GÓTICO

CONTEXTO HISTÓRICO
MOVIMIENTO ARTÍSTICO

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos
siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del
Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde
el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en
el norte de Francia y se expande por todo Occidente.
Coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. El gótico coincide
con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las
universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el
Cister y mendicantes como franciscanos y dominicos), así como la acentuación de
los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la
escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la
Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo
puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía
materialista, la transición del feudalismo al capitalismo).
El periodo gótico representa la culminación del proceso cultural de Occidente. En la
segunda mitad del siglo XII se afirma el florecimiento de las ciudades que han de ser
el motor y el marco para el desarrollo de un estilo que responde fielmente a los
ideales del ciudadano libre. El artista alcanza la plena independencia, accede a la
cultura de los seglares, y la iglesia, manteniendo las esencias de las creencias,
atiende más a su relación con la sociedad, como fundamento de las relaciones con
Dios.

Pintura gótica

En la pintura gótica crece el manejo de la perspectiva, pero manteniendo el eje de

simetría.
La pintura gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Se destacó en las
obras religiosas para representar a Cristo, los santos, los ángeles y las vírgenes,
figuras que se empleaban para decorar las imponentes construcciones
arquitectónicas. Se considera a la pintura gótica como una representación de las
narraciones de la Biblia y los Evangelios.

Entre las principales características de la pintura gótica se destacan:

● Las técnicas de los murales en fresco, la pintura sobre tabla, el temple y el

óleo.
● La representación de la luz y los juegos de contraluces generaban la
sensación de volumen y realismo.
● Las mejoras en las técnicas de la perspectiva.
Escultura gótica

La escultura gótica se caracterizó por representaciones naturales tal como se

percibían en el mundo real, sin aplicar significados simbólicos como sucedía con la
arquitectura y el manejo de la luminosidad.

Entre las principales características de la escultura gótica se destacan:

● El realismo en las figuras y las posturas corporales que no eran tan erguidas
o solemnes como las del Romanticismo.
● La expresión de sentimientos de dolor, ternura, empatía, entre otros, a través
del realismo en la expresión de los gestos.
● El gran nivel de detalle en las representaciones humanas, tanto del cuerpo
como de los accesorios.
● El uso como ornamento de la arquitectura gótica en las columnas y los
parteluces (columnas que se ubican en la mitad de portones o ventanales).
● El uso de técnicas para recrear la profundidad de los objetos y el nivel de los
detalles.
● La manifestación del arte en los retablos (obras que se ubican detrás de un
altar), las miniaturas, los sepulcros y las imágenes de vírgenes y de santos.

El gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante

arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su
subordinación al soporte arquitectónico.
No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la
inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como
institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos
requerimientos, la misma planta de las
iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside
orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del
transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). Sin duda el
principal elemento de continuidad es la concepción intemporal de la obra: en la
mayor parte de las construcciones los estilos se suceden y funden al ritmo de los
siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra que ellos no verán
terminada, ni quizá sus hijos o nietos. En muchas de ellas, incluso se pone en valor
el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o económico (a veces por rivalidad
política) que cuando se inicia no se ha planificado cómo terminar, como es el caso
de las catedrales de Siena y de Florencia.
La mujer, como elemento básico de la sociedad humana, es ensalzada a través del
culto a la Virgen, modelo arquetípico. Por otra parte, la complejidad de la estructura
social determina diversas orientaciones artísticas, con lo que el arte se amplía en
extensión y profundidad. Se sientan los fundamentos de la cultura moderna con la
renovación de los conocimientos científicos, literarios y filosóficos que imparten las
universidad, cada vez más pujantes y con criterios más amplios. Al final de esta
etapa, tres hechos fundamentales señalan los nuevos tiempos: La invención de la
imprenta, los ideales de la cultura italiana renacentista y los descubrimientos
geográficos, aunque múltiples aspectos de la cultura de este período gótico
permanecerán vigentes hasta nuestros días.
Constituye este estilo la expresión más lograda de la evolución cultural, política y
económica de Europa, pues se halla en íntima conexión con el desarrollo de las
ciudades, el acrecentamiento del poder real y la creación de una cultura
secularizada que se libera de la tutela de la iglesia, a lo que responde la creación de
las universidades, abiertas a todos los ciudadanos. Nuevas fuentes de riquezas,
basadas en el conocimiento científico y en la importancia de la "industria" y el
comercio, contribuyen a la creación de una nueva sociedad en la que la
diversificación profesional determina nuevas estructuras sociales, que han
permanecido hasta hoy.
Gracias a estas nuevas estructuras y conocimientos se erigen las grandes
construcciones, fundamentalmente las catedrales, pues es el esfuerzo económico
de todos los ciudadanos y la ciencia y el buen hacer de los artistas lo que permite
llevarlas a buen término.

