Los Impresionistas:
Rupturas Temáticas: Cuáles eran los nuevos temas de inspiración para
los artistas, cuál era el concepto de Belleza en 1860, cuál era la intención
de no seguir reproduciendo estilos clásicos.
Rupturas Técnicas: Cuál es el nuevo uso de los colores y la luz, que
significa las pinceladas. Porque los artistas salen del estudio y pintan en
el exterior.
Reconoceremos las obras de arte que muestran en el documental
referenciando sus autores y títulos y porque marcaron la diferencia con
un arte de unos 20 años antes.
Monet: Giverny-Francia, 1920: Pintores de agua, de color, fuera de su tiempo: Paris
1868, retratos clásicos con poses , pintura en exteriores, Renoir y Basille, no se creía que el
ser artista fuese una profesión a la cual acudir , Monet va a una academia de economía, era
caricaturista “Le Care”, Alguno de sus amigos pintaba porcelanas y jarrones , hacia retratos
de mujeres , Monet acudía al mar y su inspiración provenía de la naturaleza , analogía con
la azúcar, requería de un empujón. Acude a ver el trabajo de Eduard Manet, tenia una musa
llamada victorine Mourent, Existía una técnica donde se debia de ver el cuerpo de manera
constante llevada por Manet, en el Salon de Paris de 1863 imperaban los frescos que
buscaban revivir el antiguo imperio francés , mitos ángeles y gloria, arte a mano con
escenas políticas que hacían enfoque al emperador Napoleón, estar en esa exposición era la
única oportunidad para esto: entre las pinturas expuestas esta la Venus de Cavanell.
Alexandre Cabanel , 1863 Napoleón cruzando los Alpes.
1801
Pintura al oleó academicismo
Se denomina pintura academicista o arte académico, al estilo de aquellas obras que utilizan
un particular método en su realización, y siguen un canon de composición determinado, propio
de una escuela de arte, que a su vez está ligada a una época y lugar.
De manera tradicional el academicismo se identifica con la escuela francesa Académie des
beaux-arts (fundada en 1816), la cual promulgaba las bondades del eclecticismo, entendido
como una armonía entre lo neoclásico y el romanticismo. En este ámbito el ponente más
destacado del estilo fue William-Adolphe Bouguereau.
Los cuadros pintados por estos grandes maestros no sólo adoptaron las normas formales
que la escuela, sino que además la propia temática de las obras se vio también influida.
La parte neoclásica de la mezcla, emerge en forma de temática mitológica, aunque no es
requisito, su uso está muy extendido entre los pintores de la escuela francesa. Se niegan a
pintar escenas realistas, o paisajes reales, ellos no ven motivo para gastar su tiempo pintando
lo que consideran como "fealdad", por el contrario, se abocan sólo a representar una belleza
casi sublime.
Pintura real Ambrosiana, la pintura de monet era considerada de salvajes , debido al
hecho que suponía ver a una mujer desnuda en una escena que se puede considerar
cotidiana: Las grandes áreas de luz se volvían una con la naturaleza.
Le Déjeuner sur l'Herbe
Édouard Manet, 1863
El fondo pintado toscamente carece de profundidad, dando al espectador la impresión de que
la escena no tiene lugar en el exterior, sino en un estudio. Esta impresión se refuerza por el
uso de una intensa luz «fotográfica», que casi no deja sombras: de hecho, la iluminación de la
escena es inconsistente y nada natural. El hombre a la derecha luce un sombrero plano con
una borla, de la clase que normalmente se usa en los interiores.
El estilo de la pintura rompe con las tradiciones académicas de la época. Manet usó una luz
cruda, «fotográfica» que elimina los tonos medios. Se considera un cuadro «preimpresionista»
por usar un motivo del entorno inmediato del artista. 2 La hechura es conscientemente clásica. 2
Sin embargo, no intentó ocultar las pinceladas: de hecho, la pintura parece inacabada en
algunas partes de la escena. El desnudo está muy lejos de las figuras suaves e impecables
de Cabanel o Ingres.
A pesar de su tema mundano, Manet deliberadamente eligió un formato de lienzo grande,
normalmente reservado para los grandes temas. Los mismos amigos de Manet no estaban
interesados en este. Monet afirma que para el la naturaleza es un fin en si misma , sin
embargo para los demás es improcedente pensar que la misma tenga algún enfoque ,
ejemplo de esto es el asimilamiento en los detalles que tenia este por Monet. Debido a que
Monet quería plasmar la realidad. (Monseur Glayre). Pintura muerta.
Luego: Fontaineableu: los pintores se podrían morir de frio si no lograban plasmar las
pinturas en exteriores, por consiguiente, existía una dicotomía al respecto, como la luz o los
efectos naturales se fungían en el arte, a través de los verdes bosques. La naturaleza pintaba
para los artistas.
The Pave Chailly in
the Fontainbleau
Forest -1865.
Monet
De todos los
impresionistas,
Monet fue el que con
más énfasis practicó
el plenairismo, es
decir la práctica de la
pintura al plein-
air (en francés: 'aire
pleno, total' y
también —y ese es el
significado que aquí
más nos importa— aire libre), la pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores
paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada
principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda mitad de s. XIX, las
pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, pomos, etc.
