído por el bulto redondo, como si quisiera otra vez volver al fe.

-El escultor, 31.

En realidad es como un autorretrato, porq el busto es de Maria Téherè lo veremos después. El
medita frente a la escultura, después de haber hecho la obra de maestra desconocida de repente
trasalda esa historia a la esc, q es el momento en el q elige una taller fuera de París para poder tener
intimidad y se pone a realizar esta esc de bulto redondo q tanto sorprendió a Balçaic? y a los
surrealistas.

-Busto escultórico, 31.

Son como dos formación calcáreas q representan dos fig besándose. Si vemos si esta img, en este
momento comienza la carrera Hans Arp q tben realizó obras similares.
Plasticidad y redondez muy sobresaliente, aunq tiene una aspecto pétreo una ve allí algo orgánico,
fomentado por la acción de cópula y de beso.

-Cátaro, frutero y hojas, 31.

Es como un síntesis de los dos elementos en pujna: la idea de las formas rendodas (cántaro, las
jarras y la fruta) y el trazado lineal y la plenitud q recuerda al taller de la modista o al homenaje a
Apollinarie. Un momento dramático de tanteo, de un mundo y aparece y ostro q se disipa.

-Gran naturaleza muerta en un velado? 31.

INtereszante por los colores (mezcla de tonalidades frios y cálidos, grisese, amarillos, rojos,
verdes…) hay como un ritmo curvilíneo de tipo ingresco.

-Apunte de una villa Saint Goc? En el 31. Está en el museo de Málaga.

-El beso, 31.

Está girando en el tema q está tratando del finales del siglo XIX, aunq la informa de interpretarlo en
distinto. Vemos la h de la amantis religiosa q después de copular se come al macho (más q besarlo).

-El sillón rojo, 31.

Retrato de María Thérè q tenía ese pelo, ese perfil…era una mujer grande, de una corpulencia
sensual y q le dio en los años 30 por ponerse un sombrero. Vemos la mujer q está en un sofá, aquí
no es un retrato naturalista pero se puede reconocer. Vulva a la melodía curvilínea, a la melodía
musical conq Ingres retrataba a las mujeres es un sillón.

En este momento descubre un taller lleno de esculturas con formas curvilíneas y naturalistas.
Recobra esa alegría de vivir, de sensualidad y clasicismo. Breton le dedica un artículo a la escultura
de Picasso de este momento.

-Maria Théresè
Hay una deformación pero ya sensual basada en la curva. Todo esto fue lo q se encontró Balçaic?,
donde vemos muchas obras similares. Siempre predominando esas formas redondas. La
caricaturación a veces es grotesca pero no tiene la violencia castradora del resto de esc.

-Bustos, 31.
Algunas están descoyuntadas, pero presenta las formas curvilíneas y redondas, muchos son esc q
recuperan el lenguaje prehistórico. De hecho la escultura prehistórica es un invento del siglo XX, no
fue hasta el siglo pasado cuando se empezaron a descubrir este tipo de img. PIcasso q fue uno de los
primeros en reivindicar el valor de las máscaras y la esc ibérica…Post tendremos la obra esc de
Henry Moore q continuará por esta vía.

-Bañista, 31.
Tiene tben estas formas corpulentas de inf de las Venus prehistóricas, con las exageración de los
miembros sexuales. Algunos parecen cabezas de gusanos.

-Niño con pelota, 31.

Una imag más cordial, fig un tantoo lúdicas q tiene q ver PIcasso q es la primera generación q tiene
un depósito de img infinito al abrir los museos públicos, los demás no tenían acceso a las obras de
arte. Por no hablar de la excelente memoria visual de Picasso. Así como la gran expansión del
museo imaginario (reprod fotográficas q te permiten ver cosas de todos los lugares y épocas) así
como el desarrollo y el auge del arte griego prehistórico, q se descubre precisamente en estos años

-Cabeza, año 31.

Es un plato y un palo q representan un cabeza.

-Cabeza de toro, 31.

PIcasso va a combinar toda la fascinación por lo taurino, no olvidemos la prox del GUernica y su
tauromaquia. Por no hablar de la inf de la obra cretense y los descubrimientos ya mencionados.

-Sueño, 31.
Un icono surrealista, q tiene mucha cola histórica de las Venus dormidas, donde aparece Maria
Thérè con su coleta de caballo rubio con sus pechos y sexo descubierto.
Tenemos una visión más dulce del 32 donde tben aparece ella, aunq más erótica (solo se le ve un
pecho).
Vemos un gesto de ánfora muy ingresco es otra de los retratos q le hizo a Maria T.

-La lectura, año 32 o la mujer con el reloj.

La fig de Maria Therese. En la otra obra aparece con un reloj sobre el brazo.

-Mujer sentada en un sillón rojo, 32.