Arquitectura gótica

El uso del arco ojival permitió distribuir mejor el peso de los techos.
La arquitectura fue la máxima expresión del arte gótico, estuvo basada en el
concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad. El arte gótico nació
de la idea teocentrista en la que Dios era el centro de la realidad y consideraba que
todo lo que conformaba al universo era reflejo de la luz de Dios.
Los elementos de la época con estética gótica resultaron símbolo de la
espiritualidad. En la arquitectura se sumó, además, el desarrollo de nuevas técnicas
sofisticadas para exacerbar el concepto teocentrista, como:

● Las bóvedas de crucería. Consistían en un tipo de techo conformado por un

sistema de bóvedas entrecruzadas que, a su vez, eran atravesadas por arcos
ojivales o de terminación en punta. Este sistema resultaba de soporte para
distribuir el peso de la estructura hacia los pilares.
● Los arcos arbotantes. Consistían en un medio arco construidos en la parte
externa de la edificación y que se apoyaban en los muros laterales.
Resultaban una guía de soporte de las bóvedas interiores.
● El arco ojival. Consistía en la terminación en punta de ventanales y puertas
que acentuaban la sensación de altura. Este ornamento arquitectónico se
empleaba en contraposición geométrica y de manera repetida hacia el
interior, es decir, hacia los límites de la puerta o ventanales.
● Los vitrales. Consistían en extensas paredes de vitrales ubicadas en la mitad
superior de la edificación y contenidas por un sistema de columnas. Los
vitrales tienen colores vivos e imágenes religiosas que reflejaban la luz del sol
hacia el interior, recreando una experiencia emocional y expresionista que
reforzaba el concepto de teocentrismo.
 RENACIMIENTO
CONTEXTO HISTÓRICO
MOVIMIENTO ARTÍSTICO

El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó

el paso del mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que
impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico
como ha querido verse.

Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la Era de los

descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «Era» marca el comienzo de la
expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el
descubrimiento de América por parte de los españoles, lo cual rompe la concepción
medieval del mundo, fundamentalmente teocéntrica. El fenómeno renacentista
comienza en el siglo XIV se trata de un proceso que hunde sus raíces en la alta
Edad Media y va tomando forma gradualmente.

El desmembramiento de la cristiandad con el surgimiento de la Reforma

Protestante, la introducción de la imprenta , entre 1460 y 1480, y la consiguiente
difusión de la cultura fueron uno de los motores del cambio. El determinante, sin
embargo, de este cambio social y cultural fue el desarrollo económico europeo, con
los primeros atisbos del capitalismo mercantil. En este clima cultural de renovación,
que paradójicamente buscaba sus modelos en la Antigüedad Clásica surge el
Renacimiento en Italia.

