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INSTRUCCIONES
odav GENERALES

El presente texto auto educativo tiene como objetivo proporcionar conocimientos específicos

directamente relacionados con los requerimientos de la competencia definida en el plan de

estudios.

Debe estudiarse cuidadosamente cada tema en cuyo contenido encontrará lecturas programadas,

ejercicios, trabajos de investigación y casos de estudio, finalizando cada unidad con

autoevaluaciones que le permite autocalificarse y así mismo medir su grado de aprendizaje.

Se le sugiere lo siguiente:

 Estudiar cuidadosamente cada tema expuesto

 Ser honesto al resolver las autoevaluaciones.

 Verificar las respuestas y reestudiar los temas relacionados con los posibles errores en la

misma.

 Consultar bibliografía de apoyo para comprender mejor los temas.

 Deberá identificar las dudas e inconvenientes que encuentre al estudiar el tema que esta

desarrollando, para investigar y encontrar la solución o plantearlo al profesor ó tutor.

No olvidar que los ejercicios, resolución de problemas o casos de estudio y responder a las

autoevaluaciones, constituyen un proceso continuo de evaluación y permiten contestar con un alto

grado de eficiencia los exámenes presenciales de cada período.

ÍNDICE

EVOLUCION DEL ARTE

1  El Arte Prehistórico
 Arte Americano

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HISTORIA DEL ARTE
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 Primeras civilizaciones y sus aportes

 Movimientos artísticos y periodos principales

ARTE GOTICO
2  Conceptualización
 Contexto Histórico
 Arquitectura
 Escultura
 Pintura
 Actividad
 Autoevaluación
EL RENACIMIENTO
3  Introducción
 Arquitectura
 Principales Obras Arquitectónicas
 Escultura
 Características generales de la Escultura en el
renacimiento.
 Pintura
 Características de la pintura en el renacimiento.
 Actividad
 Autoevaluación
BARROCO Y ROCOCO
4  El arte Barroco
 Características del Arte Barroco
 Pintura
 Arquitectura
ARTE CONTEMPORANEO
5  Conceptualización
 Pre moderno, moderno y posmoderno
 El arte burgués del siglo XIX
 De la modernidad a la post modernidad.
 Arquitectura postmoderna.
EL ARTE EN HONDURAS
6  Arte rupestre
 Época Prehispánica: Los Mayas
 Arte durante la colonia
 Arquitectura
 Pintura
 Escultura
 Bibliografia
OBJETIVO GENERAL

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HISTORIA DEL ARTE
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Conocer y comprender el arte como expresión natural del hombre no solo como resultado de una
actividad individual sino también el testimonio de una cultura a través de sus diferentes
manifestaciones en cada una de sus etapas

HABILIDADES Y DESTREZAS

 Explicar los orígenes del arte en la prehistoria.

 Identifica los principales aportes a la humanidad de las primeras civilizaciones.
 Identifica los principales movimientos artísticos de la edad media.
 Define el concepto de Arte Gótico.
 Enumera las características del arte gótico en sus diferentes manifestaciones.
 Identifica las fases de la Pintura Gótica.
 Define el concepto de renacimiento.
 Enumera los principales exponentes del renacimiento.
 Identifica las características del arte renacentista.
 Enumera las principales obras elaboradas en el periodo renacentista.
 Define los conceptos de Barroco y Rococó.
 Enumera las características del arte Barroco.
 Enumera las características del arte Rococó.
 Define el concepto de arte contemporáneo.
 Analiza las raíces del arte moderno.
 Investiga los diferentes movimientos artísticos que dieron origen a la modernidad.
 Enumera los movimientos artísticos del siglo XIX.
 Analiza los cambios de la modernidad a la postmodernidad.
 Enumera los principales representantes de este periodo.
 Define el concepto de arte rupestre.
 Enumera las principales manifestaciones de arte rupestre en Honduras.
 Enumera los principales movimientos artísticos más destacados en honduras.
 Enumera las principales obras arquitectónicas construidas durante la colonia.
 Identifica los principales escultores hondureños.
 Identifica los principales pintores hondureños.

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HISTORIA DEL ARTE
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El hombre sabio incluso cuando calla,

dice más que el necio cuando habla.
Thomas Fuller.

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HISTORIA DEL ARTE
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1 EVOLUCION DEL ARTE.

En esta primera unidad haremos un repaso sobre la evolución histórica del arte como un medio de
expresión humano.

El Arte es una actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o
comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo,
mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Es un componente de
la cultura, reflejando en los aspectos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores,
inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que
con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa,
pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y
una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Arte Prehistórico

El arte prehistórico es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una amplitud temporal
suficiente como para afectar a las épocas más diversas. El concepto es mucho más extenso que el
fenómeno rupestre cuaternario, principalmente contenido en Europa occidental, y comprende
además las manifestaciones del llamado arte paleolítico.

En base a ello, se puede apreciar que:

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HISTORIA DEL ARTE
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 En las artes plásticas y visuales de los pueblos primitivos, el realismo es algo excepcional,
frente al simbolismo, la abstracción, la estilización y el esquematismo, que parecen una
constante mundial.

 Casi todo el arte rupestre holoceno se desarrolla en el exterior, a lo sumo, en abrigos

rocosos, desfiladeros y covachas poco profundas.

 El megalitismo y la construcción de túmulos, en relación al culto a los muertos, o la

necesidad de desarrollar una arquitectura defensiva, a menudo con construcciones ciclópeas
(cuya motivación, excede, con mucho, a las necesidades militares), también son constantes
del arte prehistórico mundial.

 Por último, está el hecho de que, a pesar del innegable significado religioso del arte
prehistórico, éste no sólo se asocia al mundo funerario o mitológico, sino que los temas
abarcan todas las facetas de la vida social de los humanos (caza, guerra, trabajos,
ceremonias, jerarquías, sexo, familia, incluso, diversión...) y, sobre todo, a medida que las
sociedades humanas evolucionan, la glorificación del poder y de los poderosos.

Arte americano

Arte americano preclásico

América tiene una de las etapas prehistóricas más cortas, intensas y ricas del mundo, se han
excluido las civilizaciones preclásicas y clásicas precolombinas, centrándonos en el periodo que va
desde la aparición de las primeras obras artísticas conocidas, a las manifestaciones de los horizontes
tempranos o formativos, es decir, el comienzo del período preclásico (es decir, salvo para el caso
de los amerindios de Oasisamérica y el resto de Norteamérica, trataremos periodos anteriores a
nuestra era)[.]

Los testimonios más antiguos del arte americano

Uno de los testimonio más antiguo que se ha localizado en América está en la Piedra Furada, en
Brasil, donde, junto a manifestaciones artísticas mucho más recientes se localizó un hogar datado
14
por C (carbono 14) en 17 000 ± 400 de antigüedad junto al que había algunos trazos rojos
paralelos que incuestionablemente eran una creación artística muy esquemática, pero intencional. []

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HISTORIA DEL ARTE
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De hecho, todo parece indicar que las primeras obras de arte americanas tienen ese carácter
esquemático no figurativo, extremadamente sencillo. Así ocurre en la cueva de Clovis (Nuevo
México) donde se exhumaron placas de arenisca con incisiones de diferentes motivos geométricos
datables en el final del Pleistoceno. Un caso especial es el que ofrecen los yacimientos patagónicos
del valle de Río Pinturas, en Argentina. Allí se han localizado dos importantes complejos rupestres
de amplia duración cronológica, siendo las fechas más antiguas obtenidas del octavo milenio adC
(14C), sin embargo, hay niveles arqueológicos mucho más antiguos (de hasta 14 000 años de
antigüedad) en los que se han encontrado pigmentos naturales (óxidos de hierro, cristales de yeso,
etc) que habían sido mezclados con otras sustancias, es decir, habían sido manipulados por el ser
humano con el fin de conseguir adherencia a la roca. Estas mezclas, al ser analizadas por el método
de la difracción por rayos X, resultaron ser idénticas a las pinturas más antiguas localizadas en la
Cueva de las Manos lo que induce a pensar
que algunas de ellas podrían ser
extremadamente antiguas, es decir, del final
del Pleistoceno (más de 13 000 años de
14
antigüedad según el C). Sin embargo no
hay pruebas directas que relacionen los
pigmentos hallados en las excavaciones con
las pinturas ni se sabe cuáles serían sus
motivos o su aspecto.[]
Complejo Arqueológico Alto Río Pinturas

No obstante, las estaciones patagónicas del Complejo Arqueológico Alto Río Pinturas (en
especial la mencionada Cueva de las manos y el Cerro de los Indios), merecen cierto detenimiento.
Sus principales investigadores Grandin y Aschero, creen posible establecer tres etapas en este gran
conjunto rupestre:

 La primera y más antiguo, datado entre el 7 700 a. C. y 5 500 a. C., se componen de

manos y escenas de gran dinamismo con antropomorfos estilizados cazando huanacos.

 La segunda, datado entre 5 500 a. C. y 1400 a. C., es un conjunto menos dinámico, pero

más colorido, el tema principal siguen siendo las manos, pero también hay numerosos
zoomorfos estilizados de colores muy variados (blanco, rojo oscuro, violeta, ocre...).

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HISTORIA DEL ARTE
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 La tercera fase va desde el 1400 a. C. al año 1000 de nuestra era, es la más pobre, la
estilización ha sido sustituida por la esquematización y a las manos se le han sumado
diversos motivos geométricos.

La caza de guanacos, la fase más Motivos esquemáticos de las

Las manos son el fases tardías del complejo de Río Pintura de la vereda de
tema principal del antigua del complejo de Río Pinturas
Pinturas (Argentina) Chimitá (Colombia)
complejo de Río (Argentina)
Pinturas (Argentina)

Paralelamente al desarrollo de las pinturas patagónicas, el arte rupestre se extiende por toda
Sudamérica, siendo importantes ejemplos las pinturas de Toquepala (en la que se han obtenido
fechas de 7630 a. C.), Lauricocha y Chaclarragla (Perú) con representaciones de gran tamaño, al
igual de las de la fase esquemática de de Pedra Furada y Ferraz Egreja (Brasil); también Mont du
Mahuri y Kourou (Guyana), entre otras más, todas ellas fechadas en el Holoceno.

Respecto a Norteamérica, existe un importante complejo rupestre en la Baja California, la cueva

más importante es la de San Borjita, con representaciones humanas y animales de tipo esquemático.
Otras cuevas de la misma área son la Cueva Pintada del Cañón de Santa teresa, La Cueva de los
Venados y la Cueva de la Cañada de la Soledad. Respecto a cuevas con las manos como tema
principal, éstas no se reducen a la Patagonia, de hecho están por toda América, por ejemplo, la
gruta de Mojocoya (Bolivia), Corinto (El salvador) o Finger Print Cave en Texas (Estados Unidos)

Primeras Civilizaciones y sus aportes

Arte Egipcio

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HISTORIA DEL ARTE
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La historia de la civilización egipcia se

remonta al año 5.000 a.C. y se extiende a
las orillas del río Nilo, del cual depende
su vida. Su arte está íntimamente
relacionado con su forma teocrática de
gobierno y su profunda religiosidad.

Los egipcios se destacaron, al igual que

los mesopotámicos, por ser excelentes
ingenieros ya que ellos también debían
encontrar formas para
aprovechar las subidas del Nilo para la irrigación de sus campos y no permitir las
inundaciones en sus ciudades.

Investiga los aportes más importantes de los egipcios a la humanidad:

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ARTE MESOPOTÁMICO.
 Los pueblos mesopotámicos son aquellos que
estuvieron ubicados en el valle formado por los

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HISTORIA DEL ARTE
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ríos Tigris y Éufrates en la Península Arábiga. Ocupaba parte de las actuales Siria, Palestina, Iraq,
Arabia Saudí e Irán. Estaba delimitado al sur por el Golfo Pérsico y al norte por el macizo de
Armenia. Su existencia se sitúa entre los años 5.000 a.C., momento en que entran a la historia los
sumerios y caldeos, hasta el año 539 a.C. cuando los persas se apoderan de Babilonia. Su historia
puede dividirse en dos grandes períodos, el primero bajo el dominio de Sumer y el segundo
dominado por Asur. 

El arte mesopotámico refleja al mismo tiempo la adaptación y el miedo de las gentes a las fuerzas
naturales, así como sus conquistas militares.

En las ciudades de Mesopotamia, el templo fue el centro del comercio y la religión hasta que fue
desbancado en importancia por el palacio real.

Investiga los aportes más importantes de los mesopotámicos a la humanidad:

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ACTIVIDAD

Investigue y elabore un cuadro comparativo entre las principales características del

arte egipcio y el arte Mesopotámico.

CARACTERISTICAS ARTE EGIPCIO CARACTERISTICAS ARTE

MESOPOTAMICO

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HISTORIA DEL ARTE
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Arte Griego
La cultura desarrollada por los antiguos griegos establece los
fundamentos de la cultura occidental. De ella surgieron los
conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.

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HISTORIA DEL ARTE
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Los griegos instituyeron el principio de la consideración racional del hombre y de la naturaleza, en

la que encuentran la razón que explica la experiencia sensorial de la estética en el arte griego. La
belleza para los griegos estaba en la perfección, la proporción y la armonía. El sofista griego
Protágoras mantenía que el hombre era la 'medida ideal' de todas las cosas. El conocimiento de las
partes, y su relación con el todo, está en la raíz de la belleza y de la virtud para los helenos. La
belleza se define intelectualmente como «la armonía de las partes en el todo».

Estas ideas se plasmaron en la arquitectura y la escultura con la aplicación de los conceptos de

'orden arquitectónico' y 'canon de belleza', en ambos la belleza se concibe como proporción
armónica entre las partes y el todo, sea de un edificio o del cuerpo.

La arquitectura se caracterizó por el uso del mármol y la piedra caliza, la madera y las tejas. La
escultura se basó en la utilización también del mármol, la arcilla y el bronce, incluso muchas de
ellas recubiertas en oro e incrustaciones de marfil. La pintura era realizada con colores al agua que
daban dimensión a grandes murales o vasijas. La cerámica se cocía, se trabajaba en tornos
verticales, pulía y pintaba.

Las principales características del Arte Griego son:

 Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.

 Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en
escultura.

 Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los

primeros momentos pero, sobre todo, aportaciones propias.

 El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en

equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran
perfección.

 Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un
politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da
pie a una mitología muy representada en escultura.

 Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

ARTE ROMANO

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HISTORIA DEL ARTE
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El arte romano, al igual que su

arquitectura e ingeniería, se extendió,
como su imperio, a lo largo y ancho del
perímetro del Mar Mediterráneo, siendo
uno de los principales exponentes de la
avanzada civilización romana. El arte
romano hunde sus raíces en diversas
influencias, especialmente del mundo
etrusco y del griego.

La fuerte organización y personalidad del

Imperio Romano exige un arte y una
arquitectura que aúne el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy
centralizado y unitario que abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor o menor medida, a
todas su provincias. Grecia y Roma son los pueblos que sientan las bases de la cultura clásica. Los
romanos se caracterizaron por desarrollar un arte más práctico y utilitario que los griegos sus dos
grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura.

Las principales características que aporta el arte romano como novedad son:

 Preocupación, en la arquitectura, por el juego de masas que viene por los elementos usados
en la construcción.
 Arquitectura mucho más colosal.

 Como elemento arquitectónico básico, se van a utilizar el arco, la bóveda y, por tanto, la
cúpula.
 Se va a crear el retrato en la escultura.

 Roma fue la creadora del relieve histórico, continuo y narrativo.

ACTIVIDAD
Investigue y elabore un cuadro comparativo sobre los principales aportes
del arte griego y el arte Romano.

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HISTORIA DEL ARTE
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ARTE GRIEGO ARTE ROMANO

Movimientos artísticos y periodos principales

Alta Edad Media

1. El arte paleocristiano cubre el período desde el siglo III (antes de éste no han sobrevivido
muestras de arte cristiano), hasta el inicio del arte Bizantino (siglo V). Durante este
período las obras de arte cristianas adoptaron las distintas técnicas romanas de pintura,
mosaico, talla y trabajo de los metales.

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HISTORIA DEL ARTE
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2. El arte bizantino. Durante el período de iconoclasia (730-843) la gran mayoría de iconos

fue destruida; tan sólo han sobrevivido algunos ejemplos, destacadamente los mosaicos de
Rávena. Después de la reanudación de producción de iconos en 843 hasta 1453 la tradición
Bizantina de arte continuó con relativamente pocos cambios, a pesar de, o debido a, la
disminución lenta del Imperio. Se le considera el arte más refinado de la Edad Media en
términos de calidad de material y habilidad, con la producción centrada en Constantinopla.
El logro supremo del arte bizantino era los frescos monumentales y mosaicos dentro de
iglesias abovedadas, la mayor parte de cual no han sobrevivido debido a catástrofes y la
apropiación de iglesias para su conversión en mezquitas.
3. El arte islámico durante la Edad Media, además de la producción arquitectónica (las
demás artes plásticas tienen un desarrollo menor al no permitirse la representación de
figuras) cubre una amplia variedad de artesanías incluyendo manuscritos ilustrados, textil,
cerámica, trabajo en metales y cristal. Son la muestra de la cultura material islámica en el
Próximo Oriente, España Islámica y África del Norte. Puede deslindarse una temprana
etapa formativa (600-900) y el desarrollo de estilos regionales del siglo X en adelante.

Capilla Palatina de Mezquita de Kairuán,

Aquisgrán, arte San Miguel de
arte islámico.
Corona votiva del rey carolingio. Hildesheim, arte
visigodo Recesvinto, otoniano.
Tesoro de Guarrazar.

4. El arte prerrománico cubre el periodo del siglo V al siglo X en Europa Occidental. Las
influencias clásicas y las germánicas son activamente son absorbidas y se desarrolla la
semilla de la que más tarde surgiría el arte románico.

Baja Edad Media

Dos estilos internacionales marcan la época, dividiéndola en dos mitades: el arte románico los
siglos XI y XII y el arte gótico, que comienza en Francia a mediados del XII y se va imponiendo en
el resto de Europa Occidental en el siglo XIII y el XIV. El siglo XV significará el final de la Edad
Media y la irrupción del nuevo arte de la Edad Moderna. El nombre románico es utilizado a partir

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HISTORIA DEL ARTE
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de los historiadores de arte del siglo XIX, para compararlo con la arquitectura romana antigua;
mientras que el término gótico es un despectivo utilizado por los artistas y tratadistas de arte del
Renacimiento para designar a todo el arte medieval (incluido lo que hoy llamamos prerrománico y
románico), que consideraban una degeneración del arte clásico de Grecia y Roma contaminado por
los godos (por tanto, gótico).

Cated
ral de Pisa, románico italiano.
Catedral
Stavkirke de Borgund, de Cefalú, arte árabe-
Catedral de Chartres, arquitectura nórdica en normando, Sicilia, siglo XII.
gótico francés. madera, Noruega.

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HISTORIA DEL ARTE
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ACTIVIDAD
Investigue y elabore un cuadro comparativo sobre los principales aportes
del arte Islámico y el arte Románico.

ARTE ISLAMICO ARTE ROMANICO

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HISTORIA DEL ARTE
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AUTOEVALUACION

I.- Tipo Completación

Instrucciones: Escribe en el espacio en blanco la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.

1.-_____________________________ Es una actividad o producto realizado por el ser humano con

una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se
expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo,
mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos,
sonoros o mixtos.

2.-____________________________
Es un fenómeno artístico de alcance geográfico global y una
amplitud temporal suficiente como para afectar a las épocas
más diversas.

3.-____________________________ Es uno de los testimonios más antiguos que se ha localizado en

América.

4.-____________________________ Su arte está íntimamente relacionado con su forma teocrática

de gobierno y su profunda religiosidad.

5.-____________________________ Su Arte refleja al mismo tiempo la adaptación y el miedo de las

gentes a las fuerzas naturales, así como sus conquistas
militares.

6.-____________________________
En este arte se plasmaron en la arquitectura y la escultura los
conceptos de 'orden arquitectónico' y 'canon de belleza', en
ambos la belleza se concibe como proporción armónica entre
las partes y el todo, sea de un edificio o del cuerpo.