Combina las formas esc qubradas pero de bulto redondo. Cabeza como una amena, mano q recoge
una flor, enfatizado estas fig hinchadas.

-Desnudo acostado, 32.

Parece una odalisca de INgres, donde vemos la espalda. Vemos su seno, su sexo y su cadera por
detrás. Vemos un fondo ondulante.
Realizó varias versiones sobre este tema, donde vemos img brutalmente sexuales.

-Mujer frente al espejo, 32.

Un tema clásico en la historia de la pintura, el espejo completa la visión (tben puede aludir al aldo
oscuro). Terminamos con una img más lírica y delicada,

-Naturaleza muerta con tulipanes, 32.

Donde aparece en busto de Maria T coronado con una rama de laurel.

08/05
Picassso de los años ‘30
Bañista con pelota
vemos escenas lúdicas de la playa. Muestran la desfiguración de la anatomía.
Tienen connotaciones sexuales.
Vemos bultos redondos. Hinchadas. Con anomalías como mas brazos etc.
estas obras estan en paralelo con la escultura

juegos de playa y salvamento’32le cuesta trabajo no meter un elemento disonante.

Junta el placer y el dolor.
Ya no es solo la recreación lúdica. En la derecha, un salvamento de un personaje que se está
ahogando: PARECE UNA PIEDAD.
Tres mujeres jugando al borde del mar ‘32
de carácter lúdico, pero con el sombreado y la desfiguración, hay algo inquietante. El ahogado.
alterna el tema del juego y el dolor

el salvamento
con el carácter mas ambiguo. Siluetas muy sintéticas. Muy esbozadas de forma caricaturesca,
siempre marcando los órganos sexuales de forma exagerada.
pero aquí la idea del salvamento es mas ambiguo: en el fondo vemos un campo de margaritas. Así
que no sabemos si es un salvamento náutico o si es una mujer agredida.
perfil familiar: maria therese, sensual, un poco agresivo, que le da mas intensidad a la escena.
porque en una tragedia, cuando los personajes son agresivos en su aspecto, resulta mas trágico

GRABADOS Y DIBUJOS DE PICASSO

era muy bueno.
la disciplina de dibujo y grabado no permite las mismas características que el [Link] del
juego lineal
vemos imágenes de nuevo del salvamento: son imágenes agitadas. También basadas en el perfil de
maria therese

composición con mariposa ‘32

mezcla de relieves. Experimentación técnica y formal.
coincidencia con los surrealistas:EL OBJETO ENCONTRADO, mezcla de cosas que tienes a
mano. Recicla ojetos.

baño ‘32
recuerda al baño turco de Ingres. Para él era una obra capital
es una composición vertical de varias mujeres desnudas.
de innovación, la figura que “salta” hacia el agua.

el músico y la musa/modelo/amante/venus(flautista y desnudo recostado)

idea bucólica del pastor. Es un tema recurrente, muy antiguo(lo veíamos con giorgione)
a Picasso le interesó por el matiz erótico. Es una versión de su tema de “el pintor y su modelo”.

otra versión del flautista y desnudo recostado

estudio de cabezas de toro

hay muchísimos cuadernos que nos ayudan a descifrar sus obras. Además vemos sus obsesiones y
temas

escultura de gallo ‘32

es peculiar.

Conversaciones con blaise/brasie/braçie?

fotógrafo. Entra en su taller de escultura. Capta el misterio del que estaba rodeado Picasso
el taller de los escultores son muy importantes

la portada para la tercera revista el minotauro

encargo de los surrealistas en el año ’30. Luego habrá otra revista (“el minotauro”)
hace la portada a partir de un collage.

el minotauro con la ninfa dormida’33

era muy recurrente.
figura acechante, ansiosa, mezcla de lujuria y fascinación. Y la mujer dormida maria therese.

corrida de toros ‘33

vemos que el toro está muy presente en esta obra
OJO: aquí estamos viendo el germen del Guernica(en el caballo).
Gira la cabeza de forma muy violenta. Pudo ser influjo de la obra del pintor stubbs([Link])
El toro empitona al torero; hace un símil con “el rapto de europa”
En la antigüedad clásica, los acróbatas eran mujeres.
Los toreros engañan con su danza al toro. Lo cansan. Y eso era el papel que tenían las mujeres

escultura gallo ‘33

es un animal importante para Francia. A parte es una imagen de castración: picos como cuchillos.

Busto de hombre barbudo ‘33

es el momento del “objeto encontrado”
es un objeto de significación simbólica.