LOCALIZACIÓN Y EVOLUCIÓN ARTÍSTICA:

1ª ETAPA: tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado

Quattrocento​, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia. La
capital es Florencia

2ª ETAPA: , afecta al siglo XVI, se denomina ​Cinquecento,​ y su dominio artístico

queda referido al ​Clasicismo​ o ​Renacimiento pleno​, que se centra en el primer
cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimiento en las
artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. La capital
es Roma

3ª ETAPA: Este periodo desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica

que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI. Este término fue
acuñado en el siglo XX para diferenciar el periodo del arte europeo (1530-1590)
entre el Renacimiento y el Barroco. Se caracteriza por la distorsión de las figuras, la
creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy vivos. Su
temática es preferentemente fantástica o esotérica así como también se dan temas
eróticos y cortesanos. La plástica y la arquitectura se vuelve caprichosa, extraña,
conceptualmente críptica. Su público es la aristocracia que busca obras en las que
destaque la elegancia formal, el virtuosismo en la ejecución y la búsqueda de una
belleza artificiosa. Se trata en definitiva de un arte frívolo, refinado, lujoso, teatral,
decadente y sensual.

Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de

Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a
mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. Fuera de
Italia, el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos
marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel
de verdaderos transmisores de esta nueva manera.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

● Es un arte naturalista: Se imita a la naturaleza, pero seleccionando lo más

bello que ofrece, encontrándonos una tendencia hacia la idealización.
● Amor a la belleza: Según las teorías platónicas la belleza física refleja la
belleza espiritual. Pero esta belleza idealizada se fundamenta en la
proporción numérica y en la armonía matemática. Esto ya era utilizado en la
antigüedad pero es redescubierto por los maestros del renacimiento.
● La perspectiva: Es la representación racional del espacio con el fin de
construir la realidad natural; es pues una representación tridimensional,
ilusionista, pudiendo conseguirse a través de la perspectiva lineal o
geométrica y la perspectiva aérea.
● En la perspectiva lineal el espacio es concebido de forma unitaria en donde
las diversas partes se distribuyen simétricamente respecto a una línea media,
y en el que los objetos y las figuras se sitúan en función de su distancia a un
punto único, el punto de fuga, en el que convergen todas las líneas. Según
sea esta distancia mayor o menor, aumentará o disminuirá el tamaño del
objeto representado.

La gran revolución llegará con Leonardo Da Vinci, cuando en su tratado “De Pintura”
introduzca una percepción espacial fundada no sobre una concepción geométrica
sino sobre la base de la observación y la experimentación de la realidad. Formula
así la perspectiva aérea que ya no aspira a degradar los objetos en tamaño sino en
nitidez en un intento de captar la atmósfera que se interpone entre ellos (sfumato)
● El arte se somete a las leyes de las matemáticas cómo se traduce en la
adopción de tres principios:
● Particular concepción de la proporción
● Perspectiva
● Predominio de aspectos lineales y geométricos. Así vemos utilizar en sus
composiciones esquemas simétricos y piramidados y en arquitectura las
trazas serán geométricas
● Visión antropocéntrica del mundo: el arte se realiza a la medida del hombre,
siendo el hombre el módulo que sirve de referencia a las construcciones
artísticas. Por último mencionaremos el nuevo papel del artista, se le
considera un creador, tiene ya un status social, se reivindica así para la
pintura, la arquitectura y la escultura el rango de artes liberales (como la
óptica, la geometría o las matemáticas).
● El Renacimiento surge en Italia en el siglo XV mientras que el resto de
Europa continúa el gótico. Las razones son varias: persistencia de la tradición
clásica, mecenazgo de sus múltiples cortes principescas, y una burguesía
rica y ávida de cultura.
● Focos renacentistas en Italia: Florencia, Nápoles, Roma, Venecia, Umbría,
Padua y Ferrara son los más destacados.
 MANIERISMO

CONTEXTO HISTÓRICO
MOVIMIENTO ARTÍSTICO

El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la

tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y
de Rafael (como en la Piedad Rondanini)

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica:

proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.

El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos,
alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere,
en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se
disponen en sentido helicoidal ascendente.

Arquitectura manierista

En la arquitectura manierista, los edificios pierden la claridad de composición y

pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.

En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, auque no cumplen una

función arquitectónica.

La decoración gusta por compartimentar las fachadas de los edificios.

Vignola: escribió el "Tratado de los órdenes", donde estudió los órdenes griegos y
romanos.
Sus obras más importantes son:

Iglesia del Jesús en Roma

Es el modelo de arquitectura de la Contrarreforma, sobre todo de las iglesias de la
Compañía de Jesús.