Su arte al igual que su arquitectura e ingeniería, se extendió,

7._____________________________
como su imperio, a lo largo y ancho del perímetro del Mar
Mediterráneo, siendo uno de los principales exponentes de su
avanzada civilización.

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HISTORIA DEL ARTE
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II.- Tipo Enumeración

Instrucciones: Llene los espacios en blanco con la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.
1.- El Arte Prehistórico se divide en:

a.____________________________________ b._______________________________________

2.- Etapas del gran conjunto rupestre de Alto Rio Pinturas (Argentina):

a.____________________________________ b._______________________________________

c.____________________________________

3-. Son Ejemplos de pintura rupestre en Sudamérica:

a.____________________________________ b.______________________________________

c.____________________________________ d.______________________________________

e.____________________________________ f._______________________________________

g.____________________________________

4.- Complejos de arte rupestre en Norteamérica:

a.____________________________________ b._______________________________________

c.____________________________________ d._______________________________________

5.- Mesopotamia estaba ubicado en el valle formado por los ríos:

a.____________________________________ b._______________________________________

6.- Enumere las características del arte griego:

a.____________________________________ b.______________________________________

c.____________________________________ d.______________________________________
cioe.____________________________________ f._______________________________________
HISTORIA DEL ARTE
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7.- Son las grandes realizaciones del arte Romano:

a.____________________________________ b._______________________________________

8.- Principales características del arte romano:

a.____________________________________ b.______________________________________

c.____________________________________ d.______________________________________

e.____________________________________ f._______________________________________

9.- La Alta edad media se divide en:

a.____________________________________ b.______________________________________

c.____________________________________ d.______________________________________

10.- La baja edad media se divide en:

a.____________________________________ b.______________________________________

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Algunos pintores transforman el sol en

una mancha amarilla y otros
transforman una mancha amarilla en el
sol.

Pablo Picasso

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2 ARTE GOTICO

El arte gótico es un estilo

que se desarrolló en
Europa occidental durante
los últimos siglos de la
Edad Media, desde
mediados del siglo XII
hasta la implantación del
Renacimiento (siglo XV
para Italia, y bien entrado
el siglo XVI en los lugares
donde el gótico pervivió
más tiempo). Se trata de un
amplio período artístico,
que surge en el norte de
Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos
cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en
Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición
clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la
catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural
y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido
peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro
(godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y
románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy
día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

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Contexto histórico

El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media.
Se suele indicar que frente al arte románico (que refleja una sociedad ruralizada de guerreros y
campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la
burguesía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Cister
y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de los conflictos y la
disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y
finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo
tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la
historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo).

Caracterización

Planta de la catedral de Chartres.

Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el
gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una
importante arquitectura civil e independiza a las otras artes
plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte
arquitectónico.

No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el

predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo
indiscutido, el monasterio como institución apenas varía
excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos
requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo
predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside
orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas
basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación
de naves, capillas y girolas). Sin duda el principal elemento de
continuidad es la concepción intemporal de la obra: en la mayor parte de las construcciones los
estilos se suceden y funden al ritmo de los siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra
que ellos no verán terminada, ni quizá sus hijos o nietos.

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HISTORIA DEL ARTE
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En muchas de ellas, incluso se pone en valor el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o
económico (a veces por rivalidad política) que cuando se inicia no se ha planificado cómo terminar,
como es el caso de las catedrales de Siena y de Florencia.

Arquitectura:

     El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión
más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico:

 Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, lo que
posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras.
 Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores.
 Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las
naves, de tres a cinco.
 La cabecera tiene girola y capillas radiales.
 La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
 Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas
(baquetones).
 En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional: los arbotantes.

   

  Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir

espacios rectangulares a mayor altura. Está formada por dos
arcos (nervios) que se cruzan en la clave. El resto de la superficie
se cubre con plementos. Las vidrieras se organizan en tracerías.
Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado.

     La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las

puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por
dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen
tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.

     En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o

ventanales. Además de las catedrales adquieren importancia otros edificios civiles. Se levantan el
ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares.

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La arquitectura gótica en Europa

Notre Dame de Paris Francia es la cuna del gótico. En la fase protogótica

encontramos los edificios cistercienses como la
abadía de San Denis, y Notre-Dame de París. En el
período clásico destacan las catedrales reales,
Reims, Amiens y Chartres. En el período manierista
destaca la Santa Capilla de París y la catedral de
Rouen.

 
 
 
 
    En Inglaterra el gótico presenta tres etapas:

 el estilo primitivo, catedral de

Canterbury;
 el estilo decorativo, catedral de York; y
 el estilo perpendicular, catedral de Westminster.

   El gótico apenas entró en Italia. Pero lo característico del gótico italiano es la arquitectura civil.
Destacan la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento de Perusa y el palacio ducal Casa del Oro en
Venecia. Catedral de York

En Portugal el gótico llega a través de España: convento de Batalha y el monasterio de Alcobaça.

En los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo manuelino: monasterio de Belem.

En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las ciudades
comerciales de la Corona de Aragón.

     Primera Etapa, el gótico tarda en introducirse en

España (siglo XII). Destacan las plantas en forma de T, las
capillas de la cabecera y el transepto y el claustro con dos

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HISTORIA DEL ARTE
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pisos. Monasterios de Poblet, La Espina, Gradefes y La Moreruela. Se comienzan a construir las

catedrales de Zamora, Salamanca, Tarragona y Lérida.

    La segunda etapa, en el siglo XII, es la del gótico pleno. Las catedrales más importantes son las
de León, Burgos y Toledo.

     La tercera etapa, en el siglo XIV. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca, Santa María
del Mar (Barcelona) y Gerona. Son templos más austeros, la nave central es más ancha y las
laterales son más altas.

Catedral de León,     

España
En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En esta época
la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas de una sola nave y los soportes más
delgados. El coro se desplaza a los pies y en alto. Lonjas de Palma de Mallorca y Valencia. En
Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la de Burgos. Puerta de los leones de la catedral de
Toledo, la cartuja de Miraflores.

Escultura

  La escultura gótica es el estilo escultórico que corresponde

al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende
desde finales del siglo XII a comienzos del siglo XV por la
Europa Occidental cristiana.

   En la escultura gótica se observa una progresiva liberación

del marco arquitectónico y un mayor naturalismo. No falta
en la iconografía el bestiario fantástico. Las imágenes se
comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza,
dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV.
Reaparece el retrato.

Caracterización

La dependencia de la escultura gótica frente al soporte arquitectónico continúa siendo muy

importante, como en el periodo románico, aunque se producen algunos cambios:

 Los capiteles dejan de ser un espacio preferente para los relieves;

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 Las arquivoltas de los pórticos pasan de ser decoradas en sentido radial para serlo en el
sentido de los arcos (ahora apuntados);

 El altar mayor pasa a acoger retablos cada vez más complejos, que pueden ser pictóricos o
escultóricos (habitualmente de madera policromada, no hay que olvidar que la policromía
acompañaba también a la escultura en piedra).

 Las esculturas de bulto redondo empiezan a independizarse de las paredes y a hacerse cada
vez más autónomas. Las adosadas a las columnas y parteluces se hacen más esbeltas y
dinámicas.

 Se considera a las del pórtico oeste (el llamado real) de la catedral de Chartres (hacia 1145)
el ejemplo más temprano del gótico, y significaron una revolución en el estilo y un modelo
para generaciones de escultores, que parecen provenir de la región de Borgoña.

La expresividad cambia, haciéndose menos hierática y más

expresiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía),
acentuando la tendencia del último románico (por ejemplo el
Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de
Compostela), y en coincidencia con una nueva mentalidad,
más urbana y próxima a los conceptos filosóficos de hombre y
naturaleza en la filosofía escolástica y la renovación de la
espiritualidad (herejías medievales, San Francisco de Asís).

Las vírgenes necias, catedral

de Magdeburgo, hacia 1250. En concreto la representación de las distintas escenas de La vida
de Cristo se hacen desde una perspectiva más humana, con el fin
de acercarlo a la experiencia vital de cada fiel: desde el Nacimiento hasta la Crucifixión. La
representación de la Virgen María, sola o con el niño (como Madre de Dios o Theotokos), suele
hacerse más femenina y maternal, mientras que en el románico solía reducirse a un mero trono
donde Cristo se sienta para gobernar al mundo.

Difusión de la escultura gótica

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Aunque la génesis de la escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso
de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania. La escultura gótica
alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al
mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal

En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados
franceses. En este caso sería más apropiado hablar de tendencias goticistas dentro de un clima en el
que va apareciendo el protorrenacimiento. El taller más representativo fue el de Pisa.

En España, en el segundo cuarto del siglo XIII se introdujeron las formas de la escultura francesa a
través de las intensas relaciones políticas y culturales que la monarquía española estableció con la
francesa. En el siglo XIII destacaron dos talleres en torno a las catedrales de Burgos y León.

En cambio, el arte cisterciense, una de las corrientes espirituales y estéticas que representan la
esencia del gótico inicial (basada en las ideas de Bernardo de Claraval), es un movimiento casi
iconoclasta, pues rechaza la utilización de esculturas y pinturas en los monasterios (aunque las
justificaba en las parroquias).

Pórtico de Sarmental de la
Catedral de Burgos, siglo Secpulcro de Sancho
XIII Virgen Blanca, en el coro de la Gaitero, madera policromada,
Catedral de Toledo. iglesia de Sasamón Sánchez, Catedral de Tudela

Pórtico de la Catedral de Pórtico de la Catedral de

Pórtico de la Catedral Bamberg, detalle a la Bamberg, detalle a la Pórtico de la Catedral
de Chartres izquierda. derecha. de Chartres

Escultores destacados del norte de Europa (Lorenzo Mercadante, Alejo de Vahía, Gil de Siloé o
Felipe Bigarny). Un lugar destacado ocupó la familia Egas o Cueman, en torno a la que se formó
localmente el denominado "grupo Torrijos", artífice de la transición del gótico al renacimiento en el
centro peninsular, al que pertenecieron Juan Guas, Alonso de Covarrubias y Sebastián de

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Almonacid, responsable quizá del Doncel de la catedral de Sigüenza (o alguien vinculado a su taller
de Guadalajara). Vasco de la Zarza, discípulo de Domenico Fancelli (el autor del sepulcro de los
Reyes Católicos), ya puede considerarse plenamente renacentista. En el reino de Navarra destacó
Janin Lomme de Tournai.[ ]Otro escultor que alcanzó gran fama fue el flamenco Claus Sluter
(finales del siglo XIV).

Pintura

     La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el

gótico. Pierde su lugar natural: el muro. La técnica más
utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido
y permite un acabado más minucioso.

Durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas

principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y
miniaturas.

La pintura mural o frescos siguieron usándose como el

principal medio para la narración pictórica en las paredes de
las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en Italia, como
una continuación de las tradiciones cristiana y románica
anteriores.
Madonna con ángeles y San Francisco, obra de
Cimabue, hacia 1280, pintura al fresco ejecutada
en la iglesia inferior de Asís.
Fuera de Italia no se cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó
mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen historias religiosas. Los
nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto.

Vidrieras
Frente a lo que ocurre en Italia, en el norte de Europa, las
vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. El
desarrollo de la Arquitectura gótica con la progresiva
sustitución del muro por grandes ventanales con vitrales de
colores que permiten el paso hacia el espacio interior de una
luz polícroma y matizada, implicó, en las grandes catedrales

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góticas de Francia, a la práctica desaparición de la pintura mural que se había desarrollado

ampliamente en los muros de las iglesias románicas.

El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se desarrollaron las artes del
dibujo y del color en el gótico. Durante la Baja Edad Media el arte de los vitrales de las catedrales e
iglesias se desarrolló, en Europa, paralelamente con la arquitectura gótica, la cual se caracterizaba
por la altura de sus naves y la audacia de sus estructuras con bóvedas de crucería que se apoyaban
en esbeltos soportes y arbotantes para transmitir al suelo el peso y el empuje de las bóvedas,
liberando de las funciones resistentes a los muros de los edificios que progresivamente fueron
sustituidos por ventanales y tracerías o encajes de piedra con vitrales de color. En Inglaterra destaca
la gran ventana occidental de la catedral de York. En España, las vidrieras más destacadas son las
de la catedral de León.

Miniaturismo e ilustración de libros

Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica,
registrando en sus miniaturas la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han
sobrevivido otras obras monumentales. En la pintura de los códices (o miniaturas), sobre todo en
Francia, buscando la realidad y delicadeza en las figuras, todavía les faltaba mucho a éstas para ser
modelos en dibujo y perspectiva.

Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o

dibujos de figuras enmarcadas en las letras iníciales o en diversos
compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban
miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de hierro,
mezclado con colorantes naturales.

En el periodo románico y en el primer gótico los temas tenían carácter

sacro, su composición estaba influida por criterios similares a los que
Anónimo, San Bernardo de regían para los vitrales de las catedrales e iglesias del propio periodo.
Claraval, Inicial de la letra B en
un manuscrito del Siglo XIII. En el siglo XIV, se introdujeron temas profanos y el arte de las
miniaturas se trasladó a los talleres artesanos de París, Borgoña y
Flandes. Los manuscritos ilustrados tuvieron una amplia difusión internacional, a través de las
cortes de la nobleza europea.

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Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg.
Quizá el más famoso manuscrito gótico sean Las muy Ricas Horas del Duque de Berry.

Pintura sobre tabla

Aunque se ha dicho que la pintura

gótica tiene su espacio propio en los
grandes vitrales de las Catedrales y en
las miniaturas polícromas de los libros,
lo cierto es que la pintura propiamente
dicha donde subsistió fue en los
retablos, las tablas pintadas que
forman los frontales o los laterales de
los altares y en los muros de las
capillas laterales. Puede diferenciarse, además, entre los retablos, que son tablas pintadas o
esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción, individuales, de
menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares.

La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa. En el siglo XV era ya
la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. De tablas o frontales únicos se
pasó a dípticos, tríptico, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta
llegar a los grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o
predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central
se representaba el tema principal del retablo.

Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de
animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así
lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el
punto de partida del arte renacentista.

Fases de la pintura gótica

    La primera etapa corresponde a la pintura conocida como gótico lineal, hacia el 1200. Se
caracterizan por tener un fondo dorado, de influencia bizantina, un espacio simbólico. Las figuras
tienden a ser planas, los colores vivos y aún tienen muchos convencionalismos románicos.

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       La segunda etapa corresponde a la Italia del Trecento, o

pintura italogótica. Este será el germen de la pintura
moderna, desaparece la línea negra. Podemos distinguir
tres escuelas; la toscana, Giunta Pisano: Madona de la
catedral de Pistoia; la escuela romana, Pietro Cavallini:
Nacimiento y muerte de María; y la escuela florentina,
Giotto di Bondone: Madona de Uffizi. Su aventura es la
conquista de la técnica, el estudio del espacio, la
perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.

     En Italia también hay una escuela en Siena, que se caracteriza por hacer un arte cortesano,
colorista, cromático e irreal, con los fondos dorados de tradición bizantina. Duccio di Buoninsegna:
Madona Rucellai. Llegará en el siglo XIV a Cataluña Jaume Ferrer Bassa: capilla de San Miguel de
Pedralbes.

     La última etapa corresponde al gótico internacional, en torno al 1400. Se caracteriza por su
afición al lujo, los colores brillantes, el dibujo curvilíneo, las pocas preocupaciones espaciales y por
ser un estilo un tanto decorativo. Jean Fouquet: Díptico de Melum. En España encontramos: en
Cataluña Luis Borrassà: retablo del Salvador en la catedral de Barcelona; en Valencia Lorenzo
Zaragoza: San Roque de Jérica; y en Castilla Nicolás Francés: retablo de la catedral de León.

     Estilo flamenco: Surge en Flandes

durante el primer tercio del siglo XV, al
mismo tiempo en que en Italia se
encuentran ya en el Renacimiento. Este
estilo se difunde por el resto de Europa,
salvo Italia, durante el resto del siglo.
Actualmente, también puede encontrarse
que a esta etapa de la pintura se la llama
Prerrenacimiento o también
Renacimiento nórdico, abarcando la obra
de los flamencos hermanos Van Eyck,
Rogier van der Weyden, Hugo van der
Goes y Memling o los alemanes Multscher y Witz.

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Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y
detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de
las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura
repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes
ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías.

A esta última fase del gótico a veces se la conoce también como prerrenacimiento o renacimiento
nórdico, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzado tratamiento de la
luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento. Fuera de Flandes fue en España donde este
estilo tuvo más éxito. Bartolomé Bermejo: Piedad del canónigo Desplá y Pedro Berruguete: retablo
de Santo Tomás de Ávila.

ACTIVIDAD

Recorte y pegue las imágenes de las principales catedrales de origen gótico en Europa.

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Nombre de la catedral Imagen

La abadía de San Denis

La Catedral de Reims

La Catedral de Canterbury

La Catedral de Westminters

El palacio ducal Casa del Oro en

Venecia

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AUTOEVALUACION

I-. Tipo Completación

Instrucciones: Escriba en los espacios en blanco la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.

1.-______________________________ Es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los

últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII
hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV).

2.-______________________________ Este término fue empleado por primera vez por los tratadistas del
Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la
edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo,
de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

Es la expresión más típica en la arquitectura gótica.

3.-____________________________

Es considerada la cuna del arte gótico.

4.______________________________

Característica de la arquitectura gótica en Italia.

5.______________________________

En esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser

6.______________________________
cuadradas de una sola nave y los soportes más delgados.

Se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y

7.______________________________ un mayor naturalismo. No falta en la iconografía el bestiario

fantástico.

Consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de

figuras enmarcadas en las letras iníciales o en diversos
8.-_____________________________
compartimentos como medallones, arabescos etc.

Es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su

lugar natural: el muro. La técnica más utilizada es la del temple y
9._______________________________
el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más
minucioso.
II-. Tipo Enumeración:
Instrucciones: Escriba en los espacios en blanco la palabra o palabras que completen el enunciado.
1.- Son elementos de la arquitectura Gótica:

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a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

e._______________________________ f._____________________________

g._______________________________

2.- Catedrales que se destacan en el periodo clásico:

a.______________________________ b.______________________________

3.- Periodos que se destacan en la arquitectura gótica en Europa:

a.______________________________ b.______________________________

4.- Etapas del arte Gótico en Inglaterra:

a.______________________________ b.______________________________

c._____________________________

5.- Ámbitos fundamentales del arte gótico en España:

a.______________________________ b.______________________________

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6.- Catedrales más importantes de España en el siglo XII durante el gótico pleno:

a.______________________________ b.______________________________

c.______________________________

7.- Escultores destacados del norte de Europa:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

e._______________________________ f._____________________________

8.- Técnicas principales que se utilizaban en la pintura gótica:

a.______________________________ b.______________________________

c.______________________________ d.______________________________

9.- Pintores destacados:

a.______________________________ b.______________________________

10.- Destacados miniaturistas:

a.______________________________ b.______________________________

c.______________________________

11.- Fases de la pintura gótica:

a.______________________________ b.______________________________

c.______________________________

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Quien busca la belleza en la verdad

es un pensador, quien busca la
verdad en la belleza es un artista.

José de Diego

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3 EL RENACIMIENTO

Introducción

David de Miguel Ángel.

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento

cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y
XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las
artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias,
tanto naturales como humanas. El Renacimiento es fruto de la
difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva
concepción del hombre y del mundo.

El nombre "renacimiento" se utilizó porque éste retomaba los

elementos de la cultura clásica. El término simboliza la
reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de
predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la
Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser
humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y
sustituyéndolo por cierto antropocentrismo.

El historiador y artista Giorgio Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento
del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno
completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.

De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a

la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la
misma consciencia, el movimiento renacentista se opuso al arte contemporáneo del norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una
«ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional».

Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido

muchísimo; generalmente, con el término "humanismo" se indica el proceso innovador, inspirado

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en la Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de

las realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XIV y XV.