Mujer sentado ‘33

es un bronce. Un material desechable por así decirlo, y ha perdido su encanto

personaje ‘33
parece femenino.
es un papel arrugado con dos cascabeles. Es una obra de reciclaje.
es “azar objetivo”. No es arbitrario es premeditado

escayola del perfil de maria therese ‘33

el molde lo utiliza para piezas de bronce.

personaje
tiene carácter caricaturesco, y puede recordarnos a un retrato.

dibujos: serie de Anatomia

la anatomía era práctica artística desde el [Link], se diseccionaban cadáveres.
no era fácil para los artistas acceder a estos cuerpos. Si era fácil para los médicos.
hasta 1980: los alumnos debían hacer la asignatura de anatomía de medicina.
cualquier artista tenía que saber cada nombre de cada parte del cuerpo
bracelli hacía una anatomía no realista, sino GEOMETRICA. De este elemento se aprovecha
Picasso para hacer su serie.
es como si Picasso hiciera un CATÁLOGO ANATÓMICO DE LAS DEFORMACIONES
cabeza de maria therese.

perfil de maria therese.

lamento de mujeres’33
en el mundo cristiano, lloro por la muerte de cristo.
como vemos, a parte del lamento que esta ahí expresado por gestos y llantos, es también una obra
muy cercana al Guernica.

grabado de minotaurio y mujer

sensación de abrazo violento. Contorsión

dos mujeres tumbadas

cierto carácter oriental en el tratamiento suave con pincel.

la música y la musa.
hace la variante con la música que es mujer.
también como ingres: de la interprete y la dama escuchando

otra versión.

otra violación.
de nuevo el abrazo violento.
la cabeza animalizada del varón, pequeña, violenta.
grito de orror de la mujer.

corrida
otra escena de toro que arrolla a un caballo. Con la cabeza contorsionada.

desnudo en jardín’34
brutalidad de la presentación anatómica de todos los elementos. Sobretodo los sexuales.
hace una mujer redonda. Como un”ovillo”. El efecto del color, asalmonado, resalta sobre el verde.

guerrero griego ‘34

recuerda a manet: la chica joven cosiendo al lado de una niña, que hay una reja que separa la
escena

retrato de maria therese de frente

vemos que son los años oníricos de su relación con la joven.

mujer con hojarasca

hecha a base de reciclaje.

minotauro ciego conducido por maria therese.‘35

ella lleva una paloma. En mitad de la noche
hay dos personajes enigmáticos.
la figura de la derecha recuerdan a max Berman. Expresionista alemán
la niña presenta melancolía.

la tauromaquia
también tiene relación con el Guernica
maria therese lleva UNA LAMPARA.
sale el toro, el caballo, el torero/a que arrastra el caballo herido.

mujer leyendo’35
dentro del repertorio femenino, también la podemos ver dibujando.

mujer sentada dibujando’35

recuerda a dora mar(morena)
que esta pintando: es un retrato. Está ante un espejo.
la silueta al fondo, dormida, podría ser maria therese

personaje cerradura’35
muy a corde con el dadaísmo

21 mayo

EL GUERNICA

El bombardeo de la población civil fue un hito. Los aliados sin embargo si q acosaron a la
población civil en un intento de desmoralizar a la retaguardia y dar un golpe de efecto, así como
desarmarlos moral y físicamente.
Picasso se quedó conmocionado con la visión de la ciudad con la ruinas, hecho q le motivó para
hacer los primeros dibujos y esquemas.

Dibujo 1. del Gernica. El dibujo de la mujer.

Dibujo 2. El caballo y el perro muerto.
Vemos como aparecen los elementos poco a poco.
Dibujo 3. La mujer con el niño muerto, como si fuera una Piedad.
Dibujo 4. Donde vemos más elementos de la obra. Las llamas, el suelo, la mujer…
Dub 5. La mujer q grita

La obra. Guernica.
Es un cuadro q ha suscitado polémicas, de adaptación o rechazo. Ahora ha salido un libro en dos
tomos q presenta un gran interés pues recoge todas las cosas q se publicaron desde q estuvo
expuesto. El 90 % de todas las opiniones son negativas, especialmente la gente de izquierda,
especialmente los intelectuales, como Anthony Blanc?
Una obra Picasso la prestó para todos lo refugiados políticos. Desde el 37 hasta el 53 estuvo como
póster de prestación para sacar fondos para los refugiados españoles. Post fue al MOMA hasta q
regresó a España.

Es una obra polémica al haber motivos ideológicos aunq tben es polémico desde un pto de vista
formal, porque produce alucinaciones (pues estas ante una obra maestra).

Sobre las interpretaciones: tenemos muchísimas. Juan Larreda publicó un buena interpretación
(caballo representaba la República y el toro el franquismo…). Picasso dijo q no: “el caballo es un
caballo y el toro es un toro”.

