CARACTERÍSTICAS ESENCIALES DE LOS GRUPOS DE CÁMARA
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os grupos de cámara son limitados en su cantidad de
integrantes por lo cual los compositores al componer
exigen, a instrumentos y respectivos instrumentistas,
lograr lo más completo de sus posibilidades técnico-
expresivas. Por eso es que en este universo de la música de cámara es
dónde se encuentra mucho de la música más representativa y el legado
artístico de mejor calidad de muchos compositores. Pero para dicho
logro, por una parte se necesita una gran capacidad de autocrítica,
humildad ante el error, saber y aceptar escuchar al otro para poder
trabajar en equipo.
Es normal encontrar que muchos sólo quieran lucir su
virtuosismo individual y/o su capacidad de liderazgo. Hace falta trabajo
de equipo para lograr plasmar las necesidades estilísticas de las
partituras de cámara. Por otra parte, se requiere de arduo estudio
individual y de conjunto para lo cual el grupo debe organizarse desde
un principio compartiendo el objetivo bien definido; lo cual se ve
favorecido si sus integrantes tienen un nivel académico, musical y
artístico compatible. A su vez, se debe dar mucha importancia al
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conocimiento del período musical al que pertenece la obra a interpretar,
es decir no sólo del propio autor, por supuesto, sino también el contexto
en el que fue compuesta; las circunstancias socio-culturales que
rodeaban al compositor e influencias de otros compositores en la época
que fue compuesta, es decir, el conocimiento histórico para afianzar el
aprendizaje de estilos diferentes.
La audición de la obra por distintos intérpretes y su comparación
es otra de las actividades que realizo. Es importante escuchar versiones
trascendentes artísticamente y a su vez con diferencias de enfoque;
audiciones de otras obras del mismo autor y del mismo período
artístico; la asistencia a conciertos de relevancia que puedan comentar
y formar así paulatinamente su opinión crítica. Todo ello contribuye a la
formación de un criterio de interpretación y a la formación de
intérpretes capaces de no solamente hacer su parte con absoluta
eficiencia sino también con creatividad.
Otro aspecto que no se debe olvidar es lo que ya sugería
Rubinstein en sus entrevistas: “todos los intérpretes deben cantar”...
Hay que cantar las frases internamente, para así “saber respirar”, esto
ayuda infinitamente al fraseo musical. No solamente “respiran” los
cantantes e instrumentistas de viento también deben “respirar” los
cuerdistas y los teclados (piano, clave, órgano). Se debe aprender a
utilizar el “aire” según es conveniente a la frase. La respuesta auditiva,
ágil y precisa a los cambios de matiz y de velocidad y cambios que
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pueden suscitarse a pesar de haber estudiado algo de muy determinada
forma es algo a lo cual se debe estar entrenado. La capacidad de
adaptación a intérpretes diferentes con modos de “sentir” distintos al
nuestro, que a la vez nutre al músico de experiencias distintas. Todo
esto conlleva un alto grado de desarrollo intelectual.
La interpretación es un campo muy amplio que logra
desarrollarse a través de años de estudio sistematizado y profundo. El
criterio de interpretación se va formando no sólo del estudio de la obra
en sí misma, sino de muchos entrenamientos ajenos a ella. Es
imprescindible que los músicos tengan una idea cabal en su mente de
“cómo” quieren que esa obra suene. Para ello es muy importante la
actitud hacia el trabajo, incluso desde la postura del cuerpo. Saber
“manejar” el propio cuerpo. Saber manejar el “peso”, el apoyo de las
piernas, utilizando la fuerza según convenga no sólo de los brazos o de
los hombros, sino también de la espalda. Dar la direccionalidad al
sonido, conducir constantemente hacia un punto determinado lo que se
interpreta. Lograr no sólo tocar “perfectamente”, sino lograr “music
making”; hacer música, controlar la emoción y retener la atención del
público que muchas veces es heterogéneo. Hay quienes van porque
aman la música y quienes sólo asisten con un relativo interés. Un buen
intérprete sabe “atrapar” la atención de todos.
La concentración es un aspecto importantísimo. La
concentración en el sonido que se quiere lograr, en la relación de lo que
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se va tocando, ayuda a no “seccionar” mentalmente la obra y a no
“tensionarse” por momentos determinados de dificultad. Hacer música
de cámara es pasar por sobre la preocupación de la parte individual
para estar con el otro. Es estar dispuesto a reaccionar. Es necesario
estar pendiente de lo que ocurre entre todos. Con la música de cámara
se aumenta notablemente la percepción del propio trabajo y el de los
demás.
La práctica de la música de cámara implica la necesidad de
relacionarse con otros distintos instrumentos y realizar una actividad
conjunta que difícilmente podría llevarse a cabo si no es a través de las
enseñanzas que proporciona esta asignatura. Este trabajo de grupo
tendrá una función decisiva en el desarrollo del músico en general y del
oído musical en particular en todos sus aspectos. La música de cámara
permite tener acceso a un nivel superior de comunicación y enseñanza.
También a desarrollar de un modo íntegro las propias capacidades y
poder proyectarlas así a los alumnos.