Tiene planta de cruz latina y el transepto apenas sobresale. Es de nave única con
capillas laterales entre los contrafuertes con poca luminosidad (ideales para la
meditación). Sobre éstas hay una tribuna. En el crucero hay una cúpula.

La fachada la realiza Giacomo della Porta. Es similar a la de Santa María la Novella,

típica de los Jesuitas. Hay dos cuerpos separados por entablamento, pero unidos
por alerones. Tiene frontón con entrantes y salientes (antecedente del barroco). El
interior es decoradísimo.
Villa Caprarola para la Familia Farnesio
Esta villa tiene un patio circular en el centro. Presenta una decoración perfecta de la
arquitectura con los espacios.
Las escaleras externas que corresponden con escaleras interiores son fastuosas
con gran decoración.

Villa Dulia de Roma

Su esquema es parecido al anterior. Existe un juego de diagonales que confluyen en
la puerta principal integrada en el entorno natural.

Destaca la fachada principal, de aspecto más rústico, que juega con las luces y las
sombras, gracias a sus hornacinas, arcos triples con terrazas, etc. Tiene un criterio
palacial.

Andrea Palladio

Era de familia pedrera, y por ello conoce muy bien los materiales. Realiza villas
rurales que suelen ser residencias en el campo de las familias más ricas. Estas
villas tienen planta central cuadrada con cúpula y con pórticos clásicos adelantados.

Sus obras más importantes son:

Villa Rotonda
Tiene planta cuadrada con cúpula central. Dispone de cuatro pórticos laterales (uno
por cada lado). Los pórticos presentan orden jónico más entablamento y frontón.
Otras villas de Palladio son la Villa Foscari del Benetto, la Villa Capra y la Villa
Barbaro.

En la arquitectura religiosa, Palladio fue el arquitecto de:

Basílica de Vicenza
Hace uso simultáneo de columnas a dos escalas causando una trama visual.

La fachada tiene dos alturas. las columnas se prolongan por los dos cuerpos. En
este edificio existe un gran juego de sucesiones de luces y sombras por la
alternancia de los vanos.

San Jorge en Venecia

Edificio de cruz latina con tres naves y cúpula en el crucero. La fachada está
dividida en dos cuerpos. Presenta enormes columnas que abarcan estos dos
cuerpos. Además hay entablamento y frontón.

El Redentor en Veneci
Palladio aplica en este edificio una fachada al estilo de sus villas, usando mármol
blanco y elementos clásicos.

Otras obras de Palladio son la Biblioteca de San Marcos de Venecia, el Teatro

Olímpico en Vicenza (restauración) y el Palacio Chiericati.

Escultura manierista

Algunos de los grandes representantes de la escultura manierista son Benvenuto

Cellini, Juan de Bolonia y la Familia Leoni

Benvenuto Cellini

Cellini fue un magnífico orfebre y un magnífico técnico (dominó todos los

procedimientos). Algunas de sus mejores obras son:

Perseo
Perseo se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto
pedestal y soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio
por la línea abierta (brazo separado).

Se separa ligeramente del clasicismo por la modificación de los cánones. No busca

un ideal sino una pose humana que ofrezca una posición dinámica.

Esta estatua representa el triunfo de los Médicis sobre la República de Florencia.

Salero con Neptuno y Venus
Es una extraordinaria pieza de oro lo que demuestra su categoría también como
orfebre.

Juan de Bolonia

Juan de Bolonia es uno de los más característicos representantes del manierismo.

Algunas de sus obras son:

Estatua de Neptuno (en una plaza de Bolonia.)

Neptuno, desnudo, es esculpido con proporciones monumentales.

Rapto de la sabina
Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se
trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están
desnudos
Mercurio
La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando, de nuevo, una línea
serpenteante. Es una estatua de bronce.

Familia Leoni

Los Leoni (Leone y Pomepeo) pasaron su vida en la Corte de Felipe II. Algunas de
sus obras fueron el Sepulcro de Felipe II, el sepulcro del emperador Carlos V y
Carlos V venciendo y aplastando al furor.