1. Hay dos cosas claras en el cuadro. Los protagonistas del cuadro son animales, mujeres y niños. El
único soldado q aprece, aparece muerto en el suelo. No se sabe si es un soldado y es verdad q dentro
de la confusión parece q tiene en su brazo derecho como un trozo de lanza o espada, aunq tben
pudiera parecer un flor.
El único elemento q podíamos
Picasso trasciende el marco de lo épico de una manera q no es innovadora, no es q sea un copia pero
es algo q ya se había hecho: voltear el sistema de valores (por debajo el vencido por encima el
vencedor) eso lo hizo David en el asesinato de Marat, pero eso es una fig heroica. Ha invertido el
código de valores pero no el código de lo heroico. Ahí está solo como el gran héroe solitario. Marat
muerto se parece a Napoleón.
El que da el paso a lo q hace Picasso será Goya con los fusilamientos, cuando le da más
protagonismo a los fusilados (máquina anónima gris oscura) ahora ya no es un héroe es un pueblo.
La idea de la colectividad victimizada como héroe moral.
Aquí Picasso elige a las víctimas más débiles: mujeres, niños y animales. Los hombres son víctimas
voluntarias, se enfrentan a ello pero este colectivo no.
Esta es la primera lección.

2. ¿por qué esto es Guernica? No aparecen boinas ni elementos característicos, ni de Guernica ni de

España. ¿por qué es importante que no sea España? Es el cuadro universal de todos lo bombardeos
como el de Londres, Dresde, Nagasky…todos ellos se ven aquí reflejado. Eso es lo q hace q el
Guernica sea una obra universal. Solo identifica el horror, la piedad, la mujer que cae dentro de las
llamas, la mujer q saca un candil iluminando el horror de la noche, la pupila del ojo que todo lo ve.
No hay un solo símbolo que no sea descifrable en cualquier parte del mundo, cultura o civilización.
Franco negó durante mucho tiempo la autoría del bombardeo (la legión Cóndor), por lo que la
autoría no estaba clara ni internacionalmente ni nacionalmente. Esto es imp porque no se buscan
culpables directos. Es una destrucción abstracta de una población q no era un elemento estratégico.
Piasso puso este título porque Picasso era republicano y antifranquista, porque sino podría haber
puesto algún símbolo.
Se vincula incluso con la tragedia griega, el sacrificio del carnero, el chivo expiatorio. Esto es una
tragedia, un sacrificio del carnero pues se sacrifican los elementos más vulnerables.

Un fuerza sintética que trasciende la ideología.

final clase del 21.
22/05
Juan.... “el guernica; pablo picasso”.1977
Rudolf arenhil “el guernica de picasso: genesis de una pintura”1976
hersel chipp “el guernica de picasso: historia, transormaiones, significado” 1991
mirar los ejemplares publicados por el ministerio de cultura
jose fina alix Trueba Guernica. Historia haitual 1993
catalán oriol anguera Guernica al desnudo. 1979
jusep palau i Fabre el Guernica de Picasso. 1979
joaquin de la puente
el Guernica historia de un cuadro 1983
Picasso: los 42 estudios sobre papel para el Guernica. 1990
Santiago sebastian: el Guernica y otras obras de Picasso
Cesar vidal: la destrucción de Guernica: un balance 70 años después. 1997
el Guernica, Picasso. T.F. 1999,

el Guernica
mide 351x782 cm
lo pinta entre el 1 de mayo y el 4 de junio. 1937.
el bombardeo fue el 26 de abril. Por la legión condor(tropas alemanas) también una cuadrilla
italiana.
Guernica en este momento tenia 5000 habitantes. Y murieron 250 ó 300. El 70 % de los edificios
cayeron
el 31 de marzo había ocurrido lo mismo en Durango(pero eso no se dice)

19 de noviembre del ’36 ofrecen a Picasso ser director del prado(los republicanos) luceslao roces y
venao.

para la exposición internacional de artes técnicas en la vida moderna de parís.

el pabellón español lo comisiono jose baos.

la obra en parís estuvo en el taller de Balzac. Lo localizó su amante Dora. Donde Balzac escribió “la
obra maestra desconocida”
Uno de los motivos que interesaba a Picasso de esta casa es que tenía techos altos. Además encargo
el bastidor más grande que el techo, y tuvo que pintar con el bastidor inclinado.

analisis
dedica la obra a las víctimas.
Mujeres gritando. Recién nacido muerto. Soldado muerto en el suelo, que es la figura de mas
ambigüedad, por si es un ser vivo que ha muerto o es una estatua.
un caballo, un toro y un pájaro, que se duda si pudiera ser una paloma.
la lámpara de gas sobre la mujer, como si fuera la diadema de la estatua de la libertad(alude a la
justicia)

sorprendió del cuadro la monocromía.