El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de

vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la cultura
europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que
las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo
coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la
consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que
pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del
feudalismo, el asenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo.
Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su magnitud y
mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista.

El Renacimiento es un movimiento cultural que busca la renovación

del hombre y su mundo, según los modelos clásicos, que se reinterpretan. Se desarrolla con mayor
vitalidad en Italia y en las regiones ricas donde existe una burguesía.

El fenómeno renacentista comienza en el siglo XIV y no antes, aunque al tratarse de un proceso

histórico, se elige un momento arbitrariamente para determinar cronológicamente su comienzo,
pero lo cierto es que se trata de un proceso que hunde sus raíces en la alta Edad Media y va
tomando forma gradualmente.

El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la Reforma protestante, la introducción

de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura fueron uno de los motores
del cambio. El determinante, sin embargo, de este cambio social y cultural fue el desarrollo
económico europeo, con los primeros atisbos del capitalismo mercantil. En este clima cultural de
renovación, que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica, surgió a principios
del siglo XV un renacimiento artístico en Italia, de empuje extraordinario, que se extendería de
inmediato por Hungría y a otras naciones de Europa.

Características:

 El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por
el saber y comenzó a estudiar los modelos de la antigüedad clásica a la vez que investigaba
nuevas técnicas (claroscuro en pintura, por ejemplo).

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 Se desarrollan enormemente las formas de representar la perspectiva y el mundo natural

con fidelidad;

 Interesan especialmente la anatomía humana y las técnicas de construcción arquitectónica.

 El paradigma de esta nueva actitud es Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente

renacentista, quien dominó distintas ramas del saber, pero del mismo modo Miguel Ángel
Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Bramante fueron artistas conmovidos por
la imagen de la Antigüedad y preocupados por desarrollar nuevas técnicas escultóricas,
pictóricas y arquitectónicas, así como por la música, la poesía y la nueva sensibilidad
humanística. Todo esto formó parte del renacimiento en las artes en Italia.

Etapas del arte renacentista

Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:

 La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado

Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.

 La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda

referido al Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto del siglo. En
esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las artes: Leonardo da Vince,
Miguel Ángel Buonaroti, Rafael Sanzio. Es el apogeo del arte renacentista. Este periodo
desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anti clásica que conforma el Manierismo, que
dura hasta el final del siglo XVI.

ARQUITECTURA
La Arquitectura renacentista se desarrolla a
partir del siglo XV principalmente en Italia. Es
común atribuir el lugar de génesis a la ciudad
italiana de Florencia, ciudad donde el gótico
apenas había penetrado, en el momento de la

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construcción de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo
Brunelleschi. El Renacimiento en arquitectura utiliza los elementos constructivos de la antigüedad,
la bóveda de cañón, la cúpula, los entablamentos, los arcos de medio punto, las columnas, etc. El
edificio es producto del cálculo matemático y la medida antropomórfica. El nuevo estilo surge de la
admiración de los artistas por las ruinas del mundo romano, y del descubrimiento del libro de
Marco Vitrubio Polión ((en latín Marcus Vitruvius Pollio) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y
tratadista romano del siglo I a. C).
Pero
Villa Capra, Andrea lo más
Palladio, importante
1566. para la creación del nuevo lenguaje es la aportación de arquitectos
Ejemplo de arquitectura palladiana
renacentistas. Domina la arquitectura de carácter civil: hospitales, cárceles, etc. En las que el muro
es de carga, además de cierre del espacio.
 De forma genérica se pueden establecer las características del Renacimiento en:
1. La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el
orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de
antiguas creencias, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de antiguos
elementos simbólicos. Con ello el objetivo no va a ser una copia servil, sino la penetración
y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.
2. Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal
y realista de la ciencia. La matemática se va a convertir en la principal ayuda de un arte que
se preocupa incesantemente en fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La
aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta
hacía el conocimiento de fenómeno casual, sino hacía la penetración de la idea.
3. El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Como arte esencialmente
cultural presupone en el artista una formación científica, que le hace liberarse de actitudes
medievales y elevarse al más alto rango social. 

La Historia de la Arquitectura del Renacimiento, suele dividirse en dos grandes períodos

denominados en italiano por el numeral de los años: []

 Siglo XV o Quattrocento, el Renacimiento temprano, momento en que se destacan las

figuras de Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Es una arquitectura que aspira al
Clasicismo y que pone los puntales teóricos de la canonización del estilo, que caracterizará
al período siguiente.
 Siglo XVI o Cinquecento, a su vez dividido en dos fases:

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o Fase de culminación o madurez : el Renacimiento medio, pleno o Alto

Renacimiento, que cubre el primer cuarto del siglo XVI (hasta el saco de Roma de
1527). Durante ese periodo, los principales arquitectos italianos intervinieron en los
distintos proyectos del inicio de las obras de la Basílica de San Pedro (Donato
Bramante, Rafael Sanzio, Antonio da Sangallo el Joven y posteriormente Miguel
Ángel).
o Fase del Manierismo: el Renacimiento tardío o Bajo Renacimiento, desde mediados
del siglo XVI hasta el comienzo del siglo XVII (en que se inicia la arquitectura
barroca). En esta fase, siguiendo la maniera de Miguel Ángel, las individualidades
de los arquitectos comienzan a sobreponerse al proyecto teórico clásico. Destacan
maestros como Giulio Romano, Jacopo Vignola, Giorgio Vasari, Giacomo della
Porta o Andrea Palladio.

Principales Obras Arquitectónicas Y Representantes Más Importantes:

 Filippo Brunelleschi, Cúpula de la catedral de Santa María de la Flores en Florencia,

Palacio de Piti

 Leonardo da Vinci. Cúpula de la catedral de Milán y la catedral de Pavia Leo Baska.

Palacio de Biccencio, palacio de San Andrés, iglesia de San Francisco.

 Donatello Bramante. El templete en el patio de la iglesia de San Pedro

 Miguel Ángel. El palacio de Farnesio en Roma

 Andrea Palladio. La iglesia San Jorge, Catedral de San Pedro.

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Basílica de San Lorenzo de

Florencia, reforma iniciada en
1419, Filippo Brunelleschi. Fachada de Santa María Novella, Leon Templo Malatestiano de Rímini,
Capilla Pazzi, 1441, última Battista Alberti, Florencia, 1458-1470. Alberti, hacia 1450.
obra de Brunelleschi.

Durante el Quattrocento la figura más destacada es Filipo Brunelleschi (Florencia): cúpula de

Santa María de las Flores. Posee una función estética y otra ideológica: representa la unidad
cristiana y tiene su capital artística en Florencia. León Battista Alberti es el gran teórico de la
estética renacentista: Santa María de Novella y San Andrés de Mantua.

En Lombardía se desarrolla un centro en Milán y otro en Venecia. Se caracteriza por su mayor

desarrollo decorativo, con grutescos, relieves y medallones que recuerdan al estilo plateresco o al
estilo ornamental francés. Pietro Lombardo: iglesia de los Milagros, y Giovanni Antonio: capilla
Colleoni de Bérgamo.

El Cinquecento está dominado por Roma, y en menor medida por

Venecia. Los reyes y los papas serán los grandes mecenas. Es en esta
época cuando se fijan los modelos clásicos del Renacimiento.

 La figura más representativa es el Bramante, el auténtico iniciador

de la arquitectura del Cinquecento y el primer arquitecto de San
Pedro del Vaticano. Construye la iglesia de Santa María de la Paz,

Bramante: San Pietro in con una planta octogonal y San Pietro in Montorio.
Montorio (Roma)
En su arquitectura encontramos el orden y la medida entre proporción
de masa y vano.
Roma también domina durante el período manierista. Miguel Ángel
es uno de los grandes arquitectos del momento. Construye la cúpula de San Pedro del Vaticano.
Comienza a utilizar órdenes gigantes, y es el iniciador del manierismo.

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Venecia pasa a ser el centro del arte tras el saqueo de Roma en 1527. El arquitecto más genial y
original fue Andrea Palladio. Inventa el motivo paladiano (un arco entre dinteles) y usa el orden
gigante en el que las columnas abarcan más de un piso. Construye la iglesia del Redentor en
Venecia. Sansovino: cúpula de San Marcos, la Casa de la Moneda.

Palazzo Tè, Mantua. Giulio Cortile (patio) del palacio Pitti, Galería de los Uffizi, Fachada de la iglesia
Romano, 1534. Bartolomeo Ammannati 1558- Florencia, Vasari del Gesù. Giacomo
1570. 1560-1581. della Porta, 1578.

Difusión de la Arquitectura del Renacimiento en Europa

El Renacimiento fue un movimiento prácticamente restringido al universo cultural italiano durante
sus dos primeros siglos de evolución (entre los siglos XIV y XVI, aproximadamente), periodo
durante el cual, en el resto de Europa, sobrevivían estilos arquitectónicos, en general ligados al
gótico o al tardo-románico. Finalmente, en su momento de mayor auge, la estética clásica
renacentista comenzó a difundirse por los diversos países europeos desde su Italia natal, debido a
diferentes motivos: guerras, anexiones de territorio italiano, viajes de los artistas italianos por
Europa para ser contratados por las diversas cortes, etc.

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Francia fue el primer país en acoger con entusiasmo el

estilo renacentista. El Renacimiento llegó a finales del
siglo XV, cuando Carlos VIII regresó en 1496 con
algunos artistas italianos tras la conquista de Nápoles. Es
destacable el uso de dicho estilo en los castillos del Valle
del Loira, cuya primera construcción fue el Castillo de
Amboise (c. 1405), donde Leonardo da Vinci pasó sus
últimos años. El estilo comenzó a ser predominante
Fachada del Palacio del Louvre en durante el reinado de Francisco I (1515-1547). El
París, obra de Pierre Lescot.
Castillo de Chambord (1519-1536) es una combinación
de estructura gótica y ornamentación italianizante, un estilo que desarrollaron arquitectos como
Sebastiano Serlio, que también trabajó después de 1540 en el Castillo de Fontainebleau. Allí,
artistas italianos como Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio, y Niccolò dell'Abbate formaron la
primera Escuela de Fontainebleau. Otros arquitectos, como Philibert Delorme, Jacques Androuet
du Cerceau, Jacopo Vignola o Pierre Lescot, también se inspiraron en las nuevas ideas. Otro
ejemplo es la fachada interior sudoeste del Palacio del Louvre en París, que fue diseñada por Lescot
y cubierta por relieves de Jean Goujon. La arquitectura renacentista aún siguió creciendo con fuerza
bajo los reinados de Enrique II y Enrique III.

España

1ª etapa: Estilo plateresco

Fachada de la Universidad de
Salamanca
En España, el Renacimiento comenzó a insertarse en
las formas góticas en las últimas décadas del siglo XV.
El desarrollo del Renacimiento se produjo
principalmente por arquitectos locales. De esta manera,
se creó una corriente puramente española del estilo,
que se vio influenciada por la arquitectura del sur de
Italia (dominios de la Corona de Aragón en esa época).

Este estilo
español llamado
plateresco,
combinaba las

cio
HISTORIA
Sacra DEL
Capilla ARTE
del Salvador y
Parador de Turismo en Úbeda
 108

nuevas ideas italianas con la tradición gótica española, así como la idiosincrasia local. El nombre
proviene de las extremadamente decoradas fachadas de estos edificios, que se asimilaban al
intrincado y detallista trabajo de los plateros.

2ª etapa: Purismo

Con el paso de las décadas, la influencia del gótico fue desapareciendo, llegándose a alcanzar un
estilo más depurado y ortodoxo, desde el punto de vista del Renacimiento. El purismo se
caracteriza por una mayor austeridad decorativa, que se limita a algunos elementos concretos,
generalmente de inspiración clásica. Hay un cierto cansancio de la exuberancia decorativa a mitad
del siglo XVI y se imponen los edificios de aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos
arquitectos consiguen reciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: tal es
el caso, por ejemplo, de Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón y Pedro de Ibarra.). El
centro de la producción renacentista se localizó en Andalucía con Diego de Siloé (fachada de la
Catedral de Granada y Sacra Capilla del Salvador de Úbeda); Pedro Machuca (Palacio de Carlos
V en Granada), el arquitecto más decididamente clásico; Andrés de Vandelvira (Catedral de Jaén y
de Baeza) y Diego de Riaño (Ayuntamiento de Sevilla).

3ª etapa: Estilo herreriano

A mitad del siglo XVI, la iniciación del Monasterio de San

Lorenzo del Escorial como símbolo del poder de Felipe II de
España por Juan Bautista de Toledo (fallecido en1567) y
Juan de Herrera supuso la aparición de un nuevo estilo, que
se caracteriza por el predominio de los elementos
constructivos, la ausencia decorativa, las líneas rectas y los
volúmenes cúbicos. Significa además la introducción de los
postulados manieristas provenientes de Italia.
Patio de los Reyes y fachada de la Basílica
del Monasterio de El Escorial, de Herrera.
Este estilo bautizado posteriormente como estilo herreriano
en honor de la figura indiscutible de Juan de Herrera, dominó
la arquitectura española durante casi un siglo, y entre sus
seguidores se encuentran figuras tan relevantes como Francisco de Mora, Juan Gómez de Mora o
Juan Gómez de Trasmonte.

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

Los conceptos de la arquitectura y urbanismo de España en el Renacimiento, fueron llevados a las

colonias de América, dónde encontró campo fértil para su difusión dada la urbanización extensiva
que se dio a lo largo de tres siglos y que recibió, también, a estilos posteriores como el Barroco y el
Neoclásico.

ESCULTURA
La escultura renacentista se caracteriza por la
proporción, la simetría y el canon. Lo importante es la
belleza, más que lo que representa. Estudia la
anatomía a través del desnudo y el retrato. Los
protagonistas son el hombre y la naturaleza.

La escultura en el Renacimiento tomó como base y

modelo las obras de la antigüedad clásica y su
mitología, con una nueva visión del pensamiento
humanista y de la función de la escultura en el arte.
Escultura ecuestre de
Bartolomeo Colleoni realizada Como en la escultura griega, se buscó la
en bronce por Verrocchio.
representación naturalista del cuerpo humano desnudo
con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio
meticuloso de la anatomía humana. En Italia
convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros países como España y
Alemania, donde prevaleció el tema religioso[.]

El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes
se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a
Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco
arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los
personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los
sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David[]

Un papel fundamental fue la figura del mecenas, representados por la iglesia y personajes de la
nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda política, y abarcó todos los
temas: religiosos, mitológicos, de vida cotidiana, retratos de personajes, etc.

Camafeo en ágata blanca,

representando a Carlos I, obra
cio italiana del siglo XVI
HISTORIA DEL ARTE
 108

[]

Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana, que se había

olvidado casi por completo durante la Edad Media en la labra de piedra
finas (salvo algunas muestras de arte bizantino), y desde el siglo XVI
se labraron preciosos camafeos de gusto clásico, tan perfectos que, a
veces, llegan a confundirse con los antiguos. No obstante, apenas sí
alcanzó a restablecerse el uso de los entalles de piedra fina, tan
predilectos de las civilizaciones griega y romana. Estos pequeños
relieves sirvieron como modelo, una vez agrandados, para la
decoración por parte de escultores en grandes medallones para palacios de Italia y Francia. []

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ESCULTURA

Miguel Angel: El esclavo moribundo
DEL RENACIMIENTO (Museo de Louvre, Paris)

1. Continuidad con el Arte Clásico y cristiano.

2. Nueva concepción de la escultura, a la que, ahora se considera
capaz de producir placer estético, las formas bellas tendrán valor
en si mismas.
3. El tema principal será el hombre fundamentalmente desnudo,
redescubre la belleza del cuerpo, es por tanto el cuerpo humano
el sujeto central del Arte Renacentista.
4. Las figuras denotan una gran preocupación por la anatomía,
porque desde el humanismo antropocentrista buscan expresar
una belleza sensitiva.
5. También se destaca el triunfo del retrato con grandes dosis de
realismo, ecuestre, funerario.
6. Durante la primera parte del Quattrocento, las estatuas están
hechas para ser vistas, por lo que se presentan en una posición frontal.
7. Presenta como rasgo más significativo la aspiración de conseguir unas obras perfectas desde el
punto de vista formal. Su exponente máximo es miguel ángel.

Composición

 Bulto redondo

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:

... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las
creaciones del hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que sus
miembros están debidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los antiguos
tenían una buena razón para su regla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes
miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.
D'Architectura (siglo I) Vitruvio

La composición de la figura humana se basó en la búsqueda de

la perfección en la anatomía, sobre la que muchos artistas de
esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la práctica
de disecciones para su estudio.

Detalle del rostro del David de Miguel Ángel.

La primera escultura exenta renacentista que mostró la armonía del desnudo fue el David de
Donatello durante el Quattrocento, en la que se apreciaba la influencia del estilo de Praxíteles con
un ligero contrapposto para conseguir el equilibrio en la composición. Durante los siguientes años
los conocimientos sobre la anatomía humana fueron adquiriendo una gran perfección, hasta llegar a
un contrapposto pleno. Las expresiones de los rostros dejaron de ser hieráticas y ausentes para
mostrar sentimientos interiores; la llamada terribilità renacentista (David de Miguel Ángel, hacia
1504). En los grupos escultóricos de carácter religioso se mostraba la combinación del naturalismo
con una intensa expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones que mostraban
los personajes con sus caras deformadas por los gestos de desesperación y dolor, visibles en los
Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y de Niccolò dell'Arca.[17] La escultura fue evolucionando en
su concepción y en las composiciones de sus grupos, hasta llegar a la serpentinata propia del
manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina (Miguel Ángel) o el
Rapto de las sabinas (Giambologna).[18]

 Relieve

En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién

adquiridas leyes de la perspectiva para componer los
fondos de las representaciones, como en la célebre

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

puerta del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica de stiacciato para el altar de San
Antonio en Padua realizados por Donatello. Se componían estructuras arquitectónicas como telón
de fondo, igual que Giotto había hecho en sus pinturas protorrenacentistas. Algunas laudas de
bronce italianas fueron transportadas a España, como la que se encuentra en la catedral de Badajoz
de Lorenzo Suárez de Figueroa.

La escultura flamenca junto con la de países germánicos se desarrolló con un realismo que se
apreciaba en todos los detalles ornamentales, donde el trabajo escultórico se presentaba casi como
una labor de orfebrería que se aplicó en los grandes altares realizados en madera. También en
España, la influencia gótico-flamenca junto conla italiana se recogió en relieves, como el de una de
las puertas de la catedral de Barcelona realizada por el escultor flamenco Michael Lochner y por
Bartolomé Ordóñez de estilo italiano en el trascoro de la misma catedral. Los relieves alrededor de
los sarcófagos solían representar escenas de la vida de los difuntos: su vida, milagros y martirio si
eran religiosos, o la representación de batallas y hechos militares si eran personajes de la nobleza.
Los monumentos funerarios fueron desarrollando diferentes fases de composición, desde la
estructura tradicional de la losa funeraria o la estatua del yacente solitario en su sarcófago empleado
en la época medieval, a las tumbas adosadas enmarcadas por elementos arquitectónicos a la manera
de arco de triunfo, y con un resultado parecido a un retablo, donde en la calle central se encontraba
la urna normalmente con la figura del yacente sobre ella y figuras alegóricas en las calles laterales.
Finalmente se realizaban con la representación de los difuntos en actitud orante propios de España y
Francia[.]

Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco, que representó el cambio de las
formas de decoración en los edificios con elementos escultóricos de estilo principalmente italiano,
no solamente se realizó en la piedra de las fachadas sino también en madera y yeso en los interiores
de los edificios, a base de relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento
(llamados «in candelieri») con grandes escudos heráldicos y putti a su alrededor.

 Busto

Los retratos en forma de busto siguieron siendo

utilizados en el Quattrocento con la nueva concepción
humanística que imponía la representación con gran
parecido físico, pero también con la afirmación de la

cio
HISTORIA DEL ARTE
Busto-retrato de Giuliano de Médici
por Verrocchio (1475-1478).
 108

personalidad del retratado. Según Alberti, el artista debía «caracterizar pero también establecer
relaciones armoniosas». Se realizaron en bronce, terracota policromada y mármol (Donatello,
Verrocchio, Francesco Laurana).