Pintura manierista

Correggio

Correggio era natural de Parma. Sus trabajos se caracterizan por los desnudos
sensuales, el brillo frío de sus colores y el hábil manejo de los escorzos además de
la originalidad en el tratamiento de la perspectiva.
El Cisne

Es una composición con paisaje, donde la proliferación de figuras en una especie de

friso.

Las posturas son anti clásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una
línea serpentinata. Existe un gran protagonismo de la luz.

Otra importante obra de Correggio es Júpiter y Antíope

Parmigianino

Su obra más importante es La Madonna del cuello largo. En esta obra las
proporciones son alargadas y se emplean colores convencionales.
 BARROCO
CONTEXTO HISTÓRICO
MOVIMIENTO ARTÍSTICO

La palabra barroco quiere decir "irregular", que conecta con lo "no armonioso".
El contexto histórico del barroco es el de una Europa dominada políticamente por
las monarquías absolutistas, con una sociedad estamental e intervenida por el
Estado. En el plano religioso es un arte muy apegado al catolicismo en una Europa
dividida entre católicos y protestantes.
El barroco nació en Italia y se extendió por toda Europa. Desde España y Portugal
también se extendió a las colonias americanas.
Fue un estilo artístico bastante despreciado por los historiadores modernos por
considerarse anticlásico, igual que había ocurrido con el gótico. Sin embargo ha sido
revalorizado a lo largo del siglo XX, por los artistas de vanguardia.

La variedad de Escuelas Barrocas

Hay tres variantes barrocas:

Barroco católico
Muestra a través de sus obras el triunfo de la Iglesia Católica sirviéndose del lujo y
la riqueza. Pretende demostrar que la Iglesia es la representante de la fe verdadera.
Se da en Italia, España y en el sur de Alemania.

Barroco absolutista
Triunfa en Francia y se sirve de medios similares a los de la Iglesia para expresar el
poder del Estado.

Barroco burgués
Triunfó en los países protestantes (especialmente en Holanda). Destaca la pintura,
de carácter intimista, con escenas de género y retratos que gustan a la clientela
(burguesía).

Características de la Arquitectura Barroca

Dinamismo
Fachada barroca del Santuario de Caravaca de la Cruz. Los claroscuros son
intensisimos.Existe una tendencia a dotar a los edificios de movimiento, empleando
líneas curvas: alternancia de líneas cóncavas-convexas, que dan lugar a fachadas
alabeadas. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes: recta-curva,
claro-oscuro, cerca-lejos en las perspectivas, etc.
Empleo de formas clásicas transformadas
Se siguen utilizando muchos elementos clásicos, pero con un tratamiento diferente:
frontones quebrados, entablamentos quebrados, columnas clásicas, pero no
adosadas, con volumen pleno y columnas salomónicas (muy dinámica, con fuste
retorcido que asciende en sentido helicoidal), se prefiere el óvalo al círculo...

Abovedamientos cupuliformes
Se emplean bóvedas y cúpulas como cubiertas, pero es frecuente que las cúpulas
sean ovaladas.

Profusión de elementos decorativos

Se emplean mucho los relieves que refuerzan el contraste ya citado de claroscuros.

Dentro de esta decoración en relieve destacan los elementos botánicos y las placas
rectangulares.

Tipos de edificios de la Arquitectura Barroca

Religiosos: iglesias.
Civiles: palacios, que se embellecen con jardines y fuentes.
Tanto en las iglesias como en los palacios, el muro no marca el límite, ya que por
medio de espejos o pinturas en las bóvedas se pretende ampliar ilusoriamente el
espacio.

Se concede gran importancia al urbanismo.

REMBRANDT
Vermmer de Delft. La joven de la perla.
 HISTORIA DEL ARTE II
PROF: EMILIA TURON
ALUMNA: ALMIRÓN GISELA SILVANA
2DO AÑO P.A.V
ESCUELA DE ARTE REPUBLICA DE ITALIA
FCIO. VARELA. AÑO 2020