En Picasso monocromo es constante. Como “técnica grisalla” era típico en las fachadas de edificios,
o en los patios interiores. No es una novedad, vamos.

se creo un intento de explicar porque utilizó la bicromía en este cuadro.

dentro de las explicaciones se ha dicho: el impacto visual que el recibe son las fotografías de la
prensa francesa(en blanco y negro)
o por el claroscuro de una noche cerrada, iluminada por las explosiones.

lo que esta claro es que en la monocromía no es solo el claroscuro natural radical. Tiene un efecto
dramático. Ademas es apropiado para crear dinamismo: el parpadeo crea CINETISMO, que crea
confusión
lo que podría ser una imagen estática, al crear el parpadeo se dinamiza.

No sabe si hacer la bicromía.

Este cuadro lo pinto rodeo de gente. Benjamín cuenta que Picasso duda si colocar rojo
para verlo, cogió un papel celofan rojo y lo coloco encima,
esto lo dice para que veamos que no tenia una obra planificada, dudó muchísimo
la composición:
-se ha dicho que esta inspirada del frontón frontal del templo de Zeus de Olimpia(lucha de
centauros y lapitas.
que hiciera esto, mas de forma inconsciente, es porque aquí esta el kit de la narratividad visual,
porque después este sistema de relieve narrativo inspira a los pintores del renacimiento.
si uno quisiera pensar mas, podíamos pensar que Picasso lo considera épico fundamental: mucha
importancia de las batallas en este arte.
-que fuera como los trípticos cristianos. Tiene sentido porque siempre hay una idea sacrificial
Picasso no era creyente en sentido convencional.
Los trípticos de los retablos de las iglesias cristianas fueron muy solicitados en la pinturas de
entreguerras, sobre todo otto dix, max bedman…

el genero: ¿Qué tipo de cuadro es?

el cuadro de historia, el retrato era muy importante, el paisaje, y los bodegones.
el punto común para establecer cual es: es la cantidad de historia.
pero tiene muchas paradojas para ser cuadro de historia: porque no tiene protagonista: si hubiera
uno, es el soldado/estatua.
o si fuera costumbrista, porque son personas anónimas

los cuadros de historia están presididos por héroes, dioses.

lo único que podría hacer referencia a algo mágico podría ser la lámpara/ojo de dios.
y que la madre y el niño fuera una piedad.

presencia de animales…
uno duda el sentido como género que puede tener el cuadro.

También podría ser una inmensa naturaleza muerta, como una especie de “bodegón de ofrenda
sacrificial”

la gente ha querido ver influencias concretas en una obra:

-Alegoria de la guerra de Rubens.
-se dice que las mujeres que se alargan procede del cuadro de la matanza de los inocentes de guido
reni.
-George Stubbs: cabeza invertida de caballo
-el naufragio de la balsa de la medusa: por la estructura triaungular
-Delacroix: la matanza de scio o la libertad guiando al pueblo.
- las lanzas de velazquez: porque en realidad es el primer cuadro en el cual no se humilla al vencido.
-el entierro de Ornans de Courbet.

Es verdad que Picasso tenia acceso a los museos punteros, y empaparse de todo el arte.

Picasso no quiere concretar este tema en un tema concreto, sino que sea algo universal. Que vean un
episodio belico cualquiera, no algo concreto.

EL LEGADO DEL GUERNICA

son obras que hace en relación con este cuadro.

virgen llorando.
influencia de la monserrat de Julio Gonzalez
ejemplo con la lengua puntiaguda.

son muchísimos ejemplo

el original está en la tumba de Picasso.

Alfred Back, director del moma, se encaprichó de la obra. Hizo una gran exposición

mujer en un sillón
gesto que contraría lo tranquilo. Violencia, deformación, elementos puntiagudos

mujer sentada en un jardín

con arboles

Su hija maya : son obras mas dulces

mujer con vestido verde

es maria therese.
afila el rostro: es mitad terese y dora.

poco después de la guerra civil, empieza la invasión alemana.

mujer del pollo

es lo que hara en los ’40: traslada las tensiones e inquietudes.
con un cuchillo que va a cortar el cuello

mujer bailando
como menade furiosa.

desnudo acostado
vaya maja desnuda,
se coloca las manos en la nuca.
la tonalidad de la piel rosácea.

paleta vela libro y cabeza de minotauro

la vela y el minotauro recuerda al Guernica.

otra versión
también del ’38. La caeza de toro es roja, sobre un pedestal.

hombre con sombrero de paja

vemos la caricatura brutal. Lengua como navaja. Barba mal recortada
es un homre que está tomandose un helado(tiene un cucurucho)

hombre con helado azul

del 30 de agosto

ensamblajes
caballo cansado
tiene resonancia del Guernica

año 39

gato matando a un pájaro.

grandes garras

cráneo de toro
cn jarra y fruta.
en la década del 40 recupera las naturalezas muertas

cabeza de cordero desollado

como hizo goya.

cabezas de cordero

retrato de dora mar(joven de jersey amarillo)

mujer con sombrero malva

mirada desorbitada, de persona ansiosa.

busto de mujer con sombrero rasgado

niña en una silla
hemos visto que trataba con encanto a los niños. Pero aquí todo es violento. Visión esculpida a
achazos, el rostro esta ennegrecido y deformado.