 Estatua ecuestre

La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce ya había sido tratada por los escultores romanos
como el Marco Aurelio emplazado entonces en San Juan de Letrán; también los caballos de bronce
de San Marcos de Venecia sirvieron de modelo para el Renacimiento italiano, y pueden
considerarse inspiradores del Gattamelata de Donatello y del Colleoni de Verrocchio. Los estudios
de Leonardo da Vinci conllevaron un cambio en la representación del caballo, que se colocó
apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo; la idea fue tomada
probablemente de relieves de sarcófagos antiguos. [23]

LOS ARTISTAS MÁS SOBRESALIENTES DE LA ESCULTURA DE LA ÉPOCA DEL

RENACIMIENTO SON:

El Quattrocento es la época de Lorenzo Ghiberti: puertas del baptisterio de Florencia. Resuelve

con originalidad el problema del espacio y la perspectiva, fijando las técnicas clásicas. Donatello es
el más grande escultor del momento. Su contribución más importante la realiza en el campo de la
figura humana: David, Magdalena y Gattamelata. Della Quercia: Fontana Gaia en Siena, Della
Robbia: Tabernáculo de Santa María de Novella.

En el Cinquecento destaca la figura de Miguel Ángel, el gran escultor del Renacimiento. Estudia
los problemas de movimiento y composición. Exalta por igual la fuerza física y la espiritual. La
Piedad, David, Moisés, sepulcro de los Medici. Las últimas obras de Miguel Ángel pertenecen al
manierismo: se exageran las actitudes y se llega al colosalismo de las figuras.

PINTURA
La Gioconda (1503-1506)
por Leonardo Da Vinci. La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte
europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. La pintura de esta
época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica,
el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el periodo medieval y los

comienzos de la Edad Moderna.

En las artes visuales, los logros significativos ocurrieron alrededor del año 1400 tanto en Italia
como al norte de los Alpes. El arte de Masaccio y los escritos de Leon Battista Alberti ayudaron a
establecer la perspectiva lineal y la idealización del cuerpo humano como las ideas principales de la
pintura renacentista italiana a principios del siglo XV. Al tiempo se produjo en el norte la pintura
gótico-flamenca, que también se ha considerado prerrenacentista o renacimiento nórdico. Artistas
flamencos como Jan van Eyck innovaron con la pintura al óleo y composiciones espaciales
intuitivas. El breve Alto Renacimiento (h. 1500–1520), centrado en torno a Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel y Rafael en Florencia y Roma, fue una culminación de los logros italianos, mientras
que artistas como Alberto Durero llegó a un nivel similar de innovación artística e intelectual a la
Europa septentrional.

La pintura del Renacimiento tardío, desde

alrededor de 1520 hasta el final del siglo
XVI, está marcada por varias tendencias
manieristas que se expandieron a partir de
Italia al resto de Francia. La decadencia del
renacimiento se inicia en Italia poco después
Cristo entre los doctores (1548) por el Veronés. de mediado el siglo XVI. Se caracteriza por
la falta o escasez de buenos maestros,
optando los artistas por imitar las obras de
los grandes maestros anteriores en lugar de estudiar la naturaleza para crear sus obras originales. En
el manierismo se exagera el movimiento en las figuras, la expresión es afectada y amanerada o poco
natural de los rostros.

Características de la Pintura en el renacimiento

El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo consiste:

 En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y

de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose
a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

 Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los
mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las
historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la
idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y
hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de
religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del
paisaje tienen mucha importancia.
 Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y
dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la
pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.

La historia moderna de la pintura se inicia con los aportes de los maestros del Renacimiento.
Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que establecerá a
través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el descubrimiento y uso del óleo, una manera
de pintar realista o verista que no se había dado antes.

La Pintura en Italia

Italia fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas

sus manifestaciones, del siglo XV al XVI. La pintura del
Quattrocento se desarrolló primero en Florencia, con la obra de
Fra Angelico y sobre todo de Masaccio, que creó una nueva
sensibilidad, totalmente ajena al gótico. Logra la sensación de
espacio a través del uso metódico de la perspectiva lineal, como
puede verse en la Esta investigación sobre la geometría y la
matemática fue seguida por Paolo Ucello, Andrea del Castagno y
Piero della Francesca y Fra Filippino Lippi. La siguiente
generación de artistas florentinos logró un mayor refinamiento:
Trinidad de Santa María Benozzo Gozzoli, Domenico Ghirlandaio y, sobre todo, Sandro
Novella (h. 1420-1425).
Botticelli.

En la segunda mitad del siglo XV surge una escuela pictórica en el

centro de Italia, preocupada ante todo por crear el espacio en el
que se mueven los personajes de sus cuadros, esforzándose por crear sobre todo paisajes ordenados
y realistas. En Umbría destacó Perugino, maestro de Rafael, así como Pinturicchio y Luca

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

Signorelli. En la misma época, el renacimiento alcanzó el norte de Italia, surgiendo escuelas

regionales de marcada personalidad: Andrea Mantegna es el más destacado pintor de Padua, cuya
influencia llega a la refinada corte de Ferrara, donde trabajaron Cosme Tura y Francesco del Cossa.
Carácter especial presenta Venecia, en contacto constante con oriente, lo que da a este centro
artístico un aire diferente, en el que el color predomina sobre la línea y el paisaje sobre la persona
humana, justo a la inversa de lo que ocurre en Florencia. Los más destacados pintores venecianos de
la época fueron los Bellini, en particular Giovanni Bellini. Trascendente en la evolución del
renacimiento veneciano es la obra de Antonello da Messina, pintor siciliano que se formó en
Flandes y que acabó viviendo en Venecia, aportando la minuciosidad flamenca.

La segunda fase del renacimiento italiano es el Cinquecento, en el que destacan los tres grandes
nombres de la pintura renacentista: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, cuya prodigiosa
labor en la Capilla Sixtina constituye una de las obras cumbres del Renacimiento.

A mediados de siglo, tras la muerte de los grandes maestros, y en medio de una crisis social
generalizado, la pintura se hace manierista, notándose primero en Florencia y Roma con Andrea del
Sarto, Pontormo, Bronzino, Vasari y Volterra. En Parma surge una escuela particularísima cuya
figura más destacada es Antonio Allegri da Correggio, precursor del ilusionismo barroco con su
decoración de la cúpula de la iglesia de San Juan Evangelista de Parma (1520–1523). Su discípulo
Parmigianino representa obras con figuras elongadas, como la llamada Madonna del cuello largo
(1540). Esta es la época en que aparecen los grandes maestros venecianos, con obras plenas de
sensualidad y colorido: Giorgione, Ticiano, Veronés y Tintoretto.

En el siglo XVI, la reforma protestante provoca una progresiva separación entre las provincias
meridionales, católicas, de las septentrionales, protestantes e iconoclastas, en las que se produce
destrucción de pintura religiosa y la autonomía de géneros como el paisaje, el bodegón o la escena
de género. Este proceso que culminó en el siglo XVII se inicia durante el renacimiento.

En Bélgica se produce la paulatina decadencia de Brujas, apreciándose influencia leonardesca en

pintores como Adriaen Isenbrandt y Ambrosius Benson. Creció la Escuela de Amberes, con las
obras de Quintín Metsys, Bernard van Orley y Jan Gossaert, llamado Mabuse. Pueden diferenciarse
dos tendencias:

 romanistas o italianistas, del siglo XVI.

 reaccionarios, del siglo XVI.

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

Escuela de italianistas: se forma con los maestros que habiendo estudiado en las escuelas de Italia
amalgamaron el estilo idealista de ella con el realismo flamenco sin lograr una fusión verdadera y
sin obtener ventajas para uno y otro. Destacan:

 Jan Gossaert, llamado Juan de Mabuse de quien es una Virgen con el Niño en el Museo del
Prado y otra semejante en el de Berlín
 Bernard van Orley, que tiene una Sagrada Familia en el mencionado Museo de Madrid,
quizás demasiado realista.
 Michel Coxcie, discípulo de Orley, autor del Tránsito de la Virgen y de otros cuadros en la
misma colección española.

Joachim Patinir, pues concede gran importancia al reflejo naturalista del paisaje en sus obras. Un
manierismo de influencia miguelangelesca se encuentra en pintores como Hemessen y Marinus.
Cabe mencionar, finalmente, dentro del género del retrato a Antonio Moro.

Escuela de reaccionarios: Contrarios a los italianistas por sistema, surgieron los que por lo mismo pueden
llamarse reaccionarios, artistas llenos de ingenio, poesía y originalidad y muy populares en sus
asuntos. Destaca la familia de los Brueghel, sobre todo, el primero de este nombre Pieter
Brueghel el Viejo, pintor de costumbres aldeanas y que sirve de puente entre la fantasía del Bosco
y la escena de género barroca. Este mismo reflejo realista de la vida cotidiana se puede ver en los
cuadros religiosos de Pieter Aertsen y Joachim Beuckelaer.

La influencia fuera de Italia

En Europa destaca Francia, donde trabajan Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto, que crea la
escuela de Fontainebleau.

En los Países Bajos se sigue notando la influencia flamenca. El Bosco cierra la última fase del
gótico e inicia el Renacimiento. Peter Brueghel, el Viejo: El empadronamiento en Belén. En
Alemania destaca la figura de Alberto Durero: San Juan y san Pedro.

España

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

En la escuela valenciana destacan pintores como Vicente Masip: Bautismo de Cristo, y Juan de
Juanes: Inmaculada Concepción. En la escuela andaluza destacaron Pedro Machuca: Madona del
sufragio, y Luis de Morales: Ecce Homo.

En la escuela castellana destacan pintores como Pedro Berruguete: la capilla de San Pedro en la
catedral de Toledo, Juan de Borgoña: sala capitular de la catedral de Toledo, Sánchez Coello,
pintor de la Corte, y  Navarrete, el Mudo: El martirio de Santiago.

Pero el pintor más genial del momento es el Greco, con sus figuras alargadas, sus imágenes
dramáticas, su color luminoso, luz y color, y el espacio antinatural y sin perspectiva, plenamente
manierista: El caballero de la mano en el pecho, El entierro del conde de Orgaz.

1. Uno de los personajes más sobresalientes del Renacimiento fue Miguel

Ángel. Su trabajo consiste en investigar cuales fueron los aportes que
este hombre dio al Renacimiento y elabore un cuadro resumen.

2. Investigue cuales fueron las causas del Renacimiento y elabore un

cuadro comparativo de cada una de ellas.

AUTOEVALUACION

I.- TIPO COMPLETACION

Instrucciones: Escriba en los espacios en blanco la respuesta que complete el enunciado.

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

1.______________________________ Es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se

produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI.
2.-_____________________________
Comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en
Italia.
3.______________________________
Se desarrolla a partir del siglo XV principalmente en Italia.

4.______________________________
Construyo la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore.
Es la figura más destacada durante el Quattrocento.
5.______________________________
Esta dominado por Roma, y en menor medida por Venecia. Los
6.______________________________ reyes y los papas serán los grandes mecenas. Es en esta época
cuando se fijan los modelos clásicos del Renacimiento.

Es la figura más representativa durante el Cinquecento.

7.______________________________ Construyo la cúpula de San Pedro del Vaticano.

8.______________________________ Fue el primer país en acoger con entusiasmo el estilo

renacentista. El Renacimiento llegó a finales del siglo XV,
9.______________________________ cuando Carlos VIII regresó en 1496 con algunos artistas
italianos tras la conquista de Nápoles.

Se caracteriza por una mayor austeridad decorativa, que se

limita a algunos elementos concretos, generalmente de
10._____________________________
inspiración clásica.

Se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon. Lo

importante es la belleza, más que lo que representa. Estudia la
11._____________________________
anatomía a través del desnudo y el retrato. Los protagonistas
son el hombre y la naturaleza.
II-.TIPO ENUMERACION
Instrucciones: Escriba en los espacios en blanco la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.
1.- Enumere las características del renacimiento:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________ d.__________________________

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

2.- Las etapas del arte renacentista son:

a.____________________________ b.__________________________

3.- Figuras del renacimiento que surgieron en el cinquecento:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________

4.- Elementos constructivos utilizados por la arquitectura renacentista:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________ d.__________________________

e.____________________________

5.- Fases de la arquitectura en el Cinquecento:

a.____________________________ b.__________________________

6.-Enumere los principales representantes de la arquitectura renacentista:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________ d.__________________________

e.____________________________

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

7-. Artistas italianos que formaron la escuela de Fontainebleau:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________

8.- Etapas de la arquitectura renacentista en España:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________

9.- Características de la escultura renacentista:

a._________________________ b.__________________________

c.___________________________ d.__________________________

e.___________________________ f.__________________________

g.___________________________

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

10.- Composición de la escultura renacentista

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________ d.__________________________

11.- Escultores destacados en el Quottrocento:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________ d.__________________________

12-. Características de la pintura del renacimiento:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________
aliano

13-. Pintores destacados en la segunda fase del cinquecento italiano:

a.____________________________ b.__________________________

c.____________________________

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

El arte es la expresión de alma que

desea ser escuchada.

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

4 BARROCO Y ROCOCO

EL ARTE BARROCO

El Barroco fue un periodo de la historia en la

cultura occidental que produjo obras en el campo de
la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura,
la danza y la música, y que abarca desde el año
1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele
situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una
época en la cual la influyente Iglesia Católica
europea tuvo que reaccionar contra muchos
movimientos revolucionarios culturales que
Las Meninas de Velázquez,
produjeron una nueva ciencia y una religión
disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.

Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la
mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un
sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que
posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto
Croce y Eugenio d'Ors.

La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes
en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo.
Proviene de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de
forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en
el dialecto romano con el mismo sentido. También se le llama "barro-coco". Todas ellas significan
lo mismo. Otro interpretación lo deriva del sustantivo "Baroco", usado en tono sarcástico y
polémico para indicar un modo de razonar artificioso y pedante. En ambos casos el término expresa
el concepto de artificio confuso e impuro, de engaño, de capricho de la naturaleza, de extravagancia
del pensamiento.

El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de
énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la
Ilustración (siglo XVIII ). Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte

cio
HISTORIA DEL ARTE
 108

Heinrich Wölfflin (1864-1945), quién identificó al Barroco como oponente al Renacimiento y como
una clase diferente dentro del arte "elaborado".

El Barroco como movimiento cultural

El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la metáfora y la

alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del
renacimiento, aun cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos
países.

El dolor psicológico del hombre, en busca de anclajes sólidos, se puede encontrar en el arte barroco
en general. El virtuosismo fue investigado por los artistas de esta época junto con el realismo. La
fantasía y la imaginación fueron evocadas en el espectador, en el lector, en el oyente. Todo fue
enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente. El
arte se hace entonces menos distante de las personas, solucionando el vacío cultural que solía
guardar.

Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:

 En música sobresalen Antonio Vivaldi, Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel
 En literatura española se encuentran Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas.
En la literatura en español americano destaca principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.
 En pintura italiana están Pietro da Cortona, Caravaggio, y los Carracci
 En la escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini. En la escultura
mexicana, destacó Jerónimo de Balbás.
 En la arquitectura Bernini y Borromini.

Características del arte barroco

Entre las características generales del arte barroco están:

 Su sentido del movimiento, la energía y la tensión.
 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

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HISTORIA DEL ARTE
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 Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y
apariciones milagrosas.
 La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en
el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la
representación correcta del espacio y la perspectiva.
 El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan
en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su
personalidad propia.
 Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los
temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno
de los estilos más arraigados del arte occidental.

Pintura

El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que
salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y
las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Se acude a los temas religiosos,
escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema
nuevo el bodegón.

No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el
eclecticismo.

 El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en

penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano.

 El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una
estética decorativa efectista y teatral.

Características de la pintura

La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:

 Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos
desagradables.

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HISTORIA DEL ARTE
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 Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar
una mayor movilidad y fuerza a las representaciones.
 Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos
luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
 Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos
muy intensamente.
 La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos,
mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a
desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de
“naturaleza muerta”.

Venus del espejo

Las Meninas Crucifixión de San Pedro Joven mendigo

Fresco barroco

Arquitectura
La arquitectura barroca es aquella fase de la historia de la arquitectura europea que vino
precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se
extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.

El término Barroco, derivado del portugués "barueco", "perla de forma irregular", se utilizó en un
primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo.
La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en
líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos
que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los

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Hôtel des Invalides. París. HISTORIA DEL ARTE
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estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los
monarcas que los habían encargado

En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve

escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El
hotel es un tipo de vivienda unifamiliar exenta y rodeada de jardines, Es la típica vivienda burguesa.
El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral.

Existe una nueva concepción del espacio, las plantas adoptan formas caprichosas, en movimiento,
los edificios se cargan de una decoración que invade todos los rincones. Los edificios muestran la
inclinación al lujo y la riqueza.

Las características básicas de la arquitectura barroca son:

 El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo.

 El papel del movimiento y la luz, como elementos determinantes de la misma.
 La creación de espacios dinámicos.
 La creación de nuevas tipologías para edificios concretos.
 El gusto por lo infinito, por lo teatral, y lo efectista.
 La subordinación del resto de todas las artes al todo arquitectónico.
 El uso de la línea curva tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
 utilización de materiales ricos para dar más sensación de ostentación.

Italia
La génesis de la arquitectura barroca está en Italia, con
figuras tan determinantes como Bernini y Borromini.

Tras la hegemonía cultural que tuvo Venecia después del

saqueo de Roma en 1527, esta ciudad vuelve a recuperar
todo su esplendor. Roma es lugar de peregrinación, el
centro del Papado y la Contrarreforma, y el lugar donde se
crea la nueva estética, y las bases del urbanismo moderno y
Iglesia del Gesú. Roma.
racional. Esta vez, Italia es sinónimo de Roma. Las
fachadas se hacen onduladas y ricas en esculturas.

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HISTORIA DEL ARTE
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En Roma trabajan los más grandes arquitectos del Barroco. En el período de transición se distingue
a Carlo Maderno, que destaca por sus edificios religiosos como Santa Susana, Santa María de la
Victoria, y concluye la basílica de San Pedro del Vaticano, y a Giacomo della Porta, sucesor de
Vignola, que hizo la fachada de El Gesú. Maderno es el primer escultor que defiende los ideales
del barroco.

     En el barroco pleno: Gian Lorenzo Bernini, es uno de los formuladores del lenguaje barroco: la
columnata de San Pedro del Vaticano, y el baldaquino donde sitúan las columnas salomónicas.
Utiliza multitud de puntos de vista, la planta central. Construye San Andrés del Quirinal. Francesco
Borromini rompe todas las reglas del clasicismo. Concibe toda la obra como una gran escultura,
ondula los entablamentos y las cornisas, e inventa nuevas formas para los capiteles: San Ivo, La
sapiencia San Carlos de las cuatro fuentes, el Oratorio de san Felipe Neri, palacio Barberini.
Guarino Guarini, trabaja en Turín: San Lorenzo y la capilla del Santo Sudario.

     En el siglo XVIII el barroco evoluciona en dos direcciones. Por un lado existe un retorno a la
simplicidad del siglo XVI, y por otro hacia la exuberancia decorativa del rococó. Bernardo Vittone,
iglesia de las Clarisas de Bra. Ferdinando Fuga, en Nápoles, de estilo rococó, factoría de
porcelana de Capodimonte. Fillippo Juvara: palacio Madama, en Turín.

Francia

Surge un arte majestuoso al servicio del Estado. Los grandes palacios suelen tener un gran cuerpo
alargado y dos alas hacia el jardín. Las cubiertas son de estilo francés, que forman grandes cuerpos
prismáticos, muy altos, en los que se abren buhardillas.