La invención de los tarros y tubos de pintura (un positivo producto de la Revolución industrial),
permitió a los pintores llevar sus óleos o témperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos
elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces.
Al aire libre, bajo la luz directa del sol, pudo minuciosamente observar y plasmar casi
inmediatamente, con pinceladas libres, los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las
vibraciones de esa luz; por esta razón la pintura de Monet resulta especialmente vital y llena
de armonías.
Inspirado en el ambiente de sus jardines en Giverny, inició en 1906 la serie de cuadros muy
grandes sobre plantas florales acuáticas, (los cuadros de ninfeas y nenúfares que pueden
admirarse actualmente en el museo parisino de La Orangerie).
Todo puede deducirse de una simple afirmación que realizara el artista:
El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo.
Claude Monet
Jean Frédéric Bazille
Forêt de Fontainebleau
Dan
s la forte de Fontainebleu
Pierre Auguste Renoir-1865
Azul cobalto y Naranja, colores tenues, pintura de Monet tras la herida en Fountaineablau
La ambulance Improvisée
Frederic Basille, 1865 – Museo
de Orso.
Existían serias limitantes de
dinero debido a la desviación de
la corriente, Existia una censura
del arte con respecto a la época.
Olympia, Manet, 1863, oleo sobre lienzo , Impresionismo,
Museo de Orsay , Paris.
En lugar de las doncellas que acompañaban a los desnudos del Cinquecento, entra en
escena llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el
fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. Por otra parte las
carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son
contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera
de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de
Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto gato negro que simboliza a menudo
la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promiscuas o
veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet
sería recordado aún como «el pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el
brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet; el ramo de flores era un
típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta; también tiene
connotaciones simbólicas el je-ne-baise-plus que ciñe al cuello de "Olympia".
La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo, ya que se creía que tal flor
poseía poderes afrodisíacos —de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual—.
Por otra parte, Olympia calza un solo zapato de tacón; esto en las pinturas alegóricas ha sido
usado como símbolo de la inocencia perdida. Además, cabe notar que la orquídea, el
brazalete y la pantufla con tacón (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual
de fetiche y enfatizan su desnudez. La manera en la
que la modelo cubre sus genitales no está asociada
al pudor o castidad; el gesto (convencional) realiza
una tajante declaración: «el observador, al que le
corresponde el papel de cliente, no ha pagado para
verla».
Arte de personas reales, la realidad y el arte eran dos
cosas totalmente diferentes. Monet encuentra a una
mujer por la calle y desea retratarla debido a su
mundanidad. La mujer verde fue aceptada para el
salón, por Claude Monet, existía una rivalidad entre
Monet y Monet , las pinturas de Manet eran
consideradas vulgares y extravagante , le pagaba a
otros para que hablasen bien de su trabajo. Manet se
desquitó con uno de sus amigos, debido a que sus
amigos eran sus enemigos, hiere a Dorante. Emile
Zola hizo una exposición sobre la mujer de verde de
Monet.
Camille , 1866 – Monet.
Dedicó la mayor parte de la composición al mar, el cielo y la playa. Los representó con
amplias hojas de color, animadas por breves pinceladas que articulan suaves olas azules,
suaves nubes blancas y arena marfil de
guijarros. Mientras los pescadores realizan
sus tareas domésticas, una pequeña pareja
se relaja a la orilla del agua. Monet no
exhibió esta obra públicamente durante casi
diez años después de completarla. En 1874
se unió a un grupo diverso de artistas de
vanguardia de ideas afines para montar la
primera de las que serían ocho exposiciones
independientes. Incluyó Sainte-Adresse en la
segunda de estas muestras impresionistas,
en 1876.
La playa de Sainte-Adresse, 1867, Oleo sobre lienzo.
Monet en este momento estaba al principio de su carrera, experimentando con el método
y el tema. Sus pinturas anteriores tuvieron éxito en los salones de París , pero Mujeres en
el jardín fue rechazada en 1867 por motivos de debilidad narrativa y temática. El Salón
también se mostró preocupado por las fuertes pinceladas de Monet, un estilo que, por
supuesto, se convertiría en una de las señas de identidad del impresionismo . a Camille ,
su primera esposa .
La venta de Mujeres en el jardín le permitió a Monet
continuar con su pasión se destaca el elemento
familiar , el rio y la luz como elementos claves de su
estilo. Manet es rechazado porque no se acomodó a
sus expresiones de la época. El trabajo es el alma de
los pintores. Pintar la vida real al aire libre.
Buscaban retratar la vida cotidiana, colores azules y
rosas , la luz bailando sobre el agua , usaba colores
muy fuertes. Bolas de color amarillas, impresionismo:
la naturaleza con sus colores.
Tiempos peligrosos , Napoleón III, dicha
censura política se puede ver en la
ejecución del emperador Maximiliano.
La única opción de ganar dinero era con el gran salón del imperio francés. Camille se casó
con Camille. Estalla la guerra franco-prusiana. Manet participa en la guerra en pro de los
intereses franceses. Se van a Inglaterra tras las guerras.
The thames Bellow Westminster, 1870. Monet.
Renoir muere de Disenteria , Bazille es asignado a Borgoña y muere en el
acto. Bazille era un verdadero amigo para Monet
The family’s reunión
1867- Bazille
Luz sobre agua y luz
sobre la tierra.