Jaime savartés.
pintor que no triunfó. Le retrata. Eran [Link] broma le retrata como al greco.

pesca nocturna en nantir

en verano del ’39.
recrea a Van gogh, con las escena nocturna, o los soles en espiral
es un cuadro misterioso, inquietante.

retrato de mujer pelirroja con traje azul.

es un retrato sereno

busto con sombrero

este en cambio es brutal.

bañista
con los brazos torno a la cabeza

grabao de mujer sentada

es dora sin duda.

AÑO 41:
Está definitivamente en París. Digamos que no tiene altercados con los alemanes.
mujer en un sillón(x2)

Naturaleza muerta con morcilla

Vemos como Picasso introduce sus pasiones en el cuadro.
en primer plano un cuchillo. Abre un cajón y muestra los tenedores y cuchillos de forma punzante.
Todos amenazantes.
La simbología del cajón.
interpretación de espacios: como se convierte la casa en un espacio laberíntico que nos permite ver
varios elementos(una puerta abierta, una ventana, un espejo…) aquí el autor abre un cajón.
En la historia nunca se ha entendido lo que era el pudor. Con el burgués surge la necesidad de
mostrar “sus cosas”
El pintor francés Sardan? Hace elementos similares.

Cabeza de mujer
en relación con las que hizo de maria therese.
Conforma el retrato en síntesis

Año 42
mujer sentada en un sillón
el sombrero que tiene es un bodegón.

Mujer en un sillón
se ve que está enmarcada, está encajonada. Crea un espacio claustrofóbico.

Retrato de dora maar

la alborada/el amanecer
Desnudo y figura con bandurria. El profesor piensa que es una odalisca y su esclava
es una recreación del tema de Ingres.
también es verdad que el tema de la venus con un músico estaba muy visto también. Pero tiene mas
sentido la odalisca
en primer termino la esclava toca un instrumento.
Ha roto la profundidad del cuadro con un muro de sombra. Además el camastro. Muy austero.
el desnudo con connotaciones sexuales. la figura del tañedor es muy caricaturesca.
es un momento de angustia. Se nota en el nombre

naturaleza muerta con cráneo

doble transformación del tema. Pone un cráneo animal. Puede tener relación con el desierto
el reforzamiento de la herejía por el gran tamaño del mismo.

Cabeza de mujer
interesa porque la forma recuerda a muchas máscaras africanas. También porque en estos años se
interesa por la cerámica.
Formalmente da indicios de la preparación con su formación cerámica.
no es una obra cerámica, tiene textura de madera.

Mujer de pie
tiene algo de articulación del “ensamblaje”. Ha utilizado material reciclado.

año ‘43
el bufet del catalán
era un restaurante al que Picasso iba y donde conoció a Françoise Judit
Tuvo momentos dramáticos por lo del país ocupado:
el bodegón en esta tonalidad cromática, con una especie de fresón, es la imagen de lo sexual.

Natraleza muerta con cafetera

se inicia una serie que se va a continuar.
todo acaba en pico, todo punzante. Los colores son terrosos.

naturaleza muerta con cerezas

claroscuro muy fuerte. Haz violento de luz y zona de sombras en primer término. El amarillo es un
color peligroso:porque es un color que puede ser cegador del sol.
acentúa las aristas.
En el contraste de luz-sombra.

naturaleza muerta con cráneo

cráneo y cantaro. Vemos como ha resuelto en cantaro con amarillo y azul. Da presencia nada
reconfortante, resulta agria. También hace un conjunto de sol-sombra.
Violencia del trazo ayudado por el grueso empaste, le da textura basta al mantel, como si fuera
esparto.

Cráneo
esta escultura, sin llevar las cosas al extremo, tiene que ver con el arte azteca, muy macabro en
relación con los sacrificios

regadera que sirve de tiesto

datada en e ’43-’44.
ensambla la regadera. Rompe los esquemas de un florero tradicional
escultura de ensamblaje
flor a base de clavos

hombre del cordero

Es el tema clásico por excelencia, tenemos el tema del buen pastor, también aprovechado del mundo
griego. El buen pastor es la imagen del que abandona el rebaño para encontrar la oveja perdida.
Estaba formado en un espíritu de la España católica. Recoge todo el espíritu clasicista y cristiano.

Figuras diversas encapsuladas por cristal

como si fuera un recortable. A modo de reciclaje.