Sobresalieron arquitectos como Salomón Brosse: palacio de Luxemburgo en París, Jacques

Lemercier, que es el arquitecto francés más representativo. Construye la iglesia de la Sorbona, y el
palacio de Richelieu en Poitou; Louis le Vau: hotel Lambert, y François Mansart, a quien se
supone inventor de las guardillas: mansión Laffitte. Pero en Francia destacaron dos proyectos reales
monumentales, el Louvre, en el que trabaja Claude Perrault, y Versalles, en donde trabajan Louis
le Vau, Charles le Brun: escalera de los embajadores y galería de los espejos, Jules Hardouin-
Mansart, que realiza numerosos hoteles: hotel de los Inválidos, y diseña la ampliación del conjunto
de Versalles, una obra maestra que será imitada en todo el mundo, y André le Notre, que diseña los
jardines.

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La estética barroca francesa, se difunde por todo el mundo. En el siglo XVIII se abandona la
severidad y estalla la exuberancia decorativa del rococó. Destacan ahora el italiano Justo Aurelio
Meissonnier: iglesia de San Sulpicio, Germain Boffrand: decoración del hotel Soubisse, y otros
decoradores como Robert de Cotte, Louis Claude Vassé y Jean Berain.

España
Aranjuez.

 En España el barroco se beneficia del mecenazgo del

clero y la nobleza. Es el arte de la Contrarreforma, por
lo que predominarán los edificios religiosos.

En el período del barroco pleno encontramos una mayor

tendencia a la decoración, y a la eliminación de los
elementos herrerianos. Son importantes arquitectos
como Alonso Cano, aunque más conocido como pintor
y escultor es el arquitecto más importante de momento.

 Destacan, Alonso Carbonell: El Buen Retiro, Juan Gómez de Mora: plaza Mayor, la cárcel de la
Corte y Alonso Cano, fachada de la catedral de Granada.

Hispanoamérica

Durante los siglos XVII y XVIII la conquista y dominación de

las Indias llega a su apogeo. Se crean nuevas ciudades y se
reconstruyen las ya existentes.

En la catedral de México, trabajan Claudio Arciniega y Juan

Miguel Agüero. Se convertirá en el paradigma de la
arquitectura colonial. Francisco Becerra levantará la catedral
de Puebla. Francisco Antonio Guerrero y Torres: capilla del
Pocito, en Puebla. En Puebla aparece una escuela barroca muy
activa. Santuarios de Ocotlán en Tlaxcala, y de San Francisco
de Acatepec, dos magníficos ejemplos del rococó.

El barroco en el virreinato del Perú está marcado por el

Catedral de Zacatecas terremoto de Lima de 1746. Francisco Antonio Guerrero y
(México). Detalle de fachada. Torres: catedrales de Lima, Cuzco y Quito. Constantino de

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Vasconcellos: convento de San Francisco. Este es el monumento arquetípico de la arquitectura

limeña. En Arequipa aparecerá una escuela de fuertes reminiscencias indígenas: iglesia de los
jesuitas de Diego Felipe. Muchas obras americanas son de autor anónimo: palacio de los
marqueses de Torre-Tagle.

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Complete el siguiente cuadro comparativo sobre la influencia de la

País
arquitectura barroca: Características Artistas y su aporte

Italia

Francia

España

Hispanoamérica

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ESCULTURA

La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones

arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación
de ciudades en plazas, jardines o fuentes.
En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en
madera, en la llamada imaginería con la que se esperaba despertar la fe
del pueblo.

Los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el

desnudo adquiere particular importancia. Además, la escultura se
vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con
la arquitectura.

Características generales

 La tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en

todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.
 Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la
proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta
dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los
personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
 Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido
con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los
cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e
intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
 Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la
contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas.
 Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.

Italia

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Gian Lorenzo Bernini es el intérprete de la Contrarreforma católica. Pone la escultura al servicio de

la arquitectura. Busca efectos emotivos con el fin de conmover, para lo que emplea el escorzo y las
posiciones violentas y desequilibradas: Apolo y Dafne, baldaquino de San Pedro.

Pietro Bracci: fontana de Trevi, y René Michel Slodtz: San Bruno.

Francia
  El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano,
mitológico y decorativo. Predominan los bustos, las estatuas
ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria.

     Versalles será el centro del arte. François Girardon: Apolo y las
Ninfas, y el sepulcro del cardenal Richelieu. Pierre Puget es el más
barroco por su dramatismo, tensión y la violencia formal.
Andrómeda liberada por Perseo.

Algardi: Degollación de
San Pablo (Iglesia de San
Pablo, Bolonial.

España
La temática tratada es casi exclusivamente religiosa y sólo en el ámbito de la corte se realiza la
escultura monumental. Los temas mitológicos y profanos están ausentes. También se realizan
retablos, donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve.

En la escultura del Barroco español destaca con mucho la imaginería, siendo el material más
utilizado la madera, siguiendo la tradición hispana. En estas obras se utiliza la técnica del estofado y
la policromía. Las figuras son realizadas para iglesias, conventos y para las procesiones de Semana
Santa.

Se extiende el sentido realista, las imágenes aparecen con ricas vestiduras, cabello natural y ojos y
lágrimas de cristal. La finalidad de estas esculturas es provocar una profunda emoción religiosa en
el espectador.

En la escultura barroca española podemos distinguir dos escuelas principales, la Escuela andaluza
y la Escuela castellana.

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En la Escuela castellana, centrada en Valladolid y Madrid, se presenta una escultura

tremendamente realista, cuyas señas de identidad son la talla completa, el dolor y la crueldad con
abundancia de sangre, profundo dinamismo, caricaturización de los personajes malvados, intenso
modelado y unos rostros con fuerte expresividad.
Las grandes figuras de esta escuela son el gallego Gregorio Fernández (1576-1636) que trabajó en
Valladolid, Francisco del Rincón (h.1567-1608), Pedro Vicálvaro y Francisco Salzillo hijo del
Napolitano Nicolas Salzillo que llegó a Murcia a trabajar en el siglo XVI-XVII.

En cambio, en la Escuela andaluza, extendida por Sevilla, Granada, Málaga, Jaén, o Córdoba, se
huye de la exageración del realismo, que se idealiza, predomina la serenidad y las imágenes bellas y
equilibradas con un modelado suave.

Los grandes escultores de esta escuela son Pablo de Rojas, Martínez Montañés (1568-1649), Alonso
Cano (1601-1667), Pedro de Mena (1628-1688), José de Mora (1642-1724), Pedro Roldán, su hija
Luisa Roldán (la Roldana) y Juan de Mesa (1583-1627). Además, José Risueño, Bernardo de Mora,
Pedro Duque y Cornejo, Alonso Gómez de Sandoval, y Remigio del Mármol (1758-1815).

EL ARTE ROCOCÓ

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de
Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que
surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia
del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que
contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

Definición del Arte Rococó

El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha),

elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.

Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección

por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las
piedras marinas y las formas vegetales.

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Parte de la fachada del palacio del Características del Rococó

Márquez de Dos Aguas.
En arquitectura, los edificios mantienen un trazado
externo simple, sin embargo, en el interior la
decoración se desborda. El rococó impone la
acumulación de elementos decorativos basados en
líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha
difusión el gusto chino, que había entrado en
Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y
que decorará los salones occidentales con sus temas
más representativos.

En pintura, los temas más abundantes son las fiestas

galantes y campestres, las historias pastoriles, las
aventuras amorosas y cortesanas. Las
composiciones son sensuales, alegres y frescas,
predominan los colores pasteles, suaves y claros. La
mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

El Rococó se caracteriza por ser excesivamente ornamental; es decir, la decoración es muy

adornada y recargada en sus estilos.

Rococó (música)

Estilo artístico desarrollado en Europa durante buena parte del siglo XVIII, que coexistió con el
barroco tardío y con los inicios del clasicismo. Sus orígenes se encuentran en el ambiente
aristocrático y refinado de la Francia del regente duque de Orleans y en el posterior reinado de Luis
XV, a finales del siglo XVII. Deriva de la suntuosidad decorativa de la arquitectura del palacio de
Versalles y en música se corresponde con el estilo galante. Floreció en Francia entre 1725 y 1775, y
sus máximos representantes fueron en Francia: François Couperin, Jean Philippe Rameau, Louis
Claude Daquin, Johan Schobert, en Alemania Georg Philipp Telemann, Johann Matheson, Carl

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Philipp Emanuel Bach, en Austria Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart y en Italia con
Domenico Scarlatti, Domenico Paradies, Domenico Cimarosa o Rutini, entre otros.

Arquitectura en Centroeuropa

En Austria y Baviera floreció especialmente el estilo rococó. La abadía benedictina de Ottobeuren

(1748-1772), proyectada por Johann Michael Fischer (1692-1766), es tan sólo una de las iglesias,
monasterios y palacios llevados a cabo en este periodo en el centro de Europa, entre los cuales
también destaca la iglesia de peregrinación de los Vierzehnheiligen (1743-1772) cerca de Banz
(Alemania), proyectada por Balthasar Neumann, y el Amalienburg (1734-1739) en el parque del
Nymphenburg, cerca de Munich, del arquitecto bávaro nacido en Flandes, François de Cuvilliés.

Pintura Rococo

El arte rococó, que floreció en Francia y en Alemania a principios del

siglo XVIII, era en muchos aspectos una continuación del barroco,
sobre todo en lo concerniente al uso de la luz y de la sombra, y al
movimiento compositivo. Sin embargo, es un estilo más ligero y
festivo, muy adecuado para la decoración de las residencias parisinas.
Entre los pintores del rococó destaca Jean Antoine Watteau, conocido
por sus pinturas etéreas de enamorados elegantemente vestidos
solazándose en las fêtes galantes (reuniones al aire libre, que estaban
de moda); estas fantasías bucólicas fueron muy emuladas por otros
El columpio (detalle). Óleo de
Jean-Honoré Fragonard (1732-
1806).
artistas franceses. También eran muy populares las escenas mitológicas
y pastorales, en las que aparecían mujeres desenfadadas y distinguidas,
realizadas por François Boucher y Jean-Honoré Fragonard. Por su
parte, J. B. S. Chardin, también destacado como pintor de bodegones,
confería a las mujeres el papel de madre y de ama de casa en sus escenas de género. Como ejemplo
del(detalle).
El columpio estiloÓleo
rococó
de en Alemania está la obra del pintor italiano Giovanni Battista Tiepolo, que pasó
Jean-Honoré Fragonard (1732-
1806). algún tiempo en Wurzburgo; los techos de la sala de la escalera y del salón de recepciones del
palacio episcopal de Wurzburgo están decorados con sus frescos.

Como parangón a la tradición rococó del continente, se

encuentran las obras de tres destacados artistas ingleses
del siglo XVIII. William Hogarth era conocido por sus

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cuadros y grabados de tono moralizante, en los que satirizaba los disparates sociales de su época,
como en su famosa serie (primero pintada y después grabada) Casamiento a la moda (1743), en la
que relata la ruinosa trayectoria de los matrimonios de conveniencia. Thomas Gainsborough y
Joshua Reynolds (Ingleses), siguiendo la tradición establecida por Van Dyck, se centraron en
retratar a la aristocracia inglesa. El vigor y la gracia de estos retratos, y su penetrante interpretación
psicológica, los elevan del simple retrato social a un incomparable registro de las modas y
costumbres de las clases adineradas de la época.

ACTIVIDAD:
Desarrolle el siguiente cuadro comparativo sobre las
características más sobresalientes del Barroco y el Rococó.
BARROCO ROCOCO

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AUTOEVALUACIÓN

I.- TIPO COMPLETACION

Instrucciones: complete los espacios en blanco con la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.

1.______________________________ Fue un periodo de la historia en la cultura occidental que

produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la
pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca
desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente.

Proviene de la palabra portuguesa que significa "perla de

2.______________________________ forma irregular", o "joya falsa".

Identificó al Barroco como oponente al Renacimiento y como

3.______________________________ una clase diferente dentro del arte "elaborado".

4.______________________________ Consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El

fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la

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5.-______________________________ escena queda en primer plano.

Es aquella fase de la historia de la arquitectura europea que

vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó
en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados
del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.
6.______________________________
Es el primer escultor que defiende los ideales del barroco.

Rompe todas las reglas del clasicismo. Concibe toda la obra

7.______________________________
como una gran escultura, ondula los entablamentos y las
cornisas, e inventa nuevas formas para los capiteles.

8.______________________________ Construyeron la catedral de México.

Es el monumento arquetípico de la arquitectura limeña.

9.______________________________

Se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre

10:____________________________ todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades
en plazas, jardines o fuentes.

Nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla

11.______________________________
durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.

Palabras francesas de donde proviene el término Rococó.

12.____________________________
Destacado pintor durante el rococó conocido por sus pinturas
13._____________________________ etéreas de enamorados elegantemente vestidos solazándose
en las fêtes galantes (reuniones al aire libre, que estaban de
moda);

II.- TIPO ENUMERACION

Instrucciones: Coloque en los espacios en blancos la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.
1.- Revalorizaron el término barroco:

a._______________________________ b._____________________________

cioc._______________________________
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2.- Representantes de la música en el barroco:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________

3.- Enumere 4 características del arte barroco:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

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4.- Estéticas para entender la pintura barroca:

a._______________________________ b._____________________________

5.- Enumere 4 características de la pintura barroca:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

6.- Características principales de la arquitectura barroca:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

7.- Características básicas de la arquitectura barroca:

a._______________________________ b._____________________________

c._______________________________ d._____________________________

e._______________________________

8.- Arquitectos sobresalientes de Francia:

a._____________________________ b._____________________________

c._____________________________ d._____________________________

e.____________________________ e.____________________________

f._____________________________ g._____________________________

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9.- Escuelas de escultura barroca en España:

a._____________________________ b._____________________________

10.- Representantes de la música en el rococó:

a._____________________________ b._____________________________

c._____________________________ d._____________________________

e.____________________________ e.____________________________

f._____________________________ g._____________________________

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"No son los golpes ni las caídas las que hacen fracasar
al hombre; sino su falta de voluntad para levantarse y
seguir adelante."

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5 EL ARTE CONTEMPORÁNEO

El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se

ha producido en nuestra época: el arte actual. No
obstante, el hecho de que la fijación del concepto se
hizo históricamente en un determinado momento, el
paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el
Museo Guggenheim Bilbao pasado del espectador contemporáneo.

El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte

puede ser entendido de diferentes maneras:

 Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
 Limitado:

 El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).

 El arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término
historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la
mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las
colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída
del muro de Berlín -1989-,
 El arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como
hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-.

El concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a
nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino
estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas
teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, Arte Independiente.)

Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones, englobándolas en el

concepto conjunto de Arte moderno y contemporáneo.

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HISTORIA DEL ARTE
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Pre moderno, moderno y posmoderno

Interpretación posestructuralista del arte contemporáneo

La teoría posestructuralista ha acuñado el término

"postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la
imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la
originalidad y la novedad (elementos propios de la
modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como
reinterpretaciones, re-significaciones y el giro lingüístico con el
fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto

Fuente. Duchamp, 1917. comunicativo.

Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de la

institución del arte a partir de la obra de Marcel Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano
descontextualizado y exhibido provocativamente como obra de arte (un urinario puesto al revés).
Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta
hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios
del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschenberg, teóricos como Rosalind Krauss y toda
la escuela postestructuralista, que reintrodujeron este pensamiento dentro del main stream
internacional (Normal, Tipico, Convencional, Ordinario).

Las raíces de la modernidad

La modernidad es un concepto polisémico, que se identifica con los valores del Humanismo y el
Renacimiento de los siglos XV y XVI y con la Ilustración del siglo XVIII. Ese contexto histórico y
temporal, en la historiografía anglosajona se denomina Modern Times (Tiempos modernos, que
llegarían hasta la actualidad), mientras que en la historiografía latina (francesa y española) se
denomina Edad Moderna, separada de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su
triple aspecto de Revolución Burguesa, Revolución Liberal y Revolución industrial. La sociedad
preindustrial, rural y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en una sociedad
industrial, urbana y de clases. La expresión artística no fue ajena a un cambio histórico de
semejantes dimensiones.

ACTIVIDAD

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HISTORIA DEL ARTE
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Investiga los conceptos de arte siguientes: Que es, cuáles fueron los principales artistas y sus obras,
incluye imágenes.

Neoclasicismo Academicismo Prerromanticismo

El arte burgués del siglo XIX

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HISTORIA DEL ARTE
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Romanticismo

Tras Revolución francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e intelectuales, en

paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la revolución burguesa y las económicas de
la revolución industrial, que se van a reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX.

Los estilos del siglo XVIII, el neoclasicismo y

el rococó, simultáneos al prerromanticismo,
dieron paso a partir de 1815 (Congreso de
Viena, derrota de Napoleón en la batalla de
Waterloo y Restauración absolutista) al
movimiento romántico, expresado en pintura
con el impactante La balsa de la Medusa de
Gericault, que rompe con las convenciones
La balsa de la Medusa de Gericault
estéticas del buen gusto académico al presentar
en primer plano cadáveres putrefactos de los
que se alimentan unos desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de
las masas en la historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las
tres gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su parte, Turner y William Blake
realizan su propia renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David Friedrich de la
alemana.

Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos para lograr un arte
más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela en un público burgués que sancionará
su éxito con la demanda de su obra en un mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en
los patrones tradicionales (nobleza, clero, monarquía).

Realismo

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HISTORIA DEL ARTE
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Mientras que el realismo literario

(Balzac) surgió como reacción opuesta
a los excesos del romanticismo (el
exagerado exotismo, orientalismo y
medievalismo y el gusto morboso por
lo tétrico de la novela gótica), el
realismo pictórico de Courbet, Corot o
Daumier no significa una reacción en
Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans 1849.
lo formal contra el romanticismo
pictórico, sino que como éste,
continúa profundizando en el alejamiento de la tradición academicista, de la que se ve radicalmente
excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales, produciendo la apertura del Salon des
Refusés, 1863).

No obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de las fantasías y formas poéticas del
romanticismo, y buscan representar la imagen artística de formas perceptivas con caracteres reales,
acercándose más a la realidad. Esa realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al aire
libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras que otros la encuentran especialmente en la
realidad social de lo cotidiano, de lo vulgar y de las clases populares (como lo hizo el naturalismo
literario de Émile Zola).

La mayor parte de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político y social,
vinculándose al naciente movimiento obrero surgido desde la revolución de 1848; otros, en cambio,
como Millet, optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras, postura que comparten
de un modo similar, los nazarenos alemanes y la mayor parte de los prerrafaelitas ingleses.

Simultáneamente, en Inglaterra, el triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba

con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la reivindicación del trabajo manual con el
movimiento Arts and Crafts (artes y oficios) de William Morris, que políticamente se situaba
mucho más a la izquierda que aquellos.

ACTIVIDAD

Investiga los conceptos de arte siguientes: Que es, cuáles fueron los principales
artistas y sus obras, incluye imágenes.

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HISTORIA DEL ARTE
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Prerrafaelismo Escuela Barbizón Arts and Crafts

De la Modernidad a la postmodernidad

Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad

industrial se habían completado en los países más avanzados

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HISTORIA DEL ARTE
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(Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, en el
horizonte de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Había comenzando un nuevo ciclo de la
Revolución industrial (Segunda Revolución industrial), y se estaba formando una sociedad de
consumo de masas presidida en sus aspectos ideológicos por los modernos medios de comunicación
vinculados a cambios tecnológicos (era de la electricidad). La Revolución rusa, los fascismos y la
Crisis de 1929 supusieron graves desafíos al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió
a los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo para las artes (vanguardias
artísticas) y a la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico,
económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a lo que se conoce como sociedad
postindustrial.

Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están en las viejas
culturas euroasiáticas, éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro
en el hombre. Desde las cuevas de Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte tiene
una justificación humana y naturalista.

La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas gigantescas de nuestra época. Por eso los
impresionistas utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae todo aquello que sea
dinámico. Se pinta la luz misma, independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó
separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración ( Brillar con intensidad). Luego, con los
movimientos del siglo XX, el tema acaba desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los
artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y titularán sus cuadros figuras, objeto,
composición, etc.

El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en busca de motivos y personas no

contaminadas con las civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza una sobre
valoración del arte de estas aisladas culturas. Surge en la pintura lo que se ha llamado el ingenuismo
o lo naif, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso nada sorprende que haya interesado
especialmente al pintor de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que también se quieren
englobar dentro de la producción artística. Se penetra en zonas antes vedadas, como el
subconsciente. Se desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y muchos artistas divagan sobre
el problema de la generación (Joan Miró). Existe por tanto, una notoria insatisfacción, y un
inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se observa en las ciencias experimentales.

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HISTORIA DEL ARTE
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En las artes figurativas podemos advertir dos tendencias contrapuestas. Una se erige en
continuadora del viejo arte. Esta tendencia conservadora sigue respetando de la forma y la técnica
como bases inmutables de la producción artística (escultores como Maillol, Bourdelle, Clará,
pintores como Modigliani). La otra tendencia busca la desintegración de la realidad, deseosa de una
especie de liberación de la energía creadora del artista, y llegará incluso a las distintas modalidades
de arte abstracto.

Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a finales del S. XIX. El Impresionismo y el
Postimpresionismo constituyen un punto de
partida para las corrientes del S. XX. Dentro
de las vanguardias históricas, las más
destacadas fueron el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el
constructivismo, el neoplasticismo, el
dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen una
Henry Matisse
serie de elementos comunes en su ideología,
pero no en lo estilístico. Existe una conciencia
de grupo dentro de cada uno de ellos y lo
dejan reflejado en sus respectivos manifiestos.
Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje
expresivo basado en una visión diferente de la
realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El
Impresionismo. Monet
deseo de novedad los lleva a experimentar con
el color, las formas y la composición.

El fauvismo sustituyó la paleta de tonos

naturalistas empleada por los impresionistas
por un fuerte colorido y un dibujo de trazo
muy marcado para crear un mayor énfasis
expresivo. George Braque y Henri Matisse
fueron algunos de sus integrantes.

Los expresionistas valoraron los contenidos y

Henri Matisse
las actitudes emocionales, la expresión del
propio yo, por ello la composición se hace

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HISTORIA DEL ARTE
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desgarrada y el color más violento, con contenidos simbólicos. El primer grupo expresionista se
fundó en Alemania y fue conocido como Die Brûcke (El
Puente). Destacan Emil Nolde, Ernest Kichner, Kart Schmidt
- Rottluft y Erich Heckel. A finales de 1910 se constituyó
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado por Kandinsky,
Franz Mare y El Lissitsky.

El cubismo enfatiza la superficie plana y la

bidimensionalidad del lienzo y propone una forma de
perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista.
En una primera fase, denominada cubismo analítico los
artistas buscaron la descomposición de las formas
tridimensionales en múltiples elementos geométricos a partir
de la fragmentación de elementos cúbicos y proyecciones
planas. En una segunda fase, denominada cubismo sintético,
se desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como
la madera, papeles de periódico, fotografías o plumas se
combinaron con pigmentos planos en la composición del
cuadro. Las obras son más decorativas y las evocaciones
figurativas más explícitas.

Robert Delaunay, Picasso, Juan Gris y Frantisek Kupka son destacados exponentes del cubismo
pictórico y Pablo Gargallo y Julio González de la escultura cubista en España.

Pablo Ruiz Picasso es el pintor más importante del siglo XX. Inventor del Cubismo, mostró a lo
largo de su vida una increíble variedad de estilos aunque en todos es notoria la presencia del
Cubismo.

Nació en Málaga en 1881 y recibió su primera

formación de manos de su padre, catedrático de
dibujo, mostrándose desde muy joven como un
extraordinario dibujante. En 1895 se estableció en
Barcelona donde se formó. Participó en la tertulia
del Café Els Cuatre Gats con otros artistas influidos
por el Neoimpresionismo llegado de París. En 1900

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HISTORIA DEL ARTE
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fijó su residencia en París, recibiendo la influencia del Fauvismo y del divisionismo y regresando
con frecuencia a Barcelona. Pintó sus primeras obras simbolistas de la etapa azul y rosa.

Cuando estalla la guerra civil española, Picasso toma partido por los republicanos. El dolor de la
guerra se refleja en sus pinturas, dentro de los presupuestos del Expresionismo, como Mujer
llorando, de trazos angulosos y violentos y colores ácidos, y el monumental Guernica pintado por
encargo del gobierno republicano español para la exposición de Paris de 1937. El cuadro fue una
denuncia contra la destrucción de la ciudad vasca de Guernica en abril de 1937 por los nazis y se ha
convertido en símbolo del horror de la guerra civil y de todos los crímenes contra la humanidad del
siglo XX. Es un mensaje de terror y resistencia. El Guernica combina formas y técnicas cubistas, en
una serie de planos quebrados blancos, negros y grises, con la simbología del surrealismo y las
deformaciones expresionistas. Introduce motivos de la cultura española, como el toro, seguramente
relacionado con el miedo al minotauro como materialización de lo irracional. Si el toro se identifica
con el fascismo, el caballo agonizante sugiere el tormento del pueblo español.

La Segunda Guerra Mundial hizo que se afiliara al Partido Comunista Francés en 1944. Sus obras
mostraban el sufrimiento de la guerra como El osario, Gato y pájaro y Cráneo de buey.

Después de 1945, se instaló en el sur de Francia y su pintura se volvió más alegre y optimista,
realizando muchos retratos y obras pacifistas como La paloma. También hizo obras de denuncia
como Masacre en Corea, de 1951, inspirada en Goya.

Su visión del arte fue muy personal y libre, cambiando de estilo con frecuencia y mostrando
complejas interconexiones de ideas e invenciones. Se dedicó a la interpretación personal de obras
de los grandes pintores, como Delacroix (Mujeres de Argel), Courbet y especialmente de Las
Meninas de Velázquez. En su vejez siguió manteniendo una extraordinaria actividad, pintando
varios autorretratos y series como El pintor y su modelo o El mosquetero.

Picasso no ha tenido discípulos pero ha ejercido una enorme influencia sobre los pintores
contemporáneos.

Los artistas del futurismo italiano, especialmente Gini

Severini, Humberto Boccini, Carlo Cará y Giacomo Balla,
trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo dinámico

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HISTORIA DEL ARTE
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porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición

rítmica de líneas e imágenes.

El cubismo también influyó en la aparición del arte no figurativo o abstracto. El suizo Paul Klee
produjo algunas acuarelas abstractas. Los artistas rusos como Maliévich, Rodchenko y Vladímir
Tatlin, evolucionaron hacia un arte abstracto construido geométricamente.

De forma paralela a Rusia, en los Países Bajos se produce un movimiento denominado

Neoplasticismo. Sus principios se divulgaron a través de la revista De Stijl, encabezada por Theo
van Doesburg y Piet Mondrian. El método de composición de Mondrian parte de la utilización de
líneas rectas que delimitan rectángulos de colores primarios. Su meta es destacar la
bidimensionalidad de la superficie del lienzo con el fin de expresar su ideal basado en la pureza del
arte, despojado de lo particular y acorde a las leyes universales del equilibrio.

Los surrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la superioridad del
subconsciente y la importancia de los sueños en la creación artística. Trabajaron con un estilo
figurativo Marx Ernst, Salvador Dalí, René Magritte y Van Ray, mientras que a la corriente
abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves Tanguy y Joan Miró.

Tras la II Guerra Mundial surgen las segundas vanguardias. La sociedad de consumo y el

capitalismo se desarrollan, el coleccionismo se dispara y el arte se convierte en un objeto de
especulación. Surge tendencias en contra de estos aspectos, la ironía y el sentido del humor
aparecen en el arte con movimientos como el Pop, mientras que por otra parte se exaltan los
materiales de desperdicio de la sociedad de consumo en el Arte Povera o Nuevo Realismo
Francés. El Arte Conceptual o Minimal nace con la voluntad de intelectualizar el arte, de llegar
directamente al intelecto del espectador y el Expresionismo abstracto de utilizarlo como medio
para exteriorizar los sentimientos del artista.

A partir de 1968 se produce un nuevo cambio en la sociedad y esto será plasmado en la

Postmodernidad.

Arte de la Postmodernidad

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HISTORIA DEL ARTE
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En un primer momento, el
expresionismo, el cubismo, y
todas las vanguardias, tuvieron
que enfrentarse a un público
hostil y reacio. Pero tras la
primera mitad de siglo, estos
movimientos revolucionarios
ganaron prestigio social y fueron
admitidos en las academias. Es lo
que conocemos como el triunfo
de la modernidad.
Arquitectura Postmodernista de Aldo Rossi
A partir de entonces, comenzó a
considerarse la modernidad como
un fenómeno perteneciente al pasado y este sentimiento es lo que se ha llamado Postmodernidad.

El Postmodernismo es, por tanto, lo posterior a lo moderno. Se desarrolla en la década de los 80,
aunque venía gestándose desde los 70. Recoge detalles de obras anteriores, recicla técnicas,
ideologías y temáticas de otros movimientos, pero todo ello, visto con una estética actual. Por
ejemplo, un pintor puede encontrar en los expresionistas alemanes una fuente de inspiración, en el
arte conceptual, o en el minimal art. En la postmodernidad todo vale.

Como la propia sociedad se ha convertido en algo complejo y caótico, al arte, que es un reflejo de la
misma, le sucederá lo mismo. Por tanto, el arte de los últimos tiempos se caracterizará por la
diversidad de las opciones. El mejor ejemplo lo tenemos en la Documenta de Kassel de 1982.

La Documenta era una muestra

colectiva de arte de vanguardia que se
convocaba cada cinco años en la ciudad
alemana de Kassel y que seleccionaba
la nueva vanguardia emergente. En la
edición de 1982, se produjo un gran
cambio, ya que su comisario, Rudi
Fuchs, presentó dicha Documenta como
la del fin de vanguardia. Es decir, que

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HISTORIA DEL ARTE
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en vez de proclamar una tendencia o consagrar un grupo, los mezcló todos, propiciando contrastes
entre generaciones y estilos. Esto rompió la manera de analizar el arte que se tenía hasta ese
momento, dejando de existir un tipo de vanguardia de desarrollo lineal.

David Salle, es una de las figuras más conocidas de la postmodernidad plástica. Utiliza imágenes
pop junto a motivos del comic o de la tradición artística, de los medios de comunicación de masas e
incluso de las revistas eróticas.

Lo que más llama la atención son las imágenes conocidas que aparecen en sus cuadros, por ejemplo,
las de Solana o de Géricault, que dan la sensación de estar intencionalmente mal pintadas. En
cuanto a la composición, parece conscientemente torpe. Las imágenes se superponen unas con otras,
como si el cuadro no terminara de ser considerado como una unidad espacial, sino como una
superficie sobre la que se pueden disponer las imágenes sacadas de otra parte.

A partir de estas citas en las que recoge diversos estilos, realiza obras muy personales, como
Rolando el demoníaco o La peinadora. Otros nombres son Baselitz, Kiefer, Clemente, Chia,
Schnabel, Fischel, Basquiat, Rothenberg.

En España, los pintores más significativos son Guillermo Pérez Villalta y Miguel Barceló. Villalta,
próximo a la nueva figuración, emplea las perspectivas al modo clásico y un mundo de personajes
extraídos de la antigua cultura romana.

Miguel Barceló utiliza una figuración deformada y desenfada, claramente expresionista, que
refuerza con una gran dosis de calidad matérica, para dar a la textura una dimensión trascendente.
Tras su éxito en la Documenta de Kassel de 1982, ha alcanzado gran proyección internacional.

Arquitectura
postmoderna

Es una tendencia arquitectónica

que reacciona, desde mediados de
1970, contra los principios del
movimiento moderno. Presenta
una gran diversidad tanto desde el
punto de vista formal como

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HISTORIA
Arquitectura Postmodernista DEL ARTE
de Aldo Rossi
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teórico, agrupándose bajo esta denominación fenómenos muy dispares. Todos ellos, tienen en
común, la denuncia de los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico y estilo
Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma que la forma es consecuencia de la
función, la planta libre y la desnudez ornamental.

La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida del mundo actual. Los
arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la
diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias
históricas. Los postmodernos emplearán los órdenes clásicos, ya que así contradicen a la
modernidad que los había rechazado, haciendo una llamada burlesca a una cultura pasada.

Las figuras más destacadas son Michael Graves, Charles W. Moore, Robert Ventura o Aldo Rossi.
Ventura propone el edificio anuncio, que se compone de un contenedor en el que se desarrollan las
actividades propias de su función y de una fachada que se levanta como un inmenso cartel
publicitario. Lo que caracteriza a un edificio es la vestimenta, la ornamentación, el interior es
simplemente algo funcional, ya que la comunicabilidad de la arquitectura reside en la fachada.

Aldo Rossi es el más famoso de los teóricos de la postmodernidad. En sus construcciones prima la
repetición y sus formas son monumentales y simples (cúbicas), pero en el exterior, emplea
materiales lujosos y de color y exhibe motivos figurativos e historicistas.

ACTIVIDAD

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HISTORIA DEL ARTE
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Elabora un cuadro comparativo sobre las artes figurativas en la primera mitad del siglo XX

Arte Figurativo Descripción

Fauvismo

Expresionismo

Cubismo

Dadaismo

Neoplasticismo

Surrealismo

AUTOEVALUACION

I.- TIPO COMPLETACION

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HISTORIA DEL ARTE
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Instrucciones: Coloque en el espacio en blanco la palabra o palabras que completen el enunciado.

1._______________________________ Es en un sentido literal, el que se ha producido en nuestra

época: el arte actual.

2.______________________________
Es un concepto polisémico, que se identifica con los valores
del Humanismo y el Renacimiento de los siglos XV y XVI y
con la Ilustración del siglo XVIII.

3._______________________________ Rompe con las convenciones estéticas del buen gusto

académico al presentar en primer plano cadáveres putrefactos
de los que se alimentan unos desesperados náufragos.

Fijará icónicamente el protagonismo de las masas en la

4.-______________________________
historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja
las barricadas de las tres gloriosas jornadas de la revolución
de 1830 en París.

Surgió como reacción opuesta a los excesos del romanticismo

5.______________________________ (el exagerado exotismo, orientalismo y medievalismo y el
gusto morboso por lo tétrico de la novela gótica).

Pasan por un proceso de transformación, cuyos orígenes están

en las viejas culturas euroasiáticas, éstas con una motivación
6.______________________________
religiosa, firme apoyo en la naturaleza y un centro en el
hombre.

Constituyen un punto de partida para las corrientes del S. XX.

7.-______________________________
Sustituyó la paleta de tonos naturalistas empleada por los
impresionistas por un fuerte colorido y un dibujo de trazo
muy marcado para crear un mayor énfasis expresivo.
8.______________________________
Valoraron los contenidos y las actitudes emocionales, la
expresión del propio yo, por ello la composición se hace
desgarrada y el color más violento, con contenidos
simbólicos.
9-______________________________
Enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo
y propone una forma de perspectiva basada en la

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HISTORIA DEL ARTE
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multiplicidad de los puntos de vista.

10._____________________________ Es el pintor más importante del siglo XX. Inventor del

Cubismo, mostró a lo largo de su vida una increíble variedad
de estilos aunque en todos es notoria la presencia del
Cubismo.

11-______________________________
Trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la
superioridad del subconsciente y la importancia de los sueños
en la creación artística.

12._____________________________ Nace con la voluntad de intelectualizar el arte, de llegar

directamente al intelecto del espectador.

Es, por tanto, lo posterior a lo moderno. Se desarrolla en la

década de los 80, aunque venía gestándose desde los 70.
13._____________________________
Recoge detalles de obras anteriores, recicla técnicas,
ideologías y temáticas de otros movimientos, pero todo ello,
visto con una estética actual.
14.______________________________

Era una muestra colectiva de arte de vanguardia que se

convocaba cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel y
que seleccionaba la nueva vanguardia emergente.

15._____________________________

II.-TIPO ENUMERACION
Instrucciones: coloque en los espacios en blanco la palabra o palabras que den respuesta al
enunciado.
1.- Enumere el arte burgués del siglo XIX:

a.______________________________ b._____________________________

c.______________________________ d._____________________________

2.- Tendencias que se pueden advertir en las artes figurativas:

a.______________________________ b._____________________________
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HISTORIA DEL ARTE
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3-. Vanguardias históricas más destacadas:

a.____________________________ b._____________________________

c.____________________________ d._____________________________

e.____________________________ f._____________________________

g.____________________________ h._____________________________

4-. Son fases del cubismo:

a.______________________________ b._____________________________

5-. Destacados exponentes del cubismo pictórico:

a.______________________________ b._____________________________
c.______________________________ d._____________________________

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HISTORIA DEL ARTE
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Si te propones algún día mandar con

dignidad, debes servir con diligencia.

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HISTORIA DEL ARTE
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6 EL ARTE EN HONDURAS

Con una tradición rica en arte y cultura que data de siglos antes de la conquista Española, Honduras
posee innumerables tesoros que van desde las esplendidas ruinas en Copán hasta las pinturas
primitivistas de José Antonio Velázquez, los poemas intensos de Clementina Suarez, las coloridas
danzas folklóricas y las representaciones musicales ejecutadas por jóvenes músicos hondureños.
Iniciaremos un recorrido por el desarrollo de las artes como una forma de manifestación humana de
los hondureños:

Arte Rupestre
El arte rupestre se encuentra en todo el
mundo, y Honduras no es la excepción. A lo
largo y ancho del país, de las remotas áreas de
la Mosquitia a los suburbios de Tegucigalpa,
se encuentra el arte rupestre en farallones,
peñascos y, sobre todo, en abrigos rocosos
grutas no muy profundas formadas por la
erosión causada por los efectos del agua o el
viento.
Arte Rupestre en Santa Helena,
Departamento de La Paz
¿Qué es Arte Rupestre?
El arte rupestre es la representación de formas y figuras sobre la superficie de las rocas.

En Honduras el arte rupestre se manifiesta en dos formas: pinturas y grabados, también

conocidos como "pictografías" y "petroglifos". La mayoría del arte rupestre de Honduras
consiste en petroglifos, los cuales varían de incisiones a líneas superficiales. En las pinturas
comúnmente se observan colores primarios -rojo, amarillo y azul o blanco. Y en ocasiones, las
pictografías y petroglifos se encuentran juntos.
Ambos tipos de arte rupestre muestran una rica gama de imágenes, que varía de sencillas y
complejas formas geométricas a figuras antropomorfas (humanas) y zoomorfas (de fauna).

Las manifestaciones del arte rupestre en Honduras son abundantes:

OROPOLÍ, Depto. de El Paraíso
 

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HISTORIA DEL ARTE
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Los petroglifos de Oropolí se encuentran grabados en distintos puntos de los farallones que
bordean el río Oropolí. En su conjunto representan un gran número de figuras geométricas,
antropomorfas y zoomorfas, estas últimas son imágenes naturalistas o fantásticas. La figura a la
izquierda podría representar un animal ahora extinto o una bestia mitológica. La figura fue
tomado de un farallón que mide tres metros de altura por cinco metros de ancho, cuya superficie
está casi completamente cubierta de un elaborado conjunto de imágenes. La figura que sobresale
parece representar a un personaje importante con tocado y aretes.
 
AYASTA, Depto. de Francisco Morazán
 Las cuatro grutas de Ayasta, cerca de Ojojona, están situadas a lo
largo de un cañón. Dentro de las grutas, se observan una gran
cantidad de figuras antropomorfas, zoomorfas y geométricas que
ilustra la rica visión del artista precolombino. También aquí
algunas figuras parecen llevar un tocado en su cabeza.

YAGUACIRE, Depto. de Francisco Morazán

 Yaguacire está ubicado a unos pocos kilómetros al sur de

Tegucigalpa. Al igual que muchos sitios de arte rupestre, estas tres
grutas están situadas en la parte alta de un afloramiento rocoso, con
una vista que domina un valle. En este sitio las figuras están pintadas,
principalmente de blanco. Las figuras a las que no llega la luz natural,
están cubiertas de un hongo decoloración negra.

Las figuras antropomorfas y zoomorfas llenan las paredes de las grutas.