Escultura de gato

Mujer
a base de ensamblaje, con elementos reciclados.
relacionado con el surrealismo.

cabeza de muerto
extraño cráneo.

fotografía del taller de escultura de Picasso.

de Brassai. Fue importante

Desnudo en diván
puede ser muy parecido a alguno visto antes, solo que este es en gris.
detalles: como en un espacio tan aplanado ha modelado con la luz la figura: perfil intenso por la
línea gruesa, con la que hace las redondeces del cuerpo.
vemos el sexo frontal, colocado de forma provocadora.
pelambra de la axila. Es una visión violentamente instintiva

Año ‘44
Cafetera con bugía
los colores son muy luminosos, pero el trazado sigue siendo gruesoy violento en las aristas
amarillo, azul celeste, y de repente un fruto rojo muy intenso.

Planta de tomates
contraste a contraluz de la planta. Violenta luz de fuera que prolonga las somras hacia el interior
dándole un aire más intimidante.
la planta tiene un carácter bruto de hortaliza.

Naturaleza muerta con jarron vaso y fruto

ya tiene un aire mas estructurado y mas matisiano, por los colores mas calidos. Juegos de curvas
mas claro.

Año ‘45
la guerra va a terminar, todos los agobios acumulados fluyen

naturaleza muerta con puerros.

los blancos son algo complejo. Pueden ser devastadores.

Otra naturaleza muerta con puerros

también con calavera. Inquietante por el sistema de rayado.

naturaleza muerta
los puerros como las tibias de la calavera de tradición pirata en relación con la muerte.

naturaleza muerta con cerezas

introduce elementos fúnebres claros porque estamos en la postguerra y ya no estaba censurado todo
lo que se hizo.

el osario
evidentemente lo pinta después de ver las primeras fotografías de los aliados de los campos de
concentración que se han descubierto.
interesenta retrospectivamente para entender el Guernica: entre las muchas lecturas simbolicas se
decía que tenia algo de “naturaleza muerta”: normalmente aparecen animales y frutos.
aquí vemos la matanza de forma esplícita. Encima de la mesa hay un BODEGON: han pasado 8
años del Guernica, y vuelve a esta misma coloración.
el bodegón aparece delineado, no presenta la misma coloración que lo cadáveres

retrato femenino
vemos una nueva mujer: François gilot. Le conoce en el catalán. 40 años de diferencia que se
mantuvo hasta el ’54. Incluso tuvo hijos.
vemos una mujer sofisticada, además era pintora.

Escultura del segador

presencia mortuoria.
Mujer sentada
Mujer de pie
se ve como está hecha plásticamente. Recrea los gestos mas arcaicos del modelado.
con grandes senos.

Año ‘46
calavera erizos y lámpara de bugia
el erizo: punzante

dibujo de calavera con jarra

son interesantes porque descrubrimos “las tripas”

François gilot
aparece en la silla de nuevo. Aparec como si del pelo salieran hojas, y sus senos fueran floraciones
rojas.
Era una mujer muy alta.

Desnudo de mujer
Sintética, vuelve al color [Link] dos senos, uno en blanco y otro en negro

Serie de búhos y lechuzas

a partir de este año comienza a apareceren su obra
es un ave nocturna, relacionada con atenea y la sabiduría. Pero también es un ave rapaz.
de forma caricaturesca. Iluminación tenebrista

Lechuza enjaulada
encima tiene una paloma(como invirtiendo los papeles).

Dibujo de lechuza
Importancia de sus cuadernos.

Año 47
naturaleza con gallo y cuchillo
Picasso está en francia y el gallo es el símbolo francés. Está degollado.
el cuchilo está sangrante. Vemos de nuevo el cajón abierto.
fondo beige uniforme

otro gallo degollado

igual, con el cajón abierto, patas atadas, cuchillo.

El cráneo y tres erizos

Bodegon de pincelada expresionista.

Bodegon
aprovecha un plato y dentro pinta un vaso

primer dibujo de Clot Picasso:niño en azul

Año’48

Mujer sentada en sillón

el torso de gran tamaño

la cocina
caligrafia sobria. Cuadro de expresionismo abstracto.

Escultuda de cabecita

Cabeza de hombre
pintura en grisalla.
Mujer
tratado como si fuera piedra esculpida

LA CERAMICA:
Se instala en la zona sur de Francia. Aquí conoce a otra mujer.
en este momento estaba interesado por las cerámicas griegas rojas y negras.

vemos gran variedad de formas. En algunas imita el diseño griego de figuras desnudas en torno a la
figura

Retrado de Françoise

año ‘49
clot jugando con sus juguetes
con un caballo

sigue con la cerámica

autorretrato como el greco

con gorguera. Para el fue muy importante. Fue el arma arrojadiza contra los academicistas.

Homenaje a Courbet de mujeres dormidas a la orilla del río.

aparecen vestidas. Es igual.

Clot en marron y blanco

Clot jugando

Escultura de mujer embarazada

con la rigidez de las esculturas egipcias.

la cabra.
la rehace de bronce. También preñada

ensamblaje de mujer con carricoche

evidente reciclaje de piezas

niña saltando a la comba

también ensamblaje

cerámicas con faunos

cerámica con bailarina

fauno con flauta

mujer desnuda
también con grandes senos

cerámica

Picasso comunista;
homenaje a los fusilamientos del 3 de mayo: la masacre de corea.
similar al Guernica en el hecho de que los fusilados son mujeres y niños(es lo que difiere de goya)
están desnudas.
los marines no se pueden identificar con nadie.
son unos personajes que masacran a víctimas indefensas sin identidad.
El gris de Picasso repercute a través de toda su biografía.
los grises del Guernica, del osario y de este cuadro son especiales. Es GRIS CENIZA, tendría el
simbolismo del cristianimo, es un recordatorio fúnebre.

Detrás del grupo hay una tonalidad rojiza.

Con este cuadro Picasso hace su reflexión. Este cuadro se convierte en algo cuya lectura emocional
se adecúa

Maternidad de babuino y su cría

en arcilla y luego en bronce.
se burla del tema de la madonna. En este momento se aumenta las referencias animalíticas en el
arte.

La presencia del animal la podemos seguir a partir de la pintura: el hombre contemporáneo, según
se va domesticando, en una vida mas reprimida, va valorando mas el salvajismo de los animales.
Lo que gusta a los romántico de los caballos es su faceta indomable.
esto continúa en Picasso.

en este momento había tenido dos hijos son su nueva amante.

La obra de Picasso capta lo simbólico de su vida.

Garza
va haciendo un animalario exótico,
vemos el ensamblaje
después de la segunda guerra mundial vemos una revolución. Empiezan a plantearse no repintar las
esculturas clásicas.
se invierten los valores: convertir el habitad del museo. Puso maniquíes.
Picasso inspirándose en la escultura africana empieza a pimentar la escultura.

‘52
croaneo con botella y una bujía
estructura de vidriera.
es la formula para aplanar. Cloason. Delineación por una línea de plomo. El grupo de Gauguin en
pont-aven hace esto. Se llama los cloasonisme
Retrato de paola Picasso

helen parmelin.
Era una pintora
tenia un grupo de amigos cuando estaba recluído en parís.
le visitaban mucho, y les retrata.

más cerámicas: búho, paloma

la obra maestra desconocida

aquí hace un grabado curioso: recreación de Balzac segun el monumento de rodin: no le idealiza y
lo pinta desnudo.

53: el gato y el gallo

la imagen es igual que el gato degoyado, y el gato viene a beber la sangre.

Otro gallo muerto.

aquí con un perol.

Dibujo de Paloma
sbre fondo rojo, jugando con un coche.

aguada de pintor y la modelo

la modelo desnuda en el taller

complejidad estructural enorme.
aplastamiento de la profundidad.
la alfombra, el caballete…
esto está en relación con la obra maestra desconocida.
en cierta manera
toda la obra de Balzac gira en torno a cuando el pintor se mete demasiado en su fanatismo,
dejándose llevar por el absorver del mundo interior.

La sombra del pintor

sobre el lienzo. Asi plantea la relación del pintor y la modelo.

paisaje

Esculturas de ensamblaje
en este momento tiene una fama mundial.

Francois clot y paloma como sagrada familia ‘54

En este año François abandona a Picasso.

Clot y paloma

la pirmera imagen que tenemos de Jacquelin sentada. Oct. 54

Dibujos de pluma y grabados de temas bucólico eróticos

SERIE DEL ’55 DE LAS MUJERES DE ARGEL DE DELACROIX

NO es nuevo: la copia del maestro lo hemos visto durante toda la historia.
no hace copias, parte de la idea de una caja llena de carne.

entre medias hace un retrato de Jacquelin con paño turco: hace muchísimos retratos así.

Finales del 55. Estudio de la grande bornie

retrato de Jacqueline 57.

collage con pin ups

El piano
muy matissiano. Coge su línea de color.
retrato de Jacqueline

Versión de las meninas. Del ‘57

es un motivo para desarrollar, no quiere hacer homenaje.
hace varias versiones, una como si fuera una vidriera.
hace mas de 100 versiones.

bodegón con cráneo

con contrastes cromáticos.

Decoración mural de la caída de icaro ’58.

Taller del pintor.

Mujer leyendo en cucliyas 59

figuras sintéticas y monumentales

la serie del almuerzo campestre de manet.

data del 60.
en este momento tiene 79 años. Hace muchísimas versiones.