Muchas se traslapan con figuras anteriores, una puesta sobre la otra. Una
figura es la huella de una mano, cabe destacar que esta imagen es común en el arte rupestre a
nivel mundial.

SANTA ELENA, Depto de Francisco Morazán

 
Santa Elena posee el grabado más complejo hasta
ahora registrado en Honduras: Una serpiente estilizada,

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HISTORIA DEL ARTE
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que se reproduce aquí a tamaño natural. Aunque está ubicado en el centro del país, a unos
kilómetros de Tegucigalpa, este grabado muestra rasgos estilísticos asociados con el arte
mesoamericano y mexicano en especial. Estos elementos incluyen la lengua bífida, las plumas
que salen de la cola y las intrincadas marcas sobre el cuerpo. La serpiente fue representada por
aztecas y mayas en esculturas en piedra y vasijas de barro, en alusión al dios Quetzalcóatl y
Kukulcán respectivamente, mejor conocido como la serpiente emplumada. Las sencillas figuras
y caras humanas contrastan con la complejidad de la serpiente y probablemente fueron grabadas
en otra época.
  
LA PIEDRA FLOREADA, Depto de Colón
 
La piedra floreada yace en el margen del río Kinikisné, exactamente
dentro de los límites de la Reserva de la Biosfera del río Plátano. Este sitio
de arte rupestre consiste, en realidad, en dos peñascos de varios metros de
alto, sobre los cuales fueron grabados figuras individuales. Todas estas
ilustraciones fueron grabadas con líneas claras y bien definidas que
parecen deslizarse sobre la superficie de la piedra. El grabado más
importante es el de tina sierpe, de lengua puntiaguda con púas y con
plumas. El nombre de esta piedra se deriva de las formas aparentemente de flores que se pueden
apreciar.
 
WALPA ULBAN SIRPE, WALPA ULBAN TARA:
Es un sitio petroglifico en la Biosfera del Río Plátano, sus
Foto: Ayunta

muchos diseños dan lugar a diversas interpretaciones.

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HISTORIA DEL ARTE
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Época Prehispánica: Los Mayas

No se han encontrado hoy ejemplos exhaustivos de la pintura prehispánica, como ocurre en otros
países donde se han encontrado paredes enteras con
frescos hechos por los aborígenes. Sin embargo
investigaciones llevadas a cabo en Copan han conducido
al descubrimiento de importantes construcciones
subterráneas, como el palacio Rosalinda y la tumba de la
escalinata Jeroglífica, lo cual reafirma la esperanza de
poderse encontrar frescos más o menos intactos.
Es en la cultura maya de Copan donde encontramos las
muestras de diseño más elaboradas, los ejemplares de una
plasticidad realmente asombrosa. Copan tuvo su propio
estilo cerámico, el llamado Copador, un modelo
policromo de perfectas líneas y de muy finas texturas. Con decorados de un nivel típicamente
plástico, los mayas de copan emplearon siluetas de animales y de personas, lo mismo que diversas
figuras geométricas.

El arte Maya, es un reflejo de su estilo de vida y cultura. Este arte se

manifestaba, en dibujos y pinturas en papel o al fresco, bajo y alto relieves
en piedra, madera, barro, jade, y hueso, así como figurillas de barro. El
proceso técnico de los metales era conocido, pero su escasez los hizo
utilizarlo solo en adornos. La Música era muy apreciada y hay pruebas de
obras teatrales, que se llevaban a cabo en las ceremonias públicas.

La nobleza Maya encargaba trabajos muy finos para sus palacios, y para
acentuar su grandeza, entre éstos, joyerías de Jade y Obsidiana
transportadas  por mercaderes. Tronos grabados, pinturas murales, así como
cerámica policroma con escenas de la vida en las cortes, y por supuesto, Estelas con textos para
ser recordadas por sus hazañas en batalla. La mayoría de figurillas de una extensa variedad, se han
encontrado en tumbas reales. El arte Maya, no era solo para la realeza, como lo atestiguan los
muchos hallazgos en las casas de la gente común.

Arquitectura
La planificación de los centros ceremoniales mayas siguió la topografía y condiciones del terreno,

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HISTORIA DEL ARTE
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lo que determinó las diferentes formas y estructuras de las edificaciones. La arquitectura maya
participó de las características generales de las culturas americanas, pero tuvo modalidades
especiales, incluso dentro de su propio estilo (el "arco falso",- bóveda maya-, cresterías o peines,
estelas y altares.,etc). Se registraron varios estilos arquitectónicos como el "estilo de Petén" en
Uxmal; el "estilo Usumacinta:" En Palenque; el "estilo Puuc" de Uxmal, etc. Y, hubo además otro
detalle muy valioso: el de la pintura integrada a la arquitectura.

Escultura
Incluye una gran variedad de manifestaciones: altares, estelas, lápidas, dinteles zoomorfos,
tableros, tronos, jambas, columnas, figuras de bulto y
marcadores de juego de pelota. Sus principales
características son la utilización del relieve, la
monumentalidad en el tratamiento de los temas, el uso del
color en el acabado superficial, la dependencia del ámbito
arquitectónico, la profusión de signos caligráficos y
ornamentales, la relevancia de las líneas curvas y el carácter
abigarrado y escenográfico de la composición. Las estelas
conmemorativas son magníficos trabajos entre los que
destacaremos las de Tikal, Copán, Quiriguá y Cobán. Se
trata de enormes lajas de piedra clavadas verticalmente en el
suelo, en las que los escultores mayas tallaron en
bajorrelieve imágenes del jubileo de sus reyes. Se erigían al
finalizar un periodo temporal concreto, cada cinco y cada veinte años, y en ellas, mediante
jeroglíficos, se narraban los acontecimientos más importantes del reinado. Excelentes son los
dinteles figurativos que flanqueaban las puertas de los palacios y templos de Yaxchilán, los altares
de Piedras Negras y los zoomorfos de Quiriguá, aunque quizá la cumbre de la escultura maya sean
los paneles de los edificios de Palenque. El palacio, y los templos de las inscripciones, el Sol, la
Cruz y la Cruz Foliada, constituyen uno de los mejores ejemplos de cómo el hombre es capaz de
plasmar en piedra su universo religioso.

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HISTORIA DEL ARTE
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EL ARTE DURANTE LA COLONIA EN HONDURAS

Honduras posee una gran riqueza artística e histórica proveniente de los siglos XVI, XVII y XVIII y
creada tanto por artistas españoles, guatemaltecos como hondureños.
A lo largo de la época colonial se dieron importantes manifestaciones artísticas en los géneros
arquitectónico, escultórico y pictórico. A lo largo de la historia del país se desarrollaron centros
poblacionales como Gracias, Comayagua y Tegucigalpa, donde se concentraron obras importantes
de los tres siglos mencionados, traídas de España o Guatemala o hechas por artistas hondureños.
Fue en las primeras ciudades fundadas en Honduras en los años 30 del siglo XVI, que fungieron
como centros de gobierno (Comayagua y Gracias), donde las primeras manifestaciones artísticas
tomaron raíces y vieron su continuidad en los siglos posteriores en tres de los géneros artísticos más
destacados: Arquitectura, Escultura y Pintura.

ARQUITECTURA
En la arquitectura virreinal destaca en primer lugar el arte secular, la construcción de
innumerables iglesias, capillas y ermitas, edificadas por órdenes religiosas como la franciscana o la
mercedaria.
En el siglo XVI se fundaron los conventos y ermitas de los frailes misioneros, su actividad
arquitectónica dejó valiosas iglesias en las ciudades hondureñas como lo ejemplifican las iglesias de
la Merced, San Sebastián, San Francisco, en Comayagua. Estas caracterizan por los sencillos
imafrontes, remates mixtilíneos y la fachada acompañada de las torres del campanario.
Durante el siglo XVIII la influencia de la Ciudad de Guatemala, capital de la Capitanía General, se
extendió hacia el occidente y centro de Honduras, dejando una profunda huella en la arquitectura de
la zona. Es así como surgieron admirables iglesias como la actual Catedral de Comayagua (de
principios de siglo XVIII), las iglesias de San Manuel de Colohete (1721?) y la Campa (1ª. mitad
siglo XVIII), la catedral de Tegucigalpa (1765), junto con otras iglesias, que se distinguen por las
pilastras “almohadilladas” o corrugadas, elemento típico de iglesias antigueñas. Distintivas son
también sus monumentales fachadas de dos o tres cuerpos horizontales, tres calles, sembradas de
pilastras corrugadas, nichos con santos y hermosa ornamentación de estuco con motivos vegetales.
Pesadas y anchas torres de campanario, a la usanza guatemalteca previniendo la acción de los
temblores flanquean estas hermosas fachadas.
Comayagua cuenta con el privilegio de tener cinco iglesias que datan de la época colonial como fiel
reflejo de la espiritualidad religiosa que siempre ha caracterizado a sus habitantes quienes han
logrado conservar sus tradiciones y su fe.

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Además de la imponente Catedral, destaca

también la iglesia La Caridad que fue
construida a finales del siglo XVI para
evangelizar a los mulatos e indios. Tiene una
antigua imagen de Santa Lucía estofada en
oro y plata del siglo XVI, así como un
Nazareno y un San Juan exquisitamente
tallados.
Iglesia de la Caridad
La iglesia y Convento de San Francisco fue
fundada en 1560. En su ética torre se
encuentra la campana más antigua de América donde se lee "Campana la Antoniana, fundida en
Alcalá de Henares en 1460". En su interior sobresalen retablos barrocos salomónicos del siglo
XVIII y hermosas imágenes como la del Nazareno, San Francisco y La Dolorosa talladas en el siglo
XVII.

La Merced fue construida por fray

Iglesia
Gaspar
San Francisco
de Quintanilla en 1550, fue la primera
iglesia de Honduras, inicialmente llamada
Inmaculada Concepción. El retablo mayor
se elaboró en 1820 por el carpintero
Coronado Chávez, quien en 1845 se
convirtió en el presidente de Honduras.
Iglesia La Merced. Posee bellas imágenes del siglo XVII.
Iglesia La Merced.
Por otra parte, la iglesia de San Sebastián
fue construida en 1580. Aquí se puede apreciar un magnífico retablo estilo barroco. En el centro se
encuentra una impresionante imagen de San Sebastián del siglo XVI, con quince flechas de plata
que atraviesan su cuerpo. Aquí se encuentra la tumba del general José Trinidad Cabañas, ex
presidente de Honduras. Fuente: Revista Country Honduras.

La imponente catedral sobresale

majestuosa en el centro de la comunidad.

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Fue inaugurada el 8 de diciembre de 1711 y es considerada el más grande y bello de todos los
templos construidos en el período colonial.
De sus retablos o altares originales sólo han sobrevivido hasta ahora cuatro, tallados en madera y
cubiertos con lámina de oro, pinturas e imágenes.

Iglesia de la Merced, Gracias, Lempira.

Su construcción se inició en 1611, pero tomó

más de treinta años concluirla. Su atractiva
fachada compuesta por dos torres de
campanario y variados motivos decorativos
sumados a los detalles en el interior son una
muestra del estilo barroco americano. En esa
época el Reino de Guatemala, (en aquel
entonces toda Centroamérica teniendo su sede
en el actual país de Guatemala) fue azotado
por varios terremotos, y en el siglo XVIII
hubo tres (1717, 1751 y 1773) que fueron
responsables de la destrucción casi total que sufrieron las construcciones de la ciudad de Guatemala
y de Gracias.

Los historiadores del arte han hecho llamar a las iglesias del reino de Guatemala del siglo XVIII
como “El terremoto barroco” frase que ilustra, por un lado, la forma trágica en que se debatieron las
ciudades afectadas y por otro, las difusiones del estilo barroco de aquel entonces, pues dicho estilo
se mezcló con las creencias lencas y aborígenes.

Iglesia de San Manuel de Colohete, Lempira

Esta gran edificación data de 1721 y

ha sido catalogada como una de las
principales joyas exponentes del
barroco americano; de hecho sus
líneas arquitectónicas son una
muestra de la influencia ejercida por
la ciudad de Guatemala en el siglo

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XVIII. La iglesia construida con adobe, madera y barro en el piso posee una peculiar altura que
alcanza los 15 mts, superando así los 9 a 12 mts que en promedio tienen la mayoría de las
edificaciones religiosas de la región. En la parte posterior se destacan las bóvedas que cubren la
sacristía y el presbiterio, causando especial curiosidad la presencia de cinco gárgolas que se
encuentran en el exterior. Su maravillosa fachada parcialmente policromada, es como un retablo de
tres cuerpos que posee columnas decoradas con motivos florales.

Cada uno de los campanarios posee una cruz de hierro forjado. Se le llama la “Capilla Sixtina” de
Centroamérica, no sólo por su gran riqueza arquitectónica y religiosa, sino por las impresionantes
decoraciones llamativas en su interior.

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Catedral de Tegucigalpa
El templo fue construido entre los años 1765 y 1786 y convertido en catedral en el siglo XIX. A lo
largo del tiempo ha sufrido daños como los que le ocasionó un terremoto en 1823 y que obligaron a
cerrarlo durante unos seis años.
Está dedicado a San Miguel
Arcángel, patrono de
Tegucigalpa. Su estilo es
barroco, que "se caracteriza
básicamente por la
ornamentación cargada, ya que
se trata de un "barroco
centroamericano", propio de
iglesias construidas en esta
región durante la época
colonial. La catedral de
Tegucigalpa tiene,
específicamente, influencias del barroco de México y de la Antigua Guatemala, según apuntes
históricos, y cuenta con ocho pilastras almohadilladas, una de las fachadas más elegantes de
Centroamérica y jardines laterales. La edificación mide unos 60 metros de largo, 11 de ancho y 18
de altura, tiene una sola nave abovedada y su cúpula alcanza los 30 metros de altura. Algunos
elementos barrocos del templo de la capital hondureña son las pilastras almohadilladas, cornisas
horizontales, los remates superiores, las espadañas, que es donde se colocan las campanas en la
parte superior, y los campanarios en los laterales de la iglesia. El estilo barroco, "se refleja mucho
más en los altares, que tienen el nivel de detalles mucho más acentuado, más cargado, no sólo en la
forma, sino también en el color, esta iglesia "tiene un alto valor patrimonial y arquitectónico", y es
"una de las más representativas del barroco centroamericano".

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En segundo lugar nos quedan obras de orden militar,

sobre todo en la costa norte del país, donde se construyeron obras defensivas como la fortaleza de
San Fernando de Omoa (fines siglo XVII) y el puesto defensivo de Santa Bárbara en Trujillo,
ambos para defender las costas y sus habitantes de los ataques de piratas y bucaneros.

La Fortaleza de San Fernando de Omoa

es, quizá, el lugar histórico más conocido de
Omoa, y posiblemente, la estructura de
defensa colonial más importante en toda
Centroamérica. En 1759 el rey Fernando VI
de España autorizó la construcción del fuerte,
la cual se terminó en 1775. Fue construido
por los indígenas y algunos de los esclavos
africanos, con el propósito de defenderse de
Fortaleza de San Fernando de Omoa
los piratas.

Es el fuerte más grande de toda

Centroamérica y es el segundo mayor en toda América. Su área es de 4.400 metros cuadrados. En la
entrada se encuentra un gran escudo. En él se ubican 31 bóvedas, de las cuales una era la capilla. En
las otras bóvedas estaban las cocinas, las oficinas administrativas, donde se encontraba el polvorín y
el armero. En la parte de arriba estaban los cañones. Las paredes del fuerte tienen una forma de un
semicírculo, o bien, de un arco y su flecha. Las paredes tienen formas redondeadas para cubrir el
impacto de las olas del mar. La casa de guardia, ubicadas en la parte de arriba, tiene un diseño
barroco.

Hacia 1550 los españoles fundaron la Fortaleza de Santa

Bárbara, sobre una colina desde donde se ve toda la
bahía. Sin embargo era inadecuada para defender la villa

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HISTORIA DEL ARTE
Fortaleza de Santa Bárbara, Trujillo, Colon.
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de los piratas (justamente la reunión más grande de piratas se realizó en las cercanías de esta bahía
en 1683) o rivalizar con las otras potencias colonialistas (Holanda, Francia e Inglaterra). En 1860, el
mercenario William Walker, que había conquistado la vecina Nicaragua, fue finalmente capturado y
ejecutado en Trujillo en uno de los paredones ubicados en la fortaleza. Su tumba es una atracción
turística local.

Fuerte San Cristóbal, Gracias Lempira

Aunque su construcción no data del tiempo de la colonia, representa una impresionante

construcción del periodo independentista de Honduras.

Su forma de estrella con regios

torreones permiten una vista
inmejorable de todo el valle; al
norte se ve la montaña de Puca, al
sur la imponente montaña Celaque,
al este se ven las Iglesias de la
ciudad y, dando vista al sol
poniente, el atrayente camposanto.
Dichos elementos convierten al
Fuerte en una cumbre a visitar.

Construido sobre un pequeño cerro

al lado de la ciudad, aunque no es
colonial, tiene un par de hermosos
cañones donados por el gobierno Español a Omoa, en el departamento de Cortés, siendo estos más
adelante donados a Gracias, Lempira.

Un dato curioso: la tumba del ex-gobernante hondureño Juan Lindo, quien fuera uno de los
máximos impulsadores de la educación hondureña y salvadoreña la encontramos dentro del Fuerte;
su amigo José María Medina, igualmente ex-presidente de la República, construyó esta fortaleza
con fines militares pero también la hizo para colocar los restos de Juan Lindo.

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En tercero, pero no último lugar, aparece la arquitectura civil en edificios para uso público (Casas
de Gobierno) y las casas privadas.
Estas últimas muestran las siguientes
características típicas que embellecen
los poblados y dan su nota folclórica
al país:
 La casa es de una sola planta
con tejado de alero saliente,
 Puerta de entrada centrada,
horcones frente a la fachada
Casa de gobierno en Comayagua
principal, que sostienen el

ancho alero, que protege a sus habitantes del sol y la lluvia.

 El piso puede ser de barro, de tierra y últimamente de ladrillo.
 Un solar o traspatio, muchas veces utilizado como huerto, es parte íntegra de las casas.

Casa de gobierno en Tegucigalpa, 1880-1883

Real Audiencia de los Confines, Gracias, Lempira

Un 16 de mayo de 1544 la Real Audiencia de los

Confines empieza a funcionar en la Villa de
Gracias, organización considerada pionera en la
defensa de los derechos humanos de la gente

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indígena. Gracias, en el departamento de Lempira fue capital del país y en sus inicios se llamó
Gracias a Dios.

La Real Audiencia de los Confines se considera el primer Tribunal de Justicia de Centroamérica;

hoy en día se conserva la fachada original para evocar su esplendor en la época colonial ya que
guarda el escudo del reinado español y dos leones tallados en piedra, cuyo significado es respeto a
la autoridad.

En la arquitectura secular hondureña predomina la técnica del artesonado, que encuentra sus
orígenes en el arte mudéjar (El arte mudéjar es un estilo artístico que se desarrolla en los reinos
cristianos de la Península Ibérica, pero que incorpora influencias, elementos o materiales de estilo
hispano-musulmán, es la consecuencia de las condiciones de convivencia existente de la España
medieval y se trata de un fenómeno exclusivamente hispánico que tiene lugar entre los siglos XII y
XVI, como mistificación de las corrientes artísticas cristianas (románicas, góticas y renacentistas) y
musulmanas de la época y que sirve de eslabón entre las culturas cristianas y el islam.)
Los artesonados se distinguen en
el país por su forma de pirámide
truncada sobre la nave central y
plano en las naves laterales,
sostenido el artesonado por
horcones octogonales, zapatas
ricamente moldeadas, tirantes
labrados con motivos
geométricos, recordando motivos
Antiguo edificio del Banco de Honduras mudéjares, y con frecuencia,
cúpulas octogonales armadas en
madera, como todo el sistema de la techumbre.

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ESCULTURA
La escultura hondureña virreinal es un reflejo de la
profunda religiosidad de la época, expresada en
hermosas esculturas estofadas y en magníficos
retablos, siendo los más finos aquéllos retablos
rococó creados en la segunda mitad del siglo
XVIII, entre los que destacan el retablo mayor de
la Catedral de Tegucigalpa, realizado entre 1775 y
1780 por el escultor guatemalteco Vicente Gálvez,
lo mismo que el retablo de la iglesia de la
Inmaculada Concepción en Danlí. Los motivos
“rocaille” se enlazan entre sí formando el marco
del retablo o sustituyendo por completo los
soportes del mismo.
En cuanto a las imágenes de bulto, los reyes
Retablo de la Catedral de Tegucigalpa
españoles como Felipe II y Felipe IV regalaron
vírgenes y Cristos de gran calidad, a las iglesias de
Comayagua, Santa Lucía o Cedros, surgidas de la mano o escuela de Martínez Montañés o
Francisco de Ocampo, grandes maestros de la escultura sevillana.
Por otro lado, la Escuela de Guatemala alcanzó tal magnificencia
en sus piezas, que tuvieron gran demanda en México y
Centroamérica, poblando los retablos hondureños innumerables
piezas de esta Escuela.
Hasta ahora sólo se conocen tres nombres de escultores y
retablistas hondureños, identificados por el Dr. Martínez Castillo
en los archivos de Guatemala y de la Catedral de Comayagua, se
trata de Nicolás de Arcila, Vicente de la Parra y Simón Sarabia,
quienes trabajaron en algunos retablos de Comayagua.
El estudio de documentos de archivo es una fuente importante
Retablo Iglesia Inmaculada
para la identificación y datación de la escultura virreinal, tareas Concepción, Danli.

que hasta ahora ha sido muy difícil, dado que las piezas no
llevan firma, o por que el estofado original fue re estofado años
después, o la pieza fue mutilada para hacer de sus partes otras piezas nuevas, como lo testimonian

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cabezas, caras, manos o brazos que aparecen ensambladas en algunas imágenes, como en San Jorge
de Ocotepeque. Las acciones de re estofar, reutilizar partes de estatuas por otras imágenes, poner en
el siglo XVIII ojos de vidrio a estatuas del siglo XVII, etc. Son prácticas utilizadas por talladores y
retablistas de la Colonia que se extendieron desde México hasta Sudamérica, pasando por supuesto
por los países centroamericanos.
Junto a las imágenes de bulto se produjeron
imágenes de vestir, a veces con
articulaciones, pero cuyos autores tampoco
son fácilmente identificables, a menos que
Retablo Iglesia Los Dolores,
Tegucigalpa. los archivos revelen nombres en
documentos de contratación de obras.
Otro tipo de expresión escultórica son las
tallas populares, que consisten en esculturas
de bulto las cuales muestran un trabajo
rústico, cuya técnica trata de imitar el
acabado de alguna escultura que por lo
general se encuentra dentro del mismo
templo, como un Santiaguito que imite al Santo Patrón de una iglesia. Por lo general, estas tallas
populares representan al santo patrón y están destinadas a las peregrinaciones por las aldeas y
caseríos de la parroquia.

La escultura era la más grande pasión de Obed Valladares al igual que de Mario Zamora, Jesús
Zelaya y Julio Navarro, quienes le dan a sus formas en bronce, madera y cerámica un alto valor
estético y social. El fundador de la cerámica hondureña fue José Arturo Machado cuyos trabajos son
populares tanto en nuestro país como en el extranjero.

Obed Valladares: Nació en 1952. Ceramista y

Escultor. En 1991 ganó el primer lugar en el Primer
Certamen de Cerámica centroamericana, Belice y
Panamá, celebrado en Costa Rica, con su obra Trillizos
Garífunas. Egresado de la Escuela Nacional de Bellas
artes, donde fungió como catedrático. Realizó estudios
de Restauración y rescate arqueológico de Cerámica
Pre-Colombina y Colonial en Panamá e Italia.

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Es expresionista, ha podido abordar con propiedad desde temas de la

literatura nacional hasta lo histórico y lo étnico. Ha expuesto en Estados
Unidos, Costa Rica y Honduras. Su obra se expone en Guatemala,
Nicaragua, Costa Rica, El Salvador, Bolivia, Holanda, Estados Unidos,
Japón y Honduras. Premio Nacional de Arte Pablo Zelaya Sierra (1993).
Ha realizado varios trabajos de escultura de gran monumentalidad:
Ramón Rosa, Simón Bolívar, mural Comercio Maya y una serie de
esculturas pequeñas en técnicas de bronce, yeso, madera, vidrio, piedra,
mármol, marmolina, arcilla. Falleció en 1994.

Mario Zamora Alcántara: Nacido en Tegucigalpa en 1920, estudió en la antigua Escuela de

Artes y Oficios, hoy Escuela Nacional de Bellas Artes, donde, entre otros maestros, tuvo la guía del
español Alfredo Ruiz Barrera. Colaboró con Ruiz Barrera en el esculpido de dos leones que se
encuentran en la Avenida Lempira, también conocida como la Avenida de los Leones, de San Pedro
Sula,
Tras estudiar en Honduras y Nicaragua, el artista emigró a México en 1944, donde estuvo en la
Academia San Carlos hasta 1948. Posteriormente se graduó de profesor de Artes Plásticas en la
Real Academia de Roma, donde adquirió y desarrollo conocimientos en la técnica de la escultura en
mármol.

Ha expuesto sus obras en México, Estados Unidos y Europa, y

entre los muchos reconocimientos que ha recibido desde los
albores de su carrera, en 1942, figura el Premio Nacional de Arte
"Pablo Zelaya Sierra", otorgado por el Estado hondureño, en
1982. Entre las primeras obras que Zamora Alcántara erigió en
Tegucigalpa, en la década de 1950, están cuatro estatuas en
mármol que representan la Industria, el Trabajo, la Agricultura y
el Comercio, que se encuentran en los bajos del Palacio
Legislativo, sede del Congreso Nacional hondureño.

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A pocos metros, en el vestíbulo del edificio del estatal Banco

Central de Honduras, está el relieve en bronce de la Unión
Centroamericana (1965), de seis por cuatro metros, en el que
cinco hombres con el torso desnudo (que simbolizan a Costa
Rica, El Salvador, Guatemala, Honduras y Nicaragua) levantan
un bloque con una cuerda. Dos de las obras más notorias de
Mario Zamora Alcántara en la capital hondureña, inauguradas
en enero de 1998 con pocos días de diferencia, son el Cristo del
Picacho y una estatua del prócer hondureño Francisco Morazán
(New Orleans - Tremé: Garden of the Americas - General
Francisco Morazán Monument) Cristo del Picacho
Tegucigalpa

Jesús Zelaya con su extraordinario trabajo

ha logrado el reconocimiento a nivel nacional
e internacional por su excelente manejo de
fundición artística del bronce. Pasó dos años
preparándose en talleres de Guatemala, Costa
Rica y en El Salvador con el maestro de
fundición Leónidas Astorga.

Entre los materiales que comúnmente Jesús

“La Florista”
utiliza para sus trabajos artísticos se
encuentran la terracota, el yeso, el mármol, la

“Interrelaciones
”

madera, la piedra, la fibra y por supuesto el bronce. Entre sus obras destacan: “ Atrapada", en la

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que se aprecia a una joven embarazada intentando liberarse de una manta, en reflexión a la
maternidad juvenil. "Interrelacionados", el artista resalta lo importante del contacto entre madre e
hijo. Cabe señalar que todas las figuras están forjadas en bronce.

PINTURA
Están fijadas cuatro etapas en la evolución histórica de la pintura hondureña:
1. La época prehispánica
2. La época Colonial
3. La época pos independiente
4. La época pos reforma liberal

La Honduras de la época colonial es distinta a la del periodo independiente, la que a su vez se

diferencia de la que surgió después de la reforma liberal de 1876, y esta no es exactamente
identificable con la Honduras contemporánea.

La pintura virreinal hondureña hace gala de pinceles de excelente calidad, destacando el también
retablista Blas de Meza y el pintor hondureño José Miguel Gomes, con cierta personalidad
individualizadora y con carácter (1760-1805), de Comayagüela, formado en Antigua Guatemala y
pintor de cámara del obispo Diego Rodríguez de Rivas. Dedicado especialmente a tratar temas
sacros, decoró con acierto la catedral de Tegucigalpa y la ermita de Suyapa, dedicada a la Virgen
Patrona de Honduras, en donde realizó sus obras maestras: San José de Calasanz y, principalmente,
El Nazareno.

Gran parte de los lienzos virreinales fueron creados para las iglesias y conventos hondureños,
formando parte integral de retablos o ilustrando desde sus paredes a los fieles, sobre la vida y obra
de Cristo, la Virgen y los santos. Gran parte de los lienzos fueron realizados por pintores anónimos,
quienes posiblemente eran guatemaltecos, mexicanos y españoles. En el siglo XVI no se
acostumbraba firmar lienzos, a partir del siglo XVII inicia la costumbre de firmar, aún así, hay
sinnúmero de pinturas que no permiten identificar por este medio a su autor, por lo que hay que
recurrir al método de comparación estilística.

JOSE MIGUEL GOMEZ: Pintor del siglo XVIII vecino de la plaza de San Francisco Criollo y
Tegucigalpense integrado a una generación impulsadora de cambios, testigo de grandes
construcciones y de los sueños que lo alimentan en su obra se expresó con el lenguaje propio de la
época la expresión religiosa, relacionando este pensamiento con la visión expresiva del color y el

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misterio de la luz y la sombra evocando las fuentes del pasado

cercano, las virtudes y la estética de la nueva raza mestiza. Es
considerado el más importante pintor hondureño del periodo
colonial.
A raíz de llegada de la independencia los pintores comenzaron a
trabajar en temas más locales, pero no fue hasta la segunda década
del siglo pasado que los artistas hondureños que se habían
capacitado en el exterior, forjadores de la pintura contemporánea
en Honduras como ser Pablo Zelaya Sierra, Confucio Montes de
Oca. Ambos pintores nacieron en 1896 y murieron en plena
juventud, pero dejando una importante aportación al arte en Honduras. Carlos Zúniga Figueroa y
Arturo López Rodezno (fundador de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1940) que comenzó los
que se conoce hoy como la pintura hondureña contemporánea.

PAB
LO ZELAYA SIERRA (1896-1933):
Nació en Ojojona, F. M. Su obra es de
capital importancia porque su propósito
corresponde a una sólida formación
Hermano contra Hermano, 1932
académica que se une a la sincera
búsqueda formal que le permitió conocer
las diferentes orientaciones de la modernidad, distinguiendo la esencia de lo superfluo para elaborar
su propuesta con sobriedad de medios expresivos capaces de condensar su lectura en pocas
palabras.

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Zelaya Sierra regresó a Honduras en Octubre de 1932 y nos deja un retrato de la patria que él
encontró "Hermanos contra Hermanos" que fue su última obra, de composición abierta que reúne
una profunda sensibilidad artística que colinda con un brutal expresionismo donde también está
presente la lección de Francisco de Goya y Joaquín Gutiérrez Solana cuya obra Zelaya conoce.

CONFUCIO MONTES DE OCA (1896-1925): Nació en Tegucigalpa, F. M. Miembro de la

generación del 20 estudió en España, Francia e Italia.
Realizando una obra que se nutrió del romanticismo y el
impresionismo previo a una sólida formación académica
mediante el estudio de sus obras maestras.
En su obra podemos apreciar el desarrollo del género del
paisaje que traduce con una gran sensibilidad del color en
los diferentes países que visitó. La figura humana y el
retrato son otros de sus vertientes para desarrollar un
discurso plástico personal como su obra "El Forjador" que
lo hace merecedor de una medalla de oro en un certamen
europeo. Igual fuerza expresiva tienen sus desnudos y su
última obra "Yo" donde descarga todo su sentimiento y
angustia de su espíritu abatido por la desesperanza de sus
últimos días ya de regreso en su patria donde muere. A pesar de todo Confucio fue congruente con
sus inquietudes de artista sensible y apasionado por el arte como podemos apreciar en toda su obra.

CARLOS ZUÑIGA FIGUEROA (1884-

1964): Nació en Tegucigalpa, F. M.
Pertenece a la generación del 20 de los
artistas nacionales. Estudió en España
donde adquirió una sólida formación
académica, de regreso a Honduras y frente
a un medio hostil para el arte Carlos
Zúñiga supo crear su clima propicio para el
desarrollo del arte, utilizando la
combinación de la técnica litográfica de las
artes gráficas con su vocación de creador e
impulsor de un espacio para el desarrollo

El Mendigo, 1938.
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de la pintura nacional. Se dedicó a la pintura del retrato y otros motivos como la decoración del
Teatro Nacional Manuel Bonilla, que comprendía el legendario telón de boca. Realizó múltiples
exposiciones en Honduras y el extranjero. Autor de más de 300 obras pictóricas falleció en
Tegucigalpa en 1964 dejando un inmenso legado, siendo referente obligado de la historia de las
artes plásticas hondureñas.

ARTURO LOPÉZ RODEZNO (1908-

1975): Nació en Santa Rosa de Copán. Fue el
E
l autor intelectual para la creación de la Escuela
Nacional de Bellas Artes (1940). Formado
G
entre las escuelas de la Habana y París, Luna
u
a propició la pintura mural en donde encuentra
n
la realización, no sólo inspirado en el
c
a Muralismo Mexicano sino también por la
s
gran pintura Maya de Bonapak que se
c
o caracteriza por grandes espacios para llenarlos
de una pintura evocadora y mitificada de la
realidad pasada.
Su obra más característica se puede identificar
por la proximidad de referencias que esta
guarda con la iconografía maya y costumbrista la cual desarrolló mediante la utilización de placas
de cobre esmaltadas, realizando una amplia serie obras en pequeño formato en los que traduce la
cosmogonía de las figuras míticas de los códices mayas, también se destaco por ser un dibujante
excepcional por su factura y diseño.

Los pintores autodidactas abundan en Honduras

especialmente aquellos que se dedican al paisajismo,
Z
como es el caso de José Antonio Velázquez cuyo
a
m trabajo primitivista tiene fama mundial, y cuya obra de
b
San Antonio de Oriente nos permiten identificar la
r
a humildad y el encanto en las aldeas hondureñas, es
n
considerado el primer pintor primitivista de Honduras.
o
Roque Zelaya, Miguel Ardon y Antonio Velázquez
(hijo) mantienen vivo es estilo.

cio
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Los iniciadores del arte en Honduras Carlos Zúniga Figueroa, Max Euceda y Alvaro Canales.
También tenemos la brillante generación de egresados de la Escuela Nacional de Bellas Artes en la
década de los 60, que siendo estudiantes de arte ganaron los premios de ese momento. Entre ellos
debemos mencionarse a Virgilio Guardiola, Aníbal Cruz, junto con Luis H. Padilla, Dino Fanconi,
Lutgardo Molina, Felipe Burchard, Ezequiel Padilla y César Rendón. Además pintores de la talla de
Ricardo Aguilar, Delmer Mejía, Mario Castillo, Gregorio Sabillon, Teresita Fortín, Arturo Luna,
Benigno Gómez, Joel Castillo, Maury Flores, Miguel Ángel Ruiz Matute, Juan Ramón Laínez,
Marco Tulio Acosta, Moisés Becerra y Julio Vizquerra. Sin duda alguna Hondura cuenta con
excelentes representantes de la artes en sus diferentes manifestaciones.

ACTIVIDAD:

Elaborar un cuadro comparativo con la biografías de los principales pintores

hondureños, agrega imágenes.

cio
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AUTOEVALUACION

I.- Tipo Enumeración

Instrucciones: escriba en los espacios en blanco la palabra o palabras que completen el enunciado.

1.- Formas en que se manifiesta el arte rupestre en Honduras:

a.___________________________ b.________________________

2.- Enumere las manifestaciones de arte rupestre en Honduras:

a.___________________________ b.________________________

c.___________________________ d._________________________

e.__________________________ f.__________________________

3.- La escultura maya incluye gran variedad de manifestaciones tales como:

a.___________________________ b.________________________

c.___________________________ d._________________________

e.__________________________ f.__________________________

g.___________________________ h._________________________

i.__________________________ j.__________________________

k.__________________________

a.___________________________ b.________________________
4.- Principales características de la escultura maya:
c.___________________________ d._________________________

e.__________________________ f.__________________________

ciog.___________________________ h._________________________
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5.- Géneros artísticos más destacados en Honduras:

a.___________________________ b.___________________________

c.__________________________

6.- La arquitectura virreinal se destaca por su:

a.___________________________ b.___________________________

c.__________________________

7.-Enumere las principales obras arquitectónicas construidas durante la colonia:

a.___________________________ b.________________________

c.___________________________ d._________________________

e.__________________________ f.__________________________

g.___________________________ h._________________________

8.- Enumere las obras de orden militar:

a.___________________________ b.___________________________

c.__________________________
cio
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9.- Enumere los escultores y retablistas que trabajaron en los retablos de Comayagua:

a.___________________________ b.___________________________

c.__________________________

10-. Enumere los principales escultores hondureños:

a.___________________________ b.___________________________

c.__________________________ d._____________________________

11.- Enumere las etapas de la pintura hondureña:

a.___________________________ b.___________________________

c.___________________________ d.____________________________

12.- Se consideran forjadores de la pintura contemporánea en Honduras:

a.___________________________ b.___________________________

13.- Enumere 4 de los principales pintores hondureños:

a.___________________________ b.________________________

c.___________________________ d._________________________

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II.- Tipo Completación

Instrucciones: complete en los espacios en blanco la palabra o palabras que respondan al
enunciado.

1.-_____________________________ Es la representación de formas y figuras sobre la superficie de

las rocas.
2._____________________________ En su conjunto representan un gran número de figuras
geométricas, antropomorfas y zoomorfas, estas últimas son
imágenes naturalistas o fantásticas.
3._____________________________ Posee el grabado más complejo hasta ahora registrado en
honduras.
4._____________________________ Es un reflejo de su estilo de vida y cultura. Este arte se
manifestaba, en dibujos y pinturas en papel o al fresco,
bajo y alto relieves en piedra, madera, barro, jade, y
hueso, así como figurillas de barro.
5._____________________________
BIBLIOGRAFIA
Primeras ciudades en honduras donde las manifestaciones
artísticas tomaron sus raíces.
6-_____________________________ Tipo de arquitectura se caracterizo por la construcción de
innumerables iglesias, capillas y ermitas, edificadas por
 http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_g%C3%B3tica
órdenes religiosas como la franciscana o la mercedaria.
 http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_g%C3%B3tica
7._____________________________
Fue construida por fray Gaspar de Quintanilla en 1550, fue la
 http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico
primera iglesia de Honduras, inicialmente llamada Inmaculada
 http://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_del_Renacimiento
Concepción.
 http://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_del_Renacimiento
8._____________________________ Esta gran edificación data de 1721 y ha sido catalogada como
 http://es.wikipedia.org/wiki/Barroco
una de las principales joyas exponentes del barroco americano.
Se considera el primer Tribunal de Justicia de Centroamérica;
 http://html.rincondelvago.com/arte-barroco_2.html
9-_____________________________ hoy en día se conserva la fachada original para evocar su
 www.arteespana.com/arterococo .htm
esplendor en la época colonial ya que guarda el escudo del
 http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo
reinado español y dos leones tallados en piedra, cuyo
 http://www.arteespana.com/artecontemporaneo.htm
significado es respeto a la autoridad.
 http://www.arteespana.com/postmodernidad.htm
Es un reflejo de la profunda religiosidad de la época, expresada
10._____________________________
 http://www.ihah.hn/publicaciones/documentos/Artevirreinal.pdf
en hermosas esculturas estofadas y en magníficos retablos.
 http://www.colosuca.com/por-que-colosuca/arquitectura-colonial/
Es considerado el primer pintor primitivista de Honduras.

 http://es.wikipedia.org/wiki/Fortaleza_de_San_Fernando
11._____________________________
 Antología de Pintores hondureños, 2005.
 LOPEZ EVARISTO J, BECERRA LONGINO; Honduras: Visión Panorámica
de su Pintura, Editorial Baktun, Tegucigalpa.

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HISTORIA DEL ARTE